Ana Vallés: “No sé si es mala baba, creo que es amor”

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Ana Vallés, única intérprete de ‘Teatro Invisible’. / Jacobo Bugarín

El Festival Alt de Vigo llega a las trece ediciones, heroicidad en estos tiempos donde todo tiende a desaparecer. Una edición, aunque reducida (del 13 al 16 de marzo), en la que prima el apoyo a la creación contemporánea gallega y la presencia internacional. Y una edición donde destaca también un estreno: Teatro invisible, la nueva pieza de una de las grandes compañías gallegas y españolas, Matarile Teatro, con la que hoy se inaugura el festival. La compañía liderada por Ana Vallés y Baltasar Patiño también estrena en él su pieza Staying alive, trabajo que podrá verse el sábado. Hablamos con su directora y también única intérprete de Teatro invisible, la propia Ana Vallés.

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El Festival Alt, dedicado a la creación gallega y la presencia internacional seguir leyendo aquí

 
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El poder de las luciérnagas

 

Carlos Marqueríe, director de vanguardia y maestro de iluminación, estrena obra en Madrid

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Hoy mismo y mañana viernes, en el patio de la Casa Encendida, se estrena la nueva pieza de uno de los corredores de fondo, en longitud y profundidad, de nuestro teatro de vanguardia: Carlos Marqueríe. La pieza, Entre las luces y las sombras: libertad. Obra que forma parte del ciclo escénico Intermitencias del asombro, inscrito dentro de las actividades que el centro cultural madrileño ha dedicado a la bailarina Loïe Fuller. Con Fuller como excusa, agarrado a Pasolini y con un reparto que es media vida del teatro independiente de los últimos veinticinco años, Marqueríe estrena nueva obra: una dramaturgia de la luz hecha cuerpo y resistencia.

“Antes de empezar a crear la pieza hubo dos trabajos que me han servido como cimiento y que luego he dejado a un lado pero que están. Uno de ellos es el libro del pensador francés Georges Didi-Huberman, Supervivencia de las luciérnagas, y otro es la obra de Pasolini”, comenta Marqueríe. “Todo este tiempo lo he pasado inmerso en Pasolini, leyendo su correspondencia, su libro inacabado La divina Mimesis, viendo películas como El evangelio de San Mateo, Las mil y una noches, Teorema… Su manera de contar visualmente, desde donde mira y desde donde cuenta, su visión política, me tienen atrapado. Además, en el libro Supervivencia de las luciérnagas, en el que el francés contrapone las pequeñas luces del infierno de Dante a la gran luz del Paraíso, hay una bonita correlación con el italiano. Didi-Huberman cuenta como en una carta que le manda Pasolini a su amante de juventud Farolfi, aquel recuerda una noche juntos caminando por el bosque. Y como allí les convocan las pequeñas luces de las luciérnagas frente a las grandes luminarias de la ciudad. La noche es hermosa, beben vino, llega el amanecer y bailan. Esa idea persiste y estructura la obra: la luz del poder, las grandes luminarias, frente a las luces pequeñas, las luces de resistencia hechas de afectos y de relaciones humanas”, explica.

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Comedia negra contra un manipulador

 

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Hoy jueves, en la sala El Sol de York, se estrena Los cuatro de Düsseldorf, comedia negra del dramaturgo y director José Padilla (Santa Cruz de Tenerife, 1976). Padilla lleva un año movido. Premio El Ojo Crítico a su trayectoria teatral en el 2013, premio Réplica en Canarias por su obra Porno Casero, el estreno de su obra Haz click aquí en el CDN y, ahora, este tinerfeño agarrado al texto, al ritmo y al actor, presenta su nueva pieza que surge de una residencia de creación en la sala El Sol de York.

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SUELTO SOBRE LA NUEVA SALA EL SOL DE YORK:

Una sala atípica en Chamberí

Nacida el 20 de diciembre del 2012, esta sala sita en la calle de Arapiles de Madrid, que cuenta con un espacio teatral de nueve por ocho metros y 160 localidades, lleva ya más de un año dando guerra y haciendo las cosas de manera diferente. Su mantra: “Cuidar a las compañías al máximo y al público”.

Centrado en un teatro de autoría y del actor, El Sol de York no se cierra a una línea artística única ni a una sola disciplina. Su ciclo de los lunes dedicado a la música, Gamma Heart: música y arte para la nueva era, va atrayendo poco a poco a un público fiel. Ayer mismo, la sala tuvo la oportunidad de tener a Julia Varley del Odin Teatret en una función única de taquilla invertida (el público paga a voluntad después de haber visto la función). Montajes como Cuando fuimos dos de la compañía Críacuervos que acabó en el Teatro Infanta Isabel, o Los miércoles no existen de Peris Romano ahora en el Teatro Lara, comenzaron andadura en esta sala.

El equipo de la sala es mínimo. Una persona de prensa, dos becarios del Instituto Nacional de Ciencias Musicales y su director Javier Ortiz Arraiza. La sala no cuenta con ninguna ayuda pública, “pedimos una ayuda para rehabilitación de espacios pero no nos la dieron”, explica su director. Desde enero se ha incorporado a la Red de Salas Alternativas. Y tienen por orgullo una máxima: todo actor que se suba al escenario de la sala tiene que tener cubierto lo que estipula el convenio de la unión de actores: 72,94 euros por función. Algo que no se cumple en más del ochenta por ciento de las salas de Madrid y de toda España.

Ahora, han acometido su primera residencia de creación con José Padilla. Cuentan con una compañía residente, Teatro en el Aire, que estará (es el cuarto montaje que muestran en la sala) durante todo el mes de marzo con La piel en el agua, experiencia de teatro sensorial que ha recorrido medio mundo.

Y desde hace poco cuentan con un director artístico asociado, Mariano de Paco, conocido director que ha dirigido en los principales cosos españoles. Javier Ortiz, actor formado en la RESAD, hombre inquieto y ecléctico, afirma: “Trabajo, trabajo y trabajo. Ilusión y trabajo”. Larga vida.

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México se atreve con la insoportable levedad centroeuropea

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El Festival Fringe, aun con las críticas que ha recibido por su condensación de programación al límite (con alrededor de 50 espectáculos en menos de un mes) y su desigualdad cualitativa, sigue dando sus frutos. Esta semana vuelve a la cartelera madrileña una las compañías de las que más se habló en el certamen el pasado julio, la mexicana Vaca 35, pero con nueva obra. Desde hoy y hasta el domingo, en la Sala Kubik Frabrik la compañía Vaca 35 estrenará Casualmente, obra inspirada en el libro Milan Kundera, La insoportable levedad del ser. Kubik recibe esta obra que nació en apartamentos de la capital mexicana y que luego triunfó en el cuarto trasero del teatro que es centro neurálgico de la creación emergente mexicana, el Teatro El Milagro. Obra para 25 espectadores que se hará en uno de los camerinos de la joven sala del barrio de Usera.

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ESTABA LEYENDO A ONETTI

Onetti foto de pasaporte 1939

foto pasaporte 1939, mismo año en que público “El pozo”

 
, volviendo a leer “El pozo”, su primera y corta novela. Todo empezó ayer cuando vi un documental bastante ramplón, por decir algo, que se llama “Jamás leí a Onetti”, y bueno acabé en la cama y luego desayunando leyendo la novela. Hubo un pasaje que me recordó mucho a uno de los textos de la última obra de El Conde de Torrefiel, “La chica de viajes…”, aquel texto que tenía que ver con “el pueblo” y que luego acababa en una soflama austriaca. Todo el texto de la obra juega con la identidad de clase y de nación del españolito. Juego macabro y fragmentado. 

Habría que hablar también de muchas cosas sobre esa obra. De la manera de actuar cuando se dice texto de Tanya Beyeler y Cristina Celada, por ejemplo. Sin mirar al púbico, con el cuerpo preparado y quieto, con el gesto inexpresivo de una sonrisa media, buscando una inflexión y un ritmo. Casi encontrando una manera, una sonoridad propia.

Habría que hablar de la separación meditada de la acción y el texto, de la utilización del sonido… Bueno, yo estaba leyendo a Onetti y rescato este texto del uruguayo que me hizo pensar en Gisbert… Onetti es quizá uno de los más grandes hijos de puta de la literatura en español, su mano (esa que quería estrechar Arguedas, indio que acabó suicidándose, esa que respetaba hasta Rulfo) fue entrenada durante años para no describir o reflejar sino para ir buscando a medida que surgían las palabras en el papel, para ir improvisando una búsqueda a pesar de la trama. Su cabeza, dura y solitaria, dio razones para hoy desdeñar a una literatura hispanoamericana que sigue buscando rendijas de mercado donde venderse. Muríó hace veinte años en una calle muy próxima a la de donde ahora escribo, la calle San Bernardo en Madrid…

Bueno, aquí les transcribo el trozito de “El pozo”:

Conocí mucha gente, obreros, gente de los frigoríficos, aporreada por la vida, perseguida por la desgracia de manera implacable, elevándose sobre la propia miseria de sus vidas para pensar y actuar en relación a todos los pobres del mundo. Habría algunos movidos por la ambición, el rencor o la envidia. Pongamos que muchos, que la mayoría. Pero en la gente del pueblo, la que es pueblo de mane­ra legítima, los pobres, hijos de pobres, nietos de pobres, tienen siempre algo esencial incontamina­do, algo hecho de pureza, infantil, candoroso, recio, leal, con lo que siempre es posible contar en las circunstancias graves de la vida. Es cierto que nunca tuve fe; pero hubiera seguido contento con ellos, beneficiándome de la inocencia que llevaban sin darme cuenta. Después tuve que moverme en otros ambientes y conocer a otros individuos, hom­bres y mujeres, que acababan de ingresar en las agrupaciones. Era una avalancha.
          No sé si la separación de clases es exacta y puede ser nunca definitiva. Pero hay en todo el mundo gente que compone la capa tal vez más nu­merosa de las sociedades. Se les llama “clase media”, “pequeña burguesía”. Todos los vicios de que pueden despojarse las demás clases son recogidos por ella. No hay nada más despreciable, más inútil. Y cuando a su condición de pequeños burgueses agregan la de “intelectuales”, merecen ser barridos sin juicio previo. Desde cualquier pun­to de vista, búsquese el fin que se busque, acabar con ellos sería una obra de desinfección. En pocas semanas aprendí a odiarlos: ya no me preocupan, pero a veces veo casualmente sus nombres en los diarios, al pie de largas parrafadas imbéciles y el viejo odio se remueve y crece.
          Hay de todo; algunos que se acercaron al mo­vimiento para que el prestigio de la lucha revolu­cionaria o como quiera llamarse se reflejara un po­co en sus maravillosos poemas. Otros, sencilla­mente, para divertirse con las muchachas estudiantes que sufrían, generosamente, del sarampión antiburgués de la adolescencia. Hay quien tiene un Packard de ocho cilindros, camisas de quince pe­sos y habla sin escrúpulos de la sociedad futura y la explotación del hombre por el hombre. Los par­tidos revolucionarios deben creer en la eficacia de ellos y suponer que los están usando. Es en el fondo un juego de toma y daca. Queda la esperanza de que, aquí y en cualquier parte del mundo, cuando las cosas vayan en serio, la primera precaución de los obreros sea desembarazarse, de manera de­finitiva, de toda esa morralla.
          Me aparté en seguida y volví a estar solo. Es por eso que Lázaro me dice fracasado. Puede ser que tenga razón; se me importa un corno, por otra parte. Fuera de todo esto, que no cuenta para na­da, ¿qué se puede hacer en este país? Nada, ni dejarse engañar. Si uno fuera una bestia rubia, acaso comprendiera a Hitler. Hay posibilidades pa­ra una fe en Alemania; existe un antiguo pasado y un futuro, cualquiera que sea. Si uno fuera un voluntarioso imbécil se dejaría ganar sin esfuerzos por la nueva mística germana. ¿Pero aquí? Detrás de nosotros no hay nada. Un gaucho, dos gauchos, treinta y tres gauchos.

PD: La foto es de un Onetti joven, recordatorio de esa sección del Perro Paco que estaría bueno recuperar, “Cartas a un joven idiota”. Estaría bueno, yo tengo unas cuentas proposiciones, unos cuantos nombres…

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Objeto teatral no identificado

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-‘La abducción de Luis Guzmán’ llega al ‘hall’ del Teatro Lara tras un exitoso paso por el Fringe.

-La primera obra de Pablo Remón retrara las disfuncionalidades en una familia de provincias.

El próximo miércoles llega al hall del Teatro Lara, nido de dos de los últimos éxitos del teatro madrileño, La abducción de Luis Guzmán, rara avis del teatro madrileño dirigida por el cineasta Pablo Remón. La obra se estrenó en la última edición del Festival Fringe en el Matadero de Madrid. Y tan solo dos funciones suscitaron un boca a boca acelerado y elogioso. La intrahistoria de una familia disfuncional en un pueblo de Castilla la Mancha, de aparente formato teatral realista, asombró por su capacidad de crear un mundo propio, actual e irreal. Un padre ausente, un funeral, dos hermanos opuestos (Francisco Reyes y Emilio Tomé) y un tercer vértice perturbador, la mujer (Ana Alonso), conforman esta historia de abducciones, imposibilidades y fantasmas.

Además, para rizar el rizo, hay duelo de escuelas de interpretación. Francisco Reyes es actor formado en la Real Escuela Superior de arte Dramático (RESAD) pero de desarrollo neoyorquino: sus interpretaciones en teatros como The Duke o 42nd Street Theater y su éxito en Manhattan con el Himmelweg de Mayorga así lo prueban. Emilio Tomé, en cambio, es uno de los valores del teatro de vanguardia patrio, muchos espectadores recuerdan sus aportes como bailarín y actor en los trabajos de Carlos Fernández, Carlos Marquerie, Juan Dominguez o Elena Córdoba. Y por último, Ana Alonso es actriz referente desde el 2004 en quizá el teatro de autor por excelencia de Madrid, La Guindalera de Juan Pastor. Un equipo de actores veteranos y de procedencia muy dispar se dan la mano en esta la primera obra teatral de Remón, cineasta conocido por sus guiones en películas tales como Casual Day o Cinco metros cuadrados. Hablamos con Remón y Tomé sobre esta pieza de teatro que podría resumir su apuesta en la siguiente síntesis: un teatro anclado en la palabra y el actor, en el lenguaje y el silencio, que en cambio se aleja del teatro costumbrista y realista.

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La Tristura se atrinchera en la Pradillo durante tres semanas

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La Tristura cumple 10 años. Su historia es la del siglo XXI español, la del teatro último, 10 años de fijación y de trabajo en una de las aventuras más obsesivas, arriesgadas y, en el buen sentido de la palabra, pretenciosas de nuestro teatro. Desde hoy y hasta el 9 de febrero estarán celebrándolo en el Teatro Pradillo. Mostrarán tres de sus últimas cuatro obras, estrenarán película este viernes en la Cineteca de Matadero, e invitarán a amigos a “hacer” en escena. Amigos tales como Marcos Mora, director de la Veronal y premio nacional de Danza, Pablo Gisbert, director de El Conde de Torrefiel; o gente que proviene del cine como Jonás Trueba, Víctor Iriarte o Gabriel Azorín. Celebración que une al nuevo cine español con el nuevo teatro español. Unión inusual y esperanzadora.

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El festival Escena Contemporánea dice adiós tras 13 años de teatro alternativo


Artículo publicado en El País

El festival Escena Contemporánea de Madrid era ya una cita conocida y seguida por el público madrileño. Durante el mes de enero y febrero las salas alternativas de Madrid organizaban y alojaban este festival por el que ha pasado lo más granado de la creación escénica contemporánea española e internacional. Nombres como La Carnicería, Lengua Blanca, Paulo Castro , el Théàtre Dromesko o L’Alakran han quedado ya en las retinas del público madrileño.

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Micomicón o cómo adentrarse en la memoria

Articulo publicado en El País

Nunca podrá ver a Laila Ripoll, directora y autora de la compañía Micomicón, enarbolar la bandera del teatro histórico o político. Y sin embargo, las tres obras que presenta este mes en la Sala Cuarta Pared han supuesto uno de los teatros artísticamente más comprometidos del panorama teatral del siglo XXI. Su Trilogía de la Memoria, sin alharacas pero con decisión, apunta a tres de las líneas de flotación de este país: el machismo, la iglesia y la educación, y la memoria histórica. Ahí es nada.

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RODRIGO GARCIA NUEVO DIRECTOR DEL CDN DE MONTPELLIER

RODRIGO GARCÍA: “ME CONTRATAN PARA TRANSMITIR EL MISMO ESPÍRITU DE LOS AÑOS 90 EN MADRID”

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El director y dramaturgo Rodrigo García. / Malta Festival, Poznan

Rodrigo García (Buenos Aires, 1964), comenzará a dirigir el Centro Dramático Nacional de Montpellier-Languedoc-Rosellón la semana que viene. Es la primera vez que se elige para este cargo a un creador no francés. El mandato es de cuatro años. La elección se hizo en un proceso complicado con luz y taquígrafos: sobre una lista de 70 creadores que se postularon la ciudad de Montpellier, la Región de Languedoc-Rosellón y el Ministerio de Cultura eligieron a cuatro creadores para que preparasen un proyecto. Y este mismo mes de diciembre saltó la sorpresa: después de las exposiciones exhaustivas de los cuatro creadores y de deliberaciones la Ministra de Cultura francesa, la socialista Aurélie Filippetti, ratificaba a García, creador reputado, producido y exhibido en los grandes teatros de Francia y Europa y una de las figuras más controvertidas en el teatro francés.

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