LA VANGUARDIA SE RECOGE EN LA COCINA

Artículo publicado en El País

imágen cedida por El Conde para su intervención en Nyamnyam

Desde hoy y durante todo el mes de mayo El Conde de Torrefiel intervendrá el espacio cultural Nyamnyam de Barcelona.

Es desde las esquinas desde donde los artistas de investigación escénica están encontrando aliados e interlocutores para poder llevar a cabo sus procesos de creación, procesos que muchas veces no son entendidos ni en sus tiempos ni necesidades por las grandes y no tan grandes estructuras escénicas de creación. Los ejemplos son innumerables. Hoy y durante todo el mes de mayo, sin ir más lejos, en Barcelona podremos asistir a un claro ejemplo: El Conde de Torrefiel, que cuentan con la ventaja y al mismo tiempo el san Benito de ser la nueva esperanza blanca del teatro de vanguardia ibérica, comienza el proceso para su nueva pieza. Su aliado: el espacio Nyamnyam y su ciclo Todo lo que me gusta es inmoral, ilegal o engorda, que invita a esta compañía a intervenir durante un mes el piso franco que este atípico proyecto tiene en la zona industrial del Poble Nou.

El Conde de Torrefiel ha recorrido toda España y parte del extranjero con su última pieza: La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento. En junio estarán actuando en París dentro del Festival Rencontres Choréografiques con su anterior trabajo Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke y a mediados de mes estrenarán nueva pieza en el festival de Manchester Flare Festival , Guerrilla. “Todavía no sabemos qué vamos a hacer, el festival nos propuso trabajar con una quincena de adolescentes y dijimos que sí inmediatamente. Vamos a aprovechar la invitación del Nyamnyam como si fuera una residencia, como han hecho anteriormente artistas como Cristina Blanco o Aimar Pérez Gali”, explica Pablo Gisbert, director junto a Tanya Beyeler de El Conde de Torrefiel. Pero, ¿qué es el Espai Nyamnyam?

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YO ESTUVE ALLÍ

Hoy fui a la presentación de gala de SURGE. Me tocaba estar y quería estar. Era en la sala Nave73. Había mucha gente, bastante tele y bastante radio. Y muchas compañías y salas de los participantes. Vino el presidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio González junto con la consejera Ana Isabel Mariño. Recogieron al presidente en la entrada la compañía de danza Omos Uno que bailaron por el largo pasillo de esta sala y lo condujeron junto con el respetable y la profesión dentro del teatro. Una vez dentro bailaron otro poco. Luego la actriz hizo un pedacito de la obra que presentará en el festival, no he podido indentificar qué montaje…

Ahí se acabó lo “escénico” y salieron Natalia Ortega y Alberto García a presentar el festival, comisarios del asunto. Lo hicieron de manera dinámica, escueta y relajada, como buenos comunicadores. Tras lo cual le tocó a Ignacio González. Un discurso de 17 minutos. Entre otras cosas dijo: que Madrid es la ciudad con mayor nivel teatral de Europa, que hay que rebajar la carga fiscal sobre la cultura, que esto no ha hecho más que empezar y que van a seguir apoyando a SURGE, que nos habíamos levantado con unas cifras de paro en Madrid muy esperanzadoras pero que además el sector teatral dinamizaba y creaba puestos de trabajo… Y las demás cosas al uso sobre el festival. Cuando acabó de hablar un señor se llevó el atril y se hizo esta foto:

Eso fue todo no hubo ninguna pregunta, ni se dio pie, ni ningún periodista hizo ademán de… No hubo canapé, la gente se quedó hablando en el bar de la Nave 73. Eso es todo, no hay más: comienza SURGE.

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EL SURGE NACE CON POLÉMICA

Artículo publicado en El País

La compañía Provisional Danza presenta la obra Tell me en el festival SURGE. / JUAN CARLOS TOLEDO

 El festival de teatro alternativo pretende abrirse a nuevos espacios, pero algunos participantes recelan de un modelo que se apoya en la precariedad.

La primera Muestra de creación escénica SURGE organizada por la Comunidad de Madrid comienza el próximo miércoles, con 444 funciones, 93 estrenos y 31 espacios de pequeño y medio formato. Números apabullantes sustentados en un proyecto de 460.000 euros en el que la Comunidad ha querido abrir la mano e incluir muchos de los nuevos espacios que han surgido en los últimos años en la ciudad, la mitad de los cuales, nunca había recibido ayudas públicas (por ejemplo, La Casa de la Portera o El Sol de York). Sin embargo, el proyecto, que crea un nuevo modelo de política cultural en la ciudad, está generando opiniones controvertidas entre los propios participantes, algunos de los cuales, aun alabando el apoyo, temen ser utilizados políticamente, echan en falta una política cultural sostenible o protestan contra la selección de obras.

El debate, así, es más ideológico que presupuestario, pues la mayoría parece estar de acuerdo con los 160.000 euros que se han dedicado a compañías y salas. El equipo organizador coordinado por Natalia Ortega y Alberto García —figuras relevantes del mundo y la gestión del teatro alternativo—, han sacado adelante un modelo que pretende “abrir el juego”. “Es un proyecto colectivo, están participando salas que nunca habían tenido contacto con la Administración, nuestra labor también ha sido explicarles cómo iba esto. Lo abrimos a muchos espacios y quisieron más de los que pensábamos; eso ha hecho que las ayudas sean menores al tener que repartirlas entre más gente. Pero creo que ahí está lo nuevo como modelo de política cultural, es un proyecto que aglutina, algo que en Madrid en años anteriores no pasaba”, explica García.

Pero entre los propios participantes, varios ya habían votado en contra de entrar en el SURGE desde la Coordinadora madrileña de Salas Alternativas. Por ejemplo, Kubik Fabrik, teatro en el barrio de Usera. Su director, Fernando Sánchez Cabezudo, explica: “Decidimos participar por decisión tomada en la coordinadora, de la que soy vicepresidente, aunque Kubik votó que no. Nos parece un evento insuficiente, sobre todo, por la situación del teatro independiente. Si existen nuevos espacios independientes, pequeños y voluntariosos, es debido a la precariedad y la falta de apoyo. La Comunidad no quiere hablar de esto, quiere hablar de una nueva movida madrileña; estamos inquietos y preocupados, no hacemos este festival para que se nos manipule y para que les vaya bien en las elecciones del año que viene. SURGE me parece un caramelo envenenado”. Cabezudo se queja también de que se gasten 460.000 euros en el festival y las ayudas para salas solo suban de 200.000 a 215.000; este año, después de varios de duros recortes, la partida general de ayudas ha subido un 30%, de 1,25 millones a 1,5 millones.

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DAVID PLANELL SE ESTRENA EN TEATRO CON “BAZAR”

Artículo publicado en El País

La obra del cineasta David Planell inaugura SURGE, la nueva gran muestra de teatro ‘off’ de la Comunidad de Madrid.

El próximo miércoles comienza SURGE. Muestra que dominará el mayo madrileño con 93 estrenos en los más de treinta espacios participantes en este evento organizado por la Comunidad de Madrid y que concluirá el 31 de mayo. Entre la abundante programación de la primera semana  destaca el estreno de Bazar en el Teatro del Barrio, obra del cineasta David Planell, que se ha liado la manta a la cabeza y dirige esta pieza que escribiera hace 15 años. La historia es simple: dos árabes y un “macarra” de Lavapiés quedan para montar un vídeo de una caída en bicicleta para enviar a un concurso de caídas de Youtube.

“Para el montaje producido por Pentación con el que se estrenó la pieza en el año 1997 me sugirieron atenuar un par de momentos oscuros de la obra y potenciar la comicidad con dos o tres momentos más cómicos. Yo, que era joven y dispuesto, y además estaba muy acostumbrado como guionista de televisión y cine a adecuarme, dije que sí. Y aquel montaje era solvente y sólido, lo dirigía Francisco Vidal, pero cuando años después recuperé los derechos tenía claro que quería volver a la versión original, restaurarla como lo que es: una comedia dramática con sus partes oscuras. Poder hacerla ahora en Lavapiés, que es donde ocurre la trama, me pone aún más, es como volver al origen”, explica Planell, conocido por sus trabajos en cine como el largometraje La Vergüenza (2008) o cortometrajes como Ponys (2005).

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EL MOVIMIENTO DE UNA NUEVA ESPECIE

Artículo publicado por El País

El ciclo Sección Irregular del barcelonés Mercat de les Flors emprende su recta final. Recta más que jugosa y que comienza el viernes 25 con un programa donde destaca el estreno de la nueva pieza de Amaranta Velarde: Hacia una estética de la buena voluntad. Hasta el domingo, y en un programa donde el público también podrá asistir a la intervención de la artista plástica Luz Brotto y a la desconstructiva sesión de música de Evol, Velarde presenta su nuevo trabajo después de abrir bocas en Barcelona con sus dos anteriores obras: Lo Natural y Against Architecture V#2, una adaptación coreográfica esta última de la obra original del creador con el que estuvo diez años trabajando, el coreógrafo checo-portugués Bruno Listopad. Bajo un título en absoluto irónico y junto a la bailarina Diana Gadish, Velarde busca otra manera de estar y accionar en escena.

Sección Irregular, ciclo experimental y vanguardista que comenzó hace tres años, ha sabido encontrar un pulso adecuado con el público de Barcelona y la cartelera de danza del Mercat. Por sus tres ediciones han pasado, entre otros creadores, artistas como Itziar Rozas, Marc Vives, La Ribot, Norberto Llopis o Alix Enaudy. Este año, además, destacan las charlas que han tenido lugar con el comisario independiente Manuel Segade y con el antropólogo Gabriel Horta. El cruce de caminos entre la reflexión, las plásticas, la performance y la danza es la seña de identidad de este ciclo que concluirá el nueve de mayo por todo lo grande con la bailarina María Jérez y el grupo Chico y Chica.

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PALABRA, AMOR, DESENCUENTRO

Artículo publicado en El País

Dicen que es difícil ver ya un éxito en la cartelera. Pero llevamos varios años que desde proyectos austeros que surgen en halls de teatros medianos o en pequeñas salas de barrio están saltando obras que tienen una gran aceptación de público y crítica. En Barcelona, el ejemplo más claro ocurrió en el año 2012, y se llama: Sé de un lugar. Su teatro íntimo, la cercanía absoluta con el actor y la cotidianeidad verborreica de Eric Rohmer trasladada a la generación treintañera actual barrieron de elogios la ciudad condal. Casi 200 funciones después, el próximo miércoles, llega a Madrid esta ópera prima de Iván Morales y su compañía Prisamata para quedarse dos semanas. La Cuarta Pared se convertirá en el piso de Simó, treintañero de incontinencia verbal, guionista y dibujante de cómics encerrado en casa. Simó recibe visitas de Beré, mujer inquieta, drogata, acelerada y fuerte. Todo comenzó una noche bajo el rock sinfónico andalusí de Triana.

La obra vio la luz a comienzos del 2011 en el espacio independiente La Caldera en Barcelona. Se hicieron diez funciones, hubo buena respuesta de público pero nada, ni un triste bolo. “Fue un estreno digamos que “alegal”, no se podía publicitar, la gente no pagaba entrada, daba una “ayuda”, pactamos que nos conformábamos con que nos diera para cenar a la compañía, la verdad es que estamos muy agradecidos de cómo nos acogieron. Allí vimos que la respuesta del público fue muy buena, eso nos animó a seguir, y después de casi un año de no conseguirlo llamamos a Hernan Bonín y Silvia Pérez de La Seca Espai Brossa y les invitamos a una función a mi casa. Aquella función les convenció”, recuerda Morales. “Ahí llegó mucho más público, además gente con peso de la cultura, sin tener necesidad, nos empezó a apoyar y se fueron abriendo las puertas. Por ejemplo, la crítica de Marcos Ordoñez tuvo mucha importancia, apunta Morales.

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FRINGE “RELOADED” O LA INVASIÓN DEL TEATRO ESPAÑOL

Articulo publicado en El Pais

Riesgo, originalidad y atrevimiento, estos son los adjetivos con los que el equipo de dirección del festival quiere que se identifique el Fringe. Una experiencia que comenzó en el Centro Cultural Conde Duque hace dos años, que el año pasado creció ya con Matadero como centro neurálgico y que tiene su tercera cita con los madrileños el próximo mes de julio. Pero el Fringe, organizado y financiado completamente por el Ayuntamiento de Madrid, quiere expandirse. No solo espacialmente, el año pasado ya estuvieron presentes en varias salas y espacios madrileños, sino también temporal e ideológicamente. Su nuevo objetivo: intervenir uno de los espacios escénicos madrileños más tradicionales, el Teatro Español. Nace el Refringe.

El Refringe, que comienza hoy, consta de cuatro semanas y cinco propuestas ya presentes en ediciones pasadas del festival y sobre las que su director, Joan Picanyol, afirma: “No se trataba de programar lo mejor, pero si espectáculos que fueran muy representativos de lo que el festival ha sido y es y llevarlo a un teatro con un público que normalmente no va a ver este tipo de teatro”. Así hoy, en la Sala de los Balcones del Español, inaugurará el certamen la propuesta de la artista plástica Cecilia Molano y la bailarina Magdalena Garzón, Partitura inestable, un trabajo en el que la pieza se va creando entre la interacción del trazo de Molano y el movimiento de Garzón y donde se une la danza, el video-performance, la reflexión cercana y la vertiente poética.

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LA DUREZA VERTICAL DE TANIA ARIAS

Artículo publicado en El País

La bailarina madrileña presenta hasta el domingo en el Teatro Pradillo ‘Infinito – besos =’, pieza en construcción con otros compañeros.

La “otra” danza madrileña resiste. Esa es una de las buenas noticias de este estreno. La otra buena nueva: el paso firme y la voluntad de no extinción de una de las bailarinas con más fuerza escénica de la capital: Tania Arias Winogradow. Hoy, Arias presenta Infinito – besos =, pieza en construcción para la que esta madrileña se hace acompañar, habitar, para luego exorcizar, por compañeros de ruta cercanos: el bailarín canario Mauricio González, el actor Juan Loriente, la bailarina y coreógrafa Mónica Valenciano (Premio Nacional de Danza 2012) y un invitado que prefiere mantenerse en la sombra y se hace llamar Manuel D’Emmergence.

La pieza tuvo su primera confrontación escénica en noviembre pasado en la Sala DT. “Esa es la idea, continuarla. En DT estaba de manera primigenia, muy cruda, y ha ido desarrollándose, hemos seguido colaborando, se ha unido Mónica Valenciano que se enganchó y comprendió desde donde podíamos hacer viéndolo en DT… Esa es la intención, seguir trabajando y poder abrirlo al público cada cierto tiempo como ahora en Pradillo”, explica Arias sobre esta pieza que ha contado con apoyo de La Casa Encendida y que estará dentro de la programación de Madrid en Danza a finales de este año. Pero no fue siempre así. Esta pieza es el resultado de un periplo largo donde una bailarina formada con Ullate, que abjuró del clásico y fue transformándose con creadores como La Ribot, Mónica Valenciano o Mathilde Monnier, decidió seguir bailando fuese como fuese.

A Tania Arias ha sido difícil verla trabajar en estos últimos años. Alguno puede haberla visto bailar con Estela Lloves en el festival hecho en pisos particulares Living Room de Madrid, en la Sala Nasa de Galicia justo antes de desaparecer  o en la inauguración del Teatro Pradillo con una pequeña pieza, El último salto de Nijinsky… Y quien lo ha conseguido ha tenido la oportunidad de ir viendo conformarse una mirada en escena. Porque Arias cuando baila mira el mundo. Lo escruta con ojos fijos, con mirada dura. Mirada conformada por mismas cantidades de determinación que de fragilidad, de exposición que de técnica, de libertad que de duda. La suya es una técnica vertical, que rechaza la floritura pero que acaba dejando entrar en tensión lo poético. Danza como ejecución, pero ejecución con grietas, donde el espectador intuye una lucha no explícita del intérprete por poder encontrar un movimiento justo que pueda retener y defender como propio. Es difícil explicar cuál es la fuerza de un bailarín en palabras pero al mismo tiempo es evidente como espectador cuando la ves hoy que te encuentras ante un “bicho escénico”. Pero el camino no ha sido fácil.

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Asalto a la ‘performance’ o cómo sudar el discurso

Artículo publicado en El País

El museo madrileño CA2M propone una mirada a esta disciplina escénica hasta el 13 de abril

 

Paz Rojo, Norberto Llopis, Guillem Mont de Pallol, Jorge Dutor, Black Tullip y Aimar Pérez Gali, lo más granado del arte performativo patrio venido desde las escénicas confluyen desde mañana y hasta el 13 de abril en el CA2M de Madrid. Pero no solo. Además, el ciclo incluye a Mette Edvardsen, la bailarina de la compañía belga más burra y transgresora, Les Ballets C. de la B., reconvertida en performer abstracta; la vuelta a Madrid de la comentada pieza del 2003 Death is certain, de la artista alemana Eva Meyer-Keller; el inclasificable Mårten Spångberg, la argentina Tamara Kuselman… Durante un mes el Centro de Arte Dos de Mayo recibe y propone una revisión de la performance en relación con la danza, el teatro y, en general, con la práctica escénica. En el punto de mira: la modernidad, el cuerpo político, el yo frente al anonimato y las disciplinas y su espacio natural de exhibición: Caja negra, cubo blanco.

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El retro futurismo llega a Alcalá

Articulo publicado en El País

La compañía galaico-portuguesa convierte el Corral de Comedias en una playa utópica

Llega a la Corrala de Alcalá esta obra laberinto y oasis al mismo tiempo, donde se conjugan teatro, movimiento, plasticidad, música, poesía e ironía. Pieza collage donde se mezcla la danza kabuki con la Comedia dell’arte, el siglo XVIII con el paleofuturismo de los años cincuenta; y la batería, el ukelele y la guitarra eléctrica con la Divina Comedia de Dante Alighieri. Libertad escénica con la que Voadora tuvo un 2013 lleno de premios y alabanzas que han supuesto que la compañía viva ahora uno de sus momentos más dulces. Algo que contrasta con la difícil situación actual de la creación contemporánea española. “Somos hormiguitas, y sí, nos han puesto una lupa encima, somos conscientes, pero sabemos que las modas son sobretodo pasajeras y creemos más en las carreras de fondo”, espeta su directora Marta Pazos.

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