ENCIMA DE UNOS TACONES, EN ESCENA

ENCIMA DE UNOS TACONES, EN ESCENA -1ª parte-
Crónica de: “Restos de mis series”, de Bea Fernández; “Hardheaded woman” de Sonia Gómez; “Estilo internacional -investigación alrededor de un cuerpo cansado”, de Sergi Faüstino
Festival LP, Hall del CCCB, Barcelona

imagen: Efthymia Zymvra/Ana Costales

Primera noche del LP. Lugar el CCCB, el hall, transformado, espacio escénico movible, barra con cerveza y refrescos para intermedios y cuatro piezas en el programa. Una permanente, la pieza de video de Vladimir Miller, Untitled (dogs). Tres en escena. Primero Bea Fernández, luego Sonia Gómez y por último Sergi Faüstino. Programa de 8 a 11 horas. Tres horitas. Llenazo. Unas trescientas personas, la entrada a 5 euros y a 3 con rebajas. La repercusión mediática del festival en los medios tradicionales escritos muy baja. Habrá que indagar porqué… Me temo (y me duele) que la prensa se hunde.
Me voy a centrar en la escena. No tengo ojos para todo. La pieza de Miller me miró toda la tarde pero yo no a ella. Tres creadores para comenzar el festival que trabajan en Barcelona, la apuesta es clara.
Eran piezas de 30 minutos aprox., piezas surgidas de procesos largos que siguen en proceso, como la de Bea Fernández y Sergi Faüstino, o encargada ex proceso para ese espacio y ese día, como la de Sonia Gómez. Se ve sobrevolar sobre el festival una propuesta de reflexión sobre la autoría y por ende sobre la pieza acabada, sobre la obra. Estaremos atentos.
El LP llama a estas soirées “legos”, por lo que de ensamblaje escénico tiene presentar las piezas en un mismo espacio y también, creo, por el ensamblaje que hacen estas al asentarse en la cabeza del espectador. Esto último no tiene porqué ser importante desde el punto de vista de la propuesta de programación, quiero decir, el lazo que entre las piezas se cree. Podría estar cada una en un combo y no pasar nada, además seguiría habiendo un ensamblaje asociativo personal en cada cerebelo de cada espectador. No creo que haya que programar por afinidades, relaciones o contrastes…. Pero bueno, en este caso, me pareció resaltable que ambas tres, desde puntos muy disímiles, buceaban en la pregunta de porqué, para qué y cómo estar en escena…. Bueno, vamos viendo.

imagen: Efthymia Zymvra/Ana Costales

Primera vez que veo a Bea Fernández en escena. La pieza, como ella explica al principio bajo una capucha de la que sólo sobresalen unas piernas amarillas (como si redujera su cuerpo a su faceta de ejecutante), es producto de un proceso, Tres personas, todos los cuerpos, que Fernández está desarrollando desde hace tres años, proyecto que es un ejercicio de memoria a través del cuerpo. Durante este proceso Fernández ha realizado un documental que consta de entrevistas a diversos intérpretes –Los que se ven entre sí– y un espectáculo a tres –junto a Montse Penela y Mauricio González –Tres personas todos los cuerpos-, espectáculo que se vio en La Poderosa, dentro del programa Espacios Cómodos de La Porta, y en Madrid dentro del Festival In-presentables. De este espectáculo es de donde surge la pieza que vimos ayer en el CCCB, Restos de mis series.
Y siendo sólo piernas y micrófono Fernández, al principio, va andando la escena, representando un cavilar sin rostro y sin cuerpo, hecho de espacio y movimiento, que se cuestiona porqué estar en escena, para qué, de dónde viene y qué hace ahora. En un momento dado, Bea se quita la capucha y aparece el cuerpo, indisoluble de la mirada, del rostro. Tanta danza, tánto cos fragmentado, que a veces uno se olvida de la relevancia de unos ojos, de una tranquilidad en todo el cuerpo que se sintetiza y completa en el rostro.

imagen: Efthymia Zymvra/Ana Costales

Fernández, con el cuerpo y la palabra, recuerda montajes anteriores, movimientos que ella interpretó, fragmentos de aquellas coreografías como Cuerpo en escena (ou les rêves ont-ils des titres?) de Olga Mesa, de Europa no era una puta de Carmelo Salazar… Recordar con el cuerpo y la palabra. Dice ella en el programa de mano:
Yo soy muchos cuerpos, tantos como he bailado, soy trocitos de cuerpos de otros, soy los restos de esos cuerpos que se me han quedado pegados y sus versiones futuras, su memoria contaminada de presente. El hecho de hacer este ejercicio me llevó a reflexionar sobre cuestiones como las versiones de uno mismo, los cuerpos aprendidos, el cuerpo invadido, la pureza o la promiscuidad del cuerpo del bailarín como memoria, como resto.
Es exactamente eso y más. Fernández escenifica en esta obra una verdadera experiencia mnemotécnica y lo bonito es que lo hace con una gran sencillez. Hay un texto de Borges en el que explica que recordar un hecho o experiencia pasada es posible tan sólo la primera vez que lo hacemos. Ya que luego, recordamos el recuerdo. Creo que en esta pieza se es consciente de esto mismo. Borges se refiere al recuerdo cerebral, a ese que se da por relaciones sinápticas entre neuronas. Un proceso íntimo que sólo es transferible a través de la palabra. Fernández une a este proceso sus músculos y huesos, que reproducen movimientos de coreografías anteriores pero en otro cuerpo, el que la sustenta hoy. Se produce así la corporeización en el acto de recordar del paso del tiempo, de ese cuerpo que hizo aquel movimiento pero ya no es más el mismo cuerpo, es otro, más viejo, más gastado, con más memoria. Y este acto de recuerdo, aunque Fernández lo ejecuta sobria, sin gesto dramático, se carga así de emoción, de melancolía.
Quería pararme en soy trocitos de cuerpos de otros, soy los restos de esos cuerpos que se me han quedado pegados. Borges en “La forma de la espada” le hacía decir a Vicente Moon: Lo que hace un hombre es como si todos los hombres lo hicieran. Creo que esta consciencia de ser otro, presente en todo el proyecto de Tres personas, todos los cuerpos, da un sentido al texto que en un momento de la pieza dice la bailarina. Un texto que empieza (escribo de memoria) con: “No soy Anne Teresa de Keersmaeker (…) nunca he trabajado con Meg Stuart (…) no sé quién es Trisha Brown (…) no he leído a Derrida ni a Deleuze, no hablo inglés ni francés, no tengo un lenguaje propio”. Esto habla mucho de la lastre larriano (pillo este término para que se vea lo viejo que esto) de estar debajo de los Pirineos, habla de algo propio del que está metido en el mundillo de la cultura, de la danza (tan llena de gregarismo hecho de complejos) y que nos lleva (en esto está también metido el espectador) a no valorar de manera ponderada lo cercano o aquello que no tiene márchamo de… El texto de Fernández no es sólo suyo, huele a muchos, es de muchos otros cuerpos, de gente que se ha sentido en un patio minúsculo con bajas puertas de salida y lleno de vecinas vestidas de negro. Patios que han motivado muchas veces la parálisis, el dejar de hacer.  El acierto es la manera ligera y simple con la que lo dice, no hay despecho, ni ironía, sino tranquilidad y felicidad por estar en escena. Ah, y cachondeo, durante todo el texto Fernández dice en tono bajo y sugerente “Cesc Gelabert”. El público entendía y se reía. La pieza acaba en diagonal, con Fernández yéndose, recordando y haciendo movimientos por el flanco superior derecho. Qué bonita pieza.

SONAI

imagen: Efthymia Zymvra/Ana Costales

La primera vez que vi a Sonia bailar fue en una de esas pequeñas funciones del Bona gent de Navarro y Bernat, hace ya años. Bailaba al final, tan sólo tres minutos. Y sí, me quedé congelado. Era un baile desmembrado, de movimientos muy cercanos a la pista de discoteca pero con un vuelo hacia dentro abismal y cincelado a través de técnica y control del cuerpo. Puta fuerza sincera y sincopada. Y siempre me ha ocurrido así, en Mi madre y yo, en Experiencias con un desconocido… Y así ocurrió ayer, en este estreno hecho para el lp.
La pieza continúa con una veta abierta  en Experiencias, su anterior producción, afinando trabajo de diálogo en escena entre cuerpo presente del intérprete con la pantalla. En la pantalla se van poniendo vídeos y mensajes que interactúan con lo que pasa en escena, que sustentan en parte la función del narrador de la obra, que hacen, como si dijéramos, la dramaturgia de Harheaded woman. Impresiona el ritmo veloz del principio de la pieza, parece que la compañía va afilando esta herramienta.
Otra cosa es que el asunto tratado se le sustente a uno, que te despierte el interés hasta el final. Los paraisos artificiales donde poder subsistir o reinventarse, o las dos cosas a la vez. Mundos necesarios, que necesitan de vida para poder construirlos, a los que no se quiere renunciar porque sabes que si no te queda el estado zombi vegetativo del ciudadano muerto, y mundos de una fragilidad extrema, porque los sabes inanes, hechos sobre miedos que dan la espalda. Rincones donde sentirse humano, grande y poderoso, vivo, y a la vez rincones muchas veces risibles, por tontos. Todo esto lo va mostrando Sonia con ese juego entre pantalla /escena, realidad / ficción… Lo hace con ironía, con chufla subrayada muchas veces, con intimidad otras, como un bello y pequeño baile para unos caballitos de mar  en una maravilla de video de plano corto. Yo me fui quedando fuera, entendía todo, pero tenía la sensación de que aquello se iba convirtiendo en un simple juguete.

imagen: Efthymia Zymvra/Ana Costales

Luego Sonia se pregunta qué hacer en escena, se interroga en público y decide bailar. Y baila como contraste a ese juguete, o como consecuencia lógica de un mundo propio en el que uno ya no tiene reflejo, o demasiados. Baila como siempre lo ha hecho, con la fuerza del abandono, dejando de ser, acercándose a la perdida como única identidad propia. Presencia total, vida pura que se acerca a la muerte. Es su razón de ser, lo que le da sentido y la agarra. Acaba la música, para de bailar, jadea. Ahí se acaba la obra. Luego llegó un no sé qué de que olía a quemado, un hablar con la seguridad del edificio por walkie talkie que no quise entender.
Juguete versus baile. O juguete y baile. La escena es chunga. Se come personajes, hasta los más grandes, como Sonia. Ese peligro, consciente, lo corre ella con tacones y haciendo equilibrios.

Mientras todo esto pasaba, y antes (las funciones de Bea Fernández y Sonia Gómez fueron a las 20 horas y a las 21 horas respectivamente), Sergi Faüstino corría en una máquina, llevaba corriendo desde las seis de la tarde. Mientras se adecuaba el espacio para su pieza, Faüstino completo los 42 kilómetros. Vamos, corrió un maratón. Mientras escribo esto en un piso del barrio de Sant Antoni, debajo de la ventana no dejan de pasar corredores, lleva así varias horas, son quince mil, corren una maratón y suena el Barcelona de Mercury y Caballé a todo trapo. Joder con Barcelona, parece esto un libro de Vila Matas. Con esa canción acababa Faüstino su anterior espectáculo Z, mientras se bebía las salivaciones del respetable en un pequeño vaso.
(continuará)….

pd: parece que se va a llegar al acuerdo de que Jordi Fondevila (scanner) diriga las próximas ediciones del Radicals del Lliure, artilugio extraño ideado por la anterior dirección del Teatre Lliure (Alex Rigola) por el cual trabajos que se ciñen a cierta idea de lo contemporáneo (vaya ustéd a saber cuál) tienen cabida en la programación del teatro durante un mes. El último logro de Radicals ha sido traer por “un día” un maravilloso pero muy costoso montaje de Angélica Liddell, La Casa de la Fuerza.