— MuroTRON

Jan Lauwers / Needcompany

28 y 29 de marzo de 2019 en Teatros del Canal

Uno de los espectáculos más aplaudidos durante la pasada temporada en los Teatros del Canal fue, sin duda,The blind poet, así que volver a tener a Jan Lauwers con la Needcompany este año con nosotros nos colma de satisfacción, sobre todo sabiendo que viene con una pieza basada en la epopeya de Stefan Hertmans, todo un fenómeno editorial que se ha traducido ya a 24 lenguas y  en el que el propio Lauwers –amigo personal de Hertmans– encontró una historia muy cercana a su propia vida.

Alabada por la crítica literaria en todo el mundo, War and Turpentine (2013) parte de unos cuadernos que encontró el propio autor donde su abuelo, que era copista y quiso dedicarse a las bellas artes, cuenta su experiencia en la Primera Guerra Mundial. El abuelo de Lauwers también fue copista y también luchó en la primera gran contienda europea del siglo XX, pero en su caso, el tema era un tabú intocable para la familia. Vuelve así Lauwers, tras el éxito de La habitación de Isabella (2004), a contar Europa a partir de la historia de una familia. Entonces fue la suya; ahora, la de Hertmans.

La alteración principal de la novela en la pieza teatral es el cambio en la narración, que es en primera persona y en la voz de una mujer, interpretada por la fantástica Viviane De Muynck, habitual en los montajes de Lauwers. Pero como vimos en The blind poet, también hay danza y música en escena. “Es una performance muy física”, explica el creador belga, “incluso en algún momento se llega a situaciones incómodas, a una sintaxis del cuerpo y la violencia”. Un espectáculo lleno de riesgos, sin duda, pero nada firmado por Jan Lauwers está exento de riesgos. Y, como espectador, se agradece, aunque te rompa los esquemas… o precisamente por ello.

>Programa de mano

 

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Annika Pannitto y Julián Pacomio

DT Espacio escénico, 28, 29 y 30 de marzo a las 20.30

The third table es un objeto coreográfico, cuyo propósito, es exceder cualquier significado específico. Un objeto, existente, autónomo, como “algo” en sí mismo. El proyecto pone el acento sobre la performance como un encuentro entre la obra y el público, jugando con la pluralidad de significados y experiencias que se generan durante un encuentro en vivo, donde todos los puntos de vista son reales y verdaderos.

Idea: Annika Pannitto
Creacion y danza: Annika Pannitto y Julián Pacomio
Diseño de Luz: Victor Colmenero Mir

Gracias a: Ca La Praga y DT Espacio Escenico
Y a Susanne, Paula, Blanca, Angela por sus preciosas observaciones.

>Entrevista a Julián Pacomio y Annika Pannitto

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Resultado de imagen de albert quesada flamingos

Del 21 al 24 de marzo en la Sala MAC del Mercat de les Flors – 20h (dg 18h) 16€

CÈL·LULA es una estructura flexible para la creación, la transmisión continua y el desarrollo de la danza. Invita y acoge a coreógrafos e intérpretes, y tiene como objetivo facilitar y producir creaciones de formato medio/grande.

CÈL·LULA#1: Primera producción del Mercat de les Flors dentro del proyecto CÈL·LULA

Dentro de La Quinzena metropolitana de dansa

Albert Quesada continua su investigación personal sobre el mundo del flamenco y su complejidad con la intención de encontrar el origen mismo del movimiento y el canto. El coreógrafo quiere descubrir el motor del flamenco y desplazarlo a otros cuerpos y otras músicas para generar un nuevo sentido. Conseguir, en definitiva, que la pequeña chispa que cada persona custodia dentro de sí se convierta, finalmente, en un gran incendio.

Flamingos es el resultado de colocar a Carmen Amaya en medio de una escena de John Waters. El impulso del flamenco para compartir el interior del alma humana se mezcla con la música, el vestuario y el imaginario más pop. ¿Cuál es nuestro propio flamenco? ¿Cuál es nuestra música y qué danzas invita a bailar? Los cuerpos, los deseos, los miedos y los referentes se dejan contaminar para dar voz a una jam session llena de duende. Una juerga que se alarga hasta la madrugada donde ocho intérpretes se exponen y se desnudan con la única voluntad de celebrar y de celebrarse, con movimientos y cantos que no dejan lugar a la duda o la incertidumbre. Esto es así y no puede ser de ninguna otra manera. ¡Ea!

Actualmente Albert Quesada es coreógrafo asociado al Mercat de les Flors y ha sido invitado a crear la primera producción del proyecto CÈL·LULA.

Idea, coreografía y dirección Albert Quesada / Ayudante dirección Claudia SolWat /Creada con e interpretada por Blanca Tolsá, Eliott Marmouset, Mario G. Sáez, Miquel Fiol, Katie Vickers, Laila Tafur, Víctor Pérez Armero, Viktoria Andersson / Diseño sonoro Rafael Cañete, Julián D’Avino, Carlos Parra / Diseño escénico y de iluminación CUBE.ez / Vestuario Jorge Dutor, Txell Janot / Dramaturgia Albert Pérez Hidalgo, Pau Masaló / Agradecimientos Mireia de Querol, Kosmonaut Production
Producción Mercat de les Flors / Coproducción Dansa – Quinzena metropolitana / Con la colaboración Fundació Banc Sabadell /

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/flamingos/

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Cuerpo gozoso se eleva ligero, de VICENTE ARLANDIS / TALLER PLACER

23 de marzo, 20:30h. La Mutant.

+ info: https://www.lamutant.com/portfolio-item/cuerpo-gozoso-se-eleva-ligero/

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza.

Una obra que tiene mucho de instalación visual.  Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

“Y entonces me iluminó de repente este pensamiento sencillo y santo: que yo no tenía que ser ni maduro ni inmaduro sino así como soy… que debía manifestarme y expresarme en mi forma propia y soberbiamente soberana, sin tener en cuenta nada que no fuera mi propia realidad. ¡Ah, crear la forma propia! ¡Expresarse! ¡Expresar tanto lo que ya está en mí claro y maduro, como lo que todavía está turbio, fermentando!; ¡que mi forma nazca de mí, que no me sea hecha por nadie…

Ferdydurke de Witold Gombrowicz

Una idea de Vicente Arlandis/TALLER PLACER
Creación e interpretación  Sandra Gómez, Aris Spentsas, Vicente Arlandis y Rosana Sánchez  con la colaboración de Hipólito Patón.
Iluminación  Isaac Torres
Producción Paula Miralles
Una coproducción del Centro Cultural Conde Duque de Madrid
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia y el Instituto Valenciano de Cultura
Agradecimientos INPLASBA y La Mutant

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VICENTE ARLANDIS // TALLER PLACER

7, 8 y 9 de marzo a las 20h en Conde Duque

Una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza. Una obra que tiene mucho de instalación visual. Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

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Boris Charmatz

9 y 10 de marzo en el Mercat de les Flors

La fugacidad llevada al extremo: numerosos bailarines interpretarán diez mil gestos, todos ellos diferentes, que sólo serán visibles una sola vez y desaparecerán así que se hayan ejecutado, como una oda a la impermanencia de la danza. La obra produce una hipnosis visual en el espectador en esta peculiar secuencia de movimientos.

Des de Aatt enen tionon (1996) hasta 10000 gestes (2017), el bailarín y coreógrafo Boris Charmatz ha presentado una serie de piezas realmente memorables. A pesar de mantener una extensa actividad de gira, periódicamente también forma parte en improvisaciones con Saul Williams, Archie Shepp y Médéric Collignon, y continúa colaborando como bailarín con Anne Teresa De Keersmaeker y Tino Sehgal. Charmatz fue artista asociado del Festival de Aviñón en 2011. En 2013 fue artista invitado al MoMA de Nueva York, donde concibió el programa de danza Musée de la danse: Three Collective Gestures, un proyecto de tres semanas que se desarrrolló en el Marron Atrium en el museo. En 2015 fue invitado de la Tate Modern en Londres en el marco de la exhibición If Tate Modern was Musée de la danse?, un programa intensivo de actuaciones que tuvo lugar por todas las galerías del museo. Aquel mismo año, Charmatz presentó 20 bailarines para el siglo XX en el Palacio Garnier, la Ópera Nacional de París. Desde 2009 es director del Centro Nacional Coreográfico de Rennes y la Bretaña, que ha transformado en un museo de la danza (Musée de la danse) de nueva concepción. Ha sido artista asociado de la Volksbühne en Berlín durante la temporada 2017/2018. Actualmente está preparando una nueva creación llamada infini que se estrenará en verano de 2019.

Coreografía Boris Charmatz / Interpretación Djino Alolo Sabin, Salka Ardal Rosengren, Or Avishay, Régis Badel, Jessica Batut, Nadia Beugré, Alina Bilokon, Nuno Bizarro, Matthieu Burner, Dimitri Chamblas, Olga Dukhovnaya, Sidonie Duret, Bryana Fritz, Alexis Hedouin, Kerem Gelebek, Rémy Héritier, Samuel Lefeuvre, Johanna-Elisa Lemke, Maud Le Pladec, Mani Mungai, Noé Pellencin, Solène Wachter, Frank Willens / Producción Musée de la danse – Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne / Coproducción Volksbühne Berlin, Manchester International Festival (MIF), Théâtre National de Bretagne-Rennes, Festival d’Automne à Paris, Chaillot – Théâtre national de la Danse (Paris), Wiener Festwochen, Sadler’s Wells London, Taipei Performing Arts Center / Con el apoyo del Institut français d’Espagne

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Del 26 de febrero al 3 de marzo en La Casa Encendida

Segunda edición de Me gustas pixelad_, festival que pone en contacto las artes escénicas y el mundo digital y que busca ser un punto de encuentro entre la creación de performances y el diseño de videojuegos.

El arte vivo suele cuestionar y reflejar cómo el desarrollo científico y tecnológico va transformando las relaciones sociales, materiales y políticas, muchas veces apropiándose de sus estéticas para explorar las posibilidades discursivas de este cuerpo en constante afectación. En el siglo XX, la intersección entre arte-ciencia-tecnología creó nuevas configuraciones y significaciones para el cuerpo y redimensionó su performatividad, su estar en el mundo.

Como defiende Pedro Moreira, artista visual que trabaja sobre la idea de “existencialismo-virtual”, para entender la existencia humana ya no podemos separar el ser tangible de los múltiples seres digitales que corporeizamos al encender el ordenador. Sin embargo, jugar a un videojuego se ha venido entendiendo como una simple actividad más y, por tanto, a los personajes en la pantalla como a meros adornos de la acción (el jugar). Frente a estas asunciones, el existencialismo-virtual nos invita a observar de cerca las acciones que nuestros personajes llevan a cabo y a re-entender que los cuerpos digitales suponen una parte intrínseca en la formulación de nuestra identidad, es decir, extensiones indivisibles de nuestra condición humana.

Tomando esta teoría como precepto, ya no podemos obviar, como espectador_s, la existencia de todos esos cuerpos digitales, tramas épicas, glitches y todo tipo de fenómenos virtuales a la hora de observar una acción escénica.

La segunda edición del festival Me gustas pixelad_, comisariado por Matías Daporta, cuenta con un programa de performances que intiman con aspectos del mundo virtual, ya sea con una relación directa o literal, o con una interpretación abstracta o referencial. La pieza Pamela, de Marta Ziolek, se compone a través de una serie de escenas dispuestas por todo el edificio, como si se tratase de un videojuego de plataformas; en Significant Other: Oxytocin, de Pedro Moreira, el artista se nos presenta como un ser que nació virtual pero devino tangible; en The Innocents, de Tom Kemp se nos invita a jugar a dimensionar las posibilidades digitales del espacio en el que nos encontramos; en Foreigned, de Juan Pablo Cámara, se nos presenta un lugar arqueológico de una era futura o situado en un nuevo planeta; el cuerpo de Néstor Díaz, en Nice Weather for Operative Sysemssufre el efecto del glitch. Al abrir Pandora DropBox, de Katja Heitmann, nos encontramos a cuatro seres extraños, desconcertantes, distantes y en All Eyes On, Teresa Vitucci nos desvela su forma de jugar frente a una pantalla cuando está sola en su casa. Además, como antesala del festival, Pablo Durango impartirá un taller teórico-práctico de tres días en ESNE sobre la creación de personajes a través de la práctica drag.

Paralelamente, La Casa Encendida, en colaboración con ESNE, propone un Hackathon en el que se ofrecerá un premio al mejor boceto de un videojuego que tendrá que estar inspirado en la práctica de algunos de los artistas de las performances de Me gustas pixelad_. Durante tres días, grupos formados por cuatro participantes trabajarán a contrarreloj para llegar a tiempo a la presentación y valoración de su proyecto, que se celebrará el domingo 3 de marzo.

Además, con el fin de poder conocer más en profundidad la práctica de l_s artist_s invitad_s, Marta Ziolek estará en residencia en el teatro Replika hasta el 8 de marzo, día en el que hará una presentación sobre su investigación actual. Por su parte, Pedro Moreira estará en residencia durante dos semanas en el espacio Nigredo, y también hará una presentación pública, en la que nos introducirá su próximo proyecto.

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7 de marzo a las 19h en Bulegoa z/b

Presentación de Antonio Menchen al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta negro fondo ultraterreno fue seleccionada junto a Espigadoras / Gleaners de Claudia Pagès en la convocatoria de residencias de 2018. El jurado estuvo compuesto por José Ramón Ais (artista), Beatriz Herráez (historiadora del arte y comisaria y actual directora del Museo-Centro Vasco de Arte Artium) y las integrantes de Bulegoa z/b.

Antonio Menchen: Materiales para una técnica (negro fondo ultraterreno)
Un objeto, una historia a la que se le dibuja un contorno temporal, a la que se intenta delimitar la sombra que aún proyecta. Así, desde su interior, poner en juego elementos, ejemplos, cosas distintas que confluyen, se solapan o reescriben para desembocar en una experiencia de una simple relación de semejanza entre no iguales.

negro fondo ultraterreno supone la continuación de un trabajo, de un hacer, que piensa un tránsito de la imagen; de un mundo mecánico a otro digital y cómo este paso actúa sobre un procedimiento, cómo afecta a un saber o recurso. Un agujero desde el que todavía asoman siluetas, papeles o voces que transfieren una experiencia, una realidad aún perceptible de un pasado analgésico, mítico, espectral.

Cambia así la forma en que consideramos el material, en tanto por acumulación y conversión, en tanto que necesidad y hábito. A partir de un archivo de imágenes en continua construcción, en continua edición, trataremos de ocupar ese marco para pensar en revertir la cancelación de lo proyectado, de lo aún posible, de lo imaginado para traer a la memoria la conformación de una predicción.

Antonio Menchen (Toledo, 1983), terminó sus estudios de Bellas Artes en Madrid en 2007, fue estudiante visitante del departamento de cine de la Akademie der Bildenden Künste Wien (Viena, 2012-2013) y realizó el máster en Aural and Visual Cultures en el Goldsmiths College, (Londres, 2013-2014), junto con los tutores Mark Fisher y Kodwo Eshun. Ha participado de las exposiciones Distancias elásticas (Centro Párraga, Murcia 2019); Querer parecer noche (CA2M, Móstoles, 2018); Circuitos 2017 (Sala de Arte Joven, Madrid; Sala Borrón, Oviedo; Laboral, Gijón, 2017–2018); Alimentación 30. Archivo 2014-2015 (Espacio Cruce, Madrid, 2015); 10 VC (The Showroom, Londres, 2015); MUMOK Kino(Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena 2013); Rundgang (Akademie der Bildenden Künste Wien, Viena, 2012) o Sala de lectura(Espacio F, Madrid, 2005). Programó junto a Raúl Liarte el ciclo de cine Uno casualmente se acerca, siente algo y se queda (CA2M, Móstoles, 2016) y dirigió junto a Paulina Chamorro el programa de voz y performance El imitador de voces (Teatro Pradillo, Madrid, 2016).

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Societat Doctor Alonso

1 de marzo a las 21h en el Centro Párraga

” ‘Y los huesos hablaron’ parte del proceso de excavar antiguas fosas para encontrar los huesos de los desaparecidos, de los asesinados. El proceso de excavar entre las palabras es muy similar y lo que se busca es la verdad. El espectáculo llega para desenterrar y hacer visibles conflictos que han quedado escondidos por el discurso oficial a favor de una supuesta estabilidad política y social a lo largo de la historia. Un espectáculo que sí, habla de violencia y de desapariciones, pero especialmente, de aquellas violencias y desapariciones que, como parásitos invisibles, de generación en generación, anidan en nuestros cuerpos y se extienden por toda la sociedad”.

Es una propuesta escénica gestada en talleres y residencias en España y Méjico que nace del proceso de investigación de “El desenterrador”, una experiencia en la cual se investigaba la “corpología” de las palabras o, dicho de otra forma, la capacidad que tienen las palabras de generar un mundo ético, un sistema político y un orden social concreto.

Han sido galardonados recientemente con el l Premio FAD Sebastià Gasch D’Arts parateatrales 2018.

Coproducción entre: Societat Doctor Alonso, Teatro de Babel (Méjico) y Grec 2016 Festival de Barcelona.

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Esther Rodríguez Barbero

Sábado 2 de marzo en L’estruch Sabadell a las 21:00 h.

Un acto de celebración, un solo, un solo acompañado, una invitación al baile. Esto es We can dance. Parte del primer paso que se da antes de bailar en una discoteca, el templo del baile; aquel primer movimiento que, sin saber cómo, acaba siendo una danza desenfrenada. Se puede bailar en todas partes? ¿Qué relación se establece con las normativas y convenciones del uso del espacio? Coreógrafa, creadora escénica y arquitecta, Esther Rodríguez-Barbero desarrolla su actividad entre Bruselas y Madrid. Con We can dance propone un recorrido entre lo posible y lo prohibido, cuestionando dónde están, realmente, los límites propios y ajenos.

Creación: Esther Rodríguez-Barbero

Música: Lautaro Reyes / Vitaly Franco

Iluminación y escenografía: Víctor Colmenero Mir

Organización:

Ayuntamiento de Sabadell

Con la colaboración de:

LEAL.LAV Tenerife

Centro Danza Canal

La Caldera Barcelona

L’Estruch, Fábrica de Creación de las Artes en Vivo

Con el apoyo de: Comunidad de Madrid

Agradecimientos: Javier Cuevas, Adán Hernández, Laura Kumin, Pablo Sacristán, Marialena Marouda, Clara Pampyn, Alberto Alonso, Lara Brown, Xiri Noir, Lilia Mestre, Veridiana Zurita, Shervin Kiarnesi, Óscar Dasí y Carmen Fuentes.

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