— MuroTRON

6, 7 y 8 de junio de 11 a 19h en Azkuna Zentroa

Oscar Gómez Mata es artista asociado en Azkuna Zentroa. Esta nueva línea de apoyo a la creación acompaña a artistas cuyos trabajos suponen una inspiradora mirada sobre los lenguajes artísticos.

El artista Oscar Gómez Mata dirige el 6,7 y 8 de junio el Catálogo de derivas, actividad donde propone realizar diversas derivas con el fin de trabajar sobre la observación y la exploración de los paisajes urbanos cotidianos.

Una deriva es una práctica en la que a través del acto de caminar, se pretende establecer conexiones entre el paisaje urbano y la vida interior del participante. Despertar lo inesperado, reinventar y probar algo que todos sabemos y conocemos.

Estimular el azar, la sincronicidad y la serendipia. Ver cómo se genera un material personal a partir de esta experiencia. La idea de deriva concebida como desplazamiento o recorrido físico y mental a partir de instrucciones previas, intentando modificar el punto de vista del participante.

Realizando este ejercicio, la deriva se puede convertir también en una herramienta para generar material artístico. El desplazamiento físico y mental nos lleva a encontrar y recoger diferentes materiales: textos, reflexiones, pensamientos, imágenes, sonidos… siempre trabajando con el pensamiento: “voy a encontrar algo”.

OSCAR GÓMEZ MATA (Donostia, 1963) vive y trabaja en Suiza, en Ginebra. Actor, director y también autor y escenógrafo, empieza sus actividades teatrales en España donde, en 1987, es cofundador de la Compañía Legaleón-T, con la cual crea espectáculos hasta el 1996. En Ginebra en 1997, funda la Compañía L’Alakran por la cual firma la dirección, la concepción, la dramaturgia o los textos de varios espectáculos. Oscar Gómez Mata desarrolla también un trabajo pedagógico en la escuela de Teatro Serge Martin (Suiza), en Les Chantiers Nomades (Francia). Desde 2013, es profesor regular en la Manufacture – Escuela de teatro de Suiza francesa (HETSR). Premio nacional suizo de teatro en 2018.

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Programa:
Viernes, 7 de junio. 17:30-20:30. Sesión abierta al público.

Sábado, 8 de junio. 10:30-14:00. Sesión con participantes de Conversación abierta.

En Bulegoa z/b  (Solokoetxe 8 bajo, Bilbao)

El comisariado como escucha. A la invitación del grupo de investigación Conversación abierta, respondemos de manera literal. Un encuentro con Amaia Urra en el que escucharemos la voz de la artista, así como una selección de obras suyas de la última década. Hemen nago: lejos, urrun tiene como objeto desplegar una práctica que trabaja con los desplazamientos del cuerpo y el lenguaje, la palabra cantada y hablada, dicha y leída, y que se presenta a través de acciones en vivo, grabaciones sonoras y formalizaciones gráficas. Con este encuentro, articulado a través de la escucha colectiva de varias obras a lo largo de dos sesiones intensivas, pretendemos generar una situación de acumulación y densidad que permita estudiar una práctica que se presenta a sí misma como deliberadamente ligera y esquiva. Durante las dos sesiones, la artista no estará presente en cuerpo, pero sí en voz.

Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974) es artista. Licenciada en 1998 por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Escultura, en 2002 presenta su primera performance, El eclipse de A., producida por Arteleku en el marco del programa Mugatxoan. Entre 1999 y 2009 vive entre París, Bruselas, Madrid y Berlín, donde trabaja con diferentes coreógrafos: Jérôme Bel, Cristina Blanco, Blanca Calvo, Juan Domínguez, María y Cuqui Jerez, Xavier Le Roy y Ion Munduate. Sus piezas se han representado en espacios, encuentros y festivales como Art nomade, encuentro internacional de performance de Saguenay (Quebec), Axeneo7 & SAW Gallery en Gatineau (Otawa), Líneas de acción en Casa Maauad (México DF), festival In-presentable de La Casa Encendida (Madrid), festival 2D2H (Hondarribia-Hendaia), Bulegoa z/b (Bilbao), la serie Ecolalias de RSS Radio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Zarata Fest (Bilbao), el centro de cultura contemporánea Azkuna Zentroa (Bilbao), la 15ª edición de las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M, Móstoles) o la sala Héctor Escandón (México DF). Actualmente, vive y trabaja en Donostia-San Sebastián, donde entre marzo de 2017 y febrero de 2018 dirigió el espacio Alkolea Beach, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres.

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Organiza: Espacio Tangente (Burgos)

Teatracciones 13, el Festival de Nueva Escena de Espacio Tangente, vuelve tras el paréntesis del año pasado. Se trata de un festival totalmente autogestionado.

Como novedad se presentarán los trabajos creados en residencia en Espacio Tangente de
Mercè Jara Muns y el de Beatriz Sualdea y Pelayo Cienfuegos, ya estrenado en el Festival
Escena Abierta. Además, Lara Brown mostrará su último proyecto con el que ha participado en diferentes festivales. Desde Valencia, Paula Miralles y desde Bilbao Macarena Recuerda Sheperd, vienen con sus últimas creaciones.

Un festival que va más allá de una escena cerrada, que rompe las fronteras del teatro, la
danza, la performance, los nuevos lenguajes del cuerpo o la experimentación sonora y que
estimulará una mirada activa del público.

Entrada: 8€ anticipada y socixs de Espacio Tangente.
Taquilla: 10€
Venta de entradas: Espacio Tangente: C/Valentín Jalón, 10-bajo (Burgos) de 18.30-21.30h
Taller: 45€ Socixs. 50€ No socixs

 

PROGRAMA REDUCIDO (AQUÍ TODA LA INFO)

Jueves, 6 de junio de 2019. 20.30h
Sesión doble

NO ES LO MISMO superstición que superchería de Mercè Jara Muns
Proyecto creado en residencia en Espacio Tangente
+
SER DEVENIR de Lara Brown

Viernes, 7 de junio de 2019. 20.30h. 

LP de Paula Miralles

Jueves, 13 de junio de 2019. 20.30h

NORMALMENTE ESTA TODO BIEN PERO DE VEZ EN CUANDO…
de Beatriz Sualdea y Pelayo Cienfuegos  

Proyecto creado en residencia en Espacio Tangente y coproducida por Festival Escena Abierta

Viernes, 14 de junio de 2019. 20.30h

AY, YA de Macarena Recuerda 

13 y 14 de junio de 2019. 16.30- 20.30h

TALLER DE ESCRITURA Y DRAMATURGIA CIRCENSE. Impartido por Jorge Albuerne

Precio: 45€ Socixs. 50€ No socixs

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El 28 de mayo a las 18:30 h tiene lugar en Hangar el primer encuentro abierto y puesta en común del intercambio y convivencia entre Gelen Jeleton y Lucía Egaña Rojas en el marco del proyecto de investigación “Metodologías subnormales. Manual práctico para investigadoras desadaptadas”.

El proyecto “Metodologías subnormales”, el cual Lucía Egaña desarollará a lo largo de su residencia en Hangar en el marco de la beca de investigación artística Fundación Banco Sabadell – Hangar, se enfoca en la exploración de las posibilidades metodológicas en el terreno de la producción cultural y creativa así como en la investigación militante, basándose en la contaminación de disciplinas y prácticas.

En este encuentro, después de tres semanas trabajando discontinuamente en torno a las distintas formas de investigar, las metodologías, bibliotecas, abusos de poder, liberalización del feminismo, libros, autoras amadas, textos y sobre todo en torno a la bibliografía, sus repercusiones y posibles disidencias, Lucía y Gelen abren el proceso para contar lo que han visto, hacer algún experimento y charlar de manera informal sobre la desadaptación en la producción del conocimiento en un contexto neoliberal.

El evento es gratuito y no se necesita inscripción previa

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Núria Guiu

23 de mayo a las 19.30h en AzkunaZentroa

¿Un like te representa? ¿La cantidad de likes o seguidores que acumulas en redes sociales te define? ¿Cuál es el precio de un ‘Me gusta’? ¿Dónde está la barrera entre la realidad y lo digital? La bailarina y coreógrafa barcelonesa, Núria Guiu, presenta la pieza Likes, una reivindicación del cuerpo a cuerpo frente a la intoxicación de Internet.

Likes parte del análisis de dos fenómenos populares de YouTube: el cover dance y los tutoriales y vídeos sobre las diferentes técnicas de yoga.

Desde una perspectiva socio-antropológica, la artista aborda al público con un discurso sobre el valor social de un like en nuestras sociedades digitales. Este trabajo es una mirada fresca y coreográfica sobre la presencia del cuerpo en la era digital.

La danza y especialmente la danza relacionada a la cultura y música pop, se ha convertido en todo un fenómeno de gran popularidad a través de redes sociales. La aparente simplicidad de los pasos de las coreografías permite una elasticidad cultural, siendo estas apropiadas y bailadas por bailarines covers. Likes toma como base algunas de estas coreografías / danzas cover así como otro fenómeno también muy popular en la red como es la práctica de yoga, la cual se ha extendido, popularizado e hibridado a través de internet en diferentes estilos.

NÚRIA GUIU es bailarina y coreógrafa graduada en el Instituto del Teatro de Barcelona. Su trayectoria profesional como bailarina incluye compañías como IT Dansa o La Veronal, Cullberg Ballet (Se), Gisele Vienne (Fr), Carte Blanche Dance Company (No), Jasmin Vardimon (Uk), Kobalt Works (Be), Ingri Fiksdal (no) entre otros. Entre 2009 y 2010 forma parte del proyecto Kamuyot, una pieza de la compañía Batsheva Dance Company dirigida a un público adolescente. En 2012 crea La Muda, una pieza de grupo estrenada en la Opera de Oslo. En 2014 crea Portal, estrenada en Oktoberdans Festival de Bergen y en la Sala Hiroshima de Barcelona, PAM. Sú última obra, Likes, ha sido elegida en la plataforma europea de Aerowaves 2018.

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Gichi-Gichi Do

23, 24 y 25 de mayo a las 21h en Teatro Pradillo

Cuando paseamos por un bosque nada nos puede hacer pensar que nuestras pisadas están siendo registradas por un cerebro subterráneo.
Una extensa red de micelios de funcionamiento similar a nuestro sistema neuronal hace posible la comunicación e intercambio de sustancias entre diferentes hongos y organismos vegetales, permitiendo que muchos especímenes se ayuden mutuamente al tiempo que otros utilizan la red para su propio provecho.
Rizosfera traza un itinerario entre esa hermosa y terrible vida subterránea y la terrible y hermosa vida en la superficie: el estado de bienestar asentado en la explotación, las redes de ayuda humanitaria y el hackeo constante de nuestros derechos y libertades.

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La Plaça es una exposición que ocupa durante unas semanas la plaza de Can Colom, en el barrio de Santa Eulàlia (Hospitalet de Llobregat). En este espacio ocho artistas plantean unas intervenciones pensadas para un emplazamiento específico y una duración determinada. Se trata de una iniciativa singular para buena parte de ellos, la mayoría de los cuales nunca han expuesto al aire libre. Un proyecto complejo, a camino entre la escultura y el diseño industrial, entre el espacio expositivo y el espacio público. Un reto que tiene que ver con configurar un espacio abierto día y noche, que sea utilizado por los vecinos y donde las intervenciones se encuentran a la intemperie. Este proyecto ha sido comisariado por David Bestué y ha sido posible gracias a la iniciativa del Distrito Cultural de L’Hospitalet.

INAUGURACIÓN
30 de mayo, 19h a 22: 30h
Evento organizado por DRAKIS con las actuaciones de Eterna, Ulldeter, Plom, Julietta Ferrari y DJI Mon. Espacio de venta de Saang, s.t.u.u.t.f (By enguany) y la folie 8.

PRESENTACIÓN DE “PRÁCTICA”
21 de junio, 19h
“Práctica” es una publicación realizada en el contexto de esta exposición que recoge la obra reciente de la artesana y diseñadora de calzado Sara González de Ubieta (Madrid, 1982).

Comisario: David Bestué
Producción: Districte Cultural L’H www.lhdistrictecultural.cat
Dirección de arte (Distrito Cultural): Albert Mercadé
Asistencia de coordinación: Ramon Oriola
Montaje: Hangar
Diseño gráfico: Adrià Romanyà y Rubén Planas
Fotografía: Cristian Agulló

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Concepto: Sandra Gómez.
Creación: Paula Pachón, Cristina Núñez, Sandra Gómez. 
Intérpretes:Paula Pachón, Cristina Núñez, Sandra Gómez.
Música: AWI 

23-24-25-26-30-31 de mayo y 1-2 de junio a las 20:30h en el Teatro Círculo (Valencia)

La pieza Preludio y fuga surge de un laboratorio de investigación donde 4 coreógrafos/as y una escritora se reúnen para compartir sus maneras de hacer en un proceso creativo. 

Trazando conexiones entre los referentes y métodos de escritura a nivel literario se toma como punto de partida la idea de copia como estrategia coreográfica en un intento de disolver la cuestión subjetiva y desplazar el yo de un lugar central y la focalización como método de trabajo. 

Como Bartlebly el escribiente se usa la herramienta de la copia como una manera de huir de todo intento creativo y productivo; de la misma manera que en la Escritura no creativa de Goldsmith el autor ha de abandonar los conceptos caducos de originalidad y creatividad. 

Por otro lado, esta pieza plantea la pregunta de si es posible trasladar a un trabajo escénico la idea de focalización propuesta por Mieke Bal en su estudio sobre teoría narrativa donde trata la relación entre los elementos presentados y la concepción a través de la cual se presentan, es decir, entre la visión y lo que se ve. 

/

 A mí «copia» me parece interesante. 

Copia, ¿qué más? 

Apropiación. 

Referente. 

Límite también ha salido. Partitura. 

La repetición está también aquí. 

Sí, repetición. 

Unísono. 

¿Hemos dicho «repetición»?, ¿no? 

Sí, ja, ja, ja. 

Repetición. 

Alguien utilizó la palabra «lupa». Eso tiene que ver también con la visión. Desde dónde vemos las cosas.
La mirada.
 

Aula de La Colectiva, Cabanyal 02/11/2018 

 

Copia: la copia es un concepto, es una idea ya que la están alimentando intelectualmente desde diferentes campos. 

Entonces, por ejemplo, límite. Pues límite ¿qué es?, ¿es una palabra o un concepto?. 

Carne. Carne a mí me parece más palabra que concepto. 

Pero ¿cual es la diferencia para ?. 

Un concepto es… 

¿Algo más complejo? 

¿Tiene más profundidad? 

Claro. Con el que estás designando… 

..ideas, no un objeto o una cosa, si no que estás designando una idea. 

Bolígrafo. 

Unisono, pues unisono parece más una palabra. 

Pero luego por ejemplo imagínate que de pronto alguien dice: mira no se qué, el ser bolígrafo, ¿qué es el ser bolígrafo? Y ahí decides si el ser bolígrafo es alguien que está escribiendo siempre por todas partes y de pronto el ser bolígrafo que sale de las artes escénicas de un trabajo que hemos hecho nosotros, de pronto alguien se lo lleva a… no sé, a la medicina y, aquí muchas veces estamos utilizando conceptos que su significado está como…por ejemplo en escénicas ¿qué palabras, qué conceptos se están utilizando ahora mucho?. 

(Comienza a sonar una música clásica).
  

Aula del TEM, Cabanyal 08/11/2018 

 

¿Cómo podríamos trabajar juntos con una herramienta que viene de la literatura pero que yo creo que también la podemos aplicar a la escena si se transforma? El percibir, el ver, ¿dónde está fijado?, ¿en nuestros cuerpos?, ¿o qué pasa con nuestros cuerpos? Esa mirada… no, no es mirada. ¿Ese foco cómo lo podemos trasladar?. Si algún día os da por leer “Bartleby el escribiente” u otro relato, pues ¡oye!, ¿esta herramienta de focalización…?, 

¿pues dónde está el cuerpo?. Pues eso es lo que queda. 

Podemos leer este texto. ¿Quién quiere leerlo? 

Se procede a leer la entradilla: 

Conviene defender y alimentar la mirada atenta, porque en su intensidad selectiva se cobija el poder de valorar y proteger cualquier objeto y, por lo tanto, todos los objetos del mundo.” 

 

Espera, espera, otra vez. 

Sí. sí 

¿la entradilla, sí? ¿O queremos leer el texto y luego volvemos a la entradilla? 

La entradilla, sí. Para que entremos bien.
 

Aula de La Colectiva, Cabanyal 26/11/2018 

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29 DE MAYO visita guiada a las 19h (Sala Amadís)
30 DE MAYO momento íntimo compartido con Javier Vaquero (cita previa en josebegega@gmail.com) aforo limitado.

Más allá del espectador. Día 2/10. “Un SLAM y 3 bailes para Alberto” (Jose Begega)

Confesar este tipo de cosas es prácticamente un suicidio social. Durante unos segundos no sucede nada, es un tiempo que se hace eterno hasta que llega al corazón, se reparte por cada terminación nerviosa, explota y cada articulación de tu cuerpo se mueve ligeramente como con los bajos de un buen equipo de sonido. Lo que sucede después es puro espectáculo, la performance, que haces para ti mismo, para unos tíos que has conocido por internet con los que vas a follar toda la noche, para la galería, para un antiguo cliente que esta vez no te va a pagar, para una webcam, para un centro social o uno de arte. Un tiempo después se te baja y regresas a una habitación blanca prestada, compartida, gestionada por algún artista que puede compartir un poco de su espacio, te ríes, se te pasa el arroz, sales de fiesta y escribes un texto como este. Más allá del espectador es una reflexión autobiográfica sobre espacios prestados, afectos y crisis personales que suceden más allá de la exposición, es también una reflexión sobre si es necesario el “espectador” para la obra de arte.

Una exposición como un ecosistema es un proyecto curatorial de Ignacio Tejedor en el que se piensa la exposición como un organismo que crece con la participación de los artistas y otros actantes.

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Proyección y coloquio a partir de la película The Boogie-Woogie Ghost, de Silvia Zayas y María Jerez en La Casa Encendida, el 31 de mayo a las 21:00. Entrada libre.

The Boogie-Woogie Ghost es una película circular. La imagen se modifica constantemente a través del movimiento de unos cuerpos que permanecen invisibles y que actúan como fantasmas. A través de lo que no es visto, aparece lo que es visto. El espacio muta persistentemente, como si fuerzas no humanas insistieran en desestabilizarlo y accionarlo sin descanso. La tensión entre lo visible y lo invisible genera la aparición del suceso. El montaje de las imágenes funciona dentro de la lógica de lo que no se ve en el mismo momento de la captura. De esa manera, el montaje se convierte en danza, o la danza en montaje: una danza de fantasmas.

  • Idea y creación: María Jerez y Silvia Zayas
  • Rodaje y coreografía: Silvia Zayas, María Jerez, Alejandra Pombo y Víctor Colmenero.
  • Iluminación: Víctor Colmenero.
  • Edición: María Jerez, Silvia Zayas y Alejandra Pombo.
  • Banda sonora: Nilo Gallego.
  • Coproducida por: Jumping Scales, un proyecto de Silvia Zayas en el Centro de Residencias Artísticas de Matadero-Madrid.
  • Con la colaboración de Andrea Pacheco (FelipaManuela).

Este proyecto ha sido seleccionado para formar parte de la Bienal de Mujeres en las artes visuales, BMM-2018, en la convocatoria pública organizada por MAV de ayudas a la producción.

Gracias a todas las personas que participaron en los experimentos y que han hecho posible esta película: Vito Gil-Delgado, Merche Álvarez y Lea, Alina Folini, Manuela Villa, María Ramos, Joaquín Pérez, Tamara Díaz-Bringas, Matías Daporta, Anouk Devillé, Billie G., Elena Alonso, Lola Jiménez, Natalia Ramírez Püschel y su madre, Selina Blasco, Uriel Fogué, Eduardo Galvagni, Óscar Hernández, Cristina Libertad, Jaime Llopis, Nines Martín, Diego del Pozo, Fernando Quesada, Jorge Rúa, Miguel Jerez, Beatriz Quintana, Begoña Ruiz y Ana Cortés.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/cine/boogie-woogie-ghost-9968

 

 

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