— MuroTRON

Dimecres 27 de noviembre a las 20h

Càpsules de Creació en Cru són moments de trobada amb els creadors residents al centre, pensats per compartir de manera confortable i distesa la seva pràctica artística, l’estat actual dels seus projectes, les matèries i qüestions que apareixen i nodreixen el seu treball. Mostres informals, presentacions amb diferents nivells d’exposició, sessions obertes d’estudi, projeccions, converses i altres dispositius per descobrir l’interior dels processos de creació.

Dimecres 27 de novembre, a les 20h Ohiana Altube i Javier Vaquero compartirà el seu projecte Rojo pandereta.

 Després parlarem al voltant del seu treball mentre prenem un vermut.

(Entrada lliure amb aforament limitat.)

Rojo pandereta pren com a referència l’obra literària de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) i la seva suposada posada en escena el 1869 per al coreògraf Marius Petipa amb el Ballet Don Quixot en el Teatre Bolshói de Moscú (Russia). El procés de creació de Rojo pandereta neix del desig de qüestionar els paradigmes coreogràfics que com a ballarines han travessat i construït les nostres identitats corporals (nacionals, de gènere, de raça i professionals) al llarg de les nostres carreres. D’aquesta manera pretén evidenciar que la dansa, a més de ser una manifestació estètica, ha servit i serveix per a l’escriptura de les ideologies, les identitats, les emocions, els simbolismes i fisiologies dels cossos; i que, a la vegada, és un mitjà de constitució política, social, cultural i econòmica.

Durant el nostre període de residència a La Caldera, emfatitzarem en la investigació del que nosaltres hem anomenat ‘psicoballet’ i com això pot ser vist des de fora per un públic assistent. El psicoballet és una pràctica diària que portem fent des del principi del projecte. És el fer que ens acompanya en cada pas del procés. Un, fer que està amb nosaltres per una dependència a aquest mateix. Es tracta d’una barra de ballet acompanyada per una reflexió somàtica sobre com ens sentim aquell dia. Deixant-nos fluir i derivar per comunicar a l’altre l’estat anímic integral del nostre ser més profund a través dels exercissis de ballet.

Javier Vaquero i Oihana Altube

Javier Vaquero i Oihana Altube són ballarines ibèriques amb cossos que han performat dansa clàssica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimient Auténtic, el Ioga occidental, el Quiromassatge, les Danses de Caràcter, el Horton, el Body Mind Centering, Feldenkrais, el Neoclàssic, el Forshyte, el Jazz, l’Aeròbic, l’Aurresku, les Sevillanes, el Voguing, el Cunningham, la Composició en Temps Real, la Danza Movimiento Terapia i la Sardana, entre altres.

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Aimar Pérez Galí

30 de noviembre en Azkuna Zentroa

Conmemorando el Día Internacional de la Lucha contra el Sida, AZ presenta The Touching Community, una pieza del coreógrafo Aimar Pérez Galí que aborda la relación entre la danza y el sida/VIH.

A finales de 2015, Aimar Pérez Galí inicia una investigación acerca del impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza en el contexto español y latinoamericano. Apropiándose de la práctica del Contact Improvisation, este trabajo se construye como un diálogo con los fantasmas de aquellos que se fueron. Esta práctica de danza, iniciada por Steve Paxton, en la que el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos, contrasta con las políticas de inmunidad que trajo el VIH/sida.

The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que aborda una época que aún a día de hoy debemos seguir dando visibilidad y afrontando con la sensibilidad que requiere. Un trabajo sobre la memoria, sobre los bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto; sobre una comunidad que se construyó fuerte en un momento de gran debilidad; y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. Pero sobretodo es un trabajo que habla del amor, del cambio y del miedo.

Si en su trabajo anterior, Sudando el discurso, utilizaba el sudor como herramienta para afirmar la danza como discurso legítimo, en este nuevo trabajo se convierte en el punto de partida para entender un contexto complejo y dramático. Durante los años 80 y 90 el VIH se expandió hasta convertirse en una epidemia. El virus sigue expandiéndose aunque los medios para paliarlo han cambiado mucho y hoy en día ya no se considera una enfermedad mortal. The Touching Community parte de una investigación sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza durante esas dos décadas para producir una acción performática donde se invite al espectador a ser tocado a un nivel sensible y afectivo.

Ficha artística
Idea, dirección y textos: Aimar Pérez Galí
Danza: Óscar Dasí, Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Aimar Pérez Galí
Dramaturgia: Jaime Conde-Salazar y Aimar Pérez Galí
Apoyo en la investigación: Aimar Arriola
Diseño espacial y de luces: Cube.bz
Banda sonora: Tirso Orive
Ilustración y fotografía: Jordi Surribas
Producción: ANTES / Aimar Pérez Galí
Con el apoyo de: Becas de investigación de la Generalitat de Catalunya; Graner – Centre de Creació del Cos i el Moviment (Barcelona); Programa de Ayudas IBERESCENA; CaixaForum Barcelona; Tabakalera (San Sebastián); L’animal a l’esquena (Celrà, Girona); PAR – Programa Artistas en Residencia (Montevideo); Centro Cultural de España en Montevideo; CEPRODAC (Ciudad de México); Museo del Chopo (Ciudad de México); Espacio Práctico (Barcelona).

Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística en el campo de la danza y las artes en vivo como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor. Estudió danza contemporánea en la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam (Holanda) y ha cursado el Máster en teoría crítica y estudios museológicos en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Es co-fundador y director de Espacio Práctico desde 2010. Profesor en el Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre de Barcelona desde 2014 y coordina colectivamente el grupo de lectura ‘¡Encarna!’ en el MACBA desde 2017.  Desde el 2016 forma parte del Consejo de Cultura de Barcelona como persona de reconocida válida.

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Del 3 al 14 de diciembre en La Casa Encendida

Cuerpa es un festival creado por Aitana Cordero que pretende compartir y hacer accesible el trabajo de un grupo de mujeres relacionadas con las artes escénicas (coreógrafas, compositoras corporales, bailarinas de conceptos) cuyas investigaciones ponen el foco en el cuerpo —en concreto el femenino— y lo relacionan con la intimidad, la sexualidad y la violencia.

En un momento en el que la apropiación o necesidad de pertenencia a macrodiscursos es tan acusada y, no por ello menos necesaria, pero en el que quizás las palabras parecen decir más que las acciones, los microespacios, las distancias cortas y el autoconocimiento se han hecho secundarios o irrelevantes.

Las paradojas nos inundan y Cuerpa surge de la necesidad de poner sobre la mesa lo que supone habitar un cuerpo físico y de la idea de que es posible generar conocimiento, cambio y experiencia a partir de este.

El festival plantea cuáles son las éticas y estéticas de lo posible, lo permitido, la vulnerabilidad y los límites de lo que puede o no compartirse en escena y con otros cuerpos. El cuerpo como campo de batalla y sujeto discursivo entregado a prácticas que hablan por sí solas.

Del 3 al 14 de noviembre, Cuerpa propone adentrarse en trabajos de artistas que se están cuestionando cómo significan sus cuerpos, cómo son percibidos y categorizados, pero que no dejan de lado la experimentación de sus límites y posibilidades, que juegan con la capacidad propia de construirse y destruirse.

Trabajos que lidian con la necesidad de nuevas corporalidades y formas escénicas desde una perspectiva que no resalta únicamente los beneficios de asimilar estos haceres y discursos, sino que también reivindican y exponen el placer, el esfuerzo, la violencia y la incertidumbre que supone el proceso continuo de trasladarlos al cuerpo material, de trabajarlos desde la experiencia corporal.

Cuerpos con piel, vísceras, cuerpos con orificios, cuerpos en los que el placer, lo sensual y el dolor mental y físico se entrelazan. Y que cuestionan el poder de lo cultural y sus normas. Cuerpos en fiesta, en dedicación, en pregunta constante, que se exponen para ser compartidos y celebrados.

Partiendo de su propia necesidad hacia un discurso más experiencial que teórico, Aitana Cordero propone un juego al crear este festival. Extraer de su propia vivencia y de su trabajo como coreógrafa y creadora de espacios y cuerpos sus principales obsesiones y temas recurrentes, sus propias maneras de entender lo escénico, el cuerpo y el “recibir como público” para después vincular cada aspecto con otras artistas que la han inspirado en los últimos años y así crear el programa.

De esta manera surgen estos temas que pretenden tocarse y cuestionarse durante el festival:

la INTIMIDAD,

la VIOLENCIA,

la OBJETUALIDAD,

la SENXUALIDAD,

la DECONSTRUCCIÓN como estrategia constructiva,

y el COMPARTIR, el compartirnos.

Además, como una de sus actividades principales, antes del festival se desarrollarán los talleres de preparación a Cuerpa, en los que Aitana Cordero trabajará con varios grupos de personas sin experiencia previa en las artes escénicas, con la danza o con el arte, en dos barrios y contextos distintos de Madrid. Para ello el festival colaborará con la Casa San Cristóbal de la Fundación Montemadrid y la Universidad Carlos III (Leganés y Getafe).

Entre los objetivos de estos encuentros está dialogar con unas receptoras nuevas, crear un inventario de preguntas y reacciones y construir un espacio para explorar nuevas herramientas con las que enfrentarnos a la recepción escénica y al compartir-nos con otros cuerpos. Durante el festival, La Casa Encendida colaborará con Fundación Instante y Casa de las Alhajas, espacios que acogerán parte de la programación.

Proyecto realizado con el apoyo del programa de ayuda a festivales del Ayuntamiento de Madrid.

Programa

Del 19 al 27 noviembre “A Cuerpa”, talleres con Aitana Cordero.

03 y 04 diciembre “In Many Hands”, de Kate McIntosh.

05 diciembre Muestra de proceso “Lands of Concerts”.

06 y 07 diciembre “Dream Hostel”, de Mala Klein.

07 diciembre “Tamago (egg)”, de Jija Sohn.

09 diciembre “Una lucha transformadora”, con Florentina Holzinger y Btisame Amadour.

10 diciembre “RECOVERY”, de Florentina Holzinger.

14 diciembre “21 pornographies”, de Mette Ingvartsen.

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Carlota Mantecón

29 de noviembre en La Mutant (Valencia)

Si suena me incita a mover. Si me muevo suena. Cuerpo. Cuerpo. Cuerpo. Si lo escucho me modifica. Tiempo, beat o resonancia. Si lo escuchas, te modifica. Martillo, yunque, estribillo. Si lo activo construyo. Si lo conecto se amplifica. Si me voy se acopla.

Un solo de danza. Un dúo sonoro.

¿Cómo escuchamos la imagen de un cuerpo en movimiento? ¿Cómo visibilizar el sonido que nos percute? ¿Cómo lo acústico condiciona lo visual? La compañía canaria Carlota Mantecón presenta en La Mutant “Esto no es una prueba de sonido”, una creación que pasa por la auto-exploración corpóreo-sonora; la construcción del sonido en movimiento hecha imagen; y la ausencia, como fuerza generadora de algo que va más allá del propio cuerpo.

La pieza viene de la mano de Circula! Tren de Creación en Danza, un proyecto estatal promovido por siete asociaciones de profesionales de la danza nacionales y cuyo fin es promover el movimiento y la circulación de compañías, coreógrafas y bailarinas asociadas entre las diferentes comunidades autónomas.

Ficha técnica

Creación y concepto · Carlota Mantecón

Performer y bailarina · Carlota Mantecón

Sonido y concepto · Luz Prado

Diseño de Iluminación · Cristina Bolivar y David Picazo

Fotografía · Javier Pino

Vídeo · Sergo Méndez

Agradecimientos · L’estruch (Fabrica de creacio de las arts en viu), Centro Párraga (Murcia), Teatro Victoria (Tenerife), Laura Llaneli y Daniel Rosado.

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22 de noviembre en La Laboral

Le Comité (La Asamblea) es una obra de ciencia-ficción que mezcla creación multimedia, robótica de bajo presupuesto, música electrónica, poesía algorítmica e inteligencia artificial en tiempo real. Es la primera obra escénica del creador asturiano Daniel Romero y está interpretada por la actriz Nuria Lloansi.

En un futuro no muy lejano, el nuevo Gobierno Central campa a sus anchas en el Primer Mundo Unificado. Este gobierno, creado por empresas tecnológicas y científicos mercenarios, está formado por 5 entidades electrónicas que han sido entrenadas para comportarse y responder como el personaje histórico al que representan: Emily Elizabeth Dickinson, Michael Joseph Jackson, Elon Musk, Annelies Marie Frank y Slavoj Žižek. Pero no gobiernan sin problemas… el grupo terrorista neo-ludita GLODO (Grupo de Liquidación y Derivación de los Ordenadores) intenta destruirles desde su base en alguna pequeña ciudad del norte de España.

Daniel Romero es un creador multimedia y músico nacido en Avilés (Asturias) en 1978. Su carrera profesional ha estado enfocada en la experimentación digital a partir de sus conocimientos en hardware- software libre y en la creación interactiva usando motores de videojuegos. Como músico, bajo el pseudónimo “dot tape dot” , ha editado discos durante los últimos 15 años  en discográficas como Nature Bliss (Tokyo, Japón), Other Electricities (Miami, EEUU), Aspic Records (Lyon, Francia) o SpaR.K (Barcelona, España) y realizado performances audio-visuales por todo el mundo. Su trabajo instalativo se ha centrado en la creación de sistemas musicales algorítmicos y generativos a partir del procesamiento de datos en tiempo real , como en “qlux puba – música para 200 brincadores” (Arenas Movedizas 2010) o “Xixón Sound – Allegro para una flotilla de autobuses” (Premio Arte Digital Asturiano Galería Avaart, 2013). Además, en colaboración con el artista gráfico Fernando Gutiérrez ha recibido el Premio ABC de ARCO (Madrid, 2011) y el Premio VIDA –  Arte y Vida Artificial de Telefónica (Madrid, 2014). Desde 2009 hasta 2014 codirigió la radio-libre para jóvenes del Servicio de Juventud del Ayto. de Avilés. En 2013 puso en marcha el Laboratorio de Sonido de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y hasta recientemente ha sido el responsable del Departamento de Creación Digital del Centro Dramático Nacional de Montpellier. Desde 2008 ha trabajado como diseñador sonoro, actor o creador digital para compañías teatrales como La Carnicería (Rodrigo García, España), Colectivo84 (Lisboa) o Luis Garay (Buenos Aires). En 2019 presenta su primera obra escénica, “Le Comité”, una historia de ciencia-ficción que mezcla técnicas de inteligencia artificial, robótica y creación multimedia interactiva en tiempo real.

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Teatre Lliure

La compañía residente de esta temporada es el colectivo Mos Maiorum, formado por Mariona NaudinIreneu Tranis Alba Valldaura. Turba, con el acompañamiento de María García Vera y Nicolas Chevallier, es un trabajo de investigación con el que indagan los mecanismos que hacen posible la movilización de masas. Este work in progress culminará en el año 2020 en forma de espectáculo.

Esta propuesta se muestra en dos partes.

parte 1. Anatomía de la turba / miércoles y jueves 18h.
parte 2. Propuesta escénica: Turba / de viernes a domingo 18h.

+ info y entradas

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Macarena Recuerda Shepherd

17 de noviembre a las 19h en Hiroshima

En ¡AY! ¡YA! Macarena Recuerda, a partir de juegos ópticos y de la escenificación de cuerpos imposibles y moldeables, estimula nuestra imaginación con el objetivo de que percibamos distintas posibles realidades. Así pretende poner de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos. ¡AY! ¡YA! es un ejercicio sobre la construcción de la mirada y la percepción. A medio camino entre el arte visual y la performance esta pieza nos sorprenderá con cada gesto.

>Más info y entradas

Idea: Macarena Recuerda Shepherd
Interpretación: Idurre Azkue y MacarenaRecuerda
Creación: Idurre Azkue, Alberto de la Hoz, Macarena Recuerda Shepherd y la colaboración de Sofía Asencio
Banda sonora: Alberto de la Hoz
Vestuario: H-intercalada
Iluminación: Conrado Parodi
Ilustración: Josunene

Una producción de Antic Teatre
Con el apoyo del Gobierno Vasco y el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya
Colabora: Grec Festival de Barcelona, Festival BAD de Bilbao, El Graner – Mercat de les Flors, Sala Baratza, La Fundición Bilbao e Histeriak

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Del 22 al 24 de noviembre en La Mercè, Girona.

El spin off de LA PLAZA (Premio de la Crítica 2018) desmonta convenciones teatrales con la firma de uno de los colectivos más innovadores de la escena catalana.

A un proyecto de El Conde de Torrefiel se debe ir abierto a la sorpresa y la curiosidad. Su obstinación con el derribo de fronteras y etiquetas continúa con KULTUR, spinoff de LA PLAZA, montaje que flirteaba con la instalación museística y que fue galardonado con el Premio de la Crítica 2018. Esta idea de la performance también domina esta nueva propuesta que enfrenta al espectador a una escena en apariencia realista (un casting que exige una escena de sexo explícito) para crear una experiencia íntima y subjetiva, para que adopte, ayudado por la oscuridad y unos auriculares, la posición de un voyeur que espía una situación que crece en intensidad.

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/kultur/

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Teatros del Canal, Sala Negra
Del 19 al 22 de noviembre, de 18.00 a 20.30h
Día 23, de 12.00 a 13.30h y de 18.00 a 20.30h
Día 24, de 12.00 a 13.30h y de 17.00 a 19.30h

En el centro del escenario, un gran bloque de archivadores parece flotar en la oscuridad. Alrededor, los archiveros abren y cierran cajones, absortos en su pulsión clasificatoria. El sentido común nos dice que, para resolver un problema complejo, el primer paso es segmentarlo y categorizarlo. Pero no podemos dividir la realidad en cajitas o compartimentos estancos que no se ven afectados por los demás. Cerrar un cajón es abrir otro en algún otro lugar.

“ La insostenibilidad no surge de la ignorancia, la irracionalidad o la avaricia. Es, en gran medida, consecuencia colectiva de decisiones racionales y bien intencionadas tomadas por personas atrapadas en sistemas -que van desde familias y comunidades hasta corporaciones, gobiernos y economías- lo que hace que sea difícil o imposible actuar de manera totalmente responsable ante todos aquellos afectados, en el presente o en el futuro.

Lo que rara vez se nos dice es que las soluciones están tan interconectadas como los problemas que una acción a favor del medio ambiente puede enviar oleadas de efectos positivos tan determinantes como la cadena de catástrofes que resulta de un desastre ambiental”.
Dana Meadows

El teatro inmersivo hace su aparición en el 37º Festival de Otoño de la mano de la compañía Serrucho, que nos habla de los límites del planeta, el solucionismo tecnológico, la teoría de juegos, la bachata o el romanticismo biológico.

ARCHIVO es una experiencia emocional que permite al espectador vivir los efectos inesperados que tienen nuestras acciones, para los demás, para el planeta y para nosotros mismos.

Una creación que sitúa al público en el centro de la propuesta escénica y que transforma a los espectadores en archiveros que manipulan los cajones de la instalación.

“La primera imagen en color de la Tierra desde el espacio la tomaron los astronautas del Apollo 8 hace solo 50 años. Fue como mirarnos al espejo por primera vez. Vimos algo que ya conocíamos, pero que no entendíamos del todo: que la Tierra es única y muy pequeña. Que, realmente, flotamos en el espacio todos juntos, sobre una canica azul. Comprendimos que nuestros problemas son los de la humanidad entera y que nuestros desafíos tienen escala planetaria.

Si un problema es demasiado grande, lo dividimos, lo clasificamos y lo guardamos en cajones. Alguien antes que tú ha metido este problema aquí y ha querido dejarlo para más adelante. No le habrá parecido urgente, o habrá pensado que no es un problema.
Será mejor que lo dejemos ahí; seguro que viene alguien más tarde que quizás pueda ocuparse de ello”.

Así comienza este viaje guiado alrededor de un monolito opaco, una “caja negra” de la que solo conocemos sus intputs y outputs. Manipulando sus cajones, los participantes descubrirán historias grandes y pequeñas, hasta darse cuenta de que cada acción que ejecutan no es aislada: cada decisión individual influye directamente en la experiencia de los otros. Su historia condiciona la de los demás, así como la de sus compañeros la suya.

Serrucho son: Ana Cortés, Raúl Alaejos y Paadín
Creación, realización y construcción: Serrucho
Maqueta: Llorenç Pérez
Tres en raya: Guillén Bayo y Abelardo Gil-Fournier
Diseño de luces: Antoine Forgeron
Agradecimientos: Luis Alaejos, Catalina Álvarez Zarate, Sofía Asencio, Tomàs Aragay, Nikita Bashmakov, Rafael Carvajal, Norka Cosamalón, Ricardo Cortés, Gavina Ligas, Iván Pérez, Peet Kelly, Carmen Segovia y Taller 57
Coproducción: Serrucho y Fundación COTEC

Más información: http://www.madrid.org/fo/2019/archivo.html

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21 de noviembre, Azkuna Zentroa

La compañía escénica La Tristura presenta su último montaje, Future Lovers. Una reflexión en torno a la juventud, los sueños y las expectativas que se cumplieron y las que no, a través de los ojos y el pensamiento de un grupo de millennials.

En Future Lovers seis jóvenes nacidos en torno al año 2000 hablan entre ellos y ellas y hacia el mundo. Es una noche de verano a las afueras de una gran ciudad, en la que un grupo de amigos, quizás en el paso del instituto a la universidad, han quedado para beber, bailar, hablar y besarse.

Viéndoles simplemente estar y comportarse, como si nadie les estuviese mirando. El objetivo es «crear una burbuja, un nido, que al ser visto desde fuera nos apele directamente, nos obligue a volver a ese momento de nuestra vida», explican desde la compañía. La pieza invita a cada persona observadora a encontrar las siete diferencias con respecto a su adolescencia, a su juventud, para que decida cómo relacionarse con una cuestión siempre compleja: ¿Cuáles eran las expectativas que tenía de mi propia vida? ¿Se cumplieron? ¿Estaba equivocado entonces o quizás lo estoy ahora?

La Tristura trabaja alrededor de las artes escénicas contemporáneas, tratando de generar “situaciones” dentro y fuera del escenario, desde hace más de 10 años. «Entendemos la escena como un lugar de investigación desde el que amplificar las posibilidades de la vida», explican. Future Lovers responde a este interés. «Si no resulta sencillo encontrar una situación para relacionarnos de forma libre y profunda con los adolescentes, con los futuros líderes y los futuros amantes, queremos hacerlo en escena, intentando generar una experiencia común que, con suerte, nos revele algo de nuestro pasado y de nuestro futuro».

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/az/cast/inicio/agenda-4/la-tristura-future-lovers-/al_evento_fa

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