— MuroTRON

29, 30 y 31 de octubre en La Mutant

AHORA es un espacio para compartir tanto prácticas vinculadas a la investigación artística como investigaciones vinculadas a la práctica en el campo de las Artes Vivas. AHORA es un contexto de tres días de duración para aprender a través de los dispositivos, mecanismos, preguntas y demás herramientas que los artistas utilizan para llevar a cabo su trabajo.  AHORA pone especial énfasis en el carácter comunitario y relacional que aportan las Artes Vivas. Este tipo de disciplinas donde el cuerpo y la presencia son esenciales para su desarrollo tienen hoy en día una vigencia extraordinaria y un papel fundamental para abrir preguntas sobre lo que nos está pasando. AHORA aborda los nuevos retos que nos marca una actualidad incierta y ultrarrápida donde los artistas pueden ayudarnos a entender mejor lo que sucede.

AHORA ARTES VIVAS, organizado por APDCV (Associació de Professionals de la Dansa de la Comunitat Valenciana), COMITÈ ESCÈNIQUES (Associació de Creadors i Creadores d’Arts Escèniques Valencianes) y TALLER PLACER.

JUEVES 29/10

10h: TALLER LA INVESTIGACIÓN EN LA PRÁCTICA ARTÍSTICA, con Victoria Pérez Royo. Duración: 4 horas. Aforo: 40 personas

17h: PIEZAS, ARQUITECTURAS Y FETICHES. Un recorrido por las arquitecturas de La Ribot, con Jaime Conde Salazar. Duración: 1 hora. Aforo: 40 personas

Precio día 29: 10€. Con la entrada de ese día, tienes 2×1 para Los Torreznos (30 o 31 de octubre) solamente en taquilla.

VIERNES 30/10

10h: LA COMIDA, con Mariví Martín. Duración: 4 horas. *Cada asistente debe traer consigo un delantal y un cuchillo de corte. Cualquier alergia alimentaria o dieta específica habrá de ser comunicada al mail lacuinafurtiva@gmail.com antes del 23 de octubre. Esta actividad requiere disponibilidad para caminar durante unos 30 minutos. La actividad no se realiza en La Mutant.

Aforo: 20 personas

17h: EL PASEO, con Fermín Jiménez. Esta actividad requiere disponibilidad para caminar durante unos 30 minutos.

Precio día 30: 10€. Con la entrada de ese día, tienes 2×1 para Los Torreznos (30 o 31 de octubre) solamente en taquilla.

Aforo: 20 personas

SÁBADO 31/10

10h: GESTIÓN DE ARTES VIVAS: CONVERSACIÓN EN TORNO A LOS CUIDADOS EN LOS PROYECTOS CULTURALES DESDE LAS INSTITUCIONES PÚBLICAS, con gestores invitados. Modera: Mónica Pérez. Duración: 4 horas. Aforo: 40 personas

16h: EL FANZINE, coordinado por Dani Sanchís. Duración: 3 horas. Aforo: 40 personas

Precio día 31: 10€. Con la entrada de ese día, tienes 2×1 para Los Torreznos (30 o 31 de octubre) solamente en taquilla.

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De Annika Pannitto

31 de octubre en DT Espacio Escénico

Empiezo una práctica curiosa.

Entiendo los riesgos de entrenar la mente y la imaginación para ir a visitar la danza, para salir del camino conocido y encontrar lo inesperado.

Pedazos de espacio, pedazos de tiempo.

Ficha artística

Creación e interpretación: Annika Pannitto
Proyecto en residencia en el Centro de Artes La Praga
Gracias a Paula Cueto, Óscar Cornago, Javier Arbizu y Nazario Díaz

Las sesión se llevará a cabo en formato de jornada distendida para mostrar materiales, seguida de los consecuentes debates, cambios de impresiones, devoluciones y comentarios entre participantes.

Aforo reducido. Entrada libre previa reserva a reservas@dtespacioescenico.com

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Rompo
la garganta
que hicieron
penetrar
en mi cuerpo

Lupe Gómez, Desobediencia, 1995

El Museo Reina Sofía presenta la segunda edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos (piezas escénicas, conferencias performativas, acciones, lecturas, conversaciones), fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el área de la coreografía y la performance.

En torno a cuestiones sobre la capacidad de hablar y de decir, sobre la violencia que implica la toma de la palabra, y el uso y cuestionamiento de la voz propia o ajena, fingida o simulada, cuando se agita en el incierto límite entre lo que se considera una verdad o una mentira, esta edición de ESTUDIO se propone imaginar nuevas formas de escucha y de reconocimiento. Detenerse ante la percepción de voces y sonidos –aparentemente no humanos, producidos desde un cuerpo humano– y entregarse a la tentativa de un salirse de sí –salir del verbo y del lenguaje, romper la asimetría entre forma y contenido– para buscar un ritmo mental, vital, un soplo duradero y compartido.

A lo largo de una tarde, se presentan las investigaciones de cuatro artistas cuyo hacer se vincula con la voz, invitando a un viaje inmersivo por los límites donde la palabra emerge, un casi decir o un sin decir. Adentrarse en un medio desde el imperceptible rugir de un breve espasmo, un sonido que alienta y que se hace lento hasta convertirse en canto, en llanto, en la agitación física de unos fonemas, de unos gestos como si fuera solo un animal, un esfuerzo sobre-lingüístico, para vivir nuestras relaciones desde una incertidumbre y una vibración.

En una condensación de intensidades, se propone una travesía por tres espacios del Museo: una de las salas de la Colección en el histórico Edificio Sabatini, antigua sede del Hospital de San Carlos fundado en el s. XVIII; su jardín, y la Sala de Protocolo en el contemporáneo Edificio Nouvel. El programa se completa con una sesión previa en forma de conversaciones con los artistas participantes para acercar estos ensayos a sus zonas de estudio.

 

PROGRAMA

Martes 20 de octubre, 2020 / De 10:00 a 14:00 h

Edificio Nouvel, Sala de Protocolo

ESTUDIO en conversación

 

Jueves 22 de octubre, 2020 / De 17:00 a 21:00 h

Sesión 1 / Edificio Nouvel, Sala de Protocolo

Los aires llevan mentiras. Niño de Elche

Duración: 40’

 

Sesión 2 / Edificio Sabatini, Sala 102

Tutuguri. Flora Détraz

Duración: 25’

 

Sesión 3 / Edificio Sabatini, Jardín

Souffle(s)! [delirios de (un) jardín]. Loreto Martínez Troncoso

Duración: 35’

 

Sesión 4 / Edificio Sabatini, Sala 102

Háblame, cuerpo. Nazario Díaz

Duración: 50’

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Imagen de Mila Ercoli

De Bárbara Sánchez

16 y 17 de octubre en La Casa Encendida

La pieza propone un acercamiento feminista al arquetipo cristiano de María Magdalena partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao o la idea mística del éxtasis.

Bárbara Sánchez encarna la figura de La Gran Amante. Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y lo autorreferencial. María Magdalena es capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan. Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer blanca y privilegiada que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo.

Bárbara Sánchez es coreógrafa, bailarina y actriz. Nace y vive en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla, ampliando su formación por distintos lugares europeos con maestros y coreógrafos tales como Philippe Gaulier, Enrique Pardo, Germana Civera, Julyen Hamillton o Ivo Dimchev. Como bailarina, ha formado parte de las compañías andaluzas Manuela Nogales, La Tarasca o La Cuadra de Sevilla. Ha creado las obras A la vuelta de la esquina (2003); El jardín de atrás (2005); Plutón no es un planeta (2008); Gala Fantoche (2010), creada junto a Roberto Martínez; Ahuyéntanos este furor (2011); La satisfacción del capricho (2013); Electrohumor (2016), creada junto a Jaime Conde-Salazar; Somewhat paler (2016); y Várvara (2019). Ha trabajado también con otros artistas como Abraham Hurtado (Ignición), Societat Doctor Alonso (El desenterrador) o Meg Stuart (Atelier III).

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16 y 17 de octubre en La Fundición (Bilbao) dentro del Festival BAD

La máquina de mirar era el nombre que recibía aquellos objetos del S. XIX que a través de espejos y obturadores creaban ilusiones. En la pieza The Watching Machine “la máquina” es la propia caja escénica. En ella jugamos con la luz, las sombras y los reflejos para experimentar qué es ilusión, qué es representación y qué es convención teatral.Una pieza compuesta de pequeñas instalaciones donde se ficciona la luz y las sombras a través de ilusiones ópticas.

Macarena Recuerda Shepherd es una artista visual y escénica. En 2010 “Thatʼs the story of my life”, película autobiográfica realizada en directo. En 2012, “Greenwich Art Show”, un documental realizado en directo. En el 2013: “Whose are those eyes?”, Sit specific e intervención urbana. En 2015: «El Experimento Ganzfeld». HPC Consonni (Bilbao), En 2016: «Collage y Acción», un laboratorio intergeneracional donde se crea un espacio común tanto para divertirnos como para la investigación artística. En 2018: ¡AY! ¡YA! danza performance que trabaja a través de efectos ópticos para todos los públicos.

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Del 15 al 17 de octubre en Teatro Pradillo

Creación: Talia de Vries y El Manisero
Asistencia a la dirección artística: Ricardo Santana y Johann Nöhles
Intérpretes: Ricardo Santana, Oihana Altube Lorea, Raúl Marcos y El Manisero (Vicente Colomar)
Iluminación y espacio sonoro: Óscar Villegas

Esta es la primera vez que la actualidad de un proyecto genera en nosotras tantos sentimientos encontrados. Por un lado el lógico entusiasmo y las ganas que un proyecto nuevo nos genera, pero por otro la desazón y la tristeza de la dramática realidad que vivimos y que otorga su actualidad a este proyecto, cargándolo de sentido. La Quietud estudia la detención, el parón, estudia lo que pasa cuando nos detenemos, cuando no sabemos ya que decir, que hacer. Estudia el momento justo en el que nos quedamos congelados sin palabras. La Quietud es una colección de escenas cotidianas en las que los cuerpos y los objetos se han quedado congelados, inmóviles, aunque pude que esto, tras un rato de atención, no sea tan cierto. La realidad siempre se mueve.

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De El Conde de Torrefiel

16 y 17 de octubre en La Mutant

l Conde de Torrefiel se ha dado a conocer por sus trabajos a veces incómodos, sobre la tensión entre lo individual y lo colectivo y la frágil configuración de la sociedad occidental, y así observar las formas en las que se manifiestan los sentimientos que provocan nuestro tiempo. El dúo formado por Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, hace uso de textos proyectados, que se articulan tanto como juegos narrativos de simulación futuristas hasta consideraciones y juicios intimistas parecidos a soliloquios en un diario. Los textos revelan estados propios de una generación insegura en una pretendida libertad, textos que se oponen a la puesta en escena de coreografías minimalistas y sonidos evocadores.

KULTUR se presenta como un trabajo lejos de la convención teatral para dar paso a una instalación performativa donde el espectador toma el punto de vista de un voyeur total, ante la imagen de una escena incuestionablemente explícita en el espacio realista de un casting y la escucha del florecer sin control de los pensamientos inconexos de una escritora en busca de una pista frente a la página en blanco. KULTUR evoca el estremecimiento frente a la desnudez en su sentido más frágil, oscuro y humano.

Ideado y creado por El Conde de Torrefiel Dirección Tanya Beyeler and Pablo Gisbert Texto Pablo Gisbert Intérpretes Jane Jones, Sylvan, Arno Genista Diseño escenográfico El Conde de Torrefiel & María Alejandre Atrezzo y Vestuario María Alejandre Diseño de Sonido Adolfo Fernández García Dirección técnica Isaac Torres Voces Victoria Macarte (Inglés), Margarita Göbel (Alemán) Traducción Victoria Macarte (Inglés), Martin Orti (Alemán) Producción El Conde de Torrefiel Co-producción Donaufestival (Krems), Gessnerallee (Zürich) Difusión & tour management Caravan Production

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En este ciclo de artes escénicas, comisariado por Julián Pacomio para la Sala Amadís, participarán los artistas Ángela Millano, Xavier Manubens, Ignacio de Antonio Antón, Nazario Díaz, Víctor Colmenero Mir y Laia Estruch. Son 6 solo performances que convivirán entre ellas, simultáneamente, en el mismo espacio de presentación. Es decir, solos, que van a coexistir con otros solos en el mismo espacio y tiempo. Las presentaciones se articulan sobre la idea de ver, leer y contemplar dos cosas al mismo tiempo, de dejarte seducir por dos acontecimientos que suceden juntos y cercanos pero independientes.

El 8 de octubre tendremos el evento #1 con Ángela Millano y Xavier Manubens. En la pieza de Ángela Millano observamos cómo transformar un armario en un ataúd. Un cuerpo que en su vitalidad constructiva es interrumpido por la inevitabilidad de la muerte. Millano desembala pieza por pieza todos los utensilios y materiales que vienen dentro la caja de cartón recién llegada de los almacenes de IKEA. De manera minuciosa, paso a paso, despliega en el espacio cada maderita, cada balda, cada tornillo, y sin más, con su martillo, percutiendo golpes, construye un ataúd. ¿Y tan parecidos son un armario y un sarcófago? Pues igual sí. Al mismo tiempo, en el mismo espacio, Xavier Manubens lija una silla de madera hasta hacerla polvo. Con ayuda de una herramienta mecánica va puliéndola hasta hacerla desaparecer, hasta pulverizarla y deshacerla en pedazos pequeños. La silla, mueble básico y funcional por antonomasia, objeto destinado a sujetar un cuerpo siempre, ahora, no solo sirve para estar sentado, sino para establecer una relación dinámica, para conversar con ella, para adquirir posiciones acrobáticas, gimnasias y contorsiones.

En el evento #2, que tendrá lugar el 30 de octubre, veremos a Ignacio de Antonio Antón y Nazario Díaz. En la pieza de Ignacio Antonio Antón la puerta que da acceso a la sala obliga a la audiencia a recorrer y atravesar el espacio vacío. Ignacio De Antonio Antón aparece como un cómplice más que como un performer, que se nos acerca y se aleja, que nos susurra algo al oído y luego desaparece. Tenemos a un performer que es una suerte de cómplice o dealer para el público, tenemos una pieza con un dealer cuyo producto y cuya sustancia es la coreografía. Tenemos un dealer de la coreografía para la audiencia. En este traficar hay cosas que suceden y que no consigues mirar todo el tiempo, hay cosas que le pasan a los otros y que no te pasan a ti, hay cosas que suceden fuera y otras dentro de la sala. A la vez, también dentro y fuera del cubo blanco, está Nazario Díaz, vemos un cuerpo en un acto sutil que con sólo su presencia (y ausencia) lleva a cabo toda una transformación fonética, un flujo vocal que se hace presente a medida que la performance avanza; aparece la voz y desaparece el cuerpo (la idea del borrado a través de la insistencia) y coloca su cuerpo en colisión con el lenguaje, pirotecnia vocal y pirotecnia corporal. En ese juego de voz parece activar casi-palabras, parece casi-decir-cosas. Insiste, insiste en ese decir-no-decir, y entiendes alguna frase pero a la vez no entiendes nada, y le sigues y acompañas en ese hablar-y-no-hablar.

La última sesión, el 12 de noviembre, veremos a Víctor Colmenero Mir y a Laia Estruch. En esta ocasión lo sonoro es lo importante. El oído más allá del oído. La performance y el sonido. Lo sonoro y el concierto. Los conciertos y los instrumentos que no son instrumentos que son esculturas que son objetos. En el tercer evento tenemos a Víctor Colmenero Mir como un músico-performer-zahorí que busca un pozo de agua y sonido; y tenemos a Laia Estruch con un abrevadero que no es para beber sino que es para cantar y que lo se que canta en el abrevadero es cantarle al agua con el agua. Este encuentro tiene la potencia de ver en común dos trabajos con la intensidad vibracional como el protagonista. Dos acciones que oscilan entre lo tangible y lo intangible. Dos performances que navegan entre las ondas sonoras, el temblor y los acoples. Dos músicas sobre lo táctil, lo háptico y sobre escucha más allá del oído, la escucha con el cuerpo entero.

Lugar: Sala Amadís Injuve (c/ José Ortega y Gasset, 71. Madrid)

Aforo completo. Lista de espera a través del correo creacioninjuve@injuve.es

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De Sergi Faüstino

10 y 11 de octubre en La Fundición (Bilbao)

Recorrido por la «historia» personal de un cuerpo. El cuerpo de Sergi Fäustino. Una «historia» personal que narra el desarrollo, a través del tiempo, de la conducta de este cuerpo, de sus luchas por sobrevivir, de su relación con el entorno; un espacio corporal que se expone –desde su naturaleza de espacio biológico deteriorable, vulnerable y caducable- junto con las huellas de la historia vivida, para mostrar lo que fue, lo que es, y para especular sobre lo que podrá ser.
La intención no es autobiográfica. Se ha utilizado información de primera mano para elaborar el contenido y después llevarlo a un general -o universal-, de forma que este cuerpo del cual se habla podría ser el de cualquier persona que lo esté observando mientras baila.
En el recorrido que proponemos, vamos a transitar por la memoria que queda inscrita en el cuerpo; tanto los cuerpos que hemos sido, que de alguna manera contenemos y nos conforman, como las huellas que deja la interacción con los espacios y las personas que nos rodean.
La propuesta pretende poner sobre la mesa una visión desde el cuerpo y a través del cuerpo, con la conciencia que es importante que esta visión exista -junto con otras muchas-, en un momento en que la tendencia es ir hacia una visión única. Resumiendo: es una celebración del cuerpo, del movimiento y de la danza.

Sergi Fäustino es uno de los creadores imprescindibles de la escena contemporánea nacional desde el estreno de ‘Nutritivo’ en 2002. Su investigación sobre el cuerpo, el cansancio y los límites físicos atraviesa de manera continuada su trabajo de los últimos 10 años con una profundidad, compromiso y coherencia difíciles de encontrar en el panorama actual y por eso mismo, extremadamente valiosas. Sergi ha pasado por muchas etapas como creador, ha presentado su trabajo en ‘Radicals Lliure’, en las programaciones y proyectos de La Porta Barcelona, en el festival «Citemor» de Portugal, o en el festival ‘El lugar sin límites’ del CDN. Como creador ha ido evolucionando, profundizando y clarificando sus líneas de interés hasta llegar a una depuración que va mucho más allá de la forma o del estilo, un posicionamiento ético como creador.

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El miércoles 7 de octubre a las 20h arranca la temporada de artes en vivo de Azkuna Zentroa con el estreno de “Loser”, de la compañía OSA+MUJIKA, creado durante la Residencia de Danza Contemporánea 2019 en Azkuna Zentroa y en Dansateliers Rotterdam, a través del acuerdo de colaboración e intercambio con el centro de creación y exhibición de danza contemporánea holandés.

OSA+MUJIKA nace del encuentro artístico entre Jaiotz Osa y Xabier Mujika, y suma dos mundos creativos como la danza y la escenografía/vestuario. Su pieza “Loser”, es una reflexión sobre los milenials, sus relaciones sociales, su dependencia con las redes, y las expectativas de la sociedad: «Me dijeron que era especial, todo el tiempo. Me dijeron también que tendría todo lo que quisiera en la vida, solo por quererlo. Caí en el mundo real y en un instante supe que ni soy especial ni tendré todo lo que deseo solo por quererlo. La necesidad de mostrar una vida perfecta y sin problemas y la necesidad de aceptar un mundo que no es real, en busca de un camino que cubra el vacío infinito. Eso es lo que sentimos las personas Millenial, una generación criticada que oculta la verdad profunda: la insatisfacción».

A través de un lenguaje coreográfico muy físico y siempre partiendo del cuerpo, OSA+MUJIKA explora nuevas formas de expresión trabajando con mucho cuidado la dramaturgia, además del movimiento y la coreografía.

Según los artistas, «el objetivo de esta pieza es presentar al verdadero millenial, con todas sus características. Este personaje, luchará por sus sueños y objetivos, sintiendo al mismo tiempo una gran frustración y rabia. Los cambios en estos conflictos internos del personaje se reflejarán en las diversas escenas de la pieza. Así, mientras algunas están llenas de positivismo y euforia, en otras el fracaso será el protagonista».

La compañía OSA+MUJIKA está formada por Jaiotz Osa y Xabier Mujika. Osa es bailarín y coreógrafo y Xabier Mujika diseñador de vestuario y espacio escénico. Entre los dos crean un equipo cuyo objetivo es narrar historias visuales; la finalidad es crear todas esas imágenes que rondan en sus cabezas, darles forma y sentido, y llevarlas a cabo tanto a nivel de movimiento como en formato audiovisual.

Ficha artística:

Dirección: OSA + MUJIKA
Coreografía e interpretación: Jaiotz Osa
Vestuario y espacio escénico: Xabier Mujika
Iluminación: Alvaro Estrada
Fotografía y vídeo: Alvaro Sau
Loser canciones: Gartxot

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