— MuroTRON

5 y 6 de diciembre en Temporada Alta

El Conde de Torrefiel invita al espectador a un ejercicio escénico para una sola persona. El individuo que entra en este bosque simbólico, que se parece mucho al artificio del teatro, ocupa el rol de intérprete y el de público, consecutivamente. Habrá momentos para mirar en silencio y otros para una coreografía de movimientos. Mirar y actuar, las dos acciones básicas del acto teatral. Una reflexión sobre la convención teatral y sobre cómo entendemos la realidad. Una de las compañías catalanas más inclasificables, rompedoras y con más proyección internacional ofrece un experimento sobre el deseo de mirar aquellos mundos artificiales que hemos creado. 

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Del 10 de julio de 2020 al 7 de febrero de 2021 en el MACBA

Si la década de 1980 representó en Europa una vuelta al orden, a la reivindicación de cierta formalidad en el arte, a los formatos convencionales de la pintura y la escultura ampliamente aceptados por el mercado, la de 1990 retomó gran parte de las experiencias conceptuales de décadas anteriores. De esta manera, se recuperaron prácticas relacionadas con el cuerpo humano a las que conjuntamente denominamos arte de acción. En España adquirieron aún mayor relevancia, con iniciativas múltiples que han ejercido un inmenso impacto en el arte desde entonces hasta la actualidad. Ese arte de acción se expresó frecuentemente en forma de performances –que acostumbraban a circular en ámbitos muy restringidos, en festivales o encuentros‒ y su expresión más heterogénea, que se ha venido a denominar performatividad.

Es el momento de revisarlas en su conjunto y entender su gran importancia: no solo porque la historia de esos años está aún por escribir, sino porque un buen número de artistas jóvenes beben directamente de ellas, a menudo sin saberlo. También es una ocasión para un replanteamiento de la institución, analizando cada una de las tareas habituales del museo, desde el acto de comisariar hasta la forma de comunicar. La interacción con la audiencia vive una renovación fundamental: el rol del visitante pasa de observador a activador. Todo ello en el marco de una era –prefigurada en la biopolítica de Michel Foucault, en el deconstructivismo de Jacques Derrida o en el pragmatismo de John L. Austin‒ en la que el cuerpo humano se establece otra vez como el lugar por el que transitan un buen número de tensiones emocionales y se reclama la condición política del ser. Somos porque ocupamos un espacio, porque actuamos y somos reconocidos en él.

A través de distintos nodos, Acción recorrerá esta época rastreando algunas de sus obras fundamentales. Además, incluirá documentación y material audiovisual mayoritariamente inédito que recupera aquellas experiencias. El resultado es una exposición densa, con múltiples extensiones históricas y contemporáneas, que ayudará a interpretar de forma mucho más precisa el arte de nuestro tiempo.

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17 de diciembre en Azkuna Zentroa

La artista Janet Novás y la compositora Mercedes Peón, colaboran en esta propuesta escénica sutil sobre lo común sensible. Juntas exploran las relaciones particulares que existen y se establecen entre “su danza y su música”.

Entre instrumentos, recuerdos, canciones y bailes afloran conceptos en diferentes estados de latencia. Algunos de ellos, de gran contenido socio-político, están presentes en los materiales, desde los “objetos” musicales a los dancísticos o biográficos; otros, conceptos somáticos o experiencias cuánticas, aparecen en los pulsos, los ritmos y los tonos, en las voces y en las dinámicas, en los silencios, en las formas. Mercedes máis eu mira hacia lo colectivo y lo hace desde perspectivas y sensibilidades nada arquetípicas. La pieza, en femenino, es un híbrido dancístico musical plagado de imágenes evocadoras y seccionadas por cuadros, lo que le permite habitar en diferentes arquitecturas o marcos, desde contextos más escénicos a otros más museísticos.

Según las creadoras, «para definir Mercedes máis eu es inevitable hablar de deseo. Ese deseo que encuentra razones para proyectarse más allá del primer encuentro, y devenir re-encuentro, conversación, experiencia, afecto… Persistir en ese deseo, que se actualiza atravesando el proyecto, es incidir en aquello que nos acontece en cada encuentro. Pero también es indagar en lo que nos es propio y en lo que nos es común, que está más allá del sujeto y del territorio. Esa memoria o archivo vivo que se actualiza con el deseo, sustrayéndonos de nuestra propia inmanencia.»

Janet Novás: Bailarina, performer, coreógrafa y docente. Formada en danza contemporánea entre Madrid, Bruselas y Berlín, su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta de trabajo, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Actualmente colabora con diferentes artistas como Pablo Esbert, Mercedes Peón y las diseñadores Zap&Buj, con las que creó su última obra “Imaginé cinco cuerpos y ninguno era el mío”.

Mercedes Peón: Compositora, vocalista e instrumentista gallega, trabaja la música tradicional con múltiples herramientas tecnológicas. Tras profundizar durante 25 años en la tradición gallega, Peón grabó en el año 2000 su primer Álbum como solista, Isué. Le siguieron los trabajos Ajrú (2003), Sihá (2007), Sós (2011), Deixaas (2018), ganando varios premios por sus trabajos. Esta trayectoria hace de ella una de las artistas gallegas más destacadas de principios del siglo XXI.

Ficha artística: Dirección: Janet Novás / Creación e interpretación: Mercedes Peón y Janet Novás / Acompañamiento artístico: Ricardo Santana y Pablo Esbert / Composición musical, concepto y letras: Mercedes Peón / Asistencia en el movimiento: Victoria P. Miranda / Diseño de Iluminación: Cristina Bolívar / Sonido: Ezequiel Orol / Vestuario: Juanita Rodríguez / Producción: Adriana Reyes / Coproductores: Comunidad de Madrid / Con el apoyo: Centro Danza Canal, Graner Centro de Creació, Sede Losdedae

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Elena Córdoba 

12 y 13 de diciembre en la Fundición Bilbao

El nacimiento de la bailarina vieja es la primera parte de un proyecto de investigación y creación en torno al envejecimiento del cuerpo que hemos llamado La edad de la carne. Este proyecto estará formado por una serie de estudios escénicos con tintes de ficción.

La figura de la bailarina ha sido el paradigma de todo lo que puede hacer el cuerpo en pleno uso de sus facultades, incluso de lo que imaginamos que el cuerpo nunca podría hacer. Pensemos por un momento, cuál sería el modelo que podría ofrecer el cuerpo de una bailarina vieja. ¿Sería paradigmático un cuerpo vulnerable, estéril y nada sexi? ¿Sería ejemplar un cuerpo cuya capacidad de dominio es cada vez más limitada? Para acercarnos a estas preguntas decidimos imaginar una criatura ficticia y paradójica: la bailarina vieja. Que nació ya vieja. Una criatura de formas excesivas que ha roto la discreción de lo útil, un ser contraproductivo e infértil y que ni siquiera tiene claras las diferencias entre principio y fin.

El baile de la bailarina vieja se dibuja a través de una carne que nunca ha sido poderosa, en la que, por lo tanto, no existe la melancolía que produce la pérdida, ni tampoco existe la pelea entre lo que fue y lo que es. El cuerpo de la bailarina vieja se entrena para prodigios que nunca podrá realizar. Pero a pesar de todas estas contradicciones, la bailarina vieja tiene una ventaja sobre las demás criaturas, ella baila con sus límites como parte de su propia esencia.

Dispositivos visuales y sonoros

Desde hace meses miro, a través de un pequeño microscopio, materias orgánicas que cambian de estado. A partir de esta observación de la materia en descomposición, el artista visual David Benito y el artista sonoro Carlos Gárate han construido el dispositivo visual y sonoro de El nacimiento de la bailarina vieja.

Los paisajes: fruto de la filmación y el estudio de materia orgánica en descomposición, un proceso controlado metódicamente con la intención de convertirse en imagen. Dicha descomposición controlada se produce aislando la materia orgánica en placas de cultivo (placas Petri).

La sonorización: las dinámicas propias de la materia en descomposición (microvoltajes) formarán parte de la trama sonora de la obra. Para dicha sonorización se ha construido un dispositivo que convierte las dinámicas de los cultivos en sonidos.

En paralelo, se ha creado una composición musical con elementos rítmicos y armónicos que tiene su origen en la observación de las imágenes que provienen de los cultivos y del trabajo performativo de La bailarina vieja. Esta composición dialoga y se modifica con el sonido de los cultivos que se registran y emiten en directo. Estas dos fuentes sonoras generan un único espacio sonoro con dos lenguajes diferentes.

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10 de desembre a les 18.30h a la Fundació Joan Brossa

Performance a càrrec de Marc Vives als signes gràfics que cobreixen la biblioteca central de la Fundació Joan Brossa, una proposta d’instal·lació de Juan López en què trossos de fonemes funcionen amb una partitura que pot ésser interpretada a través de la veu. Marc Vives, artista que treballa amb la veu i el cos i que posa so a la partitura-text plantejada, realitzarà una acció que es pot relacionar amb la poesia futurista. El públic que assisteixi podrà participar, també, de l’acció ‘Todos los recuerdos’, de Marla Jacarilla, que funcionarà de manera simultània a la seu de la Fundació.

Aquesta performance és gratuïta i l’aforament és limitat per mesures preventives davant de possibles contagis de COVID-19. És per això que cal reservar plaça escrivint un correu a fundacio@fundaciojoanbrossa.cat .

Més informació: https://www.fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-exposicions/postbrossa-2020/

 

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Víctor Colmenero Mir

11 y 12 de diciembre en La Casa Encendida

Estreno de este trabajo que toma como punto de partida la aparición de magos en la televisión soviética para mitigar la inseguridad y descrédito que provoca el accidente nuclear de Chernobyl.

Magnetistas como Kashpirovsky o Chumak se enriquecen en una sociedad que sabe por experiencia propia que las personas radian. Si algunas de ellas radian mal, ¿pueden existir las que radian bien? ¿Cómo sería ese (ir)radiar desde lo performativo? ¿Es aquello que llamamos lo aurático, la intensidad o el carisma?

La pieza, en palabras del propio Víctor Colmenero Mir:

“Entre vosotrxs y yo está la intensidad. Me gustaría enseñárosla, que pudierais verla recorriendo ese camino, como en la última escena de Carrie: una manguera desbocada que os golpea, focos cambiando de azul a rojo… Aunque sólo fuera un pequeño círculo de fuego en torno a mí, mientras os miro con los ojos bien abiertos, sin moverme”.

“Que al salir dijerais: “Esta pieza ha sido intensa.” Intensa como la misma performance, como Marina Abramovic o Angélica Liddell o Kashpirovsky”.

“Me gustaría que este mismo texto ya fuera intenso en sí mismo, que si lo mirarais fijamente pudierais ver saliendo de él un tiranosaurio o un hokusai”.

“¿Y cómo podemos hacer que todo esto pueda ocurrir? ¿De quién depende? ¿Cómo puede generarse este espacio de transubjetividad?”

Víctor Colmenero Mir (Madrid, 1986) se licencia en la RESAD en escenografía, iluminación y vestuario y es becado para continuar estudios de postgrado en Escuela SUR en Estudios transversales de Arte. Le gusta acompañar procesos desde el diseño en un perfil lo más híbrido posible. En este tiempo ha podido acompañar a muchos artistas: Lara Brown, Delapuríssima, Juan Domínguez y Amalia Fernández, Itziar Barrio, María Folguera, Celso Giménez, Dodo Laboratory, Constanza Macras, Sharon Fridman, Proyector Festival de Videoarte, BRBR, Silvia Zayas y María Jerez, José Luis Garci, AADK, Luis López Carrasco u Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante and so on. Como artista firmador ha tomado parte en distintos festivales. Doppelgänger se realizó para el festival Perform Perform en Düdingen, Suiza.

Su proyecto Muro fue estrenado en el festival Danzamos 17 en Conde Duque como parte del programa INJUVE. Ítem Perspectiva se presentó en SURGE, bajo el programa de subvenciones a la creación del Ayuntamiento de Madrid y En la Naturaleza en el festival Acento, en colaboración con David Benito e Irene Cantero como residentes de La Casa Encendida y CA2M. También fue seleccionado para las residencias de artistas visuales en Matadero con su proyecto Tu mar tan pequeño y mi barca tan grande o Estruch con Burn your garden. Además, ha impartido talleres en Conde Duque, Escuela SUR, El Cuarto de Invitados o CA2M.

Los Magnetistas se presenta en La Casa Encendida y cuenta con el apoyo de La Poderosa, El Cuarto de Invitados y L’Estruch Fábrica de Creación.

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Societat Doctor Alonso

Del 9 al 12 de diciembre en el Mercat de les Flors

Andrei Rublev toma como punto de partida y titulo la película de Andrei Tarkovski rodada en 1966, en la que el pintor iconográfico Andrei Rublev (1360-1427) hace un largo viaje a la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espectador un impacto y un recogimiento interior a causa del uso de la perspectiva invertida, que nos habla del arte no como un retrato de la realidad, sino como una realidad entre las realidades. La compañía revisita esta pieza estrenada en el festival Temporada Alta 2016 para continuar investigando en los numerosos momentos formales, sonoros y materiales que hay  en escena y, de esta manera, profundizar en este diálogo.

Desde el año 2001, la Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomàs Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofía Asencio (bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje, tanto por lo que hace a su gramática constitutiva como por lo que hace a la lectura que un observador puede hacer. Desplazar para desvelar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que ponga en cuestión el status quo de nuestra comprensión de la realidad.

Dirección Tomàs Aragay / Dramaturgia Sofia Asencio / Creación e interpretación Sofia Asencio i Nazario Díaz / Con la colaboración en la creación de Virginia García del Pino, directora de cinema / Producción ejecutiva Imma Bové / Distribución Sara Serrano / Coproducción Temporada Alta, Festival Alt de Vigo, Fundació Catalunya La Pedrera / Con  la colaboración La Caldera centro de creación

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De El Conde de Torrefiel 

Del 25 al 29 de noviembre en el Teatre Lliure

El primer espectáculo para público infantil de El Conde de Torrefiel, una de las compañías nacionales más reconocidas en el extranjero, es un recorrido sensorial por diferentes mundos en el que los críos serán exploradores… ¡y protagonistas!

Érase una vez una historia que no podía ser contada hasta que entrasen en ella sus protagonistas… y eso es lo que les espera: meterse por un dispositivo escénico, por el mundo de ficción de una historia abandonada, indefinida, con personajes  inacabados. Caminando en su interior, pasarán por las tripas de este organismo vivo pero desmembrado que les espera para adquirir sentido desde sus ruinas. Con algunos recursos y la imaginación, actuarán desde la complicidad para atravesar esta experiencia propioceptiva del cuerpo en las diferentes instalaciones que se presentan. Un viaje a pie por ambientes fantásticos que permiten adulterar la percepción de uno mismo según el espacio que nos rodea, como si se tratase de un videojuego analógico que pretende que, con el apoyo del grupo, se vaya cada vez más adentro en este laberinto escenográfico.

HORARIOS
FUNCIONES ESCOLARES
De miércoles a viernes a las 10.00 h
Acceso cada 15’
FUNCIONES FAMILIARES
Sábado y domingo de 12.00 h a 13.15 h y de 18.00 a 19.15 h
Acceso cada 15’ en grupos de 8 personas
Máximo 1 adulto por menor
ATENCIÓN: La propuesta está pensada para que los críos realicen la experiencia solos. Si asisten adultos, se organizará un grupo solo para adultos.
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27, 28 y 29 de noviembre en Teatro Ensalle

Volumen 2 es una propuesta escénica que trata de explorar las posibilidades narrativas del sonido. La pieza está compuesta por una serie de ejercicios autónomos e independientes entre sí que ponen en juego los conceptos de ritmo y silencio y con la idea de deriva como método de trabajo. Cada ejercicio se construye desde un lenguaje diferente, de esta manera, el movimiento, el texto y la voz y el lenguaje musical y sonoro se suceden en un recorrido que va creando diferentes ambientes.

Ficha artística

Concepto: Sandra Gómez
Intérpretes: Javi Vela y Sandra Gómez
Espacio sonoro: Javi Vela

Más información: https://teatroensalle.com/espectaculos/solo-los-solos/?event_date=2020-11-27

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Juan Domínguez y Amalia Fernández

19, 20 y 21 de noviembre en Teatros del Canal

Podría entenderse como una acumulación de hechos reales que sacados de contexto se convierten en ficción. Una ficción que en cualquier caso se abre paso en la realidad a través del teatro. Entre tú y yo se convierte en un espacio de interpretación, de identificación, de pensamiento crítico, de placer, de contemplación, un espacio ya no del “tú” ni del “yo” sino del “entre”: del entretodo y del entretod@s.

A lo largo del 2019-20, hemos estado encontrándonos en diferentes ciudades, trabajando en varios espacios de residencia, en una práctica inusual, por el hecho de que el objetivo ha sido evitar a toda costa el objetivo. El no tener objetivo hacía que, de alguna manera, perdiésemos cierta lógica, cierta ambición, cierta proyección, cierto uso del tiempo tal y como lo vivimos normalmente. Eso generaba una libertad por la que nos veíamos afectados profundamente sin necesidad de profundizar demasiado en nada. Entre tú y yo se transforma y se abre ahora a través de su presentación pública. Nuestra práctica de proceso adquiere por esta razón otro procedimiento, en la necesidad de entender esa forma teatral que podría ser un relato ficticio basado en hechos reales y todas las vinculaciones que estos hechos conllevan.

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