— MuroTRON

Jueves 25/02, viernes 26/02 y sábado 27/02 a las 20h, domingo 28/02 a las 18h
Jueves 4/03, viernes 5/03 y sábado 6/03 a las 20h, domingo 7/03 a las 18h

El estudio de creación L△ST, proyecto seleccionado por la Beca DespertaLab 2020, presenta su obra TIRANAS BANDERAS II.

El Ciclo de creación escénica DespertaLab, impulsado por la Nau Ivanow y la Sala Atrium, tiene el objetivo de apoyar la creación teatral más reciente, contribuyendo a la entrada de las jóvenes compañías en las redes profesionales.

TIRANAS BANDERAS II habla desde la admiración absoluta de cómo las banderas consiguen con aparente facilidad todo lo que el creador de teatro no llega a alcanzar nunca, utilizando los mismos recursos de los que disponemos en las artes escénicas: explica cómo las banderas son la semilla de una ficción que perdura para siempre en el imaginario popular; habla de cómo las banderas apelan a un sentimiento que permanecerá para siempre en el corazón (el corazón?) de los suyos; y muestra cómo, cuando intentan sublimar la complejidad de un país o de una ideología en tres colores mal combinados, lo consiguen. Nos flipa este carisma y el dominio de la gestión del capital emocional de su público. Y le queríamos rendir homenaje.

Ocurre, sin embargo, que nos da también la sensación de que la bandera convive al universo del Cristo en la Cruz, el aura incorruptible de la izquierda y la manzanita de Mac, y que representa sin matices un símbolo de los poderes que se aprovechan de esta necesidad tan nuestra de pertenecer a un grupo, tener un lugar donde volver cuando todo va mal, para sacar rédito de cualquier tipo. Y a algunos ya les está bien y viven felices en su disciplencia. Y eso no mola tanto, y nos cabrea un poco, o mucho, pero sobre todo nos cabrea el hecho indiscutible que la bandera es, por definición, fea. Fea en su concepción, en su diseño y en su realización. Fea como hecha a disgusto, como pegarle-a-un-padre, como los trajes del Macson.

Y eso es lo que nos putea más; que ya que pones a cuatro patas a una multitud y la sodomizas mientras le haces tragar doblada una historia sin pies ni cabeza, al menos proporcionale a éste cuento un envoltorio bonito. Que no cuesta nada. Que estamos en la era del packaging. Aunque sepas que funcionará de cualquiera de las maneras, aunque nadie reclame. No cuesta nada poner cariño a las cosas-ideologías-brainwashings. Falta cariño en las banderas. Y por ahí no pasamos. Y de ello vaTIRANAS BANDERAS II, de cómo la falta de cariño no se debería dejar pasar nunca.

FICHA ARTÍSTICA
Una pieza de L△ST
En escena: Gaia Bautista, Ignasi Guasch y Alberto Román.
Asesoramiento artístico: Santiago Sierra
Audiovisuales: Marina Siero
Una producción de la Nau Ivanow y L△ST
Agradecimientos: Jordi Fondevila, Eugenio Merino, Hermanas Picohueso, Jordi Rabascall, David, Fernando, Aina y Laia.
Pieza ganadora de la Beca DespertaLab 2020.
Con el apoyo del Institut Ramon Llull y el Ministerio de Cultura y Deportes.

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CondeGalí

6 y 7 de marzo en el Mercat de les Flors

Edat recomanada entre els 6 i els 11 anys

Espectacle inclòs dins la Quinzena metropolitana de dansa

Per mitjà de les paraules, la dansa i l’espai, aquesta proposta de Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí vol oferir un entorn segur en el qual nens i nenes d’entre 6 i 11 anys puguin compartir un temps i un espai d’exploració tàctil. dit dit neix de les recerques que aquests creadors han desenvolupat durant els quatre últims anys al voltant del tacte i la pell. A partir d’un espectacle i d’un taller a continuació, es desplegaran petites accions adaptades a tothom per practicar i descobrir formes de relació directa amb el món i amb els altres a través de la pell.

Ballarí, coreògraf, pedagog, investigador i escriptor, Aimar Pérez Galí entén la dansa com una eina de transformació crítica. Ha col·laborat amb creadors com ara Cuqui Jerez, Xavier Le Roy, Nicole Beutler, David Zambrano i Silvia Sant Funk, entre d’altres, és el director artístic d’Espacio Práctico i forma part de l’equip docent del Conservatori Superior de Dansa de l’Institut del Teatre de Barcelona.

Jaime Conde-Salazar és llicenciat en Història de l’Art i màster en Performance Studies (2002, Universitat de Nova York). Crític de dansa a revistes com ara Por la Danza (Madrid), SuzyQ (Madrid), Ballet/Tanz (Berlín), Mouvement (París), Hystrio (Roma) i Obscena (Lisboa). El 2015 va publicar el llibre La danza del futuro (Graner / Mercat de les Flors). Com a dramaturg ha acompanyat processos de creació de Ben Benauisse, I-Chen Zuffellato, Antonio Tagliarini, Societat Doctor Alonso, Claudia Faci, Aitana Cordero, Elena Córdoba, La Ribot, Bárbara Sánchez i Aimar Pérez Galí, entre d’altres.

Ambdós creadors han posat en marxa la iniciativa d’expansió artística CondeGalí B. L., a través de la qual duen a terme diversos projectes de recerca i creació artística.

Direcció Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí / Interpretació Daniel Méndez i Xavier Manubens / Dramatúrgia Jaime Conde-Salazar i Aimar Pérez Galí / So Óscar Villegas / Text i veu Aimar Pérez Galí / Producció executiva Isabel Bassas
Producció CondeGalí B. L. / Amb el suport A Tempo – Fundació Ciutat Invisible i L’animal a l’esquena

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Macarena Recuerda Shepherd

27 y 28 de febrero en el Mercat de les Flors

¿La realidad es únicamente una o depende de la mirada sobre esta realidad y de la percepción que nos ofrece nuestra imaginación? En esta pieza, en la que los cuerpos se transforman y nos ofrecen diferentes perspectivas de sí mismos, se muestra cómo la ilusión óptica genera un universo en el que todos los físicos son posibles. ¡Ay! ¡Ya! es un espectáculo compuesto por poemas visuales abiertos que puede evocar diferentes significados y que invita a estimular la imaginación y el pensamiento. Una pieza para todas las edades.

Macarena Recuerda Shepherd, pseudónimo de Lidia Zoilo González, es desde hace 10 años una artista visual y escénica que ha creado numerosas y diversas obras, algunas de ellas en colaboración con entidades como el Teatre Lliure, l’Antic Teatre, el Festival NEO, Bilbao Arte y el Festival Grec, entre muchos otros. Des de 2008 es fundadora e integrante del Colectivo Estraperlo, plataforma de nuevos creadores difícilmente etiquetables.

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Idea Macarena Recuerda Shepherd / Interpretación Sofía Asencio i Macarena Recuerda Shepherd / Creación Macarena Recuerda Shepherd, Idurre Azkue, Alberto de la Hoz y Sofía Asencio / Banda sonora Alberto de la Hoz / Vestuario H-intercalada / Iluminación Conrado Parodi / Ilustración Josunene / Fotografía de la cabecera Tristán Pérez-Martín
Producción Antic Teatre / Con la colaboración Gobierno Vasco, Festival Grec, Festival BAD, Graner Fàbrica de Creació, Sala Baratza, La Fundición Bilbao e Histeriak. Espectáculo beneficiario del proyecto de cooperación transfronterizo PYRENART, como parte del programa Interreg V-A España-Francia-Andorra POCTEFA 2014-2020. Fondo Europeo de Desarrollo Regional (FEDER).

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SE RESPIRA EN EL JARDÍN COMO EN UN BOSQUE

Dijous 25 de febrer de 2021, a partir de les 18 h, Teatre Principal d’Olot

UN ESPECTACLE PER A UN ÚNIC ESPECTADOR QUE POTSER TAMBÉ SERÀ L’ÚNIC ACTOR D’AQUEST BOSC SIMBÒLIC, EN EL QUAL MIRAR ÉS TAN IMPORTANT COM ACTUAR

Els espectadors entren d’un a un. S’han de posar uns auriculars a través dels qual reben les instruccions que els guien en aquesta experiència. L’espectador és part activa d’un espectacle emocionant: hi haurà moments de mirar en silenci i d’altres per a una coreografia de moviments.

Respirem en un jardí com en un bosc i som en un teatre com al món. Però ni el jardí és la natura ni el teatre és el món. Algú prepara els jardins per gaudir d’un trosset organitzat de natura, originàriament salvatge i perillosa.

Al teatre algú ordena les paraules i les imatges en un discurs que dibuixa una lògica que sembla una resposta. Però quan tornem al món, la il·lusió desapareix i allò real esdevé indomable, perillós i sempre incomprensible.

L’individu que entra en aquest bosc simbòlic, que s’assembla molt a l’artifici del teatre, ocupa el rol d’intèrpret i el de públic consecutivament. Mirar i actuar, les dues accions bàsiques de l’acte teatral. Una reflexió sobre la convenció teatral i sobre com entenem la realitat.

Una de les companyies catalanes més inclassificables, trencadores i amb més projecció internacional ofereix un experiment sobre el desig de mirar aquells mons artificials que hem creat.

ELS PROTAGONISTAS

Dissabte 27 de febrer a partir de les 17.30 h i diumenge 28 a partir de les 11.30 i de les 16.30 h al Teatre Principal d’Olot

ESPECTACLE PER A NENS DE 6 A 12 ANYS. ES PERMET L’ENTRADA DE MÀXIM UN ADULT ACOMPANYANT PER NEN. 

Els nens i les nenes entren en petits grups per fer un recorregut sensorial per diferents mons en els quals faran d’exploradors i en seran els protagonistes! Un viatge a peu per ambients fantàstics que permeten adulterar la percepció d’un mateix segons l’espai que ens envolta, com si es tractés d’un videojoc analògic que vol que, amb el suport del grup, es vagi cada cop més endins d’aquest laberint escenogràfic.

Una història abandonada i indefinida, amb personatges inacabats, que espera que entrin per adquirir sentit des de les seves ruïnes.

Aquest és el primer espectacle per a públic infantil d’El Conde de Torrefiel, una de les companyies més internacionals del nostre país.

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El Conde de Torrefiel

Els treballs escènics de El Conde de Torrefiel es caracteritzen per posades en escena en les quals convergeixen coreografia, text i imatges plàstiques per crear narracions inusuals i fragmentades on les tensions entre allò individual i allò col·lectiu que caracteritzen la societat europea en el segle XXI afloren i es materialitzen en escena de manera sorprenent.

El Conde de Torrefiel inicia la seva trajectòria professional l’any 2010, amb l’estrena de La historia del rey vencido por el aburrimiento , i des d’aleshores ha produït vuit espectacles (Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento , Escenas para una conversación después del visionado de una pel·lícula de Michael Haneke, La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamentoLa posibilidad que desaparece frente al paisajeGUERRILLALA PLAZA , Kultur, Los Protagonistas i Se respira en el jardín como en un bosque), que han comptat amb extenses gires internacionals, especialment a Europa, però també a Amèrica Llatina i a Àsia.

A més de les creacions de peces escèniques amb un llenguatge de caràcter contemporani i amb segell molt personal durant aquests 10 anys, El Conde de Torrefiel ha treballat amb altres formats com són el vídeo, la instal·lació, el site-specific o la publicació de textos, en castellà amb la editorial La Uña Rota i en francès amb Actualité Editons.

El Conde de Torrefiel realitza també col·laboracions com a dramaturgs amb altres artistes, especialment en el camp de la dansa, a vegades a títol personal dels seus directors Pablo Gisbert i Tanya Beyeler.

Les creacions de El Conde de Torrefiel han estat presentades en sales i festivales com el Kunstenfestivaldesarts de Brusel·les, el Théâtre de Lausanne-Vidy, el Festival Steirisches herbst de Krems, el Wiener Festwochen de Viena, el Festival d’Automne de Paris, el Festival de Otoño, el Centro Dramático Nacional i Teatros del Canal de Madrid, el Mercat de les Flors i el Festival GREC a Barcelona, la Triennale di Milano, el Short Theater de Roma, Vooroit de Gant, DeSingel d’Amberes, el Noorderzon Festival de Gröningen, l’Internationaal Festival d’Amsterdam, el MMCA de Seül, el Nowy Theater de Varsòvia, el Dublin Theater Festival, l’Hellenic Festival d’Atenes, el Zürcher Theater Spektakel, el Gessnerallee de Zurich, el Festival Actoral de Marsella, el CDN de Montpellier, el Festival Cena Contemporánea de Brasilia, el Museo del Chopo de Ciutat de Mèxic, el Festival Danzalborde a Valparaíso, el Festival Transamérique de Montréal, l’Alkantara Festival de Lisboa o el Teatro Municipal Rivoli de Porto, el HAU Berlin i el Mosontourm de Frankfurt, entre d’altres.

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De El Conde de Torrefiel

Del 11 al 14 de febrero en Conde Duque 

Los protagonistas es la primera propuesta para público infantil de El Conde de Torrefiel. Como en todas las creaciones salidas de la desbordada sensibilidad de Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, directores de este ascendente colectivo catalán, Los protagonistas se mueve dentro de las mismas coordenadas y constantes escénicas que han dado forma a la estética del equipo, un modo escénico ya reconocible, en el que la sugerencia está por encima de la imposición, un universo visual en el que se funden palabra, imagen y danza.

Los protagonistas es un recorrido itinerante dentro de un espacio teatral, desprovisto de su estructura convencional de un público frente a un escenario sobre el cual se representa una situación visual y dramatizada. Una instalación formada por paisajes enigmáticos donde los espectadores, como exploradores de una expedición en tierras remotas, penetran para situarse en el interior del cuerpo de una historia, una historia abandonada con personajes inacabados, una historia indefinida que invita a construir su devenir caminando entre sus ruinas, una historia que llama a ser descubierta atravesándola.

Un dispositivo escénico pensado para al público más joven, capaz de dejar a los espectadores el espacio para completar la experiencia a través de su propio bagaje intelectual y universo imaginativo. Esta nueva pieza se centra en el valor de la imaginación.

Lo primero es que no hay historia. En realidad la hay, pero está literalmente rota y despedazada por un espacio escénico diseñado para ser recorrido en una travesía llena de paisajes que no son más que los trozos dispersos de una historia que no sabe cómo ni por dónde empezar a contarse, que espera la llegada de sus protagonistas para que le solucionen su conflicto.

Armar la propuesta como si fuese una instalación que rompe con el tradicional teatro a la italiana es común a muchas obras de El Conde de Torrefiel pero en Los protagonistas intenta decirle a su nuevo público que las artes escénicas de hoy tienen también diversas maneras de presentarse. Por lo demás, la compañía permanece fiel a su filosofía, en la que coreografía, texto e imágenes plásticas crean alianza a favor de narraciones poco convencionales y de naturaleza estrictamente escénica.

También presente la cuidada estética y belleza formal ya características de este colectivo surgido del off barcelonés, que ha ascendido a relevantes espacios de danza europeos gracias al éxito de ingeniosas y reflexivas propuestas, entre los que destacan las exitosas Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento o La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento.

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Del 17 al 21 de diciembre 

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Nuevo río para el Sâlmon.

Este Sâlmon nace impulsado por una estructura que preserva su existencia, un ecosistema conformado por espacios que mantienen constante el pulso para las artes vivas en Barcelona: el Antic Teatre, La Caldera, Graner y La Poderosa, y por un equipo de artistas y generadoras de contextos que llevan décadas agitando la escena: Sofia Asencio, Bea Fernández, Iñaki Álvarez y Ariadna Rodríguez, curadoras que con Dianelis Diéguez en la mediación sostendrán las ediciones de 2021 y 2022. Renovado el río, esta estructura u organismo tentacular que opera por afectaciones mutuas comienza una nueva etapa.

El festival Sâlmon 21 propone así un pacto de contingencia, la apertura de un marco que permita a las artes vivas mantener prendido lo único que las diferencia de otras corrientes escénicas, el compromiso sin límites con la experimentación. Públicos y creadoras podrán volver a jugársela en un plano secuencia salvaje donde hibridar lenguajes dentro y fuera de campo, una gran máquina performativa o nuevo lugar para mirar paisajes insospechados, como la época que estamos viviendo, la cual nos exige imaginar otras clases de agencias y modos de hacer.

Este Sâlmon no termina su recorrido aquí, ya que el río mantendrá vivo su caudal, haciendo un crossfade o transición en forma de encuentros a lo largo de 2021 con la edición de 2022 a partir de espacios de conversación y muestra pública del trabajo que realicen previamente creadoras en residencia, profundizando así en la construcción de contextos más próximos entre ciudad y creación.

En diálogo con todas las partes que lo conforman, el nuevo festival Sâlmon tiene la ocasión para hacer de todo el año primavera, una fiesta ininterrumpida, la excepción más necesaria para Barcelona hoy.

Fernando Gandasegui

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De Richard Mascherin y TR3STR3INTA

4, 5 y 6 en Teatro Pradillo

CAER CAER CAER

Una marcha procesional nos acompaña. La inevitabilidad de la caída. Un destino sin retorno. Un cuerpo vulnerable y poseído se enfrenta y se rinde a la fragilidad de la condición humana. Se entrega sin resistir a la deriva de una caída sin fin. ¿Por qué estoy arriba si he caído?

Me resulta inquietante trasladar la caída a la escena, esas caídas que tenemos en el día a día, las emocionales y las físicas. ¿De qué manera puedo encontrar la sinceridad y compartirlo desde ellas?
Pasando por muchos trabajos de alguna manera «la caída» ha estado presente en mi carrera como intérprete. Me di cuenta de que esto forma parte de mí, de cómo me mantengo y como traduzco mi alrededor. Grandes referentes me inspiran a seguir con este trabajo y que apoyan esta manera de transformar los límites establecidos. Me fascina el punto común entre la tragedia y el humor, relativizar algo que pueda llevar a atormentar, hasta llegar a una «superación de la risa y el dolor». Mostrar una perspectiva en la que todo continúa girando y cayendo, haciendo un paralelismo con la realidad que vivimos.
La idea de esta pieza surgió sobre todo en los alrededores de mi casa y del pueblo, buscando una manera de compartir desde la lejanía mis caídas durante el confinamiento.

ALIASING

¿Qué sucede cuando 30 segundos se dilatan hasta convertirse en 30 minutos? ¿De qué manera se puede llegar a entender el tiempo dentro y fuera de éste? Cronológicamente el tiempo corre siempre al mismo ritmo, sin embargo, el tiempo propio transcurre en compases diferentes. Este, por tanto, se convierte en una materia moldeable.
TR3STR3INTA propone a Sau-Ching Wong, Alfonso Riera y Adina L. Velázquez el desarrollo de una pieza cuyo punto de partida gira en torno a la dilatación del tiempo y las infinitas posibilidades que este concepto ofrece.

Richard Mascherin. S/C de Tenerife, 1992. Se forma en Madrid en el «Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma» graduándose con matrícula de honor en danza contemporánea. A la vez cursa cine general en la «Escuela de Cine y Teatro Metrópolis». Ha trabajado como intérprete para la «Compañía Sharon Fridman» entre 2015-2019 con las producciones «Free fall», «AllWays» y «Hasta dónde…?». Entre 2019-2020 trabaja para «La Veronal» de Marcos Morau en la obra «Pasionaria» y también para las compañías «Elías Aguirre, Full Time y El Amor Proyectos», entre otras. En estos últimos años navega haciendo sus propios trabajos en el que destaca «Valle de los 90» participando en el Certamen Coreográfico de Madrid siendo premiado con la Beca DanceWeb para nuevos creadores en ImPulsTanz y programación en Teatro Pradillo. CAER CAER CAER, su último trabajo, ha sido seleccionado por el Instituto Cervantes y Fiver Dance Film Festival para su programación «Cuerpos Confinados».

TR3STR3INTA es una plataforma cuyo objetivo es provocar encuentros interpersonales a través del cruce de 3 disciplinas: movimiento, sonido y vídeo. Impulsamos la experimentación, expansión y multiplicación de las posibilidades de cada campo, más allá de las estructuras jerárquicas habituales. Generamos espacios de diálogo colectivo y horizontal, haciendo énfasis en la idea de sortear las barreras geográficas y disciplinares mediante dos líneas de acción: online y offline. A través de un archivo web (@tr3str3inta) publicamos piezas audiovisuales de 30 segundos de duración creadas por grupos de artist3s. A su vez, tratamos de explorar las transformaciones del formato online fuera de la pantalla y del archivo, en la experiencia directa del plano físico y las posibilidades que esto ofrece (offline).

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Vicente Arlandis 

6 y 7 de febrero en La Fundición Bilbao

El esfuerzo constante de ganarse la vida es una performance donde trato de trabajar lo mínimo, lo justo y lo que yo entiendo por razonable. Os voy a contar lo que pienso de la disciplina, del trabajo del bailarín y del secuestro de nuestro tiempo. Os voy a contar cómo se siente al repetir durante ocho horas al día la misma acción en una fábrica o cómo se queda el cuerpo al bailar el mismo espectáculo durante cinco años. Y para acabar os voy a contar unos chistes, os dejo uno como ejemplo.
Todos seríamos más felices si trabajásemos de lo que nos gusta.
En mi caso es muy difícil encontrar trabajo de macarrones con queso.

Esta propuesta forma parte del proyecto de investigación El malestar del trabajo llevada a cabo desde Taller Placer. A través de diferentes actividades y prácticas tratamos de indagar cuál es el papel del trabajo en nuestras vidas y la búsqueda de nuevos modos de relacionarnos con el tiempo.
Con la colaboración de Centro Conde Duque, Culturarts y Ayuntamiento de Valencia.
Una producción de Taller Placer.

Vicente Arlandis es un artista y eso significa que casi nada de lo que hace lo hace por dinero. De hecho, si calculamos el tiempo invertido además de la colaboración de otras personas en esta actividad las ganancias serían de risa. La gente sabe que los artistas cobran poco, por eso Vicente tiene muchas propuestas de trabajo muy mal o incluso no remuneradas. Vicente también es editor porque hace libros y luego trata de venderlos. Además, es bailarín y trabaja con otras compañías. En realidad, esto es lo que mejor le funciona porque generalmente suele cobrar por lo que hace y además le pagan a los pocos días de haber realizado la tarea. También es distribuidor porque él es el encargado de vender su propio trabajo. Se le da bastante bien las redes sociales y cada día piensa de qué manera comunicar bien lo que está haciendo así que también podríamos decir que es comunity manager. Hasta hace poco era su propio gestor porque aprendió con unos tutoriales de internet a hacerse los trimestrales, aunque en el último año ha recurrido a un profesional. A veces le piden que escriba textos para revistas por cantidades simbólicas o tiene que escribir los textos para los dosieres de sus trabajos, pero nunca se considerará escritor. Ahora mismo está escribiendo, junto a un guionista de verdad, el guion de un documental que preparan para el año que viene. Últimamente también le interesa mucho la música y en sus últimos espectáculos ha hecho él mismo la banda sonora de los mismos. Le gusta la fotografía y el vídeo y puede usar perfectamente cualquier software de video y audio como Premiere y Photoshop. El diseño gráfico no es su fuerte, aunque puede imitar muy bien a reconocidos diseñadores cuando tiene que hacer los carteles de sus espectáculos. La página web de Taller Placer, colectivo al que pertenece y del que se encarga de hacer la difusión trimestral de sus trabajos, la ha diseñado y realizado él mismo.

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Oihana Altube y Javier Vaquero 

del 4 al 6 de febrero en DT Espacio Escénico

“…quiero seguir haciendo tandues, vistiendome con banderas y bailando Rosalía… es mi manera de sobrellevar la barbarie.”

Rojo pandereta es una pieza de danza que toma como referencia la puesta en escena en 1869 de Don Quijote de la Mancha por el coreógrafo francés Marius Petipa. Un marco a partir del cual reflexionar y cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales.

Rojo pandereta toma como referencia la obra literaria de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) y su puesta en escena en 1869 por el coreógrafo Marius Petipa con el Ballet Don Quixot en el Teatro Bolshói de Moscú (Rusia).

El proceso de creación de Rojo pandereta nace del deseo de cuestionar los paradigmas coreográficos que como bailarinas han atravesado y construido nuestras identidades corporales (nacionales, de género, de raza y profesionales) a lo largo de nuestras carreras. De esta manera pretende evidenciar que la danza, además de ser una manifestación estética, ha servido y sirve para escriturar las ideologías, identidades, emociones, simbolismos y fisiologías de los cuerpos; y que, a su vez, es un medio de constitución política, social, cultural y económica.

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30 y 31 de enero en La Fundición (Bilbao)

DEBUT es un solo donde la intérprete o performer atraviesa un acto de iniciación frente al público con el objetivo de ser aceptada, de ser amada a fin de cuentas. Atravesar la puerta, pasar el umbral, cambiar de cuerpo, espacio y estado para pasar a ser otra cosa, de sólido a líquido, de líquido a gaseoso. Esta obra, que no es más que un acto de iniciación que adopta la forma de una pieza escénica, es un deseo de pertenencia a la comunidad. Como en todo acto iniciático, la iniciada, en este caso Rosa, tiene que demostrar su valía enfrentándose a la comunidad con todo su cuerpo. Se para frente al público (la comunidad de la que depende su aceptación) y les dice: miradme.

Rosa Romero (1986) creadora escénica y actriz, Licenciada en Arte Dramático en la ESAD de Málaga. En esta misma ciudad junto con compañeros con los que compartía el interés por la creación y la experimentación escénica, trabaja durante años en varias compañías teatrales como La Caldera, Bajotierra o la mordiente. En esta ciudad también participa en la gestión de nuevas iniciativas como el festival de escena alternativa El Quirófano. Tras pasar por la escuela de interpretación de William Layton en Madrid, en 2013 vuelve a San Fernando, donde crea y gestiona “Estratería” un espacio donde empezó a darle forma a sus primeros proyectos personales. Actualmente vive en Sevilla trabajando en varios proyectos artísticos; “Estación espacial” con Alberto cortés y Alex peña, “Pelo de Trol” con Silvia Balvín y Debut, su primer solo.

Dirección e interpretación: Rosa Romero
Dramaturgia y ayudantía de dirección: Alberto Cortés
Acompañamiento del cuerpo: Patricia Caballero
Vestuario: Gloria Trenado (Nantú)
Paisaje sonoro: Pitu García
Iluminación: Carmen Mori

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