Llevamos mucho tiempo acostándonos temprano. Somos gentes del día, la noche es cosa de otros. Esperamos el apocalipsis todos juntos, aquí. En algún momento, lo familiar, lo íntimo, se tornará inquietante y el fin llegará apacible, amable. Algo oscuro emergerá a la superficie acusando la vida, y ya nada será igual; los recuerdos, los de entonces, ya no importarán, y solo servirán los más fuertes, es decir, los de ahora. Nunca más seremos contemporáneos y solo quedará la luz del día, simplemente.
o
[…] es que esto no tiene sentido pero lo demás no tiene sentido pero lo demás es la muerte.
Creación: Julián Pacomio
Performers: Sara Vieira Marques, Marina Dubia, Víctor Colmenero Mir, Nina Botkay, Ángela Millano, Luis Moreno Zamorano y Matilde Amigo.
Iluminación: Santiago Rodríguez Tricot
Sonido: Borja Caro
Acompañamiento: Alexandra Laudo
Agradecimientos: Alina Ruiz Folini, Iván Haidar, Daniel Pizamiglio, Ignacio de Antonio Antón, Leire Aranberri, Carolina Campos, Luz Broto, Óscar Dasí, Núria Gómez Gabriel, Adaline Anobile, João Dos Santos Martins y Alicia Carrera.
Apoyos:
Barcelona Producció. Centre d’Art La Capella. Acció en viu
Residencia de creación. Graner. Centro de Danza y Artes Vivas. Barcelona
Fabra i Coats – Fábrica de Creación. Barcelona
Ayudas a Artistas Visuales de Extremadura. Producción
O Rumo do Fumo. Residencia de creación. Lisboa
PACAP #4. Forum Dança. Residencia de creación. Lisboa
ARAR. La Caldera. Barcelona
JuliánPacomio. Artista, performer y comisario. Indaga en la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos con sus proyectos escénicos. Desde 2018 colabora con la coreógrafa Ángela Millano (España) en el proyecto de investigación Asleep Images, del que forman parte las piezas Make It, Don’t Fake It (2019) y PSYCHO (2020). Trabaja con coreógrafos como João Fiadeiro (Portugal), Carolina Campos (Brasil), Luis Garay (Colombia), Daniel Pizamiglio (Brasil-Portugal) o Annika Pannitto (Italia), entre otros. En 2020 comisarió NO NO NO SOLO SOLO NO, un ciclo de performances para la sala Amadís del INJUVE (Madrid), y prepara, junto con Ignacio de Antonio Antón (España), la exposición Contemplar una superficie inestable, ganadora del concurso Inéditos 2021 en La Casa Encendida. https://julianpacomio.net/
Este proyecto plantea desarrollar una herramienta para realizar una performance a partir del altavoz inteligente Echo y de la asistente virtual basada en reconocimiento y síntesis de voz Alexa, producidxs y vendidxs por Amazon.
En un momento en el que las grandes empresas de tecnología están haciendo enormes esfuerzos para convertir la voz en la principal vía de interacción con sus productos y servicios, introduciendo en nuestros espacios íntimos una serie de dispositivos siempre encendidos y siempre a la escucha, parece urgente explorar las relaciones corpoafectivas que imaginamos poder tener con las voces técnicamente reproducidas.
Jaume Ferrete Vázquez trabaja en torno a la noción de políticas o ideologías de voz y escucha mediante performances, sesiones de escucha, archivos, talleres, conversaciones, trabajos sonoros y sitios web.
MACBA, Grand Union, Tabakalera, CA2M, Festival SOS 4.8, Fundació Antoni Tàpies, MNCARS, TEOR/éTica, MUAC UNAM, Universidad de Barcelona, Universidad del País Vasco, Programa de Estudios de Género de la UNAM, etc. Premio Generación 2016 de La Casa Encendida, Becas Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales, Premio Miquel Casablancas, estancia artística de la Agencia Mexicana para la Cooperación Internacional y el Desarrollo, etc.
Desde 2008, contribuye a coordinar el proyecto Sonidos de Barcelona, iniciado por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra.
Volumen 2 es una propuesta escénica que trata de explorar las posibilidades narrativas del sonido. La pieza está compuesta por una serie de ejercicios autónomos e independientes entre sí que ponen en juego los conceptos de ritmo y silencio y con la idea de deriva como método de trabajo. Cada ejercicio se construye desde un lenguaje diferente, de esta manera, el movimiento, el texto y la voz y el lenguaje musical y sonoro se suceden en un recorrido que va creando diferentes ambientes.
En función de 1,2,3…es la primera pieza de danza de Isidoro Valcárcel Medina.
Es una pieza escénica de danza contenida, en la que la función es tanto representación como fórmula matemática.
La obra de Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, España, 1937) se caracteriza por romper con los esquemas más convencionales del arte. Se centra en la creación de situaciones, intervenciones, acciones o proyectos más allá del objeto artístico, y de los aspectos comerciales de la obra.
Es además la primera pieza de la compañía de danza ELAMOR dentro de su serie Nuevos coreógrafos en la que artistas ajenos a la danza en sus prácticas, experimentan por primera vez con este medio en movimiento.
Isidoro Valcárcel es un artista clave del arte conceptual en España. Su obra se ha caracterizado por romper con los esquemas más convencionales del arte. Ajeno a las tendencias, su trabajo se centra en la creación de situaciones, intervenciones, acciones o proyectos, más allá del objeto artístico, que dan cuenta de su actitud comprometida y alejada de los aspectos comerciales del arte.
Bailar es peligroso, amenaza el sistema, complica la situación. La danza incomoda, afecta, descoloca y complejiza los modos de estar hegemónicos. La danza, contagiosa e invasiva, desestabiliza las lógicas de la palabra, amenaza el lenguaje normativo. Bailar puede ser una epidemia. Esta bailarina no tiene trucos de magia preparados. Su material coreográfico es basto y a veces incomprensible, fracasa en los giros con la pierna izquierda. Esta bailarina nunca quiso ser Giselle. Con todxs nosotrxs: un cuerpo en rebelión, atravesado, sublevado, la bailarina nonormativa, la bailarina faquir, la taumaturga, la subalterna. Formas de estar que complican. Estrategias de la invisibilidad activa o identidades disidentes. Vida atravesada. Ficción bastarda. Capacidad para imaginar. Divagación dificultosa con apariencia de profundidad. Esta es una peza autobiográfica sin biografía, una trampa al ojo, una coreografía maraña, un engaño narrativo: coreo- biografía pirata. Esto va de bailar bailando.
Vacaburra es el resultado de la colisión de dos artistas, una vaca y una burra: la variopinta Andrea Quintana y a mullerona Gena Baamonde que unen sus inquietudes y trayectorias en un proyecto común. Vacaburra surge como un colectivo de reciente formación que gira en torno a creación escénica y coreográfica. Abierto al diálogo continuo con otras artistas y disciplinas, bebiendo de los diversos lenguajes escénicos para la creación de sus proyectos. Interesadas en las prácticas fronterizas y en las pedagogías alternativas llevando más allá de lo escénico los trabajos de investigación y los procesos de creación.
Creación y coreografía: Andrea Quintana.
Dirección y dramaturgia: Gena Baamonde y Andrea Quintana.
Iluminación: Baltasar Patiño.
Espacio sonoro: Davide González y Andrea Quintana.
Vestuario: Saturno.
Producción ejecutiva: Manu Lago.
Galicia Danza Contemporánea.
«Como actividad vinculada casi al cierre de mi exposición Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío, me parecía interesante hablar con otra artista para traspasar soportes físicos propiamente escultóricos y para romper con esquemas teóricos que parece siguen inamovibles o carecen de suficiente “sangre». A menudo, aspiro a colaborar intensamente con otras creadoras/es con los que me siento cercana siendo su trabajo muy distinto. Considero que una conversación entre dos “hacedoras» puede ser otra clase de dibujo incorpóreo. En esta exposición, la palabra que ha estado pululando más en el aire, como una especie de mantra es “cuerpo”, y en esa ausencia-presencia del cuerpo, en ese no acabar de entender qué significa “cuerpo”, pensé inmediatamente en La Ribot. Este es un encuentro experimental en donde se desvelarán aspectos creativos comunes: ausencia-presencia del cuerpo, repetición como estructura dúctil, re-interpretación del “aura”, acercamiento de la ironía a sus contrarios, des-ubicación de la forma, el espectador como material, moldear en el espacio un ente abstracto… En definitiva, cuestionar los discursos, las fórmulas, las narrativas, etc.»
Florir en catalán es una palabra polisémica. El diccionario da varias definiciones, todas ellas hermosas. La primera: convertir las plantas en flor o aparecer las flores. En un sentido más amplio: prosperar, estar en pleno vigor. Pero también: cubrirse de hongos. Creo que todas las acepciones resuenan en la edición de este año que llega con una sensación compartida de que
hay demasiadas cosas sobre las que tenemos que hablar. En todo este tiempo se nos han acumulado las inquietudes, los miedos, las mentiras, también las ganas. Porque, como dice el filósofo alemán Hartmut Rosa, lo de antes de la pandemia era todo menos normal. Por eso este año el festival florece, pero lo hace como lo harían los hongos; descomponiendo materia
orgánica, convirtiendo lo podrido en fertilizante para otras especies, lo que ya no nos sirve en vida, en otra vida. Y por eso la imagen del cartel de este año.
Esta edición el programa incluye veintidós piezas, la mitad de las cuales son estrenos. Eso implica que es una edición con riesgo, una palabra que define el festival pero también al momento que estamos viviendo. Acogemos muchos trabajos gestados en este presente voluble y quizás por eso en clara apelación al mismo. ¿Cómo no hacerlo? Pues quizás lo más revolucionario en nuestra sociedad actual sea reflexionar críticamente como nos proponen las prácticas artísticas que apelan a lo real. Así, presentamos los trabajos de las compañías residentes Las Huecas y Urati, dos colectivos de creadoras y creadores, muy jóvenes, emergentes e innovadores, que se centran en la gestión privada de nuestra muerte y el cuerpo migrante en relación al cuerpo virtual, respectivamente. Dos propuestas que dibujan una senda por la cual transitan otros trabajos como, por ejemplo, los de Vértebro o Bárbara Bañuelos, también compañías residentes que presentarán sus nuevas piezas alrededor de conceptos como la locura contemporánea, la autoexplotación o la sostenibilidad. Son todas cuestiones que demandan reflexión porque nos ubican en el debate sobre cómo seguir viviendo, cómo construir un futuro tan cuestionado ahora mismo.
Para continuar internándonos en el tejido de la ciudad de Terrassa, hemos seguido incentivando el trabajo con colectivos, y en el seno de algunas piezas resonaran sus voces, sus cuerpos, su conocimiento. Entre otros, el grupo de biólogas que ha puesto su experiencia de vida al servicio de Paramecis i meteorits de Xesca Salvà y Marc Villanueva, una pieza que fija la mirada en la vida de las bacterias y los hongos, o el grupo de niñas y niños de la ciudad que pone su cuerpo y su juego en el centro de Los figurantes de Ça marche. En este sentido, iniciamos una primigenia expansión de la programación hacia los distritos. Lo hacemos con dos singulares propuestas; La llista de Quim Bigas, pieza que también clausura el festival el domingo por la mañana en la plaza del Ayuntamiento, y Vivir en Videoclip de Anto Rodríguez, un concierto-karaoke popular, una invitación en toda regla a cantar y a bailar.
La experimentación a través de nuevos formatos viene de la mano de María Jerez y Edurne Rubio, que traen los fenómenos naturales a la sala de teatro, El Conde de Torrefiel, con su ejercicio escénico para un espectador, o del colectivo escénico Los detectives que se han lanzado a experimentar con el cine y el placer de los cuerpos. TNT KIDS también acoge tres propuestas de nuevos formatos que buscan potenciar el espectador activo y huir de la infantilización. Un buen ejemplo es la propuesta Dit-dit de Condegalí, un taller-pieza que reivindica el tacto como herramienta de conocimiento y que en los tiempos actuales se presenta como una lección fundamental.
Las tres noches del festival terminaran con una propuesta musical que desborda el formato concierto. Glòria Ribera, Los Voluble y Mercedes Peón presentan sus últimos trabajos que comparten, además de un marcado carácter transdisciplinar, reivindicaciones profundamente políticas que están en la raíz y origen de sus singulares creaciones.
TNT es un festival vivo que transpira presente, necesidad, urgencia, y que atiende al malestar, a lo que no funciona, a la necesidad de cambio de nuestros modos de vivir. Por eso, este año los hongos nos acompañan. Algo tan obvio como pensar que somos finitos y que el mundo nunca ha sido nuestro es un primer paso, muy pequeño pero fundamental, hacia el cambio. Pensar, con humildad, que los hongos podrían sobrevivirnos como especie, y que podrían ser ellos los encargados de convertir nuestras ruinas, todo aquello que dejemos, en un mundo completamente nuevo. Dejar de ponernos en el centro, hacernos a un lado, mudar la perspectiva. Entonces, una cosa tan aparentemente fea como los hongos se convierte en algo bello, en un paisaje alucinante, como de otro planeta.
Ma es un término japonés que podría traducirse por pausa, espacio, abertura ointervalo.
Sin embargo, a diferencia del sentido del vacío (Mu) el Ma es un espacio consciente, ese espacio estaría lleno de energía y podría inducir a un estado en el cual es posible apreciar la expansión del espacio y del tiempo. En ese sentido el vacío del Ma es un espacio de potencialidad.
En esta edición, el ciclo Radicantes se adentra en el “Ma”. Tres artistas comparten con nosotras sus propias prácticas del Ma, Carme Torrent, Dd Dorvillier y Quim Bigas. Éste último se sitúa en el lugar del Ma, el lugar del entre, ofreciendo un espacio de relación y consciencia. Nos proponen tres espacios que actúan como generatrices y acaban por difuminar los límites de las cosas.
Para la propuesta de Quim Bigas, se conformará un grupo de trabajo de 15 personas interesadas en el cuerpo como instrumento de creación. El grupo se activará en el mes de septiembre hasta la última semana de octubre. Este grupo trabajará junto a él, a partir de los procesos y prácticas de las otras dos artistas y de su propio imaginario, compartiendo un contexto de práctica físico que se moverá entre lo discursivo, el divagar y lo concreto.
Desde el 15 de septiembre al 4 de octubre, sesiones online a modo de correspondencia entre los participantes. Durante la semana del 4 al 9 de octubre y la semana del 25 al 30 de octubre el trabajo será presencial de 10 a 13 h.
Las personas interesadas en formar parte del grupo de trabajo con Quim Bigas deben inscribirse en ivam@consultaentradas.com acompañando unas letras de motivación.
Para más información de las artistas y sus propuestas descargar el PDF.
Océanomar es una colectiva performativa que se plantea como un día de playa durante el que un seguido de eventos, aparentemente inconexos, se irán desencadenando a lo largo del día sin principio ni final, como un continuum entrelazado donde cada mecanismo remite a otro. Todo lo que pasará podría estar pasando en cualquier otro sitio o ya podría haber pasado en otro momento; incluso puede ser que en este día de playa nadie se de cuenta de lo que sucede.
Con Álvaro Chior, Maria Diez, Anna Dot, Sofía Montenegro, Milena Rossignoli, Marcel Rubio, Anna Irina Russell, Alba Sanmartí, Anna Sevilla y Cristina Spinelli.
Comisariado por Dràcul.la (local de Mònica Planes y Alejandro Palacín) junto a Margot Cuevas en el marco de Art Nou 2021
