— MuroTRON

Mette Edvardsen / 27, 28 y 29 de octubre en el Museo Reina Sofía

“Dedicar incontables horas a aprender libros de memoria parece contradecir todos los principios que rigen lo que entendemos por esfuerzo humano desde la modernidad. Ya sea como experiencia artística o vital, parece una evidente e injustificable pérdida de tiempo. No crea nada nuevo, ninguna nueva idea que cambie o mejore el estado de las cosas, ninguna imagen nueva que nos ayude a comprender mejor nuestros problemas”

Mette Edvardsen

“El aprendizaje de memoria quizá sea la mejor lectura posible de un libro, la del lector conmovido y fascinado, dispuesto a aprender el texto, de modo que se integre totalmente en su organismo vivo”

Victoria Pérez Royo
“Autorías Subterráneas. Texto, cuerpo y vida en Time has fallen asleep in the afternoon sunshine” en Tropelías. Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada (2), 2017

El Museo Reina Sofía continúa su compromiso con Time has fallen asleep in the afternoon sunshine [El tiempo se ha dormido a la luz del sol del atardecer] de la coreógrafa Mette Edvardsen, proyecto en el que personas de distintos países memorizan libros de su elección. Juntas forman una colección bibliotecaria de libros vivos que, en momentos acordados, se ponen a disposición del público en forma de encuentros individuales en los que recitan a un visitante lo aprendido.

Time has fallen asleep… se centra en la importancia de la memoria y de la transmisión oral, en la producción de condiciones de encuentro entre personas, de cercanía, intimidad y cuidado, a través del gusto por libros de muy distinta naturaleza: novela, ensayo, poesía o prosa. Toma por título una frase que aparece en la novela Fahrenheit 451, escrita por Ray Bradbury en 1953. La novela se sitúa en una sociedad del futuro en la que los libros quedan prohibidos, lo que provoca que una comunidad de personas aprenda, de manera clandestina, los últimos libros existentes, con ánimo de preservarlos. Es por ello que, en esta actividad, aprender de memoria se desarrolla como una práctica continuada en el tiempo. No hay nada material a lo que el proyecto aspire. Aprender un libro de memoria implica asumir un continuo proceso en el que recordar y olvidar.

La celebración del primer encuentro en 2020 contribuyó al proyecto produciendo dos nuevos libros vivos en castellano, que, junto a cinco títulos en inglés, se dispusieron en formato presencial y epistolar al público interesado.

En esta nueva ocasión, y durante tres días, puede solicitarse la lectura-transmisión de los dos libros en castellano, o la recepción de alguno de los libros en inglés, indicados en la lista inferior, a través de carta postal. Así, un total de seis libros vivos forman el catálogo de esta segunda entrega.

Desde su inicio en 2010, Time has fallen asleep… se ha presentado en más de cincuenta librerías y bibliotecas de distintas ciudades, con un creciente número de libros vivos que forman una biblioteca que cuenta en este momento con ochenta y ocho títulos en inglés, francés, árabe, neerlandés, noruego, griego, alemán, polaco, estonio, sueco, danés y groenlandés.

La actividad se complementa con una conversación pública entre la artista Mette Edvardsen y la investigadora Victoria Pérez Royo, quien ha colaborado estrechamente en el proyecto.

Mette Edvardsenresidente entre Oslo y Bruselas, trabaja en el ámbito de las artes escénicas y la performance, explorando además otros medios o formatos como el vídeo y la edición y composición experimental de libros. Debido a su formación como bailarina y a su participación en proyectos de coreógrafos y compañías de prestigio como les ballets C de la B o Mårten Spångberg, su trabajo ha sido, a menudo, enmarcado en el ámbito de la danza. Y, quizás, ese sea el lugar desde el que investiga modos de generar prácticas y situaciones, si bien su obra desborda tales límites disciplinares: se adentra en terrenos de difícil clasificación, siendo el interés por la relación entre el lenguaje y la acción el eje central de su trabajo. Actualmente, Edvardsen es investigadora de la Academia Nacional de las Artes de Oslo, artista asociada al teatro Black Box en la misma ciudad y es fundadora, junto con Juan Domínguez, Alma Söderberg y Sarah Vanhee, de la plataforma colaborativa Manyone.

Libros vivos disponibles

En formato oral:
-Amuleto (1999), de Roberto Bolaño
-La hora de la estrella (1977), de Clarice Lispector

Por correspondencia:
– Monkey (1942), de Arthur Walley, versión traducida y abreviada de Journey to the West (s. XVI) atribuído a Wu Ch’êng-ên
 Slaughterhouse-Five o The Children’s Crusade: A Duty-Dance with Death (1969), de Kurt Vonnegut
 A Handbook of Disappointed Fate (2018), de Anne Boyer
In the Skin of a Lion (1987), de Michael Ondaatje

Ficha Artística

Concepto: Mette Edvardsen

Participantes: Mette Edvardsen, Violeta Gil, Siriol Joyner, Irena Radmanovic, Jon Refsdal Moe, Andrea Rodrigo y Emmilou Rößling

Producción: Mette Edvardsen / Athome & Manyone

Coporducción: Dubbelspel – STUK Kunstencentrum & 30CC (Lovaina), Dance Umbrella (Londres), Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), NEXT Arts Festival (Valenciennes, Lille, Kortrijk, Villeneuve d’Ascq), Wiener Festwochen (Viena), osloBIENNALEN Primera edición 2019-2024 (Oslo), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)

Apoyos: Consejo oficial de artes de Noruega / Norsk Kulturråd

Más información: https://www.museoreinasofia.es/actividades/mette-edvardsen-2

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Del 22 de octubre al 27 de febrero en el MACBA

Apuntes para un incendio de los ojos es la primera exposición de Panorama, una nueva serie de proyectos transdisciplinarios que explora las estéticas y las prácticas artísticas en Barcelona y alrededores. Como sugiere ese «apuntes» del título, esta muestra colectiva pretende tomar nota, revelar y conectar sin ser en absoluto concluyente.

Apuntes para un incendio de los ojos reúne un grupo de obras encargadas a propósito y de producciones recientes que se exhiben en Barcelona por primera vez. Abarca un amplio abanico de disciplinas, entre ellas, la pintura, la escultura, el trabajo con papel, la videoinstalación, la performance, la fotografía y el textil, y la impulsa el deseo de defender y verificar la realización de exposiciones in situ como experiencias que envuelven nuestro cuerpo como a un todo sensible en el espacio.

El título, procedente de un poemario escrito por Gabriel Ventura en 2020, evoca una potente metáfora que nos lleva a cuestionar la dominancia de la visión, y nos alienta a explorar una definición expandida del ver que implique al resto de nuestros sentidos y origine nuevos modos de navegar el mundo, de recordar y de producir conocimiento.

Las obras de la exposición entretejen ciertas inquietudes y motivos surgidos de las visitas de estudio y de las conversaciones de los curadores con la comunidad artística. Entre ellos, la imagen que la ciudad tiene de sí misma, los conceptos de reparación y pertenencia, la disidencia de género y nuestra relación con la vida no humana.

La mirada circular cobra vida propia en la imaginación de la exposición, encarnada en unos proyectos que exploran teatro o performances, la relación espacial entre escenario y público y el bucle como narrativa. Unas perspectivas y escalas que engloban también las conexiones establecidas por el museo con su vecindario y viceversa, en una época en que quizá todos nos estemos preguntando por nuestro lugar en el mundo y lo veamos con nuevos ojos.

Artistas: Ana Domínguez, El Palomar (Mariokissme y R. Marcos Mota), Laia Estruch, Arash Fayez, Antoni Hervàs, Rasmus Nilausen, Nyamnyam (Ariadna Rodríguez e Iñaki Álvarez) con Pedro Pineda, Claudia Pagès, Aleix Plademunt, Marria Pratts, Estela Rahorla Matutes, Eulàlia Rovira, Ruta de Autor (Aymara Arreaza R. y Lorena Bou Linhares), Adrian Schindler, Rosa Tharrats, Gabriel Ventura y Marc Vives. 

Comisariado: Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna) y Hiuwai Chu. 

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Isaak Erdoiza y Nazario Díaz

22 de octubre en La Fundición dentro del Festival BAD

“Fuego verde” es el primer trabajo del proyecto “Conversation pieces”, una investigación iniciada en 2020 por Isaak Erdoiza y Nazario Díaz en torno a la noción de sonido y escucha propuesta por David Toop en su ensayo “Resonancia siniestra”. Explora la idea de extrañamiento en la relación sonora y visual del público, mediante la construcción de pequeñas arquitecturas que permiten alterar el espacio y la percepción sobre las cosas que ocurren en él, operando en los límites entre lo visible y lo invisible, el adentro y el afuera, la concreción y la abstracción.
Con el deseo de lubricar la potencia de un imaginario colectivo, “Fuego verde” propone, a través de un dispositivo conformado por una serie de “bodegones sonoros”, un viaje sensible por la fisicidad del sonido y su relación con la visualidad. Así, con claras reminiscencias al ruidismo y la experimentación sonora, “Fuego verde” plantea un concierto que reúne una serie de elementos que desplazan la relación entre aquello que escuchamos y la imagen que se nos muestra para aproximarnos al carácter fantástico o fantasmagórico del sonido, en ese umbral donde las presencias no siempre se corresponden con lo que tenemos delante de nuestros ojos.
“La escucha tiene el estigma de ser nuestro sentido menos fiable. Mientras que aquello que vemos y tocamos se nos revela como una realidad “objetiva”, el sonido se parece más a un fantasma; su lugar en el espacio es ambiguo y su existencia en el tiempo transitoria. Por ello el sonido actúa desde siempre como metáfora de la revelación mística, los deseos prohibidos, lo siniestro, lo informe, lo sobrenatural y lo desconocido.”

Más información y entradas: https://badbilbao.eus/bad-2020/espectaculos/fuego-verde/

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Del 28 al 31 de octubre en el Mercat de les Flors 

Sònia Gómez ha invitado a cinco intérpretes excepcionales y con un gran bagaje creativo y escénico a responder a la pregunta: ¿qué piensa el intérprete cuando está actuando en escena? La propuesta para Magí Serra, Núria Guiu, Elisa Keisanen, Guillem Mont de Palol y Pere Jou es escenificar “la representación dentro de la representación”, en la que Sònia Gómez busca como coreografía un encuentro entre bailarines y performers. Y lo hará con un recurso híbrido de movimiento al que ha llamado zoom.

La bailarina, performer y coreógrafa Sònia Gómez estudió en el Institut del Teatre y en la escuela P.A.R.T.S de Bruselas. Desde el año 2004 trabaja en proyectos que tienen como ejes temáticos la construcción identitaria, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. Sus creaciones, Mi madre y yoExperiencias con un desconocido, etc, son montajes multidisciplinares que recorren un amplio abanico de lenguajes, estéticas y referencias.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/the-black-body-the-blue-mind-and-the-fluorescente-guts/

Dirección Sònia Gómez / Con la colaboración Núria Guiu, Magí Serra, Elisa Keisanen, Guillem Mont de Palol, Pere Jou / Feldenkrais Ohad Nachmania / Asesor artístico Txalo Toloza / Espacio sonoro Carles Parra / Espacio escénico Gómez & Broessel / Diseño 3D Renderfields / Diseño iluminación Anna Rovira / Asistencia plástica Jorge Dutor / Fotografía Tristán Pérez-Martín /Producción ejecutiva elclimamola
Coproducción Mercat de les Flors / Residencia Graner fábrica de creación, WP Zimmer / Con el apoyo Institut Ramon Llull

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Cascadas es un proyecto de encuentro intergeneracional entre artistas escénicos -inicialmente en Barcelona- a través de la práctica artística. Es un proyecto de Julia Rubies que surge de la necesidad personal de conectar con el tejido intergeneracional entre artistas escénicas de su ciudad natal después de haber vivido fuera del país durante 8 años.
Apostando por la práctica como un lugar de encuentro para encarnar conocimientos y experimentar juntas, Cascadas propone el compartir estrategias como una muestra de afecto y agente catalizador de la práctica colectiva.

El 21 y 22 de Octubre se harán 2 transmisiones y una presentación del proyecto en Madrid a modo de crear una versión satélite del proyecto. Invitamos a Beatriz Fernández y Paz Rojo a que compartan sus prácticas y a Javier Cruz, como colaborador y mediador, que junto con Julia Rubies harán de hilo conductor de la propuesta.

Este proyecto se ha hecho posible gracias a las ayudas a la creación joven Injuve. El programa de estos dos días se hacen dentro de las VII Jornadas Escénicas de injuve. (http://www.injuve.es/creacionjoven/noticia/vii-jornadas-escenicas-injuve)

Programa 

21 de Octubre

17.30-19.30. Encuentro con jóvenes artistas menores de 35 y Júlia Rúbies Subirós junto a Javier Cruz
Dirigido a: jóvenes artistas trabajando en / interesadas en las artes escénicas menores de 35 años

22 de Octubre

  • 11.00-14.00. Paz Rojo transmitirá una práctica artística.
  • 15.00-19.00. Bea Fernández transmitirá una práctica artística.
    Dirigido a: jóvenes artistas trabajando en / interesadas en las artes escénicas menores de 35 años
  • 19.30-21.30. Presentación pública del proyecto y conversatorio con Paz Rojo, Bea Fernández y Javier Cruz.

Participación gratuita previa inscripción: creacioninjuve@injuve.es

Más información sobre el proyecto:

El deseo de conectar con el tejido intergeneracional de Júlia Rúbies Subirós surgió tras un encuentro con el archivo de La Porta, donde se dio cuenta de que Barcelona había sido una ciudad bastante activa en relación al mundo de la performance, especialmente en la escena independiente/experimental, y se sintió ‘como si se hubiera perdido la fiesta’.

Durante estos últimos meses Julia ha invitado a 4 artistas que trabajan ahora en Barcelona y/o que lo llevan haciendo estos últimos 20 años a que le compartan prácticas artísticas. Hablando con algunas artistas de su generación Julia se encontró con un sentimiento compartido de también querer conectar con otras partes del tejido experimental. Julia abrió el proceso para que las artistas de su generación que quisieran participaran en las transmisiones con el fin de reconectar con lo que ha estado pasando.

cascadesprojecte.squarespace.com
http://www.injuve.es/en/creacionjoven/noticia/cascadas
https://instagram.com/cascades.project

 

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De Cambaleo Teatro

8 y 9 de octubre en Teatro Pradillo 

n junio de 2020, en plena pandemia, y en respuesta a una propuesta de Teatro Ensalle, escribí un pequeño texto que titulé: A propósito de la incertidumbre.
El texto es una pequeña reflexión, salpicada de poemas, que parte de la premisa de que todo nuestro comportamiento social e individual depende fundamentalmente de cómo cada persona, o grupo de personas, gestionan el asunto de la incertidumbre.
Esta reflexión es la que sustenta la base textual del espectáculo Manual de comportamiento cuando todo está perdido.
La propuesta escénica vive paralela al texto y a partir de la idea de movimiento continuo.
Carlos Sarrió

ambaleo Teatro. Nace como compañía en 1982 en Madrid. En estos 37 años de existencia, hemos realizado trabajos de Teatro de calle, Teatro de interior tanto para adultos como dirigido a la infancia y a la juventud, acciones escénicas, instalaciones escénicas, coproducciones con otras compañías y Pedagogía Teatral.
A lo largo de este tiempo, hemos desarrollado con nuestro trabajo una apuesta artística basada en la continuidad del equipo de trabajo, y en la búsqueda de un lenguaje teatral propio, reflexionando siempre sobre el mundo que nos rodea.
Hemos presentado nuestras producciones en España, Portugal, Alemania, Francia, Polonia, Bolivia, Venezuela, Nicaragua, México.
www.cambaleo.com

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/manual-de-comportamiento-cuando-todo-esta-perdido/

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15 de octubre en la Fira Mediterrània de Manresa

Este proyecto de Lara Brown tiene el objetivo de estudiar el impacto del folklore en un cuerpo contemporáneo, con el baile como necesidad innata de movernos de manera improductiva. La jota es el punto de partida coreográfico y el proyecto contempla su investigación en diferentes territorios.

Más información y entradas: https://firamediterrania.cat/es/next/2021/espectacles/el-movimiento-involuntario-lara-brown

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Romeo Castellucci

18 y 19 de noviembre en Temporada Alta

Bros es un espectáculo protagonizado por un grupo de seres anónimos donde la acción inmediata es el motor de la trama. El maestro del riesgo Romeo Castellucci escenifica una comisaría de policía donde surgen temas sobre la ley, la responsabilidad individual y la colectiva. Una propuesta basada en la experiencia del momento, huyendo de cualquier tipo de preparación. Los protagonistas, vestidos con uniforme policial, reciben en todo momento ordenes a través de unos auriculares para encarnar una historia irrepetible de comedia y violencia. Conociendo la trayectoria artística de Castellucci, este relato huirá de los caminos más previsibles e incluso hará un guiño a los cómicos del cine mudo.

Más información y entradas: https://temporada-alta.com/es/shows/bros/

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Vicente Arlandis 

Del 8 al 10 de octubre en el Teatro Ensalle de Vigo

El esfuerzo constante de ganarse la vida es una performance donde trato de trabajar lo mínimo, lo justo y lo que yo entiendo por razonable. Os voy a contar lo que pienso de la disciplina, del trabajo del bailarín y del secuestro de nuestro tiempo. Os voy a contar cómo se siente al repetir durante ocho horas al día la misma acción en una fábrica o cómo se queda el cuerpo al bailar el mismo espectáculo durante cinco años. Y para acabar os voy a contar unos chistes, os dejo uno como ejemplo.

Todos seríamos más felices si trabajásemos de lo que nos gusta. En mi caso es muy difícil encontrar trabajo de macarrones con queso.

Mas información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/el-esfuerzo-constante-de-ganarse-la-vida/?event_date=2021-10-08

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Heiner Goebbels. De Materie. Fotografía: Wonge Bergmann.

8 de octubre en el Museo Reina Sofía

En esta edición inaugural de la Cátedra Teatralidades expandidas, la obra y las ideas del compositor y director Heiner Goebbels (Alemania, 1952) se ponen en diálogo con las propuestas de l+s creador+s María Jerez, Pablo Palacio y Silvia Zayas, para continuar el debate sobre las teatralidades expandidas en esta época de crisis del Antropoceno. Crisis que también podría ser contemplada como la de la insurgencia de la materia, siguiendo las ideas de Suely Rolnik.

Heiner Goebbels es uno de los creadores escénicos más importantes del panorama artístico contemporáneo cuya producción y escritos más se han dejado influir por la “agencia de la materia” —concepto referido a la materia como agente de acción—. Durante los últimos 30 años, Goebbels ha desafiado los límites y deconstruido las estrategias estéticas convencionales, aportando grandes novedades en el panorama de las artes escénicas y performativas. En su obra Ästhetik der Abwesenheit. Texte zum Theater [Estética de la ausencia. Textos sobre teatro, 2012], que reúne todos sus textos sobre teatro y sus obras musicales, propone la idea de un teatro “como cosa en sí”, un teatro en el que se desarrolla un “drama de los sentidos” o un “drama de los medios”. Esta idea dio lugar, anteriormente, a producciones como Stifters Dinge [Las cosas de Stifter, 2007] en la que Goebbels, inspirado por la intensa percepción del paisaje en la novela Granito de Adalbert Stifter, elabora un experimento escénico sin actores, en el que la maquinaria teatral y los elementos de la escena asumen el protagonismo; o When the Mountain Changed its Clothing [Cuando la montaña cambió sus vestiduras, 2012], trabajo inspirado en una canción popular de Resia, Da Da Pa Ćanynu, que refleja los cambios estacionales en la montaña de Kanin (Eslovenia). En su obra recopilatoria, Goebbels escribe: “Haciendo retroceder a las personas que actúan y minando de ese modo los automatismos antropocéntricos, [Stifter] nos fuerza, por medio por ejemplo de la descripción de catástrofes naturales, a dejarnos asombrar por las fuerzas que escapan a nuestro ámbito de influencia”.

Comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, esta Cátedra analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida.

Esta edición de la Cátedra está vinculada al proyecto de investigación La nueva pérdida del centro. Prácticas críticas de las artes vivas y la arquitectura en el Antropoceno, desarrollado por ARTEA desde junio de 2020. Este proyecto se centra en el estudio de las teatralidades en el marco de las humanidades ambientales, un campo transdisciplinar que busca tender un puente entre las ciencias y las humanidades, asumiendo que lo humano es solo un agente más entre otros que configuran el ambiente. Anteriormente, la primera actividad pública vinculada a este proyecto de investigación fue el grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto (Museo Reina Sofía, 2020-2021), coordinado por Fernando Quesada, integrante del colectivo ARTEA.

PROGRAMA 

Viernes 8 de octubre, 2021

Sesión 1

10:30 – 11:30 h Neblinas que son moluscos, que son paisajes, que son teatros

Encuentro con María Jerez11:30 – 12:30 h Sinergias y conexiones algorítmicas entre cuerpo, sonido y luz

Encuentro con Pablo Palacio

13:00 – 14:30 h Sesión de cine

Heiner Goebbels, Stifters Dinge [Las cosas de Stifter]

Suiza, 2007, color, VO en inglés y francés sin subtítulos en español, 70’. Vídeo de Marc Perroud

Sesión 2

17:00 – 17:30 h Presentación de la Cátedra de Teatralidades expandidas

Intervienen: Diana Delgado Ureña, Fernando Quesada, Isabel de Naverán, Victoria Pérez Royo y José A. Sánchez17:30 – 18:45 h Aesthetics of Absence

Conferencia de Heiner Goebbels

Inglés con traducción simultánea al españolMostrar más18:45 – 19:45 h Conversación con Heiner Goebbels

Intervienen: María Jerez y Pablo Palacio

Modera: Fernando Quesada

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