MuroTRON | T E A T R O N

Working Title: Shahzia Sikander Catalysis

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15-11-2021

18 de noviembre en Azkuna Zentroa

Entre junio de 2020 y febrero de 2021, el artista holandés estadounidense Sands Murray-Wassink y Aimar Arriola se embarcaron en un intercambio epistolar por invitación de If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution, organización con sede en Ámsterdam dedicada al estudio de la performance. El intercambio fue un componente lateral de Gift Science Archive (GSA), una performance ‘monumental’ de Murray-Wassink, de 18 meses de duración, encargada por If I Can’t Dance; en ella, el artista y sus colaboradores socavaron, ordenaron y archivaron el inventario completo de materiales de su estudio como una performance duracional. En este contexto, el intercambio epistolar entre Murray-Wassink y Arriola exploró temáticas habituales en el arte y la vida del artista, incluidos temas de autocuidado, salud mental, género y sexualidad (el resultado del intercambio se puede consultar aquí).

Partiendo de elementos del intercambio epistolar, incluidos aquellos relacionados con lo que es o puede ser una ‘forma queer’, así como ideas sobre cambios culturales, migración, espiritualidad, estética, etnicidad, historias, género y sexualidad, estados mentales y cómo lidiar con ellos, en esta velada Sands Murray-Wassink presenta una nueva performance concebida para la ocasión. La performance se basará en estrategias recurrentes en el trabajo del artista, como la cita, el dibujo en vivo y el sostenimiento de algo, ya sea vida, pensamiento o acción, durante un periodo extendido de tiempo.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/sands-murray-wassink-working-title-shahzia-sikander-catalysis.

Sands Murray-Wassink (1974, Topeka, Kansas). Figura de culto queer en la escena artística de Ámsterdam durante casi dos décadas, Murray-Wassink es pintor, artista del cuerpo, escritor y coleccionista de perfumes deudor con diversas formas y permutaciones del arte interseccional feminista y queer, con las artistas Carolee Schneemann, Hannah Wilke y Adrian Piper sirviendo como coordenadas clave de su práctica. Sus exposiciones recientes incluyen: Auto Italia, Londres (enero de 2022), Rijksakademie y mistral (ambas, Ámsterdam, 2021), todas como parte de Gift Science Archive (GSA). Tras estudiar en el Instituto Pratt (1992-1994) en Brooklyn, Nueva York, Murray-Wassink se mudó a los Países Bajos en 1994 para un programa de intercambio en la Academia Rietveld de Ámsterdam. Durante los dos siguientes años (1995- 1996) estudió en De Ateliers, Amsterdam, ciudad donde vive y trabaja desde entonces.

After all Springville, de Cía Miet Warlop e Irene Wool

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15-11-2021

cacharros…

20 y 21 de noviembre en La Casa Encendida

La compañía belga Miet Warlop estrena en Madrid, dentro de la 39ª edición del Festival de Otoño, una reposición de Springville, la comedia surrealista que estrenó hace más de una década y cuya poesía visual cautivó a los espectadores.

Un hombre que saca la bolsa de basura, una caja de cartón andante o una mesa y una caja de fusibles, ambas con piernas, son algunos de los personajes de la obra After all springville. Una casa echa humo en mitad de la escena y, alrededor de ella, se desenvuelven estos personajes –mitad objetos, mitad humanos– cuyas absurdas y frustradas relaciones, como de vecinos de un barrio, provocan la risa.

Miet Warlop (1978) es una artista visual belga nacida en Torhout que vive y trabaja entre Gante y Bruselas. Desde 2004, sus montajes han sido representados dentro y fuera de Bélgica. Tras estrenar en 2009 Springville, se mudó a Berlín para concentrarse en el trabajo visual y estrenó Mistery Magnet. En años posteriores siguió montando sus propios proyectos y llevó a cabo performances en contextos teatrales y audiovisuales en varios países europeos, además de representaciones de artes visuales, intervenciones e instalaciones en vivo. Otros montajes suyos son la obra teatral Fruits of Labor (2016), Nervous Pictures (2017), la monumental performance Amusement Park (2017) y Big Bears Cry Too (2018). En 2019 la compañía realizó cerca de 85 actuaciones de cuatro de sus espectáculos en Bélgica y en países como Suiza, Francia, Alemania, Hungría o España.

Más informacion y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/festival-otono-after-all-springville-cia-miet-warlop-e-irene-wool-12963.

Sobre lo incierto

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10-11-2021

Baile

11 y 12 de noviembre en DT Espacio Escénico

Coreografía y danza: Annika Pannitto
Texto: Óscar Cornago
Supervisión musical: Rodrigo Faina
Proyecto en colaboración con el CA La Praga

Imaginamos esta danza cómo un espacio común que emerge a partir de unas pocas reglas sencillas. Un encuentro, un ejercicio compartido, una conversación sobre lo que acontece.
Cada vez, nos damos unas pautas que son más un pretexto para dialogar a través de nuestras prácticas y compartir algunos pensamientos con el público.
Un lugar de calma y atención para compartir tiempo.
Una invitación a entrar y salir, a estar y no estar, según cómo cada uno lo desee.

Más información y entradas: https://dtespacioescenico.com/temporada-2021-2022/sobre-lo-incierto/.

# Juana Dolores # * massa diva per a un moviment assembleari *

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10-11-2021

Concentración

13 y 14 de noviembre en Réplika Teatro

# Juana Dolores # * massa diva per a un moviment assembleari * (# Juan Dolores # * demasiado diva para un movimiento asambleario*) es el debut en el teatro de la actriz y poeta catalana Juana Dolores Romero. En este monólogo, reclama una individualidad que se expresa en el dolor frente a una comunidad que intenta ahormarla e imponerle su pensamiento gregario. Escrita, dirigida e interpretada por la propia Dolores, que ha afirmado en varias ocasiones que quiere ser juzgada por su obra y no por su ideología, la obra quiere ser también una defensa de la cultura mestiza. En la dramaturgia de esta performance comparecen nombres como Rocío Jurado, Stalin, Marilyn Monroe, Beyoncé, Hannah Arendt o Pasolini.

Juana Dolores, de padres andaluces emigrantes, ha desarrollado su incipiente carrera en Cataluña. Además de escribir poesía y teatro ha realizado obras de videoarte y coordinado el proyecto digital @HYBRIS.VIRAL. En su obra dialogan la tradición, la cultura popular y la idea de fragmentación contemporánea, y expresa la tensión entre las ideologías y la belleza. Ha publicado Bijuteria (premio de poesía catalana Amadeu Oller, 2020, Edicions Galerada); Limpieza (2020) y Santa Bárbara (2020). Ha escrito y dirigido Miss Universo (2021), una pieza audiovisual producida por el Festival Temporada Alta (Girona), en la que interpreta a una modelo que reflexiona sobre el concepto de erotismo en Georges Bataille.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/juana-dolores-massa-diva-per-a-un-moviment-assembleari/.

Likes

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10-11-2021

low fi

12 y 13 de noviembre en el Mercat de les Flors

Likes parteix de l’anàlisi de dos dels fenòmens més populars de Youtube: el cover dance i els tutorials i vídeos sobre les diferents tècniques de ioga. Des d’una perspectiva socio-antropològica, l’artista aborda el públic amb un discurs sobre el valor social d’un like en les nostres societats digitals. Aquesta peça va ser seleccionada per la plataforma europea de suport a la dansa Aerowaves 2018 i va rebre una menció especial com a la millor interpretació de dansa en els Premis Ciutat de Barcelona 2018, així com el Premi de la Crítica 2018 com a millor solo o el Premi Dansacat 2020; s’ha representat en nombroses ocasions amb molt bones crítiques: “Una construcció brillant de discurs, sostinguda per una ballarina d’excel·lent i sobrada competència corporal: no és només perquè la seva tècnica dancística sigui depurada i efectiva; és sobretot perquè expressa amb el seu cos tot aquest altre contingut -reflexió o tesi- que allibera per fi la dansa del discurs de la paraula.” (Jordi Sora, Escena de la memòria).

Graduada a l’Institut del Teatre en dansa clàssica, Núria Guiu va formar part d’IT Dansa i posteriorment va treballar com a ballarina amb companyies com Cullberg Balletten, Gisele Vienne, Carte Blanche Dance Company, Batsheva Dance Company (Kamuyot), Ingri Fiksdal, Jasmin Vardimon, La Veronal o Kobalt Works, entre d’altres. És professora certificada de Ioga Iyengar i estudiant del Grau d’Antropologia i Evolució humana de la UOC. Ha treballat com a assistent artística de Gisèle Vienne i també com a intèrpret d’algunes de les seves creacions. Des del 2012 indaga com a coreògrafa en la relació cos i digitalitat.

Más informacion y entradas: https://mercatflors.cat/espectacle/likes/.

La Plaza

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10-11-2021

Cena performática

26 y 27 de noviembre en el Teatro Central de Sevilla

Una suerte otra de apelar a la mirada del espectador, de observar, de reivindicar la contemplación de lo visual, de escribir, de decir los textos, de acudir a la reflexión… en definitiva, de contaminar lenguajes artísticos, parece haberse instalado en los últimos diez años en el panorama de las artes escénicas en nuestro país. En la era del zapeo, de la velocidad: otro tiempo demorado se nos impone. Son artistas jóvenes y sobradamente preparados, de horizontes amplios, de libre circulación… que se contaminan y colaboran entre sí. Se trata de Marcos Morau/La Veronal, Celso Giménez y Violeta Gil/La Tristura (habituales del Central) y por supuesto Tanya Beyeler y Pablo Gisbert/El Conde de Torrefiel con quien Sevilla tenía una asignatura pendiente. Todos ellos difíciles de ver en los teatros españoles, dándose la paradoja de ser no solo aplaudidos sino coproducidos, por los escenarios más destacados del circuito internacional.

En los tiempos de Facebook, el gran ágora global, el gran vertedero de perfiles, Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, las dos personalidades de El Conde de Torrefiel, convierten el escenario en una plaza habitada por seres sin rostro. En los tiempos del selfi, El Conde, como dice Roberto Fratini, se dedica a ofrecernos, exponiéndola, la sonrisa alelada de una humanidad que está sacándose el último de sus autorretratos.

Más informacion y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/la-plaza.

La plaza toma el espacio público como paradigma reducido del mundo contemporáneo.

La plaza —dice Tanya Beyeler— es un cuadro más impresionista. Es ver cómo aquello que vemos, las imágenes que pasan frente a nosotros, al final afectan la percepción de eso que vemos y la que tenemos de nosotros mismos.

La plaza —dice Pablo Gisbert— es un trasunto de la idea de pueblo, de la idea de ciudad, de la idea de humanidad. Es una figura poética para hablar del mundo entero.

Perpetua Felicidá

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10-11-2021

Baile

10 y 11 de diciembre en La Casa Encendida

Perpetua Felicidá es un tríptico de agonías, decesos y resurrecciones. Tres pasiones encarnadas por cada una de las intérpretes con la ayuda de sus compañeras y de las santas Perpetua y Felicidad, extrañas mártires del siglo III d.C. en la romana Cartago. Ama y esclava; blanca y negra; lactante y embarazada, respectivamente. Moreau, Keisanen y Morales usan la danza (sí, la usan: le dan utilidad: creen en su potencia aniquilador de privilegios) como la ganzúa que revienta las puertas de sus saberes; la danza como saqueadora de los estados físicos y mentales que los regímenes tiene tan bien custodiados.

Una investigación acerca del martirio y su estetización, con el objetivo de aplicar sus resultados a una pieza de danza que reflexiona y crea paralelismos entre el hecho dancístico y el fenómeno martirológico.

El colectivo Iniciativa Sexual Femenina nace en 2017 en el centro social autogestionado Can Vies, en Barcelona, con el deseo de aproximarse a la danza contemporánea desde una perspectiva feminista, libertaria y antiacademicista. Está integrado por Élise Moreau (Francia, 1992), Elisa Keisanen (Finlandia, 1988) y Cristina Morales (España, 1985).

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/perpetua-felicida-iniciativa-sexual-femenina-13066.

Ensayos abiertos de Ocells perduts

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10-11-2021

Expo+concierto

20 de noviembre, 18 de diciembre, 29 de enero y 26 de febrero en el MACBA

Ensayos abiertos de Ocells perduts son performances aéreas en las salas del museo. Laia Estruch despliega una serie de voces de pájaros articulando su cuerpo y su voz mientras transita la escenografía-escultura creada a partir de las redes que se utilizan para estudiar aves en período de migración.

Más información y entradas: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/actividades/ensayos-abiertos-ocells-perduts.

Hakai Dub

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10-11-2021

Almuerzo free software

13 de noviembre en el MACBA

Cecilia Bengolea y Erika Miyauchi presentan Hakai Dub, una propuesta en la que muestran, en formato abierto, su investigación compositiva en tiempo real inspirada en el sound system. El título proviene del término hakai, que en japonés significa destrucción, pero también es entendido como la oportunidad de mejorar y reconstruir cosas, y del dub, una técnica en la que la música se separa en más de 16 pistas y se recompone en directo en cada sesión.

Hakai Dub intenta romper con las convenciones teatrales del espectador pasivo. El público está invitado a participar, tanto metafórica como físicamente, y a reconectar con el rito de moverse juntos y generar entre todos inteligencia colectiva.

Hakai Dub se articula en tres partes: una proyección en vídeo en la que se muestran obras de Cecilia Bengolea en colaboración con la escena dancehall de Jamaica; un solo de la bailarina japonesa Erika Miyauchi, con el que prosigue en su investigación sobre el dancehall bailando sobre zapatillas de puntas; y un taller en el que se invita al público a participar en la realización de un baile conjunto.

Cecilia Bengolea y Erika Miyauchi mantienen una colaboración desde 2015 que las ha llevado a investigar en profundidad el lenguaje dub, la cultura dancehall y el sound system originarios de Jamaica y considerados espacios de libertad y expresión, de creatividad y de transformación social. Su trabajo conjunto ha desembocado en la creación de varias piezas escénicas, que se han presentado en espacios públicos y museos de todo el mundo.

Más información y entradas: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/actividades/hakai-dub-cecilia-bengolea-erika-miyauchi

One night at the golden bar

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08-11-2021

Carta

21 de noviembre en Réplika Teatro

One night at the golden bar procede de dos residencias artísticas del Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque de Madrid y Ágora, de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales. En ellas ha desarrollado este proyecto, aún inacabado, su creador, el director y dramaturgo malagueño Alberto Cortés. En palabras del autor, “en esta performance de poesía y danza, se adentra en el mundo nocturno de los bares y del amor marica.”

One night at the golden bar, que remite a la canción de Mecano La fuerza del destino sobre el encuentro irremisible de una pareja en un bar, habla, desde una mirada queer, de esas historias que se originan en estos lugares, de las identidades de género y de las múltiples manifestaciones del amor.

Alberto Cortés es malagueño, director y dramaturgo. Previamente también se licenció en Historia del Arte. En 2008 creó la compañía Bajotierra y ha desarrollado desde entonces una labor de creación teatral y promoción de iniciativas como El Quirófano, festival de escena alternativa de Málaga o el ciclo Escena Bruta. En 2012 trabajó con la compañía de danza teatro belga Peeping Tom, de gran influencia para él. Su carrera se ha centrado en la investigación sobre el hecho teatral (su narrativa, la palabra o el movimiento). Entre sus obras figuranHistoria de Mikoto, Yo antes era mejor, El ardor, Hollywood y Masacre en Nebraska.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2021/one.html

— MuroTRON

Working Title: Shahzia Sikander Catalysis

After all Springville, de Cía Miet Warlop e Irene Wool

Sobre lo incierto

# Juana Dolores # * massa diva per a un moviment assembleari *

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La Plaza

Perpetua Felicidá

Ensayos abiertos de Ocells perduts

Hakai Dub

One night at the golden bar

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