— MuroTRON

Roger Bernat – Del 18 de febrero al 6 de marzo en el Teatre Lliure

Entre el 23 de noviembre y el 30 de diciembre de 1990, la compañía del Teatre Lliure representó Terra baixa. Convertido en el testamento escénico de Fabià Puigserver, fundador de este teatro (1938-1991), aquel espectáculo consagraba al clásico en el contexto de modernización olímpica del país.

30 años después, Roger Bernat no crea una nueva versión de Terra baixa, sino que vuelve a hacer aquel montaje. En esa ocasión eran Lluís Homar, Emma Vilarasau o Mercè Aránega los encargados de encarnar a los personajes. Hoy, en cambio, son Enric Auquer, Aina Clotet y hasta78 intérpretes –6 distintos a cada función– que ponen a prueba las tecnologías de la memoria para reconstruir un emblema.

Desde el paradójico estreno del texto de Àngel Guimerà en Madrid en 1896 hasta la versión de Fabià Puigserver, representar Terra baixa ha sido una forma de declarar el poder político de los imbéciles. Ideologías tan distintas como las de los ateneos anarquistas barceloneses de inicios del siglo xx, la cineasta nazi Leni Riefenstahl, el dramaturgo marxista Erwin Piscator o los realities de TV3 (por ejemplo, El Llop de Àngel Llàcer), tiran de Terra baixa para matar lobos o para huir a la terra alta.

Hoy que el BOE acaba de prohibir definitivamente la caza del lobo, Roger Bernat aprovecha la ocasión para rendir homenaje a Fabià Puigserver.

Más información y entradas: https://www.teatrelliure.com/ca/terra-baixa-21-22

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Del 3 de marzo al 12 de mayo en el CCCB

La voluntad del festival «Subsol» es dar cabida a propuestas que, por definición, quedan excluidas de los parámetros de la cultura seria y de la cultura «alta» o académica: marginalidad, outsiders, subcultura, baja cultura y arte lowbrow, de lo subterráneo a lo popular, en forma de tebeos raros, humor duro, música urbana o literatura proleta o populachera.

La tensión entre underground y populismo se plantea como uno de los motores vitales del proyecto: buscar la coherencia y los puntos en común entre lo-que-aún-no-conoce-nadie (porque no ha salido del barrio, o de la camarilla secreta; porque se está gestando en tiempo real; porque lo arrancamos de las catacumbas para subirlo a los escenarios) y lo-que-ya-es-popular-del-todo (porque ha logrado trascender barrio, género o adscripción estilística, y consigue superar divisiones de edad, clase o lugar para, dicho en vernácula, petarlo de manera masiva). Este es, finalmente, un festival que se define tanto por lo que rechaza como por lo que jalea: «Subsol» se opone a la museización, la ranciedad, la nostalgia, el elitismo y el clasismo y está a favor del populismo, la cultura juvenil, el extrarradio y la evasión. 

Comisariado por Kiko Amat.

Programa y entradas: https://www.cccb.org/es/ciclos/ficha/subsol-2022/238167

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Carlota Mantecón – Del 24 al 26 de febrero en Teatro Pradillo

Si lo escuchas empieza a sonar. Si te mueves, cambia de sitio. Si lo intentas, desaparece. Si lo escuchas otra vez, suena. Si te mueves, se desliza. Si vuelves a intentarlo, aparece.
Luego entra el beat.
Lo que suena no se ve, lo que se mueve está entre. Martillo, yunque, estribillo.
Si te vas resuena, resuena, resuena. Si lo conectas cambia de emisora. Si te alejas queda suspendido y los altavoces vibran.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/esto-no-es-una-prueba-de-sonido/.  

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Con Miet Warlop, Alberto Cortés, Bárbara Bañuelos, Silvi Mannequeen, Compañía La Soledad…

Programación completa y entradas: https://meetyouvalladolid.com/index.php/meetyouvll/

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Amaia Bono y Damián Montesdeoca – 24 de febrero en la Sala BBK

Conocemos el universo a través de lo que se repite. El latido del corazón es una repetición que nos mantiene con vida. En la vida todo se repite. Todo se repite. Repetimos nuestros errores. El ser humano es el único animal que se repite al tropezar dos veces con la misma piedra. Todo se repite. Se repite curso. El ajo repite. Los loros repiten. El eco repite. Las olas se repiten. Todo se repite. Hasta Jesucristo, al renacer, se repite. Todo se repite. Todo se repite. Todo se repite.

Más info y entradas: https://salabbk.bbk.eus/la-repeticion/

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L△ST (aka La Santísima Trinidad) – 18 y 19 de febrero en el Teatro del Barrio 

Tiranas Banderas II habla desde la admiración absoluta de cómo las banderas consiguen con aparente facilidad todo eso que el teatro no llega a lograr nunca, utilizando los mismos recursos de los que disponemos en las artes escénicas; explica cómo las banderas son la semilla de una ficción que perdura para siempre en el imaginario popular; habla de cómo apelan a un sentimiento que permanecerá para siempre en el corazón de los suyos; y muestra cómo cuando intentan sublimar la complejidad de un país o de una ideología en tres colores mal combinados lo logran.

Nos flipa este carisma y el dominio de la gestión del capital emocional de su público. Y queríamos rendirle homenaje.

Pasa, pero, que tenemos también la sensación que la bandera convive en el universo del Cristo en la Cruz, el aura incorruptible de la izquierda y la manzanita del Mac, y que representa sin matices un símbolo de los poderes que se aprovechan de esta necesidad tan nuestra de pertenecer a un grupo, de tener un lugar donde volver cuando todo va mal, para sacar rédito de cualquier tipo. Y a algunos ya les parece bien y viven felices en su displicencia.

Y eso no mola tanto, y nos cabrea un poco, o mucho, pero sobre todo nos cabrea el hecho indiscutible de que la bandera es, por definición, fea. Fea en su concepción, en su diseño, en su realización. Fea como hecha a disgusto, como pegar-a-un-padre, como los trajes del Macson.

Y eso es lo que nos putea más; que ya que pones a cuatro patas a una multitud y la sodomizas mientras le haces tragar doblada una historia sin sentido, al menos proporciónale a ese cuento un envoltorio bonito. Que no cuesta nada. Que estamos en la era del packaging. Aunque sepas que funcionará de cualquier manera, aunque nadie no lo reclame. No cuesta nada poner cariño a las cosas-ideologías-brainwashings. Falta cariño en las banderas. Y esto no lo aceptamos.

Y de esto va Tiranas Banderas, de cómo la falta de cariño no debería de permitirse nunca.

Texto de Rubén Ramos sobre la obra: http://www.tea-tron.com/rubenramos/blog/2021/03/08/notas-que-patinan-106-tiranas-banderas/

Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/tiranas-banderas-ii/

Autoría: L△ST (aka La Santísima Trinidad)
Dirección: L△ST
En Escena: Gaia Bautista, Joan Martínez, José Velasco
Una producción de L△ST
Iluminación, escenografía, diseño de sonido y vestuario: L△ST
Audiovisuales: Marina Siero
Asesoramiento Artístico: Santiago Sierra
Compañía residente en Nau Ivanow
Agradecimientos: Eugenio Merino, Jordi Fondevila, Roberto Fratini, Ferran Dordal

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La Sala Alcalá 31 alberga del 19 de febrero al 3 de abril una exposición que indaga en la importancia del cuerpo en la danza de la bailarina madrileña La Ribot. Una colección de danzas, vídeos, composiciones fotográficas, objetos y textos para cuestionar el valor físico, identitario, social y político del cuerpo humano.

Comisariada por Olivier Kaeser, se ha reunido una selección de las obras más importantes de La Ribot a lo largo de más de 20 años de carrera. La muestra se abre con Laughing Hole (2006), a la que siguen otras como la videoinstalación Despliegue (2001) o Piezas distinguidas (nombre genérico del proyecto iniciado en 1993).

Además, por primera vez se reúnen Walk the Chair (2010), Walk the Bastards (2017) y Walk the Authors (2018), tres performances compuestas por decenas de sillas plegables de madera, después de haber servido en teatros ambulantes, que están enriquecidas con citas grabadas a fuego en su estructura. Los espectadores deben manipularlas en todas las direcciones para descifrar los pasajes. También se ofrecen cuadernos en vitrinas donde se pueden observar los pensamientos e ideas de La Ribot y dos piezas en vivo, presentadas a intervalos: Pièce distinguée Nº45 (2016) y LaBOLA (2022).

La Ribot es el nombre artístico que utiliza María José Ribot, una bailarina, coreógrafa y artista visual nacida en Madrid en 1962. Actualmente vive en Ginebra (Suiza) y sus montajes desafían los marcos y los formatos de la escena y del museo tomando prestados vocabularios del teatro, de las artes visuales, de la performance, del cine y del vídeo para llevar a cabo sus concepciones coreográficas.

Cuenta con más de 45 obras en su haber y ha sido galardonada con el Premio Nacional de Danza en 2001​ y la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2016, otorgados por el Ministerio de Cultura, y el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid 2019 en Artes Plásticas.

Programa de obras en vivo:

19 febrero – Laughing Hole (2006) – 16:00 – 22:00 h

23 a 26 febrero – Pièce distinguée Nº 45 (2016) – 20:30 – 21:05 h

1 marzo al 3 abril – LaBOLA (2022) – martes a sábado: 19:00 – 20:00 h / domingo: 12:00 – 13:00 h

Más información y reservas: https://www.comunidad.madrid/actividades/2022/exposicion-ribot-escala-humana

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1 de marzo en Conde Duque 

Un programa múltiple con tres artistas que desde distintas procedencias, caminos e intereses incorporan la palabra en su trabajo entendida no sólo como portadoras de sentido sino también como portadoras de sonido. En los tres hay una apuesta fuerte por la dimensión material y sonora de las palabras, de los ritmos, de la música del lenguaje.

Ángela Segovia

BRILLANTE NEGRO BELLO CLARO es un cuaderno de ejercicios concebido para atravesar una tiniebla. Las dos piezas que se presentan, Eghercicio de respiracione y Eghercicio de oracione, se inspiran en la oscuridad de los oficios de tinieblas y recuperan la idea del pneuma, que consideraba el espíritu como una sustancia intermedia entre lo corpóreo y lo incorpóreo que era transportado en la respiración. El ritmo de los textos está pensado para que funcionen, literalmente, como ejercicios de respiración. La lengua en la que están escritos no existe como tal, ni tiene nombre, es una lengua romance inventada, o un nuevo romance.

Creado e interpretado por Ángela Segovia, Irene Galindo y Noelia Arco.

Mariano Blatt

Con la voz como única herramienta, el poeta y editor argentino Mariano Blatt nos adentra en un recorrido por su obra más reciente, incorporando como es habitual en sus lecturas, textos ajenos de distinta procedencia que re-versiona para llevarlos al formato de un recitado de poesía. Sin embargo, en la aparente simpleza y despojamiento del enunciado “la voz como única herramienta” se esconden distintos matices rítmicos, entonaciones, repeticiones y amaneramientos que hacen fundirse y confundirse la palabra hablada con la música de un idioma.

Dani Umpi

El músico presenta Guazatumba, el universo onírico, recitado y cantado de su nuevo disco. Un conjunto de canciones que se enraízan conceptualmente a otra rareza del campo, esta vez una planta/yuyo: la guazatumba es un arbusto habitual en los campos del norte uruguayo con la particularidad de poseer propiedades contra las mordeduras de víboras mortales. Una colorida performance poético-musical con beat house y buenos sentimientos.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/triple

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Ángela Segovia (Ávila, 1987) ha publicado los libros ¿Te duele? (V Premio de Poesía Joven Félix Grande, 2009); de paso a la ya tan (ártese quien pueda ed., 2013); La curva se volvió barricada (La uña rota, 2016) que recibió el Premio Nacional de Literatura, modalidad Poesía Joven, en 2017; Amor divino (La uña rota, 2018); Pusieron debajo de mi mare un magüey (La uña rota, 2020) y Mi paese salvaje (La uña rota, 2021). Tradujo el libro CO CO CO U, de Luz Pichel (La uña rota, 2017). Poemas suyos han sido traducidos al alemán, al griego, al portugués, al ruso. Desde septiembre de 2014 a septiembre de 2016 fue becaria de creación del Ayuntamiento de Madrid en la Residencia de Estudiantes. En 2019 obtuvo la beca de la Fundación Villalar con el proyecto Apariciones de una cabaña en el bosque.

Irene Galindo Quero (Granada, 1985) es compositora. Estudió en Granada con Pedro Guajardo, en la Musikhochschule Freiburg con Cornelius Schwehr y Mathias Spahlinger y en la HfMT Köln con Johannes Schöllhorn. Desde 2012 estudia sarod con Pandit Brij Narayan. Entre 2014 y 2016 fue docente en el CSMA Aragón. Su trabajo ha sido reconocido con varias becas y premios: becaria de la Fundación, Alexander von Humboldt, La Caixa-DAAD, compositora residente en Brahmshaus Baden-Baden, en Mumbai (NRW Kunststiftung) y en Künstlerdorf Schöppingen, becaria en la Residencia de Estudiantes, Madrid, becaria de la Akademie Musiktheater Heute, Deutsche Bank Stiftung.

En 2015 estrena su ópera de cámara a campo abierto en los Teatros del Canal, Madrid. En 2017 escribe para la Opera Stabile de Hamburg y como ganadora del concurso “Neue Szenen III” recibe un encargo para la Tischlerei de la Deutsche Oper de Berlin.

En 2019 le ha sido otorgado el Berlin-Rheinsberger Kompositionspreis. Actualmente desarrolla varios proyectos con la poeta Ángela Segovia. Reside con su familia en Berlin.

Noelia Arco (Albolote, Granada) Tras obtener el título de Profesora de Percusión en el Conservatorio Superior de Música de Granada, se traslada a Amsterdam, Holanda, donde obtiene los títulos de Bachelor y Master Degree en el Conservatorium van Amsterdam. Ha sido miembro de la Orquesta Joven de Andalucia y de la Joven Orquesta Nacional de España. Ha colaborado con las orquestas de Málaga, Sevilla, Córdoba, Almería, Santiago de Compostela, Castilla y León, Pamplona, Extremadura y Galicia en España; y la Amsterdam Symphony, Nederlands Philarmonisch y Royal Concertgebouw Orchestra en Holanda.  Actualmente es percusionista de la Orquesta Ciudad de Granada, miembro del ensemble Neoars Sonora, del dúo de percusión Mintaka y el grupo de música antigua La Tricotea.

Dani Umpi ( Tacuarembó, Uruguay, 1974) es un artista mutidisciplinario. Su trabajo es compulsivo, hiperactivo, fronterizo, abarcando cruces imaginables entre la industria cultural, la cultura popular, la literatura, la música y las artes visuales, generalmente en clave queer. Opera desde un personaje con tintes autoparódicos, híbrido entre la tradición drag y la performance conceptual, con fuerte influencia del pop art, la tropicalia y el neo concretismo brasilero de los años sesenta. Publicó, entre otros, los libros Aún soltera, Miss Tacuarembó (llevada al cine por Martín Sastre en el 2010); Sólo te quiero como amigo y Un poquito tarada. Entre sus discos, pueden mencionarse: Perfecto; Dramática (junto al guitarrista Adrián Soiza); Mormazo y Lechiguanas. Como artista visual, expuso en numerosas galerías y museos, y participó en la Bienal de São Paulo 2010 y en la 1era. Bienal de Montevideo en 2012. En el año 2012, la Feria Internacional del Libro de Guadalajara lo eligió entre los “25 secretos literarios de Latinoamérica”.

Mariano Blatt (Buenos Aires, Argentina, 1983) es poeta y editor. Dirige la editorial Blatt&Ríos, dedicada a la literatura y la investigación. Fundada en Buenos Aires en 2010, y desde 2020 instalada también en Madrid, Blatt & Ríos cuenta en su catálogo de más de cien títulos con algunos de los autores más relevantes de las letras latinoamericanas y del resto del mundo. También dirige De Parado, editorial argentina que se define como “editorial soñada por dos gays”. Como poeta ha publicado varios libros y ha recitado en vivo incontables veces y en distintos contextos y ciudades. Junto al Combinado Argentino de Danza presentó durante 2018 el espectáculo “Saliva y ritmo”. También se ha presentado a dúo con la cantante mexicana Julieta Venegas, en un espectáculo de poesía y música. Forma parte del colectivo PoemRoom.

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26 de febrero en el CCCB

Por mucho que nos empeñemos en sepultar el mundo con toneladas de residuos y que no tengamos ni idea de su alma, enquimerados por el consumo y el crecimiento exacerbados, el mundo sigue girando alrededor del sol —que todavía no se ha apagado y nos sigue iluminando todos los días—. Las tradiciones más atávicas que nos vinculan a los ritmos planetarios no se han perdido y queremos volver a atizarlas juntos como es debido.

Este año os invitamos a venir bajo tierra a celebrar el deshielo y el futuro florecimiento, el trastoque de las costumbres y el imaginarlo todo de nuevo.

Haremos un baile de máscaras con misterio y lentejuelas: no le diremos ni quién habrá ni qué pasará, pero sí reinará el show en todas sus manifestaciones, la experimentación y los hits, la electrónica y las guitarras, los vídeos, la poesía y las acciones.

Venid con ganas de dejaros hacer —os facilitaremos máscara y transformación de entrada—, con los sentidos abiertos de par en par para recibirlo todo bien —los cuerpos imprevisibles, el ritmo y la luz, todo dispuesto expresamente para asegurar la juerga y el baile, la alegría de encontrarnos y celebrar.

Comisariado: Martí Sales.

Esta actividad forma parte de La máscara nunca miente. 

Más información y entradas: https://www.cccb.org/es/actividades/ficha/baile-de-mascaras/237956.

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La Tristura – 11 de 12 de febrero en el Teatro Central

Renacer: podría ser el signo de este nuevo tiempo. Después del encierro, la vuelta a la vida. De eso va precisamente el nuevo espectáculo de la compañía La Tristura, Renacimiento que fue gestado antes de que estallara la pandemia, pero parece que acabaran de pensarlo. Sería casualidad, pero no podría haber mejor montaje para marcar su regreso a los escenarios: no solo por su temática sino también por el gusto que da ver abrazándose y tocándose a tanta gente sobre las tablas, nada menos que veinticinco, la mayoría bastante jóvenes y de alegría contagiosa.

El espectáculo comienza, de hecho, con una de las frases más famosas de Shakespeare: Mi reino por un caballo. Es lo último que dice el rey Ricardo III antes de morir en la batalla de Bosworth en el año 1485 y que marcó el final de la Edad Media en Inglaterra para dar paso al Renacimiento. El comienzo de una nueva era para la humanidad. Cuando termina la escena, suenan aplausos y nos damos cuenta de que no estamos asistiendo a la representación de la obra de Shakespeare, sino a la de otra que transcurre en el año 2020 y cuyos protagonistas son los técnicos que trabajan en un teatro y que tienen que desmontar la escenografía de la función, todos ellos nacidos en los ochenta, a la par que la democracia española.

La obra establece así una triple analogía entre el Renacimiento como etapa histórica y cultural que puso fin a la oscura Edad Media, el desmontaje de la escenografía teatral para dar paso a la siguiente y la llegada de la democracia a España tras cuarenta años de dictadura.

Son analogías que quedan subrayadas tanto con proyecciones de textos poéticos que recuerdan momentos clave de la historia reciente de España, como en las conversaciones que se suceden entre los técnicos que protagonizan la obra. Mientras desmontan el escenario, se cuentan entre ellos anécdotas familiares, amores y desamores, recuerdos de infancia y problemas laborales en los que subyace a menudo la gran cuestión que guía todo el espectáculo: ¿cuánto se ha perdido de aquel impulso inicial y puro que llevó a la democracia a este país? Y otra: ¿es el momento, quizá, de un nuevo renacimiento?

Con estas mimbres, la compañía La Tristura nos presenta una obra sobre la construcción de nuestra democracia y la naturaleza de lo colectivo.

Más información y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/renacimiento-sevilla

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