Otro lugar, 2021. Fotografía: David Casero Vicente
Nacho Bilbao – 9 de marzo en el Reina Sofía
Este proyecto forma parte de Una grieta, programa iniciado en el curso 2019-2020 con diversos artistas y colectivos en centros educativos, que busca promover el arte en la escuela como detonante de nuevos procesos de aprendizaje relacionados con el momento presente. A través del lenguaje artístico se persigue abrir pequeñas grietas por las que entre la luz, con el fin de descubrir y transitar otras formas de aproximarnos a la realidad, otros modos de investigar, incentivar la duda y activar el pensamiento.
En esta ocasión se presenta una pieza escénica de teatro documental, creada por Nacho Bilbao, resultado de un proceso llevado a cabo entre los meses de septiembre y noviembre de 2021 en el CEIP Antonio Moreno Rosales de Madrid, en colaboración con un grupo de alumn+s con el que se ha establecido un vínculo a lo largo de los últimos tres cursos escolares. Con ell+s se ha tenido la oportunidad de vivenciar las circunstancias que han atravesado profundamente los modos de hacer y de estar en la escuela, y de repensar la visión adultocéntrica a partir de una escucha que pone en el centro sus ideas, sus saberes y sus sentimientos.
Una grieta. Otro Lugar cuenta la historia, en un claro del bosque en medio de la noche, de un grupo de niñ+s que se reúne en secreto para escapar por un momento de su día a día. Escondid+s en sus tiendas de campaña, comparten historias y pensamientos sobre el conflicto constante entre ser mayores y ser pequeñ+s y sobre su visión acerca del mundo en el que viven.
Como espectador privilegiado de esta secreta reunión, el público escucha y profundiza en un relato colectivo, íntimo y poliédrico sobre cómo la infancia se ve atravesada por los afectos, la política, la cultura o las condiciones de vida.
A través de un proceso de creación colectiva desarrollado en el centro educativo y el Museo, el grupo de niñ+s toma el escenario para hacer visibles sus vivencias y sus mundos interiores, abriendo una ventana a la infancia contada en primera persona.
Nacho Bilbao (Madrid, 1985) es músico, artista escénico y educador. Su trabajo involucra en la creación escénica a colectivos y comunidades diversas a través de juegos, piezas artísticas y dispositivos, prestando especial atención a la infancia y la adolescencia. Es diseñador de proyectos culturales, participa como creador sonoro y director musical en compañías teatrales y ejerce como formador en el ámbito de las artes escénicas, la música y la creatividad.
Azkona & Toloza – 12 de marzo en el Teatro Rosalía de Castro (A Coruña)
¿Qué une al industrial textil italiano Luciano Benetton con el presidente de Argentina Mauricio Macri, y a este último con los famosos cowboys estadounidenses Sundance Kid y Butch Cassidy? ¿Y a Ted Turner, dueño de CNN, con el pequeño clan mapuche de los Curiñanco? La respuesta se encuentra al sur del sur de América, en La Patagonia Argentina.
En el escenario, dos performers transforman una sala de teatro completamente vacía en un trozo del actual Patagonia argentina. Entre montañas, lagos, bosques vírgenes y ciudades ficticias se reescribe la historia del nacimiento y expansión del estado argentino, la relación con los grandes capitales extranjeros y las barbaries que de forma sistemática, durante siglos, ha sufrido el territorio y los pueblos originarios del sur de Latinoamérica.
El Conde de Torrefiel – Del 10 al 13 de marzo en Teatre L’Artesà
Se respira en el jardín como en un bosque y se está en el teatro como en el mundo. Pero ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo.
Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y lleno de peligros.
En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo que aparece de nuevo frente a mis ojos se gira indomable, peligroso y siempre incomprensible.
Se respira en el jardín como en un bosque es una pieza de teatro que esencialmente podría definirse como ejercicio escénico para una sola persona, donde quien asiste a la obra desempeña el rol de intérprete y público consecutivamente. En esta pieza se proponen las dos acciones básicas del acto teatral: alguien mira en silencio mientras alguien realiza una coreografía de acciones en un escenario. Y a partir de esa convención teatral primitiva que ha perdurado durante miles de años hasta nuestros días, se propone un juego escénico a través de una narración sostenida por simples acciones que confrontan al participante con la convención representada. En esta experiencia afloran algunas cuestiones en torno a cómo se comprende la realidad, quién es capaz de construirla y por qué nos encanta observar en silencio, al igual que hacemos cuando vamos al teatro.
Jan Martens – 16 y 17 de marzo en el Mercat de les Flors
En este solo, Jan Martens se sumerge en el universo de una de las clavecinistas más importantes del mundo, Elisabeth Chojnacka, que contribuyó al renacimiento de este instrumento y que murió en 2017. Esta pieza es un retrato danzado con una banda sonora muy variada: una selección de la música que Chojnacka grabó a lo largo de sus cincuenta años de carrera, desde Nyman hasta Montague pasando por Ligeti, toda interpretada por ella misma. El objetivo es que la danza se mantenga fiel a unas partituras a menudo complejas. Martens «toca» su cuerpo de la misma manera que Chojnacka tocaba el clavicémbalo. Las piezas de danza del solo se complementan con fragmentos documentales en los que se narran la vida y la obra de Chojnacka con entrevistas a personas que le eran cercanas, entre otros documentos.
El coreógrafo y bailarín belga Jan Martens cree que cualquier cuerpo puede comunicar y tiene algo que decir. Con cada nueva pieza intenta redibujar la relación entre público e intérprete. Después de su primera creación, I can ride a horse whilst juggling so marry me de 2010, Martens realizó numerosos solos, duetos y obras grupales. Crea su primera pieza para gran escenario con Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones, una producción para diecisiete bailarines que se estrena en el festival de Aviñón y veremos en el Mercat. Es artista asociado de DE SINGEL en Anvers (Bélgica). La plataforma coreográfica GRIP, fundada por Jan Martens y la gestora empresarial Klaartje Oerlemans, produce y sostiene su propia obra.
Alberto Cortés – 5 de marzo en el Meet you de Valladolid
“One night at the golden bar” es una declaración de amor cursi desde una mirada queer. La búsqueda de un estado de vulneraziación que ponga en evidencia el poder de los afectos y la belleza que se esconde en la fragilidad. Desde el imaginario de la figura celestial del ángel se atraviesa una lluvia de cuestiones: qué masculinidad nos gobierna, qué fragilidades y grietas no se están mencionando, qué identidades están en un lugar vulnerable y monstruoso al mismo tiempo, cómo cantar al destino que nos aplasta, al amor desfasado, al amor infinito, políticamente incorrecto, insurrecto, sacrificado. Cómo vamos a proteger a estos cuerpos e identidades cuando griten públicamente cómo se sienten cuando aman; puede que ahora sea el momento de contratacar. Hay una fuerza en todo lo extremadamente frágil, como dijo Rilke «todo ángel es terrible». Y como dijo Ana Torroja en «La fuerza del destino»: una noche en el bar del oro me decidí atacar.
Soy Alberto Cortés. Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga, donde también estudio Historia del Arte. Estoy en la escena porque en cierto modo la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda y se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Me encuentro con diversos creadores que han formado parte de mi formación y que en algún momento han influido en mi modo de mirar la escena (Gabriela Carrizo, Rodrigo García, David Fernández, Patricia Caballero, etc.) hasta desarrollar un camino que me hace colocarme sobre el escenario. Sigo sosteniendo mis ganas de continuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. Desarrollo mis propias creaciones, comparto mis inquietudes en forma de talleres y acompaño el trabajo de otras creadoras. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.
Con el apoyo de: Residencias Ágora (Junta de Andalucía), Conde Duque, Teatro Calderón (Valladolid) y Graners de Creaciò.
Irene Cantero – 4 y 5 de marzo en el Teatro Central de Sevilla
UN VIAJE INTROSPECTIVO A LA VEZ QUE CÓSMICO A TRAVÉS DE NUESTRAS REALIDADES MÁS CERCANAS (EL INTERIOR DE NUESTRO CUERPO) Y LAS MÁS LEJANAS (EL EXTERIOR DE LA ATMÓSFERA, NUESTRA GALAXIA).
Descubrimos a Irene Cantero, al menos en el Central, con una pequeña intervención durante la noche del 8 de junio de 2019. Una noche que anunciaba algo que se ha convertido en realidad: la llegada a nuestros escenarios de una nueva generación de creadores y creadoras andaluzas que están haciendo que nuestra mirada cambie a la hora de leer aquella narrativa que se instala en nuestras dos salas. Una generación que se hibrida tanto personal como artísticamente, que se retroalimenta y crece con mutuos apoyos.
A esta generación pertenece Cantero, una creadora por decirlo con palabras manidas “joven y sobradamente preparada”. Nómada por su curiosidad a la hora de conformar su discurso escénico singular. Bailarina, diseñadora de iluminación, instaladora… pero sobre todo aniquiladora de géneros estancos.
La pieza que Irene nos propone es, en sus palabras, es un viaje introspectivo a la vez que cósmico a través de nuestras realidades más cercanas (el interior de nuestro cuerpo) y las más lejanas (el exterior de la atmósfera, nuestra galaxia). Hay un deseo de transitar el viaje a través de lo intuitivo y no racional, y de mirar desde el pensamiento mágico a estas realidades micro y macro que quieren disolver sus bordes.
Esta introspección cósmica ocurre en un lugar que es producto de una colisión entre un planetario, un oráculo y una sala de teatro. Las tres realidades se entienden por separado y conforman una tercera. En ese lugar emerge un sistema, no es una maqueta del sistema solar, es otro, pero también tiene leyes y responde a órdenes comunes a nuestro sistema solar.
Los cuerpos son un continuo, atravesados por las leyes de dicho sistema y operando de acuerdo a estas. Mientras Battiato canta: “La linea orizzontale ci spinge verso la materia, quella verticale verso lo spirito”.
Laila Karrouch y Sílvia Munt, presenta y dinamiza Albert Lladó – 29 de marzo en el Teatre Lliure
¿Cómo amplificamos el significado de los conceptos? ¿De qué manera otras cultures han transformado el paisaje y el cuerpo en metáfora? Más allá de la información, ¿cuál es el mecanismo que convirte la cotidianidad en poesía?
Laila Karrouch, escritora catalana de origen bereber, nacida en la ciudad marroquí de Nador, y Sílvia Munt, autora y directora del documental Lalia, rodado en los campamentos sahrauis de Argelia, reflexionan sobre el lenguaje profundamente polisémico del pueblo bereber.
Con R-A-U-X-A, Aina Alegre empieza un nuevo ciclo creativo centrado en un aspecto más arqueológico y sonoro del movimiento. En esta pieza el cuerpo vibra, resuena y se convierte en pulsación. Una memoria antigua y futura de gestos que contienen «el picar», un gesto que percevera en el tiempo es el punto de partida para entrar en nuevas dimensiones físicas y temporales.
El espectáculo presenta una danza híbrida en la que el cuerpo, la luz y la música electroacústica y modular de Josep Tutusaus interpretada en directo, dialogan y ponen en fricción una materia orgánica/arcaica y tecnológica para construir un paisaje sensorial y una arquitectura sonora.
Aina Alegre creó Studio Fictif como herramienta de producción y difusión de sus obras coreográficas, colaboraciones artísticas y acciones educativas. Bailarina, performer y coreógrafa, Alegre plantea la creación coreográfica como un ámbito para «reinventar» el cuerpo y explora diferentes culturas y prácticas corporales entendidas como representaciones sociales, históricas y antropológicas. Después de haberse formado en danza, teatro y música en Barcelona, en 2007 se incorporó al Centro Nacional de Danza Contemporánea (CNDC) de Angers. Su obra se ha presentado en diferentes países, entre otros España, Francia, Bélgica, Suiza, Perú y Rumanía.
Concepción, coreografía e interpretación Aina Alegre / Creación y música en directo Josep Tutusaus / Diseño iluminación Jan Fedinger / Diseño espacio James Brandily / Diseño vestuario Andrea Otin / Dramaturgiay consejo artístico Quim Bigas / Escenario y responsable sonido Guillaume Olmeta / Consejo movimiento Elsa Dumontel y Mathieu Burner / Dirección escénica interna Capucine Intrup / Producción Claire Nollez / Distribución internacional Vicenç Mayans, PALOSANTO projects / Asistente producción Aniol Busquets / Producción ejecutiva STUDIO FICTIF Coproducción beneficiado de «La Fabrique Chaillot» programa de residencia – Chaillot – Théâtre national de la Danse (Paris); Atelier de Paris CDCN; Chorège I CDCN Falaise Normandie en el marco «accueil-studio; Centre Chorégraphique National d’Orléans dirigit per Maud le Pladec; NEXT Festival; La rose des vents Scène nationale Lille Métropole Villeneuve d’Ascq / Con el apoyo DRAC Île-de-France en el marco de ayuda a la estructura 2019-2020 / Con el apoyo y residencia Graner fábrica de creación; La Place de la Danse – CDCN Toulouse-Occitanie, Tanzhaus Zurich; Mercat de les Flors.
El taller és dimecres i dijous de 18:30 a 21:30. Cada sessió dura 3 hores.
“El desenterrador” posa la mirada en la paraula, la seva corpologia i la seva relació amb el cos i l’acció. Com el seu nom indica hem desenterrat paraules en sentit real i figurat. És a dir, hem treballat amb paraules en desús, paraules el significat de les quals ha canviat i paraules tabú. I sobretot amb “valors” del nostre sistema ètic que pensàvem que calia revisitar. La Corpologia de les paraules és aquella propietat que tenen no només de crear i designar el món físic, sinó la de generar un món ètic, un sistema polític i un ordre social.
Aquest projecte ha indagat en l’estreta i canviant relació que es produeix entre les paraules i el seu ús, i les accions que se’n deriven. Una relació d’anada i tornada que dóna sentit i cos a la nostra forma d’habitar el món.
“El desenterrador” és un projecte de creació i investigació escènica al voltant del cos i les paraules. Un procés d’investigació dut a terme per un equip multidisciplinari que s’ha implementat en una sèrie de residències-tallers a diferents indrets de Catalunya Espanya i Sud-Amèrica, en un camí des del més local fins a un àmbit més internacional.
Y los huesos hablaron – 25 de febrero
“Y los huesos hablaron” parteix del procés d’excavar antigues fosses per trobar els ossos dels desapareguts, dels assassinats. El procés d’excavar entre les paraules és molt similar i el que es busca és la veritat.
L’espectacle arriba per desenterrar i fer visibles conflictes que han quedat amagats pel discurs oficial a favor d’una suposada estabilitat política i social al llarg de la història.
Un espectacle que sí, parla de violència i de desaparicions, però especialment, d’aquelles violències i desaparicions que, com paràsits invisibles, de generació en generació, nien en els nostres cossos i s’estenen per tota la societat.
La posada en escena gira al voltant de com s’escriu la història. És una proposta escènica gestada en tallers i residències a Espanya i Mèxic que neix del procés d’investigació de El desenterrador, una experiència en la qual s’investigava la “Corpologia” de les paraules o, dit d’una altra manera, la capacitat que tenen les paraules de generar un món ètic, un sistema polític i un ordre social concret.
Societat Doctor Alonso, dirigida per Tomas Aragay (director de teatre i dramaturg) i Sofia Asencio (ballarina i coreògrafa), ha construït un llenguatge que troba una de les seves claus fonamentals en el concepte del desplaçament. De situar quelcom fora del seu lloc, àmbit o espai propi per indagar com aquest desplaçament modifica el llenguatge tant pel que fa a la seva gramàtica constitutiva com pel que fa a la lectura que un observador en pot fer. Desplaçar per desvetllar quelcom. Aquesta maniobra de desplaçament s’ha revelat com un eina eficaç per generar espais de discurs poètic que posi en qüestió l’estatus quo de la nostra comprensió de la realitat.
IN-SONORA vuelve a Réplika Teatro en la 12ª edición de la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo con una representación de artistas internacional muy variada, con trabajos en formato de performance, instalación sonora y/o interactiva, realidad virtual, experiencia 360, audiovisual o pieza sonora.
4 de marzo
Edith Alonso + Edu Cortina (España) | KHÔRA
La palabra griega Χώρα es un de los inspiraciones de este obra. Puede significar « la tierra de nadie » y también puede significar como un receptáculo, un espacio, un lugar; una matriz que pone junto todo la materia que está en movimiento continuamente. Khôra es un viaje a otro mundo, lejo y desconocido, donde busca una tierra desolada.
Sin embargo, es posible subir y pensar que todo es posible, y como Icarus, intenta a tocar el sol y obtenerlo. Y esta vez, no hay caídas.
Edith Alonso (España) Compositora, improvisadora y artista sonora madrileña. Tras una estancia en París, en la que descubrió la música concreta de la mano de los continuadores de las enseñanzas de Pierre Schaeffer (François Bayle y Pierre Henry), decidió dedicarse a explorar nuevas formas de experimentar con el sonido. Desde entonces se interesa por la música electroacústica y el arte radiofónico, colaborando regularmente con otros artistas y diluyendo las fronteras entre las artes y sus definiciones. Explora el sonido de una manera innovadora y cambiando de set frecuentemente (bajo preparado, sintetizadores analógicos y digitales, laptop, circuit-bending, acusmática, live-electronic…). Se interesa por la transformación física del sonido y en cómo cambia nuestra percepción de la realidad. Le encanta el ruido de la ciudad, pero siempre necesita viajar a una zona desértica de Aragón para alejarse de la agitación del mundo.
Edu Cortina (España) Desarrolla su base académica en Zaragoza, estudiando Imagen y Sonido y diseño gráfico, así como en diversos cursos de Zentrum Clip, Etopia-Centro de Arte y Tecnología de Zaragoza y Artnet Madrid. Realiza instalaciones museísticas, trabajos visuales para teatro, así como videomapping sobre arquitectura, elementos paisajísticos o personas. A su vez colabora con diversos artistas como Edith Alonso, Antony Maubert, Brian Cross, Quique Tejada, colaborando también como Vj en diferentes festivales de música electrónica, como Radical dB en Zaragoza o Tesla en León. Componente del colectivo 48CUBE.
The live show es una sesión de música ambient y visuales en directo a través de un dispositivo que va desde la composición sonora en tiempo real a la búsqueda y proyección de cámaras en vivo en internet. Se presenta como un portal temporal que agrieta la experiencia cotidiana del presente cronológico. Esta pieza se desarrolla mediante la investigación y composición de diferentes materiales como la creación sonora en directo y la búsqueda de cams online en internet.
Zuky Motora (España, 1991) Jose Velasco es un artista multidisciplinar que se desarrolla en el campo de las artes visuales a través de la investigación y creación de proyectos escénicos, digitales y performativos. Tras estudiar arte dramático en la especialidad de teatro del gesto en Resad (Madrid), estudia el OY en Artes digitales y diseño de experiencias en 2015 en IED Madrid. A partir de entonces se interesa por los dispositivos mixtos escénicos/digitales a través de herramientas como el videomapping y el diseño de interacción. En 2017 cursa el Master en práctica escénica y cultura visual en el MNACRS, y se desarrolla como creador escénico y sonoro en piezas basadas en la investigación de nuevos lenguajes. velascojose.cargo.site
5 de marzo
Tras su paso por el MTL Connecte de Montreal [CA] o el L.E.V. de Gijón, Alex Augier presenta en Réplika Teatro su performance audiovisual PR(—) dentro de la 12º edición del festival IN-SONORA.
Alex Augier (Francia) | PR(—)
En esta versión “Site-specific” de p(O)st, en vez de usar una pantalla cilíndrica, el artista francés Alex Augier proyecta directamente sobre la arquitectura del espacio. Usando 2 proyectores de vídeo, el material es mapeado y adaptado a las diferentes superficies. pr(—) mantiene una aproximación transversal al proyecto original, integrando visuales generativos, espacio, nuevas formas para la performance y una interface innovadora específicamente programada para el proyecto. La transversalidad de la performance es una bella ilustración de cómo los artistas se emancipan de las formas tradicionales, yendo al margen de lo convencional y estéticas conocidas, imaginando nuevos caminos para tocar, creando espacios únicos, especialmente adaptados para su difusión.
Diseño de Monome por Brian Crabtree & Kelli Cain pr(—) está co-producido por Arcadi (París/FR), apoyado por La Muse en Circuit (Alfortville, FR).
Alex Augier (Francia) Músico electrónico y artista audiovisual afincado en París. Su obra explora la estética de la música digital aplicando los procesos de creación de manera totalmente transversal, incluyendo siempre en sus trabajos tanto elementos sonoros como visuales, formales y espaciales. Estos elementos interactúan con el espacio escénico y consigo mismo, adquiriendo la forma de performances audiovisuales singulares. Augier defiende una visión general del proceso creativo donde el diseño, la programación y la tecnología son parte integral del proyecto artístico.
La artista New Media Heidi Hörsturz presenta en Réplika Teatro su AV performance Formatdentro de la 12º edición del festival IN-SONORA.
Heidi Hörsturz (Países Bajos) | FORMAT
Artista New Media con sede en Róterdam.
Heidi Hörsturz aborda las distintas facetas de la imagen-movimiento y el sonido. Se mueve entre las animaciones por ordenador, las performances audiovisuales y las instalaciones multimedia. En sus obras examina la influencia de las nuevas tecnologías y las cuestiones sociales que han surgido como resultado del desarrollo digital.
Entendiendo el arte como un medio para explorar la convivencia social y la supresión estructural entre personas, fantasías y visiones, lleva la sobrecarga mediática de estímulos al absurdo.
Tras completar sus estudios en la ArtEZ University of the Arts en los Países Bajos, ha presentado su trabajo en todo el mundo. Ha actuado en lugares como el ICA London, el Multimedia Art Museum de Moscú o el CultureHub NYC. Su obras se han mostrado en el FILE Sao Paulo, EMAF, Athens Digital Arts Festival o el EYE Amsterdam, entre otros.
IN-SONORA es una plataforma activa desde el año 2005 que da apoyo y difusión a propuestas experimentales en torno al sonido y la interacción. Desde ese mismo año celebra en Madrid una Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo que prepara ahora su 12ª edición para marzo 2022. Paralelamente desarrolla otros proyectos y colaboraciones.
IN-SONORA es un proyecto abierto, que apuesta por un programa único y renovado en cada edición, en el cual se presenta a artistas nacionales e internacionales con perfiles y trayectorias muy diversas, gracias a la colaboración con diferentes sedes.
