— MuroTRON

De Miguel Valentín – Sábados 2, 9, 16 y 23 de Abril a las 12:30 hrs.

Interior: Día. Un plató de cine independiente, que simula que es la casa de un guionista. Miguel Valentín escribe tres guiones: un western, una película de astronautas, y una comedia dramática independiente sobre su propia vida. Y mientras escribe, vemos las películas que imagina.

Escena tras escena, las películas empiezan a ganar terreno sobre la vida real, hasta que no podemos distinguirlas entre sí.

La casa es un desierto, un agujero negro, un transbordador espacial…

¿Logrará Miguel salir del peligroso bucle de la autoficción?

Más info y entradas: https://elumbraldeprimavera.com/evento/interior-dia/

 

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Sandra Gómez – 7 de abril en La Mutant

Bailar al sonido es una propuesta que trata el sonido como una fuente energética, cuya propagación implica un trasvase de energía dirigido a alterar y afectar el cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar. Es un ejercicio que pone en relación los elementos espacio, cuerpo, sonido y luz. Las acciones del cuerpo producen resonancias en el sonido y la luz que ocupan gradualmente el espacio produciendo una carga y una intensidad que afectan al cuerpo modificando su movimiento.

Sandra Gómez

De 2001 a 2012 trabaja como creadora en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos mostrados en festivales de ámbito nacional. Desde 2012 trabaja de forma independiente en propuestas centradas en el cuerpo y el movimiento, entre las que se hallan Volumen 2 (València, 2021), Preludio y fuga (València, 2019), Tot per l’aire (BAD, Bilbao, 2018), Heartbeat (València, 2017) y No soy yo (València, 2016).

Más info y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/bailar-el-sonido-sandra-gomez-dansa-valencia-2/.

FICHA ARTÍSTICA 

Concepto y dirección: Sandra Gómez

Creación: Javi Vela, Carlos Molina, Sandra Gómez

Intérprete: Sandra Gómez

Asistente de movimiento: Rocío Pérez

Espacio sonoro: Javi Vela

Asistente de sonido: Paco Fuentes

Luces: Carlos Molina

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De Azkona & Toloza – 26 de marzo en el Teatro Municipal de Girona 

Teatro Amazonas és un projecte documental en l’àmbit de les arts vives que forma part de la sèrie documental PACÍFIC. Una trilogia centrada en les noves formes de colonialisme, la barbàrie sobre el territori i els pobles originaris de Llatinoamèrica i la seva estreta relació amb el desenvolupament de la cultura contemporània.

A través d’una sèrie de protagonistes i llocs i unes quantes històries, unides totes elles per la idea del deliri de grandesa, Azkona & Toloza proposen un relat coral que busseja en els últims cinc segles d’història del territori amazònic brasiler. Amb rigor documental i un subtext molt irònic, expliquen el greu conflicte entre la natura i els seus habitants, i la implacable explotació capitalista. Unes desavinences barrejades amb la bogeria que genera aquest entorn tan aclaparador, com ara construir un luxós teatre d’òpera enmig de la selva.

Situades a mig camí entre el mar Mediterrani, els Pirineus i el Desert d´Atacama, Azkona & Toloza són una parella d’artistes dedicada a la realització de projectes d’arts vives. Interessades en les infinites possibilitats de la poesia i l’antropologia visual, la vídeocreació lo-fi, la performance i el moviment, les seves darreres creacions se centren en la relectura de la història oficial i la creació documental pensada per a escena. Entenent com a escena des de la sala d’una casa d’òpera fins a la immensitat d´un salar altiplànic.

Más información y entradas: https://www.girona.cat/teatremunicipal/cat/programacio_fitxa.php?id=3111

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Del 17 al 19 de marzo en La Caldera

Lo Faunal de Pol Jiménez

30 min.

En este extracto del solo Lo faunal, el bailarín Pol Jiménez encarna a la figura mitológica del fauno, que durante la siesta fantasea con las ninfas. Para hacerlo, se inspira en la representación del fauno de la danza clásica de Nijinsky, y tanto el intérprete como el director de la pieza, Bruno Ramri, se centran en la idea de que no es solo un personaje mitológico, sino más bien una condición. Una condición que comparte con la danza española, la de la hibridación constante para poder ensanchar sus fronteras.

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Cavalo do Cão de João Lima

50 min.

En portugués brasileño, cavalo do cão (“caballo del perro”, en traducción literal) es una expresión que significa a la vez un insecto cuya picadura provoca un dolor desgarrador, una persona indomable y el caballo que monta el diablo. El término sugiere un tipo de animalidad en transformación. El bailarín João Lima encarna a este animal a través de un espectáculo de danza contemporánea que nos evoca a un personaje cuya forma de vida es híbrida. Una composición basada en la materialidad y en la ritmicidad del cuerpo y el espacio, a través de la (des)conjunción entre el gesto y la voz, la imagen y el sonido, y que nos sitúa, quizás, entre el encanto y el espanto.

Más información y entradas: https://www.lacaldera.info/es/actividades/lo-faunal-extracte-cavalo-do-cao

POL JIMÉNEZ es un artista de danza española y flamenco que constantemente busca nuevos códigos e interrogantes de la escena y el pensamiento contemporáneo para nutrir sus creaciones. A pesar de su juventud, cuenta con una trayectoria intensa como bailarín y coreógrafo trabajando con compañías y coreógrafos como La Fura dels Baus, Cesc Gelabert, Juan Carlos Lérida, José Manuel Álvarez o Ángel Rojas. Además, también colabora con los grupos musicales Los Aurora y Maestros de la Guitarra. Fue galardonado como mejor bailarín en los premios de la Crítica de las Artes Escénicas 2018 y en los XXV premios Butaca.

JOÃO LIMA (Brasil, 1980). Radicado en Barcelona, actúa como performer, coreógrafo y educador. Estudió en el Curso de Formación de Actores de la Fundación Joaquim Nabuco (1998/2000) y en el grado de Artes Escénicas en la UFPE. Participó en el Curso de Creación e Investigación Coreográfica del Fórum Dança, en Lisboa (2006) y en la Formación ESSAIS en el CNDC d´Angers, Francia (2006/7). En 2002 recibió el Premio al Mejor Actor de la Asociación de Productores de Artes Escénicas de Pernambuco.

Ha presentado en festivales y teatros en Brasil, Europa y América Latina, obras de Shakespeare, Chekhov, Albee, Nelson Rodrigues y Brad Fraser, así como colaboraciones con varios artistas escénicos: Marcela Levi, Vitor Roriz & Sofia Dias, Yara Novaes, Peter Michael Dietz, entre otros. Desde el 2013 João también canta, compone y toca percusión en la banda Columna (Barcelona), habiendo publicado el álbum “Es un safari, mi amor” por el sello Hidden Tracks, en el 2018.

Fundó y dirigió Articulações – Foro de Artes Escénicas (Recife, 2009 y 2014) y enseñó en diversas organizaciones: Cruzada de Acción Social, Penitenciaria Bom Pastor (Recife), tragantDansa, Area Dansa, Mercat de Les Flors e Institut del Teatre (Barcelona), etc. Entre 2019 y 2020 participó del proyecto artístico-pedagógico EN RESIDENCIA. Graduado en filosofía por la Universidad de Barcelona, colaboró con las revistas Negratinta (ES), Yuca (ING), Continente (BR) e Interdanza (MEX).

Entre sus creaciones están Azul como uma Laranja (2009), O Outro do Outro (2010), Ilusionistas (Premio Klauss Vianna 2012), Morder la Lengua (Premio Klauss Vianna 2014) y, más recientemente Vibrar el Tiempo (2018), pieza realizada en el marco del proyecto Tot Dansa/Tots Dansen. En 2020, Tot Dansa/ Tots Dansen fue reconocido por la Asociación de Profesionales de Danza de Cataluña como Mejor Proyecto Pedagógico.

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Marlene Monteiro – 18 y 19 de marzo en Conde Duque 

Hay dos tipos de espectadores única y exclusivamente: los que conocen el trabajo de la extravagante caboverdiana Marlene Monteiro Freitas, y los que no. Difieren en que los primeros pueden hacerse una idea de cómo va a transcurrir una de sus delirantes veladas y los segundos, en cambio, son ignorantes a punto de descubrir hasta dónde se puede llegar y, al mismo tiempo, cómo se puede sublimar lo grotesco. Las obras de Monteiro (y Jaguar no es excepción) son intencionadamente vulgares y ordinarias, pero por esa misma razón, una manera revolucionaria de presentar el cuerpo en escena, que se abre paso paso por un camino de kamikaze que va en dirección contraria a la convención que exige belleza y ensueño a la danza.

Referencias hay muchas, sugerencias no faltan, pero explicaciones más bien pocas. Al ratito de empezar Jaguar, el espectador caerá en la cuenta de que no hay mucho que entender en este collage absurdo y surrealista, que se presenta como el revés retorcido del clown tradicional. A cambio, hay mucho para sentir. Risa, lo primero, pero también asco e inquietud, ternura o pena.

Monteiro en esta ocasión ha hecho alianza con Andreas Merk, que se presenta cómplice de los excesos de esta creación estrenada en 2017, en la que también destaca la escultura enorme de un caballo azul, un guiño probable a Der Blaue Reiter (El jinete azul), el movimiento que transformó el Expresionismo alemán, y también una escalera plateada de tres peldaños que conduce exactamente a ninguna parte. La cascada de muecas faciales y deformaciones corporales del dueto se mueve al ritmo de músicas en contraste que van de Stravinsky a David Bowie, aderezadas con batucada, Schönberg, Monteverdi y Puccini.

Marlene Monteiro comenzó su ascenso con el insólito y exitoso solo Guintche y continuó con piezas de gran formato como Bacantes. Preludio para uma purga o su reciente estreno El Mal. Embriaguez Divina. Toda su obra es combinación de su aprendizaje sobre la vanguardia en la prestigiosa escuela P.A.R.T.S. de Bruselas y su paso por el ya desaparecido Ballet Gulbenkian, de Portugal, país en el que reside, pero sin renunciar nunca a sus vivencias dentro de la cultura popular de Cabo Verde. Se pueden elucubrar y buscar muchos referentes en su trabajo, pero en el fondo sigue siendo la misma joven inquieta de Cabo Verde que a los 14 años creó con unos amigos la compañía Compass, con la que dio rienda suelta a sus gustos variados y eclécticos en espectáculos de danza que mezclaban referencias a Jesucristo Superstar con clips de hip hop, aderezados con pasos de samba, salsa y folclor caboverdiano.

Marlene Monteiro fue premiada en 2018 con el León de Plata de la Bienal de Venecia.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/marlene-monteiro-jaguar

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De Beatriz Setién & Hannah Berry – 18 de marzo en el C.C. Ernest Lluch (Donosti)

Aurora-Ocaso es la nueva pieza escénica creada por Beatriz Setién. En ella, un dúo explora la luz y la oscuridad en la escena y en la vida.

Entrada libre hasta completar aforo. 

 

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De Macarena Recuerda Shepherd con Sofía Asencio – 26 y 27 de marzo en Réplika Teatro

¡AY! ¡YA! es una ilusión que nos lleva a percibir la realidad de diferentes formas sugeridas por la imaginación o causadas por el engaño del sentido de la vista. Un efecto que pone de manifiesto que nuestros ojos no son cámaras de vídeo que graban todo lo que ocurre, sino que nuestro cerebro interpreta y reelabora la información que nos proporcionan nuestros sentidos.

¡AY! ¡YA! es un ejercicio sobre la mirada. Esa ilusión que se produce cuando la imagen que tenemos ante nosotros se transforma en otra, se multiplica o toma formas imposibles. Cuerpos con varias extremidades, incompletos, transformables y moldeables.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/ay-ya-macarena-recuerda/

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Óscar Gómez Mata y Juan Loriente – 15 y 16 de marzo en el Imanol Larzabal Aretoa (C.C. Lugaritz en Donosti) 

Makers es una obra sobre la luz, el tiempo y el amor, viajando entre desbordamiento cómico y la contención emocional, entre el disparate y la verdad. Un espectáculo que mezcla lo poético y lo filosófico, en una especie de manual para sobrevivientes que trata de aportar soluciones a nuestro tránsito en la realidad.

La pieza nace de la función esencial de los ‘makers’: investigar para hacer la luz. “Somos detectives, tratamos de buscar lo sensible bajo lo sensible, encontrar una solución poética a la realidad”, explica el artista asociado a Azkuna Zentroa. El resultado es una puesta en escena en la que este “dúo cómico” aborda temas clásicos como el amor, el tiempo y la luz, mezclado con humor emotivo. Nos dan así otro punto de vista sobre lo cotidiano de esta época fragilizada, de contornos borrosos e inciertos.

En su propuesta escénica diferencian su lado más épico, en el que el teatro es “una es una forma de espionaje, de investigación para vigilar al mundo”, y la parte más íntima “tratando de detectar lo sensible escondido bajo lo sensible”. Un espectáculo en la línea de los trabajos de la compañía L’Alakran, dirigida por Óscar Gómez Mata.

Más información y entradas: https://www.donostiakultura.eus/index.php?option=com_flexicontent&view=items&cid=5&id=106821&Itemid=311&lang=es

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Laila Tafur y Alba Rihe – 16 de marzo en el Contenedor Cultural de la Univerisdad de Málaga

Cobalto es un estado íntimo de improvisación y reciclaje cuya gramática es el loop, a modo de práctica que induce un estado hipnótico.  A través del beat y el cansancio emergen expresiones que transforman al cuerpo, activando la  comunicación desde otro punto de la consciencia. De los sonidos al humor, de la palabra al cante, del hastío al vestio, del silencio al musicón.

Rihe y Tafur vienen de diferentes disciplinas, una canta el humor, la otra baila la carne, pero ambas, ávidas de grieta se dirigen al lugar de la otra. Sin prejuicios, con fuentes compartidas, múltiples metodologías, herramientas, y estructuras colaborativas a tutiplén.

Más información y entradas: https://www.uma.es/contenedorcultural/noticias/cobalto-miercoles-16-marzo/

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Imagen de Tristán Pérez Martín

Anabella Pareja Robinson – 16 de marzo en Arts Santa Mònica

“La Forma” es una práctica que empecé a entrenar el 2018. En esta práctica hago constantemente hacia la teoría para motivar un baile de articulaciones, textura, volumen y piel, que se despliega en varias formas de manera simultánea y sucesiva. Y mientras este despliegue acontece, pienso en otras cosas; en palabras, anécdotas, citas… Es por eso que a este baile lo acompaña un texto, un escrito donde deposito la razón que esta danza no necesita, puesto que su único interés es volver a aquello más primario.

Esta vez “La Forma” sufre una metamorfosis; en realidad esta es siempre la intención, pero esta vez la metamorfosis se evidencia, porque el cuerpo que baila está siendo habitado unos meses por dos vidas. Una baila al agua y es casi imperceptible, la otra, la que se aprecia, se mueve en este espacio entre el cielo y la tierra.

Más info y entradas: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dimecres-de-so-i-cos-00009

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