Del 15 al 30 de octubre – Programa completo: https://fitdecadiz.org/programacion-22/.
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Jaume Clotet – Del 11 de octubre de 2022 al 8 de enero de 2023. Espai Rampa. La Capella
He decidido irme.
Llego tarde siempre
y tengo prisa y voy lento.
Mi sueño es ser humorista.
Hacer gracia y vivir de la gracia.
Pero en donde vivo la comedia no me tiene en cuenta.
Soy como un pez fuera del agua.
Tengo ganas de aventura…
Por eso he decidido cumplir mi sueño
y viajar a la meca del entretenimiento:
New Ywork.
Jaume Clotet (Manresa, 1994) es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado las exposiciones individuales NeoGroupie (Galeria SiS, 2015), INTEGRAL (La Capella, 2019), Diverrealism (Habitación 34, 2021) y 20vingut (etHALL project space, 2020-2021), que recibió el premio GAC a la mejor muestra de artista emergente de 2020. Desde 2019 codirige, junto a Alicia Garrido, el espectáculo Cabaret Internet, con varias sesiones realizadas en salas como El Pumarejo, Sala Vol o Hangar, y con una edición especial para Art Nou 2021.
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13 y 14 de octubre en el Museo Reina Sofía
El Museo Reina Sofía presenta la cuarta edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos, fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el ámbito de la coreografía y la performance.
Bajo el título Segunda piel. Subcutáneo esta edición aborda la relación de las personas con el mundo a través de la piel, entendida en sentido literal —sistema tegumentario que recubre el cuerpo de los animales vertebrados— o figurado —la capa o capas de experiencias, afectos, conocimiento, tradición o técnicas corporales que determinan su aspecto y sus relaciones—.
Por debajo de la piel, bajo la tela, el vestido o el mantón, bajo la voz propia, la estructura del lenguaje, o bajo la apariencia humana se extiende una superficie subcutánea que, al igual que la piel, opera como un órgano vivo. Esta segunda capa apela, además, al archivo de memorias: lo vivido, lo heredado, lo aprendido, un inabarcable acervo hipodérmico impreso en la capa linfática que actúa como una membrana favoreciendo procesos simbióticos con el entorno.
Si, como escribe Juhani Pallasmaa en Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos (Editorial GG, [1996] 2014), “todos los sentidos, incluido la vista, pueden considerarse como extensiones del sentido del tacto, como especializaciones de la piel”, este programa nos emplaza a acercarnos de modo háptico, sensual y sensorial a partir de propuestas que experimentan en y con los bordes de la piel. La sonoridad de la voz, la vibración física en el espacio, refuerza y confunde la identificación de la voz humana como rugido animal. El movimiento que una tela ejerce sobre un cuerpo tensa el diálogo que la danza, como movimiento poético y tradición técnica, ha mantenido con ciertos textiles como el mantón de Manila o la bata de cola.
Siguiendo la dinámica de ediciones anteriores, ESTUDIO IV invita a un recorrido escalonado a lo largo de una tarde ofreciendo tres performances que tendrán lugar en dos espacios del Museo: la Sala de Protocolo del Edificio Nouvel, situada en lo más alto del mismo, y la Sala 102 del histórico Edificio Sabatini, antigua sede del Hospital de San Carlos, fundado en el s. XVIII. El programa se completa con ESTUDIO IV en conversación, un encuentro organizado en forma de diálogos entre las artistas participantes y las interlocutoras cómplices de sus procesos.
Programa
Jueves 13 de octubre, 2022 – 17:00 h
Doble muda. Alejandra Pombo Su
La presencia animal no es teatral, los animales no construyen una imagen exterior de sí mismos en cuanto a apariencia. Su comportamiento no se basa en tratar de ser algo sino que su presencia es plena en todo momento. Se trata de ser situación y lugar. La artista explora con la voz esta presencia animal en tanto vibración y transformación, como un cuerpo que se desprende de la piel hacia un espacio abierto y no definido.
Edificio Sabatini, Sala 102
Jueves 13 de octubre, 2022 – 18:00 h
duet. Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca
duet es la búsqueda de diferentes relaciones compositivas, matéricas y de movimiento a través del diálogo entre un violín, un mantón, un músico y un bailarín. Se exploran las cualidades de cada elemento desde la escucha y el tacto, desde una pasividad con agencia y disfrute, desde el hacer, el deshacer y el rehacer. Las posibilidades de bailar y de tocar se vuelven infinitas e invitan a una liberación semántica.
Edificio Nouvel, Sala de Protocolo
Jueves 13 de octubre, 2022 – 19:00 h
Envioletá / un estudio. Javiera de la Fuente
Aquí se va construyendo el cuerpo, o sumando al que ya traigo –casi desnudo, aunque lleno de información– que quiere ser vaciado y vuelto a llenar. Sucede en el encuentro con lo flamenco también, con una especie de piel que heredo, pero que también escojo, que me interpela y me acoge.
Edificio Sabatini, Sala 102
Viernes 14 de octubre, 2022 – Consultar programa
ESTUDIO IV en conversación
Esta actividad pretende acercar al público las diferentes propuestas performativas a partir de un abordaje de los campos de investigación que exploran los diversos proyectos. Propone así un espacio común de aprendizaje en forma de conversación con interlocutoras cómplices de las artistas participantes en esta cuarta edición. Planteado en torno a tres conversaciones, el encuentro invita a reflexionar, formular preguntas y compartir referencias o detectar y desvelar intereses comunes, conexiones y potencialidades.
Edificio Sabatini, Auditorio
Más información y entradas: https://www.museoreinasofia.es/actividades/estudio-iv.
Fran Martínez – del 21 al 23 de octubre eb Tearo Ensalle
Según el diccionario, transfixión significa:
1. f. Acción de herir pasando de parte a parte. Uso frecuente en religión, hablando de los dolores de la Virgen ante la agonía de su Hijo.
Pasar de parte a parte, de afuera hacia adentro o de dentro hacia afuera. Una práctica coreográfica que tiene como objeto atravesar el cuerpo y, con él, todas sus capas, todos los cuerpos que contiene un cuerpo. Y sabiendo llegar al éxtasis y a la comunión con el Todo es un tanto difícil, por ahora nos mantendremos en la práctica, en el ejercicio, en el hacer.
San Ignacio de Loyola definía del siguiente modo sus Ejercicios Espirituales: ”Por este nombre se entiende todo modo de examinar la conciencia, de meditar, de razonar, de contemplar, todo modo preparar y disponer el alma”. Examinar. Meditar. Razonar. Contemplar. Preparar. Disponer. Verbos de acción, del hacer, volcados en un dispositivo coreográfico: movimientos, espacio, tiempo. Estos movimientos y el lugar y orden que ocupan en la estructura de la pieza son compartidos con el público, tratando de desvelar todo secreto, despojarlos de todo misterio, sabiendo que cuanta más luz se arroja sobre ello más misterioso se vuelve.
Acompañan la pieza textos de Santa Teresa Ávila, San Juan de la Cruz y Sor San Juan de la Cruz. Rastreamos en sus palabras aquellos haceres que atravesaron sus cuerpos. “[…] que ya sólo en amar es mi ejercicio”, decía San Juan de la Cruz en su Cántico Espiritual.
Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/transfixion/?event_date=2022-10-21.
“Especies en Extinción” es un programa de encuentros, performances, conversatorios y lecturas conceptualizado por Cuqui Jerez y María Jerez desde el que se reflexiona sobre la práctica de las artes vivas planteando una analogía entre estas y las especies en extinción. Desde este foro, María y Cuqui plantean compartir el entendimiento de la práctica del arte vivo como un ecosistema complejo dando cabida a una reflexión colectiva.
El encuentro pretende reflexionar sobre la búsqueda de formas en las que sostener la vida de las piezas, no solo buscando maneras de conservarlas intactas a través del modelo de exhibición tradicional, sino pudiendo también ser transformadas, traducidas, contadas, rumoreadas, escritas; mutándolas, pasándolas de un cuerpo a otro, transportándolas a otra era o contándoselas a nuestras hijas en la cama antes de irse a dormir.
DÍAS 3, 4 Y 5 DE OCTUBRE:
Otras Formas de Estar, taller Sin Quim Pujol
- 3, 4 y 5 DE OCTUBRE
- Horario: 10.00-14.00 h.
- Sede Injuve Calle José Ortega y Gasset, 71
- Aforo reducido
- Participación gratuita previa inscripción: creacioninjuve@injuve.es
En este taller experimental se trabajará la escritura en relación a dos tipos de ausencia: la supuesta desaparición de los acontecimientos que presenciamos y la ausencia de una figura que dirija. Quim Pujol no estará presente en el taller sino que suministrará una publicación con los ejercicios que nutren su práctica. De esta manera, el texto sustituye al cuerpo para subrayar su autonomía performativa. A pesar de que el escritor no guiará los ejercicios, las participantes pueden enviarle los materiales que desarrollen y obtendrán una réplica textual. Este vaivén de textos puede extenderse más allá del marco del taller y sólo cesará cuando las participantes quieran.
Quim Pujol (Barcelona, 1978) es poeta y trabaja la intersección entre cuerpo, lenguaje y arte contemporáneo. Sus últimos trabajos son “El mensaje de otros mundos” (2021) y “Variedad de variedades” (2022). Editó junto con Ixiar Rozas el volumen sobre teoría afectiva “Ejercicios de ocupación” (Ediciones Polígrafa, 2015) y fue comisario del programa experimental del Mercat de les Flors (2011-2015). Su práctica se alimenta de intercambios con los contextos artísticos de Barcelona, Madrid, Valencia, País Vasco, Viena, Lisboa y Borgoña.
DÍA 3 DE OCTUBRE:
- Sede Injuve Calle Marqués de Riscal, 16
- Horario: 18.00-21.00 h
- Asistencia libre hasta completar aforo
Conferencia Carlos Magdalena
- Horario: 18.00-19.00 h
Trabajo y andanzas del Mesías de las plantas. Conservación de especies en el jardín botánico de Kew.
Carlos Magdalena es horticultor botánico en el Real Jardín Botánico de Kew, en Londres. Conferenciante internacional y experto mundial de Ninfeáceas, su trabajo es conocido por sus habilidades para lograr la supervivencia de especímenes vegetales en peligro de extinción. En esta conferencia Carlos Magdalena nos hablará de su trabajo de conservación y recuperación de especies amenazadas de extinción en el Real Jardín Botánico de Kew, en Londres.
Performance Gary Stevens, Not Tony
- 19.00-20.00 H
Not Tony es lo que podríamos llamar una pieza extinguida. Fue estrenada en 2004 y durante todo este tiempo se ha presentado en 7 ocasiones, la última vez fue hace 5 años. En Madrid se vio una vez en 2011 en el Festival In-presentable La Casa Encendida, la presenciaron unas 100 personas. Hemos querido invitar a Gary Stevens (1953) a hacerla aquí de nuevo para que la puedan ver aquellas que hace 11 años eran unas niñas, para que algunas de las 100 espectadoras que estuvieron aquel día puedan volver a conectar con ella y para ver qué ha pasado con Tony en todo este tiempo que ha permanecido invisible.
Se colocan objetos sueltos sobre una mesa para que representen las diferentes habitaciones de una casa. El artista se pone una barba pegada y se anuncia como Tony. Los diferentes miembros de una familia disfuncional son evocados en un elaborado juego en el que objetos como sombreros, gafas y barbas representan a diferentes personajes. La comunicación y la falta de comunicación entre los miembros de la familia se reproducen a través del intérprete. La presencia del intérprete a veces se inmiscuye en la situación y se ponen a prueba las reglas del juego, pero otras veces se pierde en la ficción, sobre todo cuando hace de perro.
Not Tony fue un encargo de Home dentro del programa “Performing Kitchen” y se representó en una casa particular de Londres en 2004.
Gary Stevens es un artista e intérprete que ha producido piezas en vivo tanto en grupo como en solitario. Sus piezas tienden un puente entre las artes visuales y el teatro desde 1984. Es profesor asociado en la Slade School of Fine Art, University College London.
Conversatorio cierre de la jornada con Carlos Magdalena, Gary Stevens, Cuqui y María Jerez
- 20.00-21.00 H
DÍA 4 DE OCTUBRE:
- Sede Injuve Calle Marqués de Riscal, 16
- Horario: 18.00-21.00 h.
- Asistencia libre hasta completar aforo
Performance Cécile Brousse y María Infante, Let’s Fold Around
- 18.00-19.00 h.
Let’s fold around plantea la transformación constante de un espacio a partir de un rollo de papel y una colección de objetos pequeños, medianos y grandes. Es un espacio-tiempo sin proyecto. Una serie de gestos o acciones cuya conexión no es predeterminada. En la urgencia de estar aquí. En la urgencia de dar una vuelta.
Let’s fold around es una performance de Cécile Brousse normalmente interpretada por ella misma. En esta ocasión invitamos a Cécile a hacer un ejercicio de transmisión de la pieza a María Infante para que la interprete ella misma. María tiene 13 años. La pieza no tiene una partitura fija sino que se escribe cada vez a partir de un pensamiento coreográfico. Este experimento consiste en la transmisión de este pensamiento al cuerpo y al pensar de María, buscando un estado contemplativo de observar cómo funcionan las cosas y de dejarse informar por la materia. La práctica es subjetiva, consiste en sentir y tomar decisiones físicas instantáneas en una relación de feedbacks continuo con los materiales. Cécile y María trabajan juntas para encontrar una nueva vida de la pieza en el cuerpo de María, una nueva corporalidad y pensamiento dentro del trabajo de Cécile. Tanto la propia pieza como este experimento es un pliegue dentro de un pliegue. Un mundo dentro de un mundo.
Cécile Brousse es coreógrafa, bailarina y performer. Crea su propio trabajo y colabora con otras artistas como Cuqui Jerez y A.I.M.E/Julie Nioche. Es regularmente artista invitada en diferentes contextos pedagógicos por diversas instituciones en Francia. Profundamente y en superficie interesada por cuestiones del espacio, explora y estira los posibles coreográficos con sus trabajos Let’s Fold Around y Radio Frisson.
María Infante es estudiante de ESO y estudia Ballet en la escuela de Carmen Roche.
Performance y presentación del libro de Amaia Urra: Desaparezco
- 19.00-20.00 H.
Amaia Urra nos hablará de su publicación Tronco, ramas, delta, una versión gráfica de los textos de sus performances de derivas de sinónimos presentados entre 2012 y 2015. De cómo en su origen cada texto fue escrito para ser leído/cantado en público, en voz alta y en situaciones y contextos específicos. En esta ocasión retomará la primera de ellas Desaparezco, que corresponde a un momento de cuestionamiento y cambio en su manera de hacer, de trabajar, de vivir y que vuelve a tener sentido en estos momentos y dentro del marco de esta invitación.
Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974) es artista. Opera con los desplazamientos del lenguaje y su práctica se concreta a través de acciones en vivo, grabaciones sonoras y formalizaciones gráficas. Una práctica que se presenta a sí misma como deliberadamente ligera y esquiva. Sus piezas se han presentado y expuesto en espacios, encuentros y festivales como Art nomade, (Quebec), Axeneo7 & SAW Gallery ,(Gatineau-Otawa), festival In-presentable de La Casa Encendida (Madrid), Bulegoa z/b (Bilbao), programa de actividades del Museo Reina Sofía (Madrid), Zarata Fest (Bilbao), Picnic Sessions CA2M, (Móstoles), Héctor Escandón (México DF), 45 Salón Nacional de Artistas de Bogotá, y El sauce ve de cabeza la imagen de la garza TEA (Tenerife) o komunikazio-inkomunikazio, Tabakalera (San-Sebatián) entre otros. Entre 1999 y 2009 trabajó con diferentes coreógrafos como Jérôme Bel, Xavier Le Roy etc. y en 2017 co-dirigió el espacio Alkolea Beach.
Conversatorio cierre de la jornada con Cuqui Jerez, María Jerez, Cécile Brousse, María Infante y Amaia Urra
- 20.00-21.00 H
DÍA 5 DE OCTUBRE:
- Sede Injuve Calle Marqués de Riscal, 16
- 18.00-21.00h
- Asistencia gratuita hasta completar aforo
Blockbuster, Conferencia Javi Cruz, Fernando Gandasegui
- 18.00-19.30 H
BLOCKBUSTER se traduce al castellano como taquillazo: una palabra o unidad de medida del éxito comercial de un espectáculo. Una que, en la orilla menos comercial del show business, no suele participar. Con la desaparición de las obras menos taquilleras, desaparece una escena y un conjunto de prácticas que sobrevive, si acaso, en conversaciones de bar y en videos. Blockbuster fue la cadena de videoclubs más prolífica de la historia, con 9.000 tiendas repartidas por el mundo. Cuando en el año 2000 el negocio empezó a flaquear, desestimaron una oferta para adicionar una empresa de alquiler a domicilio. Aquel negocio emergente se llamaba Netflix y fulminó a Blockbuster en la siguiente década. BLOCKBUSTER nombra un proyecto que nunca hicimos: reprogramar piezas escénicas que no habíamos alcanzado a ver y que a menudo nos llegaban en conversaciones de bar o archivos. Pronto entendimos que la escena deja tras de sí esa realidad o surco por donde los fantasmas vagan, que nos habíamos perdido aquello que más deseábamos ver. Deseos traídos por testigos o supervivientes, que nos hablaban de su éxito, escasamente comercial, de su importancia. La única forma de verlas habría sido programarlas, lanzar al vacío la pregunta ¿lo volverías a hacer?
Fernando Gandasegui deambula entre la creación, el comisariado y la crítica en artes vivas. Actualmente co-coordina la libre comunidad escénica Teatron y el festival Domingo. Javi Cruz es artista visual y performer, eventualmente docente y programador. Combina la creación de proyectos expositivos con colaboraciones escénicas y la generación de contextos como Bosque Real. Juntos han formado parte del equipo de dirección de Teatro Pradillo y del colectivo PLAYdramaturgia, compartiendo su trabajo en el CA2M, La Casa Encendida, La Poderosa, el Festival TNT, Intermediae, PHEspaña, Sâlmon<, Artium, el Museo Casa Natal de Cervantes o el CCE en La Paz. Gracias a una de las Ayudas injuve para la Creación Joven produjeron “Los detectives salvajes”.
Mesa Redonda con Javi Cruz, Fernando Gandasegui, Anto Rodríguez, Sara Parolín y Lila Insúa. Moderan Cuqui y María Jerez
- 19.30-21.00H
Las integrantes de esta mesa redonda participan de una u otra manera en la práctica del arte en vivo, ya sea como artistas, comisarias, productoras, espectadoras o docentes y juntas forman parte de un ecosistema complejo en constante balanceo. Esta es una invitación a una reflexión colectiva sobre posibles formas de sostenibilidad y transformación en el ámbito de las artes escénicas, con la intención de poder generar puentes espacio temporales entre generaciones, contextos y lenguajes.
¿Por qué damos por muertas piezas producidas hace apenas un par de años? ¿Aceptamos su corta vida? ¿Quién o qué decide la longitud de su vida? ¿Queremos mantenerlas más tiempo vivas? ¿Nos consume la lucha por mantenerlas vivas dentro de los modelos tradicionales de visibilidad? ¿Aceptamos su extinción? ¿Qué implica su extinción? ¿Mantenerlas vivas es una responsabilidad compartida entre los diversos agentes implicados? ¿Podemos asumir una responsabilidad y reflexión colectiva de mantener vivas las piezas vivas? ¿A través de qué estrategias?
Sarah Parolin es una productora independiente de performance y artes visuales con experiencia en el contexto de la creación y distribución artística contemporánea. En los últimos años ha colaborado con varios artistas y colectivos independientes y ha producido proyectos para instituciones como BOZAR, Bruselas, BE (2019); Asia Arts Centre, Gwangju, Corea del Sur (2015); Santarcangelo Festival, Santarcangelo, IT (2011 – 2013). Dirige la producción del trabajo de Kate McIntosh desde 2014. Forma parte del colectivo SPIN, Bruselas.
Lila Insúa Lintridis es artista, profesora de Proyectos y Estrategias en la Facultad de Bellas Artes de la UCM de Madrid, lectora por momentos, mujer orquesta en otros, resituando haceres y quereres entre el tiempo parcial y el tiempo completo.
Anto Rodríguez. Investigador posdoctoral Margarita Salas dentro del proyecto ‘Investigación, arte, universidad. Documentos para un debate’, UCM. Entre sus producciones destacan ‘Arriba’ (coproducción Centro Conde Duque, Madrid), el largometraje ‘Frankenstein’ (Premio a Mejor Largometraje Asturiano del 51º FICX), la serie audiovisual ‘Carrizo’ (producida por LCE), las piezas escénicas ‘Lo otro: el concierto’ (presentada en contextos como las Picnic Sessions del Ca2M de Móstoles, MET de Jalisco, México o FIDCU de Montevideo, Uruguay), ‘La Traviata’ (Teatro Pradillo y Teatro Español de Madrid) o ‘Vivir en videoclip: tú, yo, nosotris y un karaoke’ (producción de Veranos de la Villa, Madrid). Actualmente investiga sobre los cancioneros de la copla y sobre la cultura Lgbtbiq+ española olvidada en su podcast COLOR JULAY. Más información @anto_rv
Victoria Aime/El Temblor – 27 de spetiembre en Teatro Pradillo
En algún rincón del Universo, la Pastora Intergaláctica encuentra el Voyager Golden Récord, lo escucha y decide visitar la Tierra. Después de aterrizar en la Rosaleda del Parque del Oeste de Madrid, se dirige hacia el norte. En una escala en Gante, entra en la catedral San Bavón para ver el retablo del Cordero místico. La Pastora se queda pasmada. Se acaba de enamorar sin remedio de aquel Cordero. Camina hacia él, entra en la pintura. La música y el canto de los ángeles acompañan su marcha. La Pastora besa el Cordero.
HET LAM GODS. Primera parte: La Pastora. ‘Idilio’ es un drama pastoril de ciencia ficción, una historia de amor interespecie que se presenta bajo la apariencia de un retablo en movimiento liberado de la materia y sus dimensiones espaciales.
Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/het-lam-gods-primera-parte-la-pastora-idilio/.
EL TEMBLOR somos Victoria Aime y Borja López. Deseamos crear ficciones arraigadas en el conocimiento humano, en la ciencia y la filosofía pero también en la pintura y la música, tratando de proponer objetos de contemplación y reflexión. Trabajamos en espacios teatrales y no convencionales desde la composición coreográfica y la escritura. Hasta la hora, hemos creado El título es Amor (2018), contando con el apoyo de la sala Baratza-Aretoa (Vitoria-Gasteiz) estrenado en DT Espacio Escénico, Madrid. Victoria Aime desarrolla actualmente el ciclo HET LAM GODS.
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JUEVES 29 DE SEPTIEMBRE
17:00-17:30h.
Presentación
17:45-19:45h.
Sesión de lectura de un fragmento de Toward a Transindividual Self: A study in social dramaturgy de Ana Vujanović y Bojana Cvejić
20:00-21:00h.
Lo que baila de Paz Rojo
VIERNES 30 DE SEPTIEMBRE
12:00-14:00h.
Cuerpo y sonido conversación entre Sandra Gómez, Sergi Faustino, Carlota Mantecón e Idoia Zabaleta
19:00-20:00h.
Tengo tiempo (de la serie Top Mantras) de Idoia Zabaleta
20:00-21:00h.
Un mismo movimiento de Carlota Mantecón y Luz Prado
SÁBADO 1 DE OCTUBRE
13:00-14:00h.
Faustino VI o 126 caballos de Sergi Faustino
19:00-21:30h.
Bailar ¿es eso lo que queréis?. El instante 0/Para sabotear el tiempo de Ana Buitrago y Elena Córdoba
Alberto Cortés – 11 y 12 de noviembre en el Teatro Central de Sevilla
Desde 2008, año en que creó la compañía Bajotierra, este artista ha desarrollado una labor de creación teatral y promoción de iniciativas como El Quirófano. Festival de Escena Alternativa de Málaga o el ciclo Escena Bruta. En 2012 trabajó con la compañía de danza teatro belga Peeping Tom, de gran influencia para él. Su trayectoria siempre se ha significado por la investigación sobre el hecho teatral (su narrativa, la palabra o el movimiento). Entre sus obras figuran Historia de Mikoto, Yo antes era mejor, El ardor, Hollywood y Masacre en Nebraska.
Su nueva propuesta, ONE NIGHT AT THE GOLDEN BAR, como él mismo manifiesta, es una declaración de amor cursi y musicada desde una mirada queer; la búsqueda de un estado de vulnerabilidad que ponga en evidencia el poder de los afectos y la belleza que se esconde en la fragilidad. Desde el imaginario de la figura celestial del ángel se atraviesa una lluvia de cuestiones: qué masculinidad nos gobierna, qué fragilidades y grietas no se están mencionando, qué identidades están en un lugar vulnerable y monstruoso al mismo tiempo, cómo cantar al amor desfasado, al amor infinito, políticamente incorrecto, insurrecto, sacrificado. Cómo vamos a proteger a estos cuerpos e identidades cuando griten públicamente cómo se sienten cuando aman; puede que ahora sea el momento de contraatacar. Hay una fuerza en todo lo extremadamente frágil, como dijo Rilke todo ángel es terrible y como dijo Ana Torroja en La fuerza del destino: Una noche en el bar del Oro me decidí a atacar. Este es el ataque del bar del Oro, un abordaje.
Más información y entradas: https://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatros/teatro-central/one-night-golden-bar.
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Tania Arias Winogradow – 22 y 23 de octubre en Réplika Teatro
Esta obra pertenece a una serie de piezas homenaje que inicié durante el confinamiento 2020 junto a Celeste, y que presentamos en aquel Festival de Otoño todavía bajo el yugo de la pandemia.
Cada homenaje nace a partir de una coreografía que aprendí siendo una joven aspirante al Ballet Víctor Ullate. Las piezas que escojo fueron las que despertaron mi pasión de joven. Las recupero ahora, años más tarde, con huellas dispares que atraviesan este otro cuerpo de bailarina.
Grosse Fuge, de Hans van Manen, es una coreografía que jamás llegué a interpretar en aquellos inicios, a pesar de haberla podido bailar a ciegas. No me rindo. Con la música en vivo del cuarteto de Beethoven invoco a la memoria de mi cuerpo y permito que la gran fuga me vuelva a atravesar.
Más información y entradas: https://www.madrid.org/surgemadrid/2022/10-grosse-fuge.html.
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