— MuroTRON

Del 21 al 30 de octubre en diferentes lugares de Madrid

Más información y programa completo: https://seminarioeuraca.wordpress.com/programa12/.

“Hace un año que lincharon a Samuel Luiz en A Coruña y el Seminario Euraca se decidió a arrancar con un programa DOCE que, muy microscópicamente, le hiciera justicia, pensando en este acontecimiento como lo que es: una señal de la reacción en curso a los derechos y visibilidades conseguidos por las luchas lgtbq / feministas en los últimos años, y como una marca de la constante violencia que los cuerpos no normativos han sufrido en las calles del patriarcado. Pero los tiempos de nuestro seminario son tan lentos que ya ha pasado un año de trabajo hacia adentro para la organización del programa y otras cientos de señales más han venido a avisarnos de la ola de venganza y ultraredisciplinamiento de los cuerpos no blancos no cis no heteros que los masters del universo y los incels de las cloacas perciben como amenaza a su poder decadente, podrido, destructor. La insoportable masacre de jóvenes en la valla de Melilla, no muy diferente de la que a diario se hace en las fronteras de Europa, pero particularmente utilizada como celebración de un pacto de sangre entre España y Marruecos para continuar resolviendo bien la división del mundo entre blancos y no blancxs, entre trabajadorxs con derechos y trabajadorx sin derechos, entre cuerpos cuya vida importa y cuya vida no. La derogación del derecho al aborto en Estados Unidos para parar la ola de revueltas de las siervas de la reproducción que cada hombre ha tenido a su disposición a lo largo de los siglos, cuya fuerza internacionalista ha puesto en tensión la división del mundo entre el género que domina y el dominado, los trabajadores que producen mercancías por un salario y las trabajadoras que reproducen la fuerza de trabajo sin remuneración, la propia división del mundo en doses. No hay -no puede haber- igualdad mientras siga habiendo personas segregadas, violentadas, invisibilizadas y desposeídas de papeles, derechos, techo y sustento; sociedades que toleren una parte de la homosexualidad integrada pero masacren y niguen derechos a personas migrantes (como dijo Renate Costa en esta entrevista, min. 7.30)).

Porque si incluso algunas de las que esto escribimos en tan solo una vida hemos asistido a un 8M chiquito y a un 8M masivo y a una derechización fatal de una parte del feminismo, a una subcultura queer under y a una toma del mainstream por algunos de sus gestos, a la Veneno en prime time y al secretismo gay en todos los pueblos y ciudades a no ser las grandes, al Ya es ley de Argentina y la derogación del aborto en los US, a la cultura del 15M y a la de Vox, qué no habrá pasado en los más de 150 años que el feminismo lleva abriendo y ensanchando la grieta en el patriarcado capitalista, un cambio de la vida de lxs de abajo inimaginable segundos antes de suceder. No solo el derecho al aborto que las «petroleras» (con quienes abrimos en enero de 022 este programa) ni podían siquiera imaginar estando como estaban en los márgenes de la Comuna revolucionaria, sino el propio derecho a la Existencia, y sobre todo, el derecho a la Imaginación: que lo que hacemos y somos se vea, cuente, conforme imaginarios; y que otra forma de lo que somos se haga posible en el mundo. Inimaginable para Whitman la vida de Lorca, para Lorca la de Spicer, para Spicer la de Lemebel, para Lemebel la de Ioshua y, no obstante, unos a otros se contienen en el sueño que el deseo va abriendo con el cuerpo valiente que pusieron en sus escrituras. Un poco más próximas en el tiempo las vidas de Luz Pichel, Rita Indiana, Dalia Rosetti y Andrea Abreu trazan un mapa del sueño todavía más amplio en latitudes (Galicia > República Dominicana > Argentina > Canarias), imaginarios e imaginaciones por venir de parte de las chicas y chiques, de las ninias y adolescentes y ancianas, de las amigas para siempre, de las bolleras y bi y butch con y sin bulto seguro inimaginables para Gertrude Stein o Gloria Fuertes que las precedieron.

Y es a esta escala, y es por abajo y por afuera de las divisiones por arriba y por el centro, y es a esta invención de las genealogías y convivencia de tiempos, y es a esta historia de cambios a veces en avanzada y a veces en retroceso pero siempre con efectos en los cuerpos de las othras (Sayak Valencia) a la que queremos remitir. Y es a esta fuerza imparable a la que queremos afirmar como propuesta contra (y no como reacción a) la reacción en curso, aunque ahora no esté de moda proponer sino solo destruir: la era feminista sigue viva y está abierta.

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto 

La era feminista va generando un sujeto que no cumple con lo que estaba previsto para ser dentro del patriarcado cada vez en cada uno de sus periodos. Tan imprevisto como para que unos filólogos del siglo XIX encuentren una cantiga de una amiga a una amiga hecha en el siglo XIII y se vean obligados a cambiarle el género, incapaces de dejar existir en el pasado lo que no quieren que sea en el presente ni de imaginar para el futuro lo que podría ser si lo dejáramos pasar. Por suerte la escritura dejó un rastro suficiente para que otras lectoras del futuro podamos releer desde otra era, reestableciendo la señal entre los tiempos. Porque por suerte la escritura no consiste solo en quién era quien la hizo sino en cómo hizo lo quizo quien la hizo: un artefacto de lenguaje que nos posibilita ser otrx que el previsto: trans-cender de la realidad cis a mundo algo mejor para todxs en tanto seres vivxs, tal y como describe Fernanda Laguna en una entrevista con Martín Baigorria en el Flasherito: «[…] cuando uno escribe […] uno posee otro tipo de movimientos. La tristeza en el mundo real es algo que te hace sufrir, es un abismo. Pero la tristeza cuando está en manos del poeta […] pasa a ser algo dulce o bello. Y entonces las sensaciones que podemos tener frente al mismo estado de tristeza se vuelven otra cosa con la poesía. Yo a eso lo llamo  la “realidad cis” ‒la tristeza con el dolor tal cual se percibe‒ y la “realidad trans” es la realidad del poeta, transmutada, donde la tristeza se puede volver algo bellísimo y puede hacer sentir una sensación totalmente diferente. Y así con todo: podés tener un corte de luz en tu casa y si escribís se puede convertir en estrellas o en un montón de cosas más. Esa es la “realidad trans”, transmutada».

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto, y su era va sucediéndose a través de diferentes momentos de lucha en los que ese sujeto se va condensando en cuerpos históricos concretos (comuneras, bolleras, trans, maricas, bi…), fundamentalmente caracterizados por su desnaturalización de lo que unos segundos antes suponía ser una mujer/femenino/afeminado/cativa en la sociedad patriarcal, y por su desidentificación de lo asignado, por su no ser hombre, o su serlo mal. Y estos momentos concretos del cuerpo feminista van abriendo las posibilidades no solo de tener derechos sino de Existir e Imaginar mediante, por un lado, unas vidas tan valientes como fue la de de Pedro Lemebel, cuyas solas presencias = gestualidades y lenguajes de por sí desobedientes de la norma social afirman cotidiana y políticamente que otras vidas, más vividas y más vívidas son posibles, que es posible ser en este mundo; y mediante, por  otro lado, unos textos como Tengo miedo, torero donde esas vidas se vuelven imaginario y sueño para quienes las leemos. Así que la propuesta de viaje número DOCE del Seminario Euraca consiste en ir a unos poquitos (cinco) de los cientos de momentos de la lucha feminista, de las comuneras del XIX a los maricas del XX a las ninias y bolleras del XXI y un flashbck-flashforward al siglo XIII, de la homosexualidad a la homofobia, del deseo a la potencia, de la potencia a la violencia,  a través de (mayormente) novelas tan exuberantes, hermosas y emocionantes como PapiPanza de burro o Dame pelota, y poemas tan power como la Oda a Walt Whitman o el de la risa de cativa de Luz Pichel. Creemos que no solo por «ser mujeres» «ser bolleras» «ser maricas» las autoras sino por ser el feminismo un nuevo paradigma está cambiando la literatura que se hace y que nos gusta. Una textualidad a la que cabe más el cuerpo, el sexo y el desliz de todo tipo, formal e informal, no tan pesadamente psicologista ni familiriasta sino al revés, esto es, más bien, la confusión, el caos, la trama trepidante, la ya clásica promiscuidad, la ya clásica vitalidad voraz, el ya clásico enamoriscamiento permanente, la ya clásica sensualidad a mansalva de las desviadas… o el deseo, mi amor, el deseo… de leer, de escribir, de vivir, de que salga un verano para siempre. Y de, por primera vez en Euraca, explorar un nuevo género (literario): la Novela”.

«yo soy una más de lxs que estamos aquí»
(María del Monte)

«yo soy una más de ustedes»
(Isabel Pantoja)

«mariquita no, maricón que suena a bóveda»
(Miguel de Molina)

«quién no se ha dado un pipazo con una buena amiga»
(Lola)

«si quieres conmigo, guapo, tendrás que amariconarte»
(Lynn da Quebrada)

1939, acusado de beber semen en cálices, el reo replicó:
«yo eso lo he bebido siempre directamente de la fuente»
(Álvaro Retana)

«queremos todo gratis, todo homosexual»
(se canta en Chile, en las manis)

«todo gratis, todo gay»
(rey feliz)

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Del 20 de octubre al 26 de febrero en el MACBA

María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito es la primera exposición dedicada a la práctica de María Teresa Hincapié (1954–2008), artista colombiana especializada en lo que podríamos llamar «la poética de lo doméstico» en la performance, transformando acciones rutinarias en actos simbólicos para crear así una metodología en su práctica. María Teresa Hincapié tenía una definición particular de lo performativo, que ella solía llamar «entrenamiento». Lejos de cualquier categorización específica, su práctica oscilaba entre vida, creación en movimiento y una búsqueda de lo místico.

La exposición revela la importancia de la comprensión de María Teresa Hincapié sobre la creación artística donde lo efímero y la mutabilidad son necesarios para una «búsqueda de lo sagrado». Utilizando el potencial del afecto como mecanismo de interacción con la artista fallecida, la muestra reivindica la interacción colectiva como productora de conocimiento y   vehículo imperativo de transmisión.

En 1990 María Teresa Hincapié (1954-2008) recibió el Primer Premio en el XXXIII Salón Nacional de Artistas Plásticos de Colombia por su performance de larga duración Una cosa es una cosa; era la primera vez que se otorgaba este premio a una obra efímera, no objetual y a una mujer. La acción consistió en colocar todas las cosas que la artista poseía en su casa en el espacio expositivo; a lo largo de varias semanas y durante ocho horas diarias continuas, se dedicó a crear una danza con su cuerpo mientras reorganizaba los diferentes elementos según criterios cambiantes. Recibió nuevamente esta distinción en 1996 con Divina Proporción, obra performativa en la que permaneció varios días viviendo en el espacio expositivo mientras caminaba muy lentamente y sembraba y regaba la hierba y la tierra sobre el suelo de hormigón.

Hincapié nació en Armenia, Colombia, y murió a los 54 años tras una larga enfermedad. Se convirtió en una figura clave en el desarrollo de la performance durante las décadas de 1980 y 1990 y fue una voz reflexiva que exploró las prácticas corporales. Inicialmente formada en teatro como miembro del grupo Acto Latino e influenciada por las ideas de Jerzy Grotowski (1933-1999) y el horizonte experimental que este director de teatro polaco había abierto en torno al concepto de «teatro pobre», así como por  las exploraciones de Eugenio Barba, Hincapié se interesó por una dramaturgia limpia y simple. A mediados de los ochenta, su práctica viró definitivamente hacia una mayor indagación de lo performativo, marcando un momento seminal en la génesis de las prácticas artísticas contemporáneas en Colombia. La exploración de la vida cotidiana y la transformación de acciones rutinarias en actos simbólicos crearon una metodología para su práctica. El arte se convirtió en la guía de su existencia, no solo proporcionando un marco para su creatividad sino también influyendo en su ética y comprensión de la política. En 1995 inició su ambicioso proyecto Hacia lo sagrado con una caminata desde Bogotá hasta San Agustín, en un viaje que duró veintiún días, durante los cuales combinó la experiencia de conocimiento sobre el país, su supervivencia y acciones rituales con un pensamiento místico que, a partir de ese momento, se convirtió en el núcleo fundamental de su poética.

Se plantean múltiples interrogantes cuando se intenta exponer la obra de María Teresa Hincapié en un museo con el propósito de dar a conocer la trascendencia de su práctica, y a la vista de una nueva concepción del cuerpo y su contexto en el ámbito de la performance. ¿Cómo visibilizarlo con documentos de archivo, fotografías, vídeos u obras sobre papel? Al querer incluir la fisicidad, el gesto, la quietud, el silencio, el movimiento y la presencia que emana de su obra, evitando al mismo tiempo un re-enactment –al que ella era completamente contraria–, la propuesta para la exposición María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito en el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) y el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, pasa por combinar nuevas voces inspiradas en la práctica de Hincapié.

Por lo tanto, en esta primera exposición dedicada al trabajo de la artista se presentará una vasta selección de sus obras: material de archivo procedente de performances, fotos, vídeos, documentación escrita, diapositivas, testimonios visuales, etc. También se incluirán las obras realizadas por José Alejandro Restrepo para ser interpretadas por Hincapié, así como tres proyectos encargados específicamente para la exposición que abren un imprescindible debate sobre el movimiento, los cuerpos y el legado cognitivo de una práctica en sí abocada a la transformación.  Los artistas y colectivos invitados a desarrollar una nueva obra que dialogue con el lenguaje performativo de María Teresa Hincapié son: María José Arjona (Colombia), Coco Fusco (Estados Unidos) y Mapa Teatro (Colombia), cuya praxis está íntimamente vinculada a la de la artista. Con el objetivo de establecer el potencial de afecto como mecanismo para interactuar con la artista fallecida, la intención subyacente sería reproducir una actitud que Hincapié secundó durante su vida y carrera artística y que está asociada a la idea de compartir y de crear comunidad. A finales de los noventa, adquirió unas tierras (La Fruta) en la Sierra Nevada de Santa Marta donde creó una residencia de artistas que llamó Aldea-escuela, un proyecto que mantuvo vivo hasta sus últimos días. Hincapié estaba convencida de que vivir en colectividad era un modo de producir conocimiento y un vehículo imperativo para la transmisión del mismo.

Más información y actividades relacionadas: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/exposiciones/maria-teresa-hincapie-si-este-fuera-principio-infinito.

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Fran Martínez y Elena Carvajal – 18 y 19 de octubre en Teatro Pradillo

Somaficción es un lugar aún por hacer, aún en proceso. Terra incógnita. Un lugar que germina de una profecía. De cuyas ramas crecen como intersecciones una serie de trayectorias que posibilitan los encuentros con otras entidades, activando la imaginación y generando otras comprensiones sobre las relaciones y los encuentros.
Puede ser una práctica, una reunión con amigxs, una performance. Nos situamos a medio camino entre la ficción narrativa y lo coreográfico, entre la mentira piadosa y un club de lectura secreto en una habitación de una ciudad cualquiera.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/somaficcion/.

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19 de octubre en Arts Santa Mònica

Jonás de Murias remezcla material sonoro y letras de archivos de música tradicional y canciones populares, transcendiendo y replanteando la relación de lo folclórico con lo geográfico. A partir de esta mezcla de texturas sonoras y lingüísticas, rastrea y resignifica aptitudes culturales heredadas y rasgos que acostumbramos a relacionar con la identidad.

Público general – Actividad abierta a todo el mundo y gratuita con aforo limitado a 55 personas

Enlaces de interés:

https://www.instagram.com/jonasdemurias/
https://jonasdemurias.bandcamp.com/

 

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María Jerez y Edurne Rubio –  28 y 29 de octubre en Conde Duque

La superposición de dos espacios es el eje de esta pieza, la primera realizada en régimen de co-autoría por Edurne Rubio y María Jerez, dos artistas que ya habían colaborado en alguna ocasión anterior, pero nunca hasta el extremo de concebir un trabajo juntas.

Esta superposición pone a trabajar el espacio del teatro, cerrado y construido por y para el ser humano, y un valle, un espacio transformado y moldeado por las condiciones geológicas y atmosféricas y completamente abierto, un espacio exterior. La arquitectura humana frente al sublime kantiano de una Naturaleza siempre amenazante. O siempre cambiante, sin más. «Nos interesa —dicen las creadoras— entrelazar el uno al otro, permitir puntos de encuentro entre los dos mundos y así construir un tercer lugar transitorio, anacrónico por ser al mismo tiempo ancestral y futurista, una pieza de ciencia (ficción) especulativa».

Edurne Rubio y María Jerez observan así, el espacio teatral como ecosistema para, aprovechando su propia topografía, tecnología y materialidad acercarse a la extrañeza de la naturaleza, a sus dramaturgias y a sus fenómenos. Edurne ya nos transportó al interior de Ojo Guareña, la cueva que su padre exploró en tiempos de dictadura franquista, en la pieza Light years away. El teatro era la cueva, dos abismos de oscuridad y libertad. María Jerez ya nos introdujo en un cosmos artificial en constante movimiento en su pieza Yabba, que proponía una mirada atenta a la busca de una transformación constante pese a la incapacidad de nombrar lo que se estaba mirando. Estas dos piezas son los antecedentes inmediatos de A nublo, que toma su nombre de la tradición popular asentada hasta mediados del siglo XX, en la que los lugareños de las zonas rurales de España se enfrentaban a las tormentas, hablando directamente al cielo nublado para mantener la tormenta lejos de los pueblos, tratando de ahuyentar los rayos y pedirle al granizo que se convirtiera en agua.

Edurne y María llegarán al teatro de Condeduque y lo transformarán. «Generaremos un paisaje de manera tridimensional y envolvente. Situaremos al espectador en el ojo del huracán, en el centro del teatro, en la caja escénica: el valle. Comenzarán a observar el hermoso paisaje desde un punto de vista cómodo y seguro, pero, poco a poco, el clima cambiará».

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/maria-jerez-edurne-rubio-nublo-40deg25376n-3deg42421w.

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Cris Balboa – 21 de octubre en Praza do rei (Vigo)

 Technocracia trata a festa como lugar de comuñón, como mecanismo de reprogramación mental, de ruptura co cotiá, de hedonismo físico e emocional, e tamén como unha metodoloxía de creación a partir do corpo en movemento e a masa, onde expandir a nosa experiencia escénica ao incluír ao público como parte esencial da peza a través das accións que se xeren.

Trátase de deixar de crear ficcións para deixarnos crear polos feitos intentando preservar a nosa calor interna, a nosa frescura e bondade humana contra a tiranía da orde.

 Más información y entradas.

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23.10.22c h o r o se complace en presentar:

18:00 apertura

18:30 From Behind. All Over, una performance de Arantxa Martínez.

20:00 La caligrafía de la mano, una práctica de Itxaso Corral.

… Para terminar habrá  .

Con la presencia de La Delfín Editora y Amalia Ruíz-Larrea y los dibujos de Paz Bey: pósters presagio de la edición final de From Behind. All Over @imprenta_sandelfin. 

Invitación a la caligrafía de la mano de Itxaso Corral, especialista en la destilación de la voz a partir de la palabra. Habrá lápices y papel y se necesitarán manos.

Con el apoyo y cuidado del proyecto Cruzadas de @la_poderosa_bcn .

[ Las palabras tienen su propio gobierno y este no tiene nada que ver con el sistema lingüístico ni con la gestión y custodia de la lengua. Las palabras son entre otras cosas expresión de vida, acto irreductible por su capacidad de relación y propagación, de eco y reproducción.
Las palabras son voz, aunque sea inaudible, porque son cuerpo y están vitalmente unidas a su lengua, su saliva, sus labios y su boca. En este sentido la voz singular de las palabras no necesita receptore para ser comunicada por que la voz ya es comunicación antes. Previamente, en su hacerse, la voz ya es plural y está vinculada.

From Behind All Over son reflexiones en voz alta y a viva voz. Para mí son un espacio y tiempo favorables para convocar las voces que siguen desafiando mi experiencia. Las voces de ellas. Convocarlas y que me echen una mano. Se trata ahora de que ellas callen para yo decir ]

Arantxa Martínez

Idioma: castellano e inglés

Realización, texto y danza: Arantxa Martínez

Subtítulos: Ricardo Santana
Música: El baile del vivo -canción folklórica canaria-, Soko, Angel Olsen.

Acompañamiento: Fernando Gandasegui, Ricardo Santana, Gloría Godínez, Tenerife LAV, el Club del Chocho y caminar, caminar, caminar.

En agradecimiento a Fernando Gandasegui.

Entradas 8e anticipada (link bio)
10e en la puerta
Gratuito a partir de las 21 (Karaoke)

Foc
Carrer Encuny 24 3a planta
08038 Barcelona

Entradas: https://vivetix.com/entradas-from-behind-all-over?s=link#/rjnfl8Imibz.

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Cris Blanco – 15 de octubre en el Teatro Jofre de Ferrol 

En este proyecto de investigación y creación de una pieza escénica de gran formato conviven varios géneros teatrales. Se trata de un vodevil musical de ciencia ficción apocalíptico con viajes en el tiempo que haga visible el aparato teatral y cuestione sus convenciones. Un homenaje al teatro de diferentes épocas. Comedia en castellano. Retirada de entradas gratis (máximo dos por persona) en la taquilla del Jofre.

Entradas: https://www.ferrol.gal/axenda_cultural/es/entrada/Grandissima%20Ilusione%20(Cris%20Blanco).

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Mikolaj Bielski – del 7 al 16 de octubre en Réplika 

Hacer que la pregunta huya.

Una fuga de la ficción de la vieja urdimbre, de las retóricas y discursos prevalecientes, prestados y/o heredados.

Filosóficos, éticos, estéticos, políticos. Con sus mentiras y temibles olvidos.

Con la misma saliva dictan lo bueno y lo malo, lo bello y lo que no, lo que conviene y lo que no, lo que se muestra y se oculta.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/lo-que-tiembla-y-casi-danza-mikolaj-bielski/.

→ Creación: Mikolaj Bielski en colaboración con los intérpretes
→ Dirección, concepto y espacio escénico: Mikolaj Bielski
→ Dramaturgia: Mikolaj Bielski en diálogo con Miguel Deblas
→ Textos: Miguel Deblas, Celeste González, Minerva Kautto, OpenAI, Maija Rissanen, María Velasco
→ Asesoría dramatúrgica: María Velasco
→ Composición musical y espacio sonoro en directo: Víctor Heitzmann
→ Intérpretes: Miguel Deblas, Celeste González, Jesús Irimia, Minerva Kautto, Maija Rissanen
→ Diseño de iluminación y new media: David Benito
→ Vestuario: Mikolaj Bielski e intérpretes
→ Dirección técnica: David Benito
→ Acompañamiento escénico y regiduría: Carmen Menager
→ Técnico de iluminación y vídeo: George Marinov
→ Técnico de sonido: Alberto Úbeda
→ Producción ejecutiva: Krista Mäkinen

→ Co-producción: Quo Vadis Teatteri y Réplika Teatro

Los textos proyectados son el residuo de las lecturas de Georges Bataille, Gilles Deleuze, Giorgio Agamben y Chantal Maillard (entre otros).

Con el apoyo de Arts Promotion Centre Finland, Finnish Cultural Foundation, Tampere Workers’ Theatre, Comunidad de Madrid, Acción Cultural Española

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Jon Mikel Euba – 10 de octubre 2022 a las 19 h, Sala Ricson, Hangar

El lunes 10 de octubre a las 19 h, en el marco del hilo de investigación Practicable, Jon Mikel Euba impartirá la conferencia Una secreta correspondencia. La conferencia toma como punto de partida la presentación de su libro Vulnerario, y funciona también como una clase de “apuntes del natural” o “apuntes líquidos” en la que se llevará a cabo una disección de los diferentes factores que han configurado Vulnerario en su relación con la estructura que le da forma. Quienes asistan serán invitados a tomar notas que, en la segunda parte de la propuesta, serán reactivadas, indagando el propio gesto de abrir de manera situada esa estructura. Vulnerario, segundo libro publicado por el artista, forma parte de un proyecto más amplio centrado en la escritura que el autor ha desarrollado durante la última década, cuyo objetivo es definir una praxis que devenga teoría técnica.

Escribe Jon Mikel Euba: “De niño me contaron que el sistema que se utilizaba para abrir caminos transitables en una montaña, consistía en cargar un burro con mucho peso y soltarlo en dirección a la cumbre. El burro, un animal que economiza magistralmente la energía, siempre describirá pendientes lo más horizontales posibles, que, en zig-zag, le llevarán a la cumbre. Una vez definido el camino por medio del animal, se traducía posteriormente para uso humano, ensanchándolo en lo que llamaban pistas. Podríamos ver esa “forma” —el camino resultante como el resultado de una ecuación que incluye: 1. Un obstáculo preexistente: la ladera; 2. Un deseo o un objetivo: subir la pendiente, 3. Un instrumento de medición y cálculo: el burro, que lleva incorporado en sí mismo la premisa “ahorro energía”; y, 4. Se necesita añadir a la ecuación algo extra: la carga. En el proceso artístico, de manera similar, para que aparezca finalmente una forma —sea el zig-zag o la ladera de la que no sabemos al inicio ni que pendiente ni altura tiene hasta que llegamos arriba— solo sabemos intuitivamente que debemos cargar una estructura al máximo, con una gran cantidad de materiales (reales, ideales y vitales) que hagan que la relación entre el peso de todos ellos y la premisa animal de ahorrar energía, generen la vía. Un camino que, al ser transitado, nos dé las medidas del ancho de la ladera, y que al llegar al final (si lo hacemos) nos muestre la forma —el zigzag y la altitud de la montaña—. Como hace el burro, habrá que crear subterfugios poniéndonos delante cualquier tipo de zanahorias, reclamos que dirijan al animal que somos en determinada dirección. Lo específico del proceso artístico es que somos nosotros mismos burro, ladera, carga, pista y zanahoria. Cumplido lo anterior, una estructura o estrategia puede darnos una forma, pero ninguna forma por sí misma nos asegura el sentido, pues este siempre estará en otro lugar y dependerá de la complejidad de la incógnita y la motivación, y de la manera en que se conjuguen los factores que intervienen en relación con la necesidad genuina de nuestra acción”. Vulnerario se utilizará como la representación del itinerario para conseguir dicho sentido.

Jon Mikel Euba (Amorebieta, 1967) es un artista cuya práctica le ha llevado a adentrarse en proyectos que conjugan lo performativo con lo didáctico. Su obra ha sido expuesta ampliamente y forma parte de colecciones e instituciones artísticas tanto nacionales como internacionales. En 2010, junto con otros artistas crea el proyecto pedagógico experimental Primer Proforma en el MUSAC y la escuela Kalostra en San Sebastián en 2015. Entre 2014 y 2017 dirigió el máster Action Unites, Words Divide (On praxis, an unstated theory) en el Dutch Art Institute, cuyas sesiones se recogen en el libro Writing Out Loud. En 2021, publica Vulnerario.

Con la complicidad de Caniche Editorial.

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