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Interior noche de Serrucho | 31 de marzo y 1 y 2 de abril en Teatro Ensalle de Vigo

Entramos en el espacio como quien va de campamentos por la noche, con los frontales puestos y encendidos. Nuestra luz es la única que ilumina la escena. Formada por tantos focos como perspectivas, lo que vemos (en solitario o colaborando las unas con las otras) es y será siempre parcial.

Una vez nos acostumbramos a esta manera de mirar, aparecerá ante nosotras un camping también parcial, a medias: un par de sillas plegables, puede que un hornillo de gas y, en medio de todo esto, un remolque-tienda modelo Apache, original de los años setenta: “Ni mejor, ni peor, ¡el primero!”

Espectáculo de teatro con objetos, Interior Noche usa la referencia a lo campestre para plantearnos un juego de temporalidades imposible. Se mezclan, entre otros, el tiempo escénico (la pieza dura lo que dura, y está estructurada en diferentes escenas e imágenes plásticas pensadas desde el ritmo) y el tiempo social (por ejemplo, remitiéndonos a un espacio que relacionamos con las vacaciones, con la acción de “dejar pasar el tiempo”).

Defendiendo la contemplación como acto político de resistencia, Serrucho nos ofrece un taller práctico de observación lenta, y una dramaturgia hecha de situaciones y chistes visuales que dejan al descubierto la absurda obsesión con la eficiencia de este capitalismo histérico tan nuestro.

El mundo high-tech del camping contemporáneo, en este sentido, se convierte aquí en un pozo de ejemplos paradigmáticos y a menudo hilarantes de cómo el sistema ha ido invadiendo todos los aspectos de nuestra vida para servir a sus intereses.

Otro tiempo en juego: el que es oro, dinero, privilegio.

Escenificada por un paisaje vivo, surrealista y en permanente transformación, Interior Noche sublima el mundo “Quechua” a través de una estética intencionadamente cutre y analógica, haciendo perder el tiempo a objetos diseñados bajo el mantra de la eficiencia. Celebrando la ineficacia como la reconquista de un tiempo perdido, lo que iluminamos con los frontales puede convertirse en una suerte de espejo y puede hacernos sonreír ante nuestra propia desgracia.

Texto de Jordi Ribot para TNT festival.

Ficha artística

Creación, realización y construcción: Serrucho
Asistencia técnica: Miguel Aparicio
Con el apoyo de: Citemor, Teatro municipal de Coslada, Graner.
Agradecimientos: Familia Gimeno, Cris Blanco, Marta Blanco, Carmen Segovia, Luisa Hedo, Sofía Asencio, Tomás Aragay, Rufino Mirallo, Ariadna Rodríguez e Iñaki Alvarez.

Más información: Teatro Ensalle

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Cosas presuntuosas, concierto de Constanza Piffardi | Viernes 24 de marzo a las 20h en La Capella de Barcelona

En diálogo con la exposición Cabra se convierte en mochuela de Carmen de Ayora, la cantante Constanza Piffardi actuará en La Capella. Con Cosas Presuntuosas parte de la reverberación que produce el cruce de un pasado barroco con la exploración en torno a su voz.

Entrada libre

Más información: La Capella | Conversación entre Carmen de Ayora y Toni Hervas

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Aquellas que no deben morir de Las Huecas | 25 y 26 de marzo en La Mutant de València

Aquellas que no deben morir es un espectáculo que coloca en la esfera pública un tema aún tabú: la muerte y su gestión privada. Para ello, Las Huecas trabajamos a partir de los imaginarios (a veces precarios) que las generaciones jóvenes tenemos sobre los procesos de traspaso. Desde una perspectiva política y poética, el espectáculo arroja luz sobre los abusos de la industria funeraria y la capitalización del deceso. Se trata de una puesta en escena a medio camino entre el teatro documental y la experimentación de los rituales, en donde, además de las performers, intervienen Núria Isern, trabajadora del sector funerario y Júlia Sánchez, activista por la soberanía de la muerte. Aquellas que no deben morir es una propuesta emancipadora porque permite interrumpir los relatos convencionales sobre el morir, una experiencia teatral que se ha definido desde la crítica como ‘’algo que no puedes nombrar, pero que cuando estás delante de ello, sabes que no lo habías visto antes’’.

Espectáculo ganador del premio Apuntador 2021 y del premio Novaveu de la Crítica 2022.

Más información y entradas: La Mutant

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Una imagen interior de El conde de Torrefiel | 24 y 25 de marzo en el Teatro Central de Sevilla

NADIE LES HA REGALADO NADA, AL CONTRARIO. HAN SIDO UNA DECENA DE ESPECTÁCULOS CON LOS QUE EL CONDE DE TORREFIEL HA CONSEGUIDO UNA FIRMA TAN PERSONAL QUE SE HA CONVERTIDO EN IMPRESCINDIBLE EN EL CIRCUITO DE LOS FESTIVALES, TEATROS Y CENTROS DE PRODUCCIÓN EUROPEOS MÁS EXIGENTES.

EL MONTAJE QUE NOS OFRECEN SE ESTRENÓ EN MAYO 2022 EN EL WIENER FESTWOCHEN Y HA SIDO COPRODUCIDO POR EL GREC DE BARCELONA, EL FESTIVAL DE AVIÑÓN, EL FESTIVAL D’AUTOMNE (PARÍS), EL KUNSTENFESTIVALDESARTS (BRUSELAS) Y UN LARGO ETCÉTERA. POCAS VECES UNA COMPAÑÍA DESPIERTA TANTA UNANIMIDAD EN EN TERRITORIO DEL ESPECTÁCULO VIVO INTERNACIONAL.

El montaje que nos ofrece este improbable “conde” es el final de un proceso que empezó en el Santarcangelo Festival (Emilia-Romagna) con Fracciones de tiempo, donde se proyectaba al atardecer y al aire libre un texto sobre las disimilitudes entre realidad y ficción; continuó en el Festival Grec 2021 de Barcelona con Ultraficción nr. 2/Los buenos modales; en el festival de Valencia Russafa Escènica con Complicidad de materiales anónimos, con un trabajo con alumnas de arte dramático; y, finalmente, en la última edición del Festival Sâlmon de Barcelona, donde se pudo ver a una serie de estudiantes de arquitectura construyendo un gran tótem contemporáneo en Ultraficción nr.4/Working Class.

Desde que en 2010 presentara su primer espectáculo (La historia del rey vencido por el aburrimiento), la compañía ha apasionado a público, crítica y a unos programadores europeos que han seguido con atención la decena de espectáculos que han creado hasta el momento. En estos espectáculos nos hablan del tiempo y de la sociedad del siglo XXI, combinando y a la vez distanciando texto, movimiento e imágenes plásticas, e investigando las tensiones entre el individuo y el colectivo.

En un mundo digitalizado, donde lo virtual con sus mandatos de visuales calibrados ocupa cada vez más espacio, ¿cómo podemos nutrir nuestras imágenes internas?, ¿cómo podemos aprovechar el poder de nuestra imaginación?, ¿cómo dar sustancia a una realidad que no es inmutable, sino por el contrario maleable, cambiante, fruto de nuestros sueños y de nuestras decisiones?, ¿qué podría ser esta ultraficción colectiva?; una ficción tan soñada que se volvería real, ultrarreal. Es a estas sensibles cuestiones a las que nos invita la nueva creación de la compañía El Conde de Torrefiel. Desde las herramientas de la performance, la danza y las artes visuales, para hacer mejor el teatro. Una imagen interior ofrece una dramaturgia singular, texto, movimiento, sonidos y materiales chocan, se oponen y se precipitan hacia un Big Bang. Una imagen interior es esta explosión de pensamientos y sensaciones, que busca desplegar todo el erotismo de nuestra imaginación. Y tal vez, ¿quién sabe?, inventar otra realidad: la del mañana…

Más información: Teatro Central de Sevilla | Entrevista a Pablo Gisbert

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Yo soy el monstruo que os habla de Paul B. Preciado | Del 24 al 26 de marzo en Condeduque, Madrid

En diciembre de 2019, Paul B. Preciado pronunció un discurso ante tres mil quinientos psicoanalistas reunidos para las Jornadas de l’École de la Cause Freudienne en París. Retomando el texto de Franz Kafka en el que un simio que ha aprendido el lenguaje humano se dirige a una academia de científicos, Paul B. Preciado se dirige como hombre trans y persona de género no binario a la asamblea de psicoanalistas no sólo para denunciar la violencia estructural que la psiquiatría, la psicología y el psicoanálisis llevan a cabo sobre las personas consideradas como homosexuales, trans, intersexuales, o de género no binario, sino también para invitar al psicoanálisis a abrirse a las mutaciones de género y sexuales que están teniendo lugar. El resultado es un monólogo al mismo tiempo íntimo y político que no sólo se dirige a los psicoanalistas sino a cada uno de nosotros y a nuestra capacidad para acoger el cambio e imaginar una nueva utopía.

Más información: Condeduque

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The Art of Movement de Boglárka Börcsök i Andreas Bolm | 17 de març al cinema Zumzeig de Barcelona dins de la programació del Sâlmon

El Sâlmon i #Zumzeig col·laboren en la projecció de «The Art of Movement», un retrat sensual i perspicaç sobre tres ballarines de més de 90 anys de Budapest dirigit per l’artista i coreògrafa hongaresa Boglárka Börcsök i el cineasta Andreas Bolm. Amb aquest documental s’inicia el programa públic de l’onzena edició del festival, que enguany es desplega durant tot el 2023 en diferents formats, intensitats i espais còmplices. 🌪️🌀

L’Irén, L’Éva i L’Ágnes, totes entre 90 i 100 anys, van formar part del desenvolupament del moviment de dansa moderna en la dècada de 1930 a Hongria. Agafant un paper d’estudiant de dansa, l’artista i coreògrafa Boglárka Börcsök rastreja com cadascuna d’aquestes ballarines van transformar les seves vides i pràctiques de moviment per a sobreviure als grans canvis sociopolítics del segle passat. D’aquesta manera, l’Irén, l’Éva i l’Ágnes tornen als escenaris alhora que actuen en els seus dormitoris per a revelar-nos la rica i increïble experiència que s’emmagatzema en els seus cossos.

#TheArtofMovement, de Boglárka Börcsök i Andreas Bolm

🦶🏾Dv 17, 19:00 Amb col·loqui a càrrec de la directora i coreòfraga Boglárka Börcsök

Més informació: Zumzeig | Sâlmon

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Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía de Éskaton | Del 17 al 19 de marzo en Réplika Teatro, Madrid

La agrupación artística ÉSKATON estrena su último trabajo con autoría de Miguel Deblas y George Marinov, producido por Réplika Teatro.

→ Dirección, espacio escénico, iluminación y vestuario: Miguel Deblas Escera y George Marinov
→ Dramaturgia: Miguel Deblas Escera
→ En escena: Miguel Deblas, George Marinov y Júlia Solé
→ Espacio Sonoro: Cristina Manuela
→ Sound Destruktor: Víctor Heitzmann
→ Prensa y comunicación: Javier González (Adiria)
→ Con la colaboración de El Consulado (Valencia)
→ Una producción de Réplika Teatro

Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía aborda el peligro que supone desmantelar al cuerpo del discurso. Por ejemplo, el peligro que alberga el encuentro sexual entre dos o más cuerpos. Desde el mero desencuentro hasta la violencia más cruenta. En este encuentro los cuerpos se ofrecen los unos a los otros, permiten ser tocados, penetrados, invadidos, golpeados, lacerados. Las representaciones oficiales del sexo (presentes en la cultura popular y digital) y las herramientas políticas que les rodean (la moral, la educación, la ley) pretenden crear la ilusión de un mundo donde ese peligro desaparece, mediante normas, categorías y contratos. Aquí́, sin embargo, el teatro constituye un paralelismo con el encuentro sexual, un encuentro cuerpo a cuerpo, donde el peligro es potencia. Exaltar ese peligro es exaltar la potencia. Esta potencia es la del cambio de forma, de figura, la de la metamorfosis.

La pieza comienza con un particular vídeo-contrato que los performers han grabado en mitad de la noche, en un bosque. Como en un documento oficial exponen su compromiso con la escena, casi a la manera en que lo hacen las actrices y los actores de cine porno o como cuando alguien decide participar en un experimento para la investigación científica o como cuando alguien se alista en un ejército, entregando su cuerpo a una causa ajena, dejando de lado las voluntades y deseo propios. Por curiosidad, por diversión, por la angustia de una vida que no cambia, por la desazón de sentirse profundamente débil en este mundo.

Una propuesta para inflamar el conflicto, ardientemente contemporáneo, de lo natural o lo tecnológico de nuestras identidades, y por lo tanto de su mutabilidad. Abrir la posibilidad a fugarse del destino social, de la categoría, del nacimiento, desfigurando y transfigurando el cuerpo, gracias al artificio, gracias a la máquina, gracias a la escena

Miguel Deblas y George Marinov son artistas residentes en Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación. Junto a Óscar Nieto forman ÉSKATON, cuya primera obra, Cicuta Contagiosa, fue producida por Réplika Teatro y estrenada en abril de 2021. Actualmente desarrollan su segundo proyecto escénico enmarcado dentro de nuestros Sistemas de apoyo a la creación: residencia para artistas, que culminará con el estreno de la obra en el mes de marzo de 2023.

Las creaciones de ÉSKATON pretenden ser el resultado material de un estudio crítico de la historia del arte, la filosofía y la religión, y llevar al extremo las situaciones dentro de la escena y la suspensión de los significados preconfigurados por el espectador a través del tratamiento de los símbolos y los iconos.

Más información y entradas: Réplika Teatro

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L’atapeïda + laSADCUM | 18 de marzo en el Centre d’Art Tecla Sala dentro del festival Dansa Metropolitana

El movimiento y el teatro físico nos conducen por la historia de tres personajes que nos hablarán en clave de humor sobre los límites que nos imponen, pero, sobre todo, de los que nos imponemos nosotras mismas, y una adaptación de pequeño formato de la pieza ACLUCALLS de danza multidisciplinar que expone los traumas y las frustraciones de la generación Z. Un retrato grotesco de la sociedad y generación posinternet.

“esberlar”, L’atapeïda


esberlar utiliza el movimiento y el teatro físico para conducirnos a través de imágenes de inestabilidad, derrumbe y reconstrucción. Tres personajes nos hablarán en clave de humor sobre los límites que nos imponen, pero sobre todo, de los que nos imponemos nosotras mismas. Un viaje físico y gestual guiado por las emociones de la ruptura.

L’atapeïda trabaja las fronteras del movimiento y el teatro físico. Enfocada a crear piezas de calle para todos los públicos, se encuentra bajo la mirada artística de Elena Lalucat.

Ficha artística

Autoría: Elena Lalucat, David Maqueda, Pino Steiner y Alma Steiner – Dirección: David Maqueda – Autoría / dirección musical: Mon Joan Tiquat – interpretación: Pino Steiner, Alma Steiner y Elena Lalucat – Escenografía: Francesc Serra Vila – Audiovisual: Marc Costa – Diseño gráfico: Marina Bordoy – Vestuario: Aina Crespí – Fotografía: Luca Rocchi / nuovatecnica – Colaboración artística: Sandra Monfort, Clara Fiol y Bob Gonzales – Coproducción: Danseu Festival, Eima Creació y Fes Plus Chapeau

“CÀPSULA ACLUCALLS”, laSADCUM


Los intérpretes de ACLUCALLS son integrantes de la generación Z. Nacidos entre tecnología y virtualidad, han crecido en una saturación de información constante, lo que los ha convertido en seres tecnológicos y perturbados. ACLUCALLS es un retrato grotesco de la sociedad y generación postinternet, trazado a partir de tres conceptos representativos: el workout, la pantalla y la programación informática. A través de esta pieza de danza contemporánea, los jóvenes bailarines crean una danza de nuestra sociedad y reflejan cómo influye la tecnología en el comportamiento humano y, en especial, en su generación.

El proyecto de danza laSADCUM, fundado el año 2018 en Barcelona por Guillem Jiménez, se centra en temas y problemáticas generacionales y la influencia de la tecnología hacia las nuevas generaciones. Es la tercera pieza de danza que producen, después de The Uncanny Valley (2018) y The Lesson (2022), aunque también han producido dos exposiciones CLASSMATES (2020) y TWINK TWINK TWINK (2022) y un programa de actividades en colaboración con el CCCB en motivo del estreno de ACLUALLS (2022). Su trabajo se ha visto en espacios como La Casa Encendida, CCCB, Museo Guggenheim Bilbao, La Capella o Espai Inestable, entre otros.

Ficha artística

Autoría: laSADCUM – Dirección y montaje audiovisual: Guillem Jiménez – Autoría / dirección musical: DA ROCHA – Interpretación: Ona Pérez, Judit Amengual, Vera Palomino, Alexa Moya, Dani Mallorquín y Guillem Jiménez – Ayudantía de movimiento: Carla Moll – Mirada externa: Clàudia Mirambell – Escenografía y diseño de iluminación: Oriol Corral – Vestuario: Gina Berenguer – Fotografía: Pep Herrero – Producción/acompañamiento: Anastàtica Cultura – Muntsa Roca y Blanca Sarotrius – Coproducción: CCCB, ELAMOR, Dansa Metropolitana 2022 – Agradecimientos: El Graner, Centro Cívico Barceloneta, Ayudas Creación Injuve, La Caldera y OSIC Generalitat de Catalunya

Más información: Dansa Metropolitana

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We are (t)here de Aurora Bauzà & Pere Jou | 19 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid #meetyou

WE ARE (T)HERE condensa una investigación escénica, coreográfica y dramatúrgica sobre la voz humana, que se convierte en el instrumento con el que intérpretes y espectadores descubren el espacio físico y las relaciones humanas. Cuatro intérpretes se mueven, se relacionan y cantan con la conciencia de ser un alta-voz, creando una partitura vocal improvisada y única en cada representación. Su voz resuena en el espacio y en el cuerpo mismo del espectador, permitiendo que emerjan multitud de imágenes poéticas que reflexionan sobre la complejidad de las relaciones humanas y los mecanismos de construcción de una identidad colectiva.

Aurora Bauzà & Pere Jou son dos compositores que trabajan con el cuerpo. El objeto central de su investigación es la voz humana y su relación con el cuerpo y el movimiento. Creen que la música no es solo un fenómeno sonoro, sino también físico, visual y móvil. Consideran el movimiento y el espacio como agentes centrales de sus composiciones. Conceptualmente les apasiona la dinámica de creación de significado social especialmente aquellos involucrados en la construcción de identidad tanto individual como colectiva.

  • Creación: Aurora Bauzà & Pere Jou
  • Interpretación: Lara Brown, Elisa Keisanen, Aurora Bauzà y Pere Jou
  • Asesoramiento dramatúrgico: Alessandro Sciarroni
  • Vestuario: Mariona Signes
  • Vídeo: Tristán Pérez-Martín
  • Producción & distribución: Ariadna Miquel

Apoyos: Festival TNT Terrassa, Graner Centre de Creació, L’Estruch de Sabadell, Institut d’Estudis Baleàrics, Generalitat de Catalunya

Más información y entradas: Teatro Calderón de Valladolid

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El ardor de Alberto Cortés | 18 de marzo el Auditori de Sant Ildefons de Cornellà de Llobregat dentro del festival Dansa Metropolitana

Una deslumbrante pieza entre la danza, el teatro y la performance que se sumerge en una salvaje disidencia sexual y vital.

El ardor es un discurso que busca la inmortalidad de los outsiders, desheredados, salvajes o marginados. Una pieza entre la danza, el teatro y la performance en la que Cortés escenifica su cuerpo como una llama encendida y sus palabras como flechas, hasta convertirse él mismo en el cuerpo del ardor.

Alberto Cortés (Málaga, 1983) es director de escena, dramaturgo y performer. En el 2009 empezó su camino escénico desde una dramaturgia bastarda y periférica que se ha ido asalvajando con el tiempo. Desde entonces ha colaborado con diversas creadoras que han inspirado su camino y han creado piezas de distintos formatos y disciplinas centrándose en lo intangible y lo humano.

Ficha artística

Autoría, dirección e interpretación: Alberto Cortés – Autoría/Dirección musical: Pablo Peña – Audiovisual y fotografía: 99 páginas – Vestuario: Gloria Trenado – Diseño de iluminación: Benito Jiménez – Coproducción: Graner, Universidad de Málaga, Junta de Andalucía, Graners de Creació

Más información y entradas: Dansa metropolitana

 

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