— MuroTRON

Adriano Galante – Del 27 de diciembre al 4 de enero  

Una proposta escènica d’Adriano Galante que teixeix una narrativa exploratòria que celebra l’abstracció del jo a través de la interacció del llenguatge, el moviment, la llum i el silenci. En escena, Galante estarà acompanyat pel cineasta i artista visual Edu Filippi.

Estoy aquí pero no soy yo explora les múltiples connexions entre el cant, el moviment, el llenguatge, la llum i el silenci a través de la repetició col·lectiva. Aquesta nova proposta escènica del músic, escriptor i performer Adriano Galante (Seward, etc.) vol teixir una narrativa exploratòria que celebri l’abstracció del Jo a través de la interacció d’aquestes forces de la mà del cineasta i artista visual Edu Filippi.
Combinant performance i cinema expandit, l’espectacle obre noves vies de possibilitat que sorgeixen quan so, paraula i la seva absència es troben en els espais més mínims. Quan cos i llum s’entrellacen i aixequen realitats visuals possibles més enllà del que és imaginable.

Más información y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/estoy-aqui-pero-no-soy-yo/.

SINOPSI
Com ens veiem en la veu de l’altre? Som nosaltres quan parlem a través de la veu dels altres? Què diem quan diem el mateix que l’altre? Com entenem les paraules, llavors? Quan repetim alguna cosa, estem aprenent o estem imitant de l’altre? Quin poder i quin sentit té la nostra veu quan és imitada per l’altre? Quan repetim el que diu l’altre incessantment, ho estem dient per a nosaltres mateixes o estem sent controlades o manipulades d’alguna forma? Què aprenem llavors? I també: què s’esdevé en el cos quan succeeixen aquestes repeticions?

ADRIANO GALANTE
Artista que treballa des de la confluència de la creació col·lectiva, la interpretació multidisciplinària, el pensament crític, la gestió comunitària i la curadoria artística. La seva presència s’estén al llarg de diversos espais, campanyes, accions i companyies que aborden la música, la dansa, el cinema, la poesia o les arts vives. Entre els seus projectes, destaquen Seward, Mediante, Inaudit, Demoledora o Entrar a vivir. La seva perspectiva es caracteritza per un ferm compromís amb la diversitat, l’experimentació, la cooperació i la participació activa en la comunitat cultural.
Web de l’artista

EDU FILIPPI
Arquitecte, performer i cineasta experimental, dedicat a combinar el seu treball creatiu amb els diferents camps de l’art, el cinema i la literatura. Com a artista, el seu treball multidisciplinar fusiona el cinema experimental expandit amb el teatre, la poesia, l’escultura, la dansa i la música, alhora que col·labora amb artistes de l’escena internacional. El seu enfocament es basa en la relació entre tècniques creatives del món fílmic i processos actuals i contemporanis, entre l’abstracció i l’art figuratiu, entre la instal·lació i la performance.
Canal de l’artista

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Blackhaine – 20 y 21 de diciembre en Réplika Teatro 

El artista británico Tom Heyes, conocido como Blackhaine, llega a Réplika Teatro para presentar su inclasificable directo por primera vez en Madrid.

La obra de Blackhaine combina música experimental, danza, performance y poesía explorando temas atravesados por la violencia, la vulnerabilidad y el realismo social, con una presencia ecléctica en el escenario que evoca los fantasmas de Jean Genet y Sarah Kane. Originario de Preston, Lancashire (UK), ha trabajado con músicos como Blood Orange, Bad Bunny (coreografía del vídeo Where she goes), Playboi Carti y Ye (Kanye West), para quien ha coreografiado los listening events de Donda, Donda 2 y Vultures 2. Su estilo se caracteriza por una fusión de géneros como el drill, el noise, el punk y el ambient, junto con movimientos de baile erráticos inspirados en el hardcore donk, el butoh japonés y las corporalidades de usuarios de drogas como el “k2/spice”.

Blackhaine debutó con su EP Armour durante la cuarentena y ha seguido con proyectos como And Salford Falls Apart y Armour II. Sus actuaciones, como la presentada en el festival Berlin Atonal en 2023, destacan por su intensidad física y emocional, evocando la idea de descifrar el sufrimiento a través del cuerpo, en un exhibicionismo atroz de jouissance, violencia, vulnerabilidad y honestidad que recuerda al Teatro de la Crueldad de Artaud.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/user-blackhaine/.

Blackhaine es un artista británico cuya aproximación radical a la música drill & noise y a la performance se extiende hacia la coreográfico y a instalaciones audiovisuales inmersivas, lo que le ha hecho trabajar en la dirección de movimiento y el diseño de puestas en escena para raperos de renombre mundial como Ye (Kanye West) o Playboi Carti.

Surgida en medio de la ansiedad estática de 2020, la obra multidisciplinar de Blackhaine expresa una transición visceral desde el miedo opresivo hasta un agotador éxtasis negativo.

Su dramaturgia híbrida de voz, movimiento y puesta en escena continúa el camino marcado por el Teatro de la Crueldad de Antonin Artaud, y está moldeada por una conciencia política surgida de la vida y la cultura del norte de Inglaterra, de donde Blackhaine es originario.

Impulsado por la búsqueda del nihilismo como forma de honestidad, sus directos son físicamente extremos —dejándolo a menudo ensangrentado y magullado— y emplean técnicas de larga duración y opresión capaces de diluir los géneros artísticos y conformar atmósferas a la vez íntimas y confrontativas.

En sus directos, Blackhaine descompone su obra con nuevos materiales en proceso. Cada actuación es única, pero todas comparten una convicción persistente de experimentar con formas en constante cambio, entre el noise, el punk, el ambient, la danza y la poesía.

Su práctica tempestuosa se ha consolidado en colaboraciones grabadas con Croww, Space Afrika y Blood Orange, y más recientemente en su transición hacia la producción, dirección y composición de videos promocionales, como ‘Armour Freestyle’ y ‘Be Right Now / We Walk Away’, que han acumulado más de 2 millones de vistas.

La versatilidad inimitable y no convencional de Blackhaine, junto con su rigor metódico, han desembocado en la dirección y producción de espectáculos a escala masiva como la gira mundial de Playboi Carti y los “listening events” Donda, Donda 2 y Vultures 2 de Ye (Kanye West), así como en la performance site-specific ‘Berg’, diseñada para la feria Paris+ Art Basel en el Centro Pompidou.

Tras ‘Miasma’ (2022), una co-producción junto a la diseñadora 3D Hannah Rose Stewart, en el espacio de arte Trauma Bar de Berlín, en 2023 Blackhaine estrenó con un rotundo éxito el proyecto Paith en el Berlin Atonal. Posteriormente, en 2024, ha producido performances site-specific como «CONSUMER» en EXPOP (Berna) y para Sonar (Barcelona).

Blackhaine ha presentado obra en la Bienal de Venecia (2019); «Resilient Responses» en la Tate Modern de Londres como parte de Terra Foundation for American Art (2021); la instalación / performance «Hotel» en Lafayette Anticipations de París (2022); en el Unsound Festival de Cracovia (2022); en el Primavera Sound de Barcelona (2023); en el Palais de Tokyo de París dentro de Art Basel, junto al Centre Pompidou (2023); en el Berlin Atonal (2023); en el Dark Mofo de Hobart, Tasmania (2023); los iLL Studios de Tokio (2023); en Stavanger Seccession en Noruega (2022-2024) o en el Festival Sónar de Barcelona (2024).

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laSADCUM – 14 de diciembre en Réplika

NAVAJA presenta un autorretrato escénico sobre poéticas sexoafectivas en el autoaprendizaje dictado por el algoritmo en la adolescencia SADCUM. Cinco personajes denominados LOINKS emprenden un (no)viaje de tres actos, enmarcados en una demo abandonada a medio programar.

El proyecto de danza de laSADCUM nació en 2019 en Barcelona de la mano de Guillem Jiménez, con la primera pieza escénica de corto formato THE UNCANNY VALLEY (2019). En 2020 hacen una segunda pieza escénica corta, THE LESSON (2020) presentada en el espacio TKM ROOM (Barcelona) dentro del 2º aniversario de MARICAS MARICAS, y reprogramada en el propio conjuntamente con la exposición CLASSMATES (2020).  En 2021 les encargan, para la exposición digital BURNT, RADIANT, SCROLLING (Nueva York), el video-performances UNTILTE (2021). En 2022 presentan en CCCB (Barcelona) en colaboración con Dansa Metropolitana 2022 , la primera producción escénica de gran formato, ACLUCALLS (2022), proyecto que recibió los premios DansaCat 2024 para mejor espacio sonoro y mejor coreografía. De ella deriva la obra CÀSULA ACLUCALLS (2022).  Posteriormente, ese mismo año, se inaugura la exposición TWINK TWINK TWINK (2022) en aula46 (Barcelona). En 2024 estrenan NAVAJA (2024), en Paral·lel 62 dentro del festival Danza Metropolitana 2024 y coproducido por éste, pieza ganadora del premio DansaCat 2024 como mejor espectáculo. Sus obras se han podido ver en espacios y contextos como Teatros del Canal, Museo Guggenheim de Bilbao, La Mutant, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, La Capella, Danza Valencia, La Casa Encendida, Tanečno Festival, Danza Metropolitana, Teatre El Musical, Sala Apolo, Festival Terrassa Nuevas Tendencias, Teatre Alegría, Pluto, entre otros.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/navaja/.

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Los Detectives – 14 de diciembre en La Mutant 

Unas caballeras contemporáneas buscan sin descanso el Santo Grial. Como Perceval, estos seres perdidos y desorientados lo intentan pero no aciertan y, sin embargo, se lanzan sin desfallecer en una búsqueda sin freno. La pregunta esencial en todo esto es: ¿cuando una busca, qué es realmente lo que busca?

Lo valioso de la búsqueda del Grial es que se busca lo imposible, revela un gesto aparentemente improductivo que, en realidad, se instituye como raison d’être de la aventura. Los Detectives emprenden su cuarto proyecto explorando el universo de los caballeros medievales y la conquista del Santo Grial a través de una serie sobre Detectives privados que buscan el Grial en diferentes contextos. En la Mutant se presenta el capítulo 1, La pregunta o la rueda que gira en el que tres detectives buscan la misteriosa copa desde su despacho a través de pistas utilizando el interrogatorio y la pregunta como herramientas de búsqueda principal. El humor recorre toda la pieza y nace del choque entre estos tres tipos nada sagaces y la trascendencia del caso que investigan. Los tres trabajan bajo la premisa de que quienes verdaderamente pertenecen a su tiempo son aquellos que no coinciden perfectamente con él ni se ajustan a sus exigencias. Y es precisamente por esta condición, por esta suerte de desconexión, que son más capaces que otros de percibir y captar su propio tiempo. A través de este anacronismo, Los Detectives nos invitan a pensar el presente más inmediato, un tiempo definido por una búsqueda incesante de la imagen propia y ajena.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/chevaliers-pregunta-rueda-gira-los-detectives/.

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Sandra Gómez y Vicent Gisbert  – 11 de diciembre en La Mutant 

A/TEMPORAL es el nuevo proyecto de creación que estamos desarrollando después de haber trabajado juntas en 2023 en la pieza “Coses que sonen”. Nuestro interés se mantiene en buscar relaciones entre cuerpo, movimiento y sonido, pero hay un nuevo eje central que atraviesa estos elementos: el tiempo. Emprendemos una nueva etapa de investigación en la que nos interesa buscar maneras diversas de intervenir en el tiempo, de pensarlo y sentirlo.

Mas información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/atemporal-gomez-gisbert/#tab-id-2.

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Del 9 de octubre al 10 de marzo en el Museo Reina Sofía 

Esta exposición aborda el concepto de «esperpento» como un núcleo de pensamiento estético susceptible de ofrecer una nueva perspectiva para entender la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como herramienta de cuestionamiento crítico, en reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba España en el primer tercio del siglo XX, el esperpento confrontó el encorsetamiento social, político y cultural del país, insistiendo en el distanciamiento de la mirada y en una serie de estrategias estéticas que desplegaron su máxima eficiencia en la deformación.

A diferencia de otras manifestaciones culturales de lo grotesco que emergieron en Europa, en las que la distorsión monstruosa encarnó lo absurdo de la vida durante esa época, el esperpento propuso una nueva estética que conllevó un compromiso de renovación de las estructuras sociales. A través de una amplia selección de documentos y obras artísticas de diversa índole, esta exposición examina los principales temas y estrategias que articulan el esperpento, poniendo de relieve que es una propuesta estética que ha sobrevivido el tiempo y pensamiento de Valle-Inclán.

La exposición se articula en ocho grandes secciones. Comienza en las últimas décadas del siglo XIX con Antes del esperpento, donde se muestra una selección de la prensa satírica del momento, pinturas y dispositivos ópticos populares que fueron un antecedente de las técnicas de deformación. Luego, ya en el siglo XX, Visión de medianoche se adentra en obras artísticas relacionadas con los efectos de la Primera Guerra Mundial, el espiritismo y los estados alterados de conciencia que evidencian el impacto de una realidad que se descomponía. Tablado de marionetas y El honor de don Friolera/Martes de carnaval convocan elementos y formas literarias de la tradición popular para denunciar abiertamente el desacuerdo de Valle-Inclán con los poderes fácticos. Luces de bohemia incluye referencias explícitas al momento de revuelta social y decadencia de la bohemia en el que transcurre la obra homónima. Por su parte, Retablos se adentra en obras de artistas, que convergen con los relatos del escritor, donde se mezcla la religiosidad con la tradición popular para mostrar instintos, pecados y pasiones. Tirano Banderas presenta la encarnación del esperpento en la figura del tirano que retrató el escritor (y que permanece el día de hoy): un líder político grotesco, la degradación de un héroe en el que bullen la crueldad, la soberbia y el miedo. Por último, El ruedo ibérico, título tomado del proyecto de novelas inconcluso de Valle-Inclán, cierra la exposición con la metáfora de la historia de España como una gran plaza de toros, donde violencia, política y espectáculo revelan las tensiones previas que devinieron en la Guerra Civil.

Durante el periodo expositivo, la compañía Lagartijas tiradas al sol presenta una revisión contemporánea de la novela Tirano Banderas (Valle-Inclán, 1926), a partir de la versión en bululú —género teatral en el que un solo comediante representa la totalidad de la obra— ideada por el director de escena Cipriano Rivas Cherif. Con No tengo por qué seguir soñando con los cadáveres que he visto, el colectivo cede el espacio de representación a las mujeres rebeldes y luchadoras, ausentes en el relato del escritor, pero víctimas por igual de la tiranía y violencia que la novela describe. La instalación escénica es activada los siguientes días:

Jueves 10, viernes 11 y sábado 12 de octubre – 18:45 y 19:45 h
Domingo 13 de octubre – 12:00 y 13:00 h
Interpretada por Luisa Pardo

Lunes, miércoles y viernes, del 14 de octubre, 2024 al 10 de marzo, 2025 – 18:45 y 19:45 (excepto el miércoles 16 de octubre, pase solo a las 19:45 h)
Interpretada por Delia Pacas y Laura Pacas.

Más información sobre la exposición y las actividades relacionadas: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/esperpento.

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Del 28 de noviembre al 19 de enero en La Capella

Entre las piedras propone una celebración coral y hace hincapié en todas las publicaciones que se han editado en La Capella durante su biografía. Cientos de ediciones de libros y otros formatos que, paradójicamente, generan una cierta historiografía del presente. Un volumen destacable de publicaciones que sustentan una posible historia del arte contemporáneo que no tiene la pretensión –ni siquiera el interés– de ser historia. Y por ello hemos decidido exponer todos esos libros sin una voluntad interpretativa, sin una pretensión categórica.

Para ello, hemos invitado a SSOP, un colectivo dedicado al diseño expositivo formado por Nerea de Lezana, Mateo Palazzi, Juan Ezcurra e Ignacio Ezcurra, que nos ha ofrecido una estructura de soporte –que no mobiliario– donde las publicaciones dialogan entre ellas y dialogan también con la impresión de esta arquitectura. Una impresión que, de una u otra forma, habéis tenido todas las personas que os habéis acercado a La Capella. SSOP ha pensado un display donde todas las publicaciones y ediciones de La Capella conviven a un mismo nivel, mezcladas entre ellas, sin jerarquías.

Además, la celebración de los 30 años de La Capella incorpora también unos programas públicos que, bajo el título Una historia oral, recuperan, de la mano de Oriol Gual, director de La Capella entre 1994 y 2020 –y, por lo tanto, persona especialmente vinculada al centro a lo largo de su historia–, testimonios significativos dentro de la biografía de La Capella. Personas que, en diferentes momentos, y desde diferentes funciones, han intensificado esa idea de presente continuo que ha definido y debe definir siempre La Capella.

Imagen: Jordi Calafell. Cortesía del Arxiu Fotogràfic de Barcelona.

Programa público: https://www.lacapella.barcelona/es/programa-publico-una-historia-oral-30-anos-de-la-capella.

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Del 17/10/24 al 12/01/25 en Can Felipa

Exposició Resbalar (Una cosa)

Inauguració 17.10.2024 > 19 h

Del 17.10.2024 al 12.01.2025

A cura de Iñigo Villafranca Apesteguia i Lorenzo Galgó

Amb Nazario Díaz, Valerian Goalec, Leire Lacunza Miranda, Luis Lecea Romera, Augustine Zegers, Daniel Llaría.

Aparador de metacrilat,
dins seu, arraulits, diferents
sobres sobresurten pel seu volum i
queden organitzats de manera irregular.
A sobre, una petita muntanya de flors seques.
Es coneix que a determinada hora del dia,
aquest cantó rep llum directa del sol.

Reduir l’art a les coses és tancar molt les possibilitats d’agitació.

L’exposició s’articula com una situació on el material s’ordena per permetre una forma de trobada que propicia la sorpresa i la insinuació.

Gestos, subtilitat i lleugeresa.

Les exposicions prometen ser una compilació d’objectes, imatges i experiències contrastades, fixes, presumptament accessibles des de la contemplació.

Deixem una cosa clara: Fer objectes és una possibilitat, entre moltes altres, quan un parla de fer art. Des de fora, aquesta exposició està dissenyada com un esquer, una imatge rica i una aroma embriagadora. Un cop dins, l’exposició es desplega i utilitza les imatges com a bastida des de les quals treballar tot un conjunt d’entramats pedagògics al voltant del material “art”, fent-ho en una situació oberta i sensible.

Si hi ha alguna cosa a la sala,

són plecs a l’espai de Can Felipa.

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Bea Fernández y Carmelo Salazar – 7 de diciembre en el TEA

¿Existe un arte específicamente contemporáneo? ¿Cabe referirse a un giro (estético, filosófico, epistemológico) que inaugura un tiempo completamente nuevo? ¿O sucede que, simplemente, la palabra se ha puesto de moda? Es cierto que el término se ha generalizado y, en los nuevos museos, contemporáneo ha reemplazado a moderno?

Tengo un problema contemporáneo plantea un cuerpo y un discurso especulativos desde la idea de que lo que hacemos actualmente no es arte contemporáneo sino su resultado. Esta extemporaneidad, este lugar fuera de lugar, es el pensamiento y el campo de acción donde los performers sostienen la imposibilidad de escaparse de la historia, porque lo que hacen es también historia. Este trabajo se organiza desde reflexiones que buscan entender la contemporaneidad y como su relación estrecha con el presente hace difícil la tarea de formular preguntas históricas.

Sus creadores consideran que el régimen moderno ha entrado en crisis y que la pulsión del presente, de lo inmediato, hegemoniza el momento en el que nos encontramos. “Vivimos un presente atravesado por los rastros de otras temporalidades, y nos preguntamos por el comienzo de lo contemporáneo como una estrategia para indagar en los datos dispersos de un estado del arte que hoy se ha generalizado. Se trata de complejizar y problematizar, desde distintas narrativas, la condición de la contemporaneidad con el fin de identificar los síntomas del cambio”, detallan sobre esta pieza dirigida por el propio Carmelo Salazar.

Más información y entradas: https://teatenerife.es/actividad/tengo-un-problema-contemporaneo/3094.

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Javier Martín – Del 12 al 14 de diciembre en Teatro Pradillo 

En Teorema, las resonancias del interior del cuerpo componen el paisaje sonoro para la danza, se despliegan en un espacio partitura en el que los objetos –humo, carbón, cuerda, hielo, cristal– se disponen misteriosamente para alcanzar su propia floración. El cuerpo danzante anima el espacio para la danza. La sinfonía del cuerpo es la sinfonía del espacio y viceversa. Una reflexión sobre las relaciones entre interioridad y exterioridad, entre materia y memoria, que anima a cuestionar y a romper con las inercias a través de las cuales nos percibimos y nos relacionamos con el entorno. Nada es como parece, y aun así trabajamos con lo que está dispuesto. “Una demostración de que la ciencia hace promesas que sólo la carne cumple y de forma muy misteriosa”, dice Roberto Fratini. Coreografía, carne y gramática.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/teorema/.

Javier Martín baila. Combina la creación coreográfica y performativa con la escritura, la práctica de laboratorios y conferencias. Desde un enfoque epistemológico y crítico, investiga en las artes del movimiento, activando una somateca: la imaginación y el archivo corporal de planteamientos cinéticos diversos. Compone texturas de movimiento, materia vibrante, como dinámica para intervenir y hacer conscientes los procesos de subjetivación, interesado en destilar cómo se acumula la inercia en nuestros cuerpos. Sostiene que la danza, como tecnología de la conciencia, es una forma de elaborar el animal que somos. Desde sus inicios ha creado y presentado más de 30 obras como ‘el punto impropio A/S/V’ (2023) ‘Figuras del umbral’ (2021), ‘Teorema’ (2020), ‘SOMA’ (2019) o ‘método negro’ (2018), bailando en España, Francia, Portugal, Rusia, Ucrania, México, Uruguay, Guatemala y Colombia

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