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Zona Grisa – Norberto Llopis + Lucía Jaén

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15-12-2023

20 de diciembre en La Mutant

NORBERTO LLOPIS

“Movimientos” es una investigación a caballo entre la práctica en danza, la performance y el pensamiento, que toma como materia de estudio las escrituras de la poetisa Gertrude Stein.

LUCÍA JAÉN

Un ejercicio de revelado de imágenes y un ejercicio de danza se encuentran en un mismo espacio y una temporalidad común: la duración del revelado viene a ser la duración de la danza – el movimiento se ve interrumpido.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/zona-grisa-llopis-jaen/#tab-id-2.

Motors de creació

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15-12-2023

Baile

17 de diciembre en La Mutant

El projecte Motors de Creació de l’APDCV (Associació de Professionals de Dansa de la Comunitat Valenciana) es centra en compartir amb el sector artístic, professional i el públic en general els processos de creació d’artistes de dansa i/o, pel seu interès específic, altres artistes de les arts escèniques o performatives.

A partir de les pràctiques artístiques de les artistes valencianes Paula Romero i Sandra Gómez, les artistes Aitana Cordero i Juan Diego Calzada/ Isabel do Diego han establert un diàleg respectivament, per compartir les pràctiques amb un grup de persones que han participat en un taller a l’IVAM i l’altre a Espai LaGranja, també respectivament.

Les mostres que es presenten a La Mutant, són el resultat doncs del diàleg sobre les pràctiques i el processos de creació, fruit de la interacció entre Paula Romero i Aitana Cordero amb un grup de persones durant tres dies, i paral·lelament, de la interacció entre Sandra Gómez i Juan Diego Calzada/ Isabel do Diego amb un altre grup de persones també durant tres dies.

Motors de creació és doncs un espai obert al descobriment i anàlisi dels processos de creació de les artistes però a partir de les pràctiques artístiques, és a dir des de l’interior de la pròpia matèria de les metodologies, ferramentes i els processos de creació.

Fitxa artística

Paula Romero i Aitana Cordero, més les persones participants al taller desenvolupat a l’IVAM

Sandra Gómez i Juan Diego Calzada/ Isabel do Diego , més les persones participants al taller desenvolupat a Espai LaGranja

El projecte ha sigut comissariat per Santiago Ribelles i produït per l’APDCV

Disseny: Vicente Ribelles

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/motors-creacio-apdcv/#tab-id-1.

Now a L’Estruch de Sabadell

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14-12-2023

ciclo artístico

Now | 15 de desembre a L’Estruch de Sabadell

PRESENTACIONS NOW DE L’ESTRUCH, FÀBRICA DE CREACIÓ DE LES ARTS EN VIU

NOW és una oportunitat per conèixer la producció dels artistes residents a la NauEstruch. Ens ofereix l’ocasió d’acostar-nos al seu procés creatiu, descobrir què han desenvolupat durant el període de residència a l’Estruch i, al mateix temps, es converteix en un esdeveniment únic de presentacions artístiques.

Divendres 15 de desembre us convidem a conèixer els treballs de:

Cafè d’Artistes.

16.30 h Uníson de Teresa W. Sala 10

17.30 h Institut del Teatre. Sala 10

Basura

Núria Roselló

De 10.00 a 20.00 h Taller 4

Transitar lo íntimo

Ale Garofano

18.00 h Sala d’Exposicions

Regresión

Marta Moreno Muñoz

19.00 h Taller 2

La scandalosa forza

André Felipe, Clei Grött i Natalia Soldera

20.00 h Teatre

Més informació: L’Estruch

La curación infinita de Óscar Cornago y Juan Navarro en La Infinita

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14-12-2023

Performance

Esto no es una poesía

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14-12-2023

Audiovisuales

16 de diciembre en La Casa Encendida

La primera colección de este ciclo, titulado ‘Presentes’, se exhibe por primera vez en conjunto y pone en valor la mirada de las creadoras españolas contemporáneas Rosa Berbel, María Sánchez, Pilar Adón y Cristina Morales de la mano de Virginia García del Pino, Maddi Barber, Elisa Celda y María Pérez Sanz.

De la unión de estas creadoras han surgido cuatro piezas audiovisuales, un concierto de Beatriz Vacas – Narcoléptica y una performance de danza de Laura Ramírez.

Las cuatro piezas audiovisuales resultantes son:

La niña mártir, de Cristina Morales x María Pérez, basada en el libro Introducción a Teresa de Jesús.
Las niñas siempre dicen la verdad, de Rosa Berbel x Virginia García Del Pino, basada en el libro Las niñas siempre dicen la verdad.
Alas / Tierra, de María Sánchez x Maddi Barber, basada en el libro Cuaderno de campo.
Las órdenes, de Pilar Adón x Elisa Celda, basada en el poemario Las órdenes.

Los cortometrajes resultantes son una libre interpretación por parte de las creadoras audiovisuales, que tratan de sacudir los textos, arrancarlos de sus páginas y ayudarles a apropiarse de un espacio nuevo en un mundo dominado por la imagen y lo digital.

Las piezas han sido seleccionadas en grandes festivales nacionales e internacionales como BAFICI (Argentina), Festival de Málaga, Festival de Gijón, Documenta Madrid, Zinebi (Bilbao) o D’A (Barcelona), acercando las obras de las escritoras a un público más amplio e intergeneracional.

Esto no es una poesía es un proyecto multidisciplinar que comienza su andadura en 2019 de la mano de Cristina Hergueta, Tasio y Carmen Bellas.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/ciclo/esto-no-es-una-poesia.

108 Días

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06-12-2023

Audiovisuales, Baile

Lydia Ourahmane – Del 28 de noviembre de 2023 al 1 de abril de 2024

Las instalaciones, vídeos, esculturas y piezas sonoras de Ourahmane interpelan realidades contemporáneas en una reflexión sobre migraciones, colonialismos y geopolítica.

Habitar, unirse, compartir, ser permeable… Todas estas cualidades caracterizan el proyecto 108 Días de Lydia Ourahmane (Saïda, Argelia, 1992), creado específicamente para la torre del MACBA. El título hace referencia tanto a los días en los que la exposición estará abierta al público como al número de personas que la artista ha invitado a ocupar el espacio durante este período. 108 días transporta un contexto urbano ampliado dentro del museo, poniendo énfasis en individuos o colectivos que forman parte de su paisaje social. Estos invitados han sido elegidos especialmente por Ourahmane, que desde 2021 vive en Barcelona. La sala no está ocupada por ningún objeto u obra de arte acabada, sino por lo que cada participante considera urgente e incisivo, con el fin de promover un diálogo crítico y un intercambio con el espacio, el marco institucional y cualquier persona que decida entrar y pasar un rato allí. Con esta propuesta, la artista altera el modo en que el museo opera normalmente: en primer lugar, porque deja el espacio de la sala vacío, salvo los elementos necesarios para la ejecución de cualquier tarea prevista; y en segundo lugar, porque interpreta el encargo del museo de producir una obra invitando a 108 participantes. La confianza entre la artista, la institución, los invitados y el público es lo que confiere significación a la obra. Como muchos otros proyectos de Ourahmane, 108 días alude al entorno inmediato de la artista y contiene implicaciones sociales, políticas y experienciales, a la vez que está invariablemente arraigada en las historias y experiencias personales, ya sean individuales o colectivas. La praxis de Ourahmane plantea una serie de interrogantes: ¿Cómo desafiar las estructuras y parámetros institucionales que definen a las sociedades contemporáneas? ¿De qué modo pueden revertirse la vigilancia y las imposiciones de la burocracia? ¿Qué hacer para que las obras de arte impliquen una protesta activa y efectiva? A través de estas indagaciones, Ourahmane incorpora lo personal al ámbito de lo político y lo doméstico al ámbito de la historia.

Más información y programa completo: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/exposiciones/lydia-ourahmane-108-dias.

Encarar la imagen

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06-12-2023

Audiovisuales

18.11.2023 – 14.04.2024 en La Virreina

Chantal Akerman descubrió las posibilidades del trabajo con instalaciones cuando concebimos D’Est, au bord de la fiction, en 1994, unos cuantos meses después de terminar la edición del film D’Est. Explorar este nuevo territorio resultó emocionante, porque la dimensión temporal que caracteriza el montaje de las películas se veía ampliada con una dimensión espacial. Ya no operábamos únicamente con las relaciones de los planos colocados uno detrás de otro, sino también sus relaciones al mostrarse uno junto al otro, en varios monitores, mientras buscábamos interacciones, vínculos, resonancias en el espacio.

Juntas concebimos unas 20 instalaciones. Algunas las hicimos a partir de películas existentes, otras dieron lugar a nuevos rodajes o nuevas investigaciones. Cada una tuvo un punto de vista diferente: un deseo, una visión, una obsesión, una intuición, una imagen, un título, un sonido…

A Chantal le gustaba especialmente trabajar en las instalaciones porque le aportaban una sensación de gran libertad. Le gustaba que lo hiciéramos todo «en casa», como artesanas, sin tener que explicarle a nadie adónde queríamos ir a parar. Decía que una instalación, incluso más que una película, no puede ser descrita de antemano, sino que nace poco a poco, a través de la propia obra.

Montando los films D’Est, Sud y De l’autre côté (2002) ya nos habíamos liberado de la linealidad del relato, pero con las instalaciones lo hicimos todavía más. Estábamos en contacto directo con los materiales mientras los amasábamos y los transformábamos. Trabajábamos la fragmentación, jugábamos con repeticiones, con oposiciones y con desajustes, sin caer en la sistematización. Al emanciparnos de la necesidad del sentido inmediato, al otorgarle una especial importancia a cuestiones relacionadas con el ritmo, el espacio, la presencia o el silencio, buscábamos que surgiera lo previo a cualquier conceptualización, para alcanzar la esencia misma del misterio de la vida.

Esta exposición es un reflejo de nuestro trabajo juntas. No es temática, sino que propone un recorrido abierto que conecta las distintas piezas, que invita a los espectadores a encontrarse con ellas, a encararlas, a dejarse impregnar por su presencia, a explorar el espacio a su ritmo, a crear sus propios caminos. No hay un hilo conductor, salvo aquel que teja cada cual con las imágenes y los sonidos. Las instalaciones de Chantal no dictan nada, nos atraviesan y nos llegan a lo más íntimo. Nos interpelan, nos espolean, nos ponen en movimiento y despiertan nuestro pensamiento.

Es probable que, por todo ello, la obra de Chantal sea profundamente política.

Claire Atherton, comisaria

Más información: https://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/es/exposiciones/encarar-la-imagen/665.

Siempreviva

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06-12-2023

acció fotogràfica popular

Germán Chocero – 6 de diciembre en el 4×4 de la Sala Taro

“Encontrá morando en tejaoh y fachadah protehe la casa y a suh miembroh de insendioh, truenoh y bruhería. Se dise que en ella habitan loh ehpíritus de loh enterraoh a su alrededoh”. SIEMPREVIVA és un treball de poesia, veu, cant i cos. És, per tant, una mostra performativa. També és una investigació situada a la corporalitat com a vehicle pel descobriment de l’herència familiar, i alhora, n’és la difusió d’aquesta recerca. Al llarg de la performance els melismes i els ritmes erràtics fets amb el cos (de)mostren l’escletxa entre generacions, la manca d’herència del folklore andalús.

Más información y entradas: https://dice.fm/event/gq88b-siempreviva-de-germn-chocero-6th-dec-sala-taro-barcelona-tickets.

ESTUDIO V

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06-12-2023

Baile

El Museo Reina Sofía presenta la quinta edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos, fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el ámbito de la coreografía y la performance. Desde la especificidad curatorial y con una óptica experimental, ESTUDIO propone percibir el trabajo artístico como proceso de aprendizaje de lo que está aún por conocerse. Asimismo, se incorpora su acepción espacial —el estudio como lugar de trabajo y experimentación— y ensayística —una apuesta por un conocimiento que se abre a lo incierto a partir de su alianza con el lenguaje y que funciona como prueba de todo aquello que damos por sabido—.

Bajo el título En el hueco, acontece, esta edición presta atención a las cavidades, mentales y físicas, que se abren en nuestros cuerpos tras el paso de otros cuerpos. Como seres porosos vivimos en relación e intercambio constante con otres. No solo porque somos sociales, o porque habitamos el planeta, lleno de otros seres vivos, sino porque somos el planeta. También su historia. Como parte de este ser-planeta, las tres propuestas de esta edición de ESTUDIO toman el testigo de una responsabilidad poética. Ola Maciejewska, Josu Bilbao y Paz Rojo ensayan formas materiales que son poéticas, físicas y anatómicas, y que implican pasar por la experiencia sabiendo que no hay resultados garantizados.

Ola Maciejewska, FIGURY (przestrzenne), Galería Nadežda Petrović. Fotografía: Milenko Savović

Miércoles 13 de diciembre, 2023 – 19:00 h

FIGURY (przestrzenne). Ola Maciejewska

Josu Bilbao, ágidxen. Fotografía: Josu Bilbao, 2023.

Jueves 14 de diciembre, 2023 – 19:00 h

ágidxen. Josu Bilbao

Paz Rojo, Lo que baila, Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón, 2022. Fotografía: Carlos Pascual

Jueves 14 de diciembre, 2023 – 20:00 h

Lo que baila. Paz Rojo

Más información y entradas: https://www.museoreinasofia.es/actividades/estudio-v.

Comisariado por Isabel de Naverán.

Espacios de una secuencia

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06-12-2023

Instalación pública

El trabajo de Ulla von Brandenburg (Karlsruhe, Alemania, 1974) está marcado por su temprana formación como escenógrafa y un breve paso por el teatro, dos ejes fundamentales de su obra. La variedad de medios y técnicas —instalaciones, películas, murales, performances— denotan un control riguroso del lenguaje escénico que la artista engrana con otras áreas de su interés como el psicoanálisis, la magia y los rituales esotéricos, con el objetivo de investigar las estructuras sociales y proponer nuevas alternativas.

Las instalaciones de Von Brandenburg generan espacios subjetivos que sumergen al espectador en lugares suspendidos, a medio camino entre la realidad y la ficción. La artista resignifica la cuarta pared, otrora infranqueable, recurriendo con frecuencia a telones y cortinajes que, lejos de establecer una línea divisoria con el visitante, lo animan a participar en la obra y formar parte de la escena. Así, la artista aboga por un concepto de las artes más permeable y menos jerárquico que fomenta la intercambiabilidad entre espectador y actor. Asimismo, la atracción de Ulla von Brandenburg por el color evidencia la influencia de Johann Wolfgang von Goethe, cuyas teorías atribuían a los colores un componente emocional y fenomenológico, refutando la teoría de Isaac Newton, quien los aducía como mera física.

El Palacio de Velázquez del Parque del Retiro se transforma en un contexto idóneo para una nueva instalación de la artista en la que el público se adentra en el espacio y se convierte en cómplice y activador de una escenografía que entreteje lo individual y colectivo, recordando así que la vida es un teatro en el que cada cual elige el rol que quiere desempeñar. En esta ocasión, la artista, incorpora al recorrido expositivo una selección de sus películas, en su mayoría grabadas en un solo plano secuencia, incitando al espectador a transitar por esta nueva escenografía de espacios e historias imbricadas.

Ulla von Brandenburg ha expuesto en el Weserburg Museum für moderne Kunst de Bremen (2022), el Palais de Tokyo de París (2020), la Whitechapel Gallery de Londres (2018), el Kunstmuseum Bonn (2018), el Pérez Art Museum Miami (2016) o el Contemporary Art Museum St. Louis (2016), entre otros museos e instituciones.

Hoja de sala: https://www.museoreinasofia.es/sites/default/files/exposiciones/folletos/ulla-von-brandenburg-esp.pdf.

— MuroTRON

Zona Grisa – Norberto Llopis + Lucía Jaén

Motors de creació

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La curación infinita de Óscar Cornago y Juan Navarro en La Infinita

Esto no es una poesía

108 Días

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Siempreviva

ESTUDIO V

Espacios de una secuencia

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