— MuroTRON

Frances Ribes Renshaw y Núria Corominas Pérez – 18 de enero en Arts Santa Mònica

Lumpen del amor es una investigación sonora y literaria, encarnada en escena por la figura del bufón depresivo. Si la voz de la melancolía es monocorde, atonal e incluso silente, la del bufón presenta un espectro infinito de formas expresivas. ¿Qué pasa cuando la libertad vocal y verbal del bufón sufre las consecuencias de la melancolía?

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dijous-de-veu-i-paraula-00003.

Frances Ribes Renshaw (Madrid, 1993) es una artiste multidisciplinar angloespañola que se dedica principalmente al trabajo escénico en los ámbitos de la música, la voz y el movimiento. Ha trabajado como intérprete en obras de Martin Creed, Rui Horta o Marnia Santo, a la vez que desarrolla sus propias obras performáticas como “there is a room for everything” (Galería Pradiauto, 2022) o su proyecto grunge-pop St. Frances.

Núria Corominas Pérez es actriz, directora, dramaturga y docente. Cofundadora de la compañía teatral LasHuecas, combina el acompañamiento artístico en contextos comunitarios, la docencia en el ámbito teórico y la investigación escénica.

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Inkuybeta Tales es un relato que imagina relaciones interespecie en las ruinas del capitalismo desde la ficción especulativa y las ecologías queer. La historia se sitúa en un futuro postapocalíptico dentro de un bosque enfermo y mágico. Le protagonista es Inkuybeta, una criatura que ya no puede habitar el exterior porque la contaminación del aire pudre sus conductos de ventilación. Vive en una cueva con un nido gigante para incubar un huevo que encontró explorando, del cual nacen musgos y líquenes. Son los últimos vegetales de ese mundo. Con el tiempo, Inkyubeta y el huevo de musgo han comenzado a vivir en una relación de interdependencia. Se han fusionado y se relacionan desde patrones de xenosolidaridad.

En la performance encarno a Inkuybeta y el huevo es una escultura protésica que funciona como un terrario de musgo. La he construido para llevarla colgada en mi torso y sonificar el contacto de cuerpos (musgo-plástico-piel). Creo así una composición sonora en directo que evidencia con el sonido la quimera híbrida de organismos que cohabitan. Funciona como una polifonía de múltiples voces sintéticas que se van sumando hasta crear un gran coro.

Performance, diseño sonoro y prótesis: Alicia Arévalo.
Vestuario: Zoe Oms.

Más información y entradas: https://dice.fm/event/b23yo-inkuybetatales-alicia-arvalo-24th-jan-sala-taro-barcelona-tickets.

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Juan Navarro – Del 11 al 13 de enero en Teatros del Canal

Un coro popular formado por personas invidentes decide reescribir los cuatro movimientos que componen la 9ª Sinfonía de Beethoven. Una suerte de Corifeo que conoce las reglas del escenario les ayuda con la partitura y los movimientos escénicos.

No quieren usar instrumentación, solo sus voces se harán cargo de la nueva partitura experimental. Durante los ensayos, el grupo habla sobre las tragedias, los temores y las problemáticas de la sociedad actual. No llegan a ninguna conclusión. ¿Para qué sirve la tragedia? En realidad, lo que buscan es entender la cabeza y el cuerpo de Beethoven, la sordera implacable que le aislaba por completo del mundo, y su deseo de liberar a la humanidad de algo, tal vez de la tragedia.

Pocos años después del gran éxito de la 9ª llegó la muerte del compositor, y en sus últimos estertores dijo: “Aplaudid amigos, la comedia se ha terminado”.

El Coro ¿Para qué sirve la tragedia? Es un proyecto site specific que se desarrollará con corales de diferentes ciudades de Europa durante el 2023 y el 2024.

Encuentro con el público: 12 de enero al finalizar la función.

Más información y entradas: Teatros del Canal | artículo de Rubén Ramos Nogueira

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11/01 – 13/01 – Boudoir – Steven Cohen – 17.30 h / 20.30 h / 22.00 h

11/01 – 13/01 – Abans que caigui la nit – Gaston Core – 20.30 h

12 – 13/01 – Burnt Toast – Cía. Susie Wang – 19.00 h

19 – 20/01 – Mount Average – Julian Hetzel – a partir de las 17.00 h hasta las 20.10 h

19 – 20/01 – Algo habrá que hacer – Losinformalls – 20.00 h

19 – 20/01 – Aquelles que no han de morir – Col·lectiu Las Huecas – 20.30 h

19 – 20/01 – Seitons Masdeu Hola i Adeu – Neus Masdeu – 21.00 h

Más información y entradas: https://teatrelliure.com/es/katharsis-23-24.

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Domingo 11 de febrero 18:30h I NO IMATGE: UNA CHARLA EN TORNO A LA PERCEPCIÓN I David Bestué, Marta Azparren y Haize Lizarazu.

Domingo 18 de febrero 18:30h I WASHINGTON I Matías Daporta.

Domingo 25 de febrero 18:30h I CUARENTA Y SEIS SEGUNDOS I Los Torreznos.

Domingo 3 de marzo 18:30h I THINGS SAID ONCE I Esperanza Collado.

Siguiendo la línea de trabajo comenzada en 2014, El Cine Rev[b]elado propone un ciclo de actividades en torno a la performance audiovisual y la interrelación del cine con otras disciplinas. Una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la sala oscura y la imagen proyectada. Relacionándola y transformándola para activar una experiencia en torno al audiovisual, que cuestione no solo su propio lenguaje, si no toda su estructura y logística convencional.

El 9 de febrero del año 2014 empezó la primera edición de El Cine Rev[b]elado en el Museo CA2M, 10 años después continuamos trabajando sobre la interrelación del cine con otras disciplinas proponiendo un diálogo que se rebela antes las convenciones del aparato cinematográfico convencional, en una búsqueda constante de nuevas revelaciones que nos lleven hacia otros lugares y activen un pensamiento crítico.

En esta edición de aniversario, planteamos una reflexión en torno a la propia imagen en cuanto a su presencia y sobre todo su ausencia, vinculándola con la oralidad, la palabra, el texto y el gesto a través de cuatro propuestas performativas de artistas que investigan y trabajan dentro de estas prácticas artísticas contemporáneas.

En 2024 celebramos una década y seis ediciones de El Cine Rev[b]elado junto al Museo CA2M y todas las asistentes que han convertido este ciclo en referente dentro de las artes vivas y performativas en la Comunidad de Madrid.

Comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel Martín y Natalia Piñuel Martín).

Más información: https://ca2m.org/actividades/el-cine-revbelado-6.

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Grandissima Illusione – 18 de enero en Azkuna Zentroa

Hola, soy Cris Blanco. Hoy es 12 de marzo de 2022 y escribo este texto desde la casa de mi madre, donde crecí, viendo por la ventana mi cole, el Bravo Murillo, en el que pasé 8 años. En la tele dicen que ayer hizo 2 años que se declaró la pandemia. Así que hace 2 años que empecé a pensar en esta obra de teatro (bueno, no sé si es esta obra que vas a ver…). Empecé a pensar en una obra muy grande, Grandissima Illusione se llamaba. Con muy buenas actoresqw (perdón por el error, mientras escribía esta frase mi perro ha pisado el teclado) con un cuerpo de baile, un coro en directo… era una obra de gran formato, con grandes escenografías recicladas de grandes producciones del Teatre Nacional de Catalunya.

El último montaje de Cris Blanco es el proyecto de investigación y creación de una pieza escénica de gran formato en la que conviven varios géneros teatrales. “Grandissima Illusione” es, según su propia creadora, un homenaje al teatro y a las convenciones teatrales, que le obsesionan.  La obra arranca cuando un personaje teatral del siglo XVII, una Marquesa de Lope de Vega, por ejemplo, se topa con el técnico tatuado del teatro y se enamora de él. A partir de ahí el caos se apodera de la obra y todas las convenciones saltan por los aires.

Nacida en Madrid, Cris Blanco vive en Barcelona. Desde el 2003 realiza sus propias piezas escénicas y trabaja como intérprete en danza, teatro y cine. Ha trabajado en escena con Cuqui y María Jerez, Amaia Urra, Juan Domínguez y Xavier Leroy, y en cine con Roser Aguilar e Icíar Bollaín, entre otras. Acompaña proyectos artísticos, imparte clases en el Instituto del Teatro y participa en proyectos educativos. Algunos de sus trabajos escénicos incluyen “cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE” (2004), “ciencia_ficción” (2010), “El Agitador Vórtex” (2014), “Bad Translation” (2016) y “Pelucas en la Niebla” (2018). En el 2019 creó “Lo mínimo y lo pequeño”, con Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. Sus creaciones se han visto en escenarios y festivales europeos, americanos y asiáticos.

Dirección: Cris Blanco
Interpretación: Cris Blanco y Óscar Bueno
Acompañamiento artístico: Anto Rodríguez, Óscar Bueno
Dramaturgia: Cris Blanco, Rocío Bello, Anto Rodríguez, Óscar Bueno
Consejo teatral: Roberto Fratini
Diseño de luces/Coordinación técnica: Montse Piñeiro y Cristina Bolivar
Diseño de sonido: Carlos Parra
Vídeo directo: Andrea Balaguer
Ayudante de vestuario: Oriol Corral
Fotografía y grabación: Mila Ercoli
Producción: Ariadna Miquel
Asistente de Producción: Andrea Balaguer
Coproducción del Grec 2022 Festival de Barcelona, Cris Blanco i Conde Duque Madrid.
Apoyos: El Graner, Teatre CCCB, Proyecto premiado con la Beca Premis de Barcelona 2020 y las Becas de Recerca e investigaciò del OSIC 2022.

Más info y entradas: Azkuna Zentroa | artículo de Rubén Ramos Nogueira

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Las Huecas  – Del 25/01/2024 al 18/02/2024 en la Sala Beckett

En un juego de espejos y desdoblamiento identitario, Las Huecas proponen explorar la forma de su propia amistad a través de un ejercicio de autoficción que se abre a las convenciones escénicas, a los códigos del metateatro y, en última instancia, al delirio. Esta es una pieza cómica sobre los errores, las imposibilidades y la persistencia de la práctica amistosa, una propuesta de carácter vitalista que se adscribe a los versos que clausuran Humano, demasiado humano de Friederich Nietzsche.

[…]
Si lo hice mal, riamos
y hagámoslo siempre peor
hagámoslo peor
y maliciosos riamos
hasta ascender a nuestra sepultura.

Más info y entradas: https://www.salabeckett.cat/es/espectacle/de-lamistat/.

Autoría y dirección: Col·lectiu Las Huecas

Reparto: Júlia Barbany, Esmeralda Colette, Núria Corominas, Núria Dalmau, Agnès Jabbour, Blanca Javaloy, Andrea Pellejero y Laura Roig

Escenografía: Oriol Corral
Iluminación: Ana Rovira
Sonido: Adrià Girona
Técnico de sonido: Uriel Ireland
Confección de vestuario: Montserrat Arimany
Coordinación técnica: María Agut
Producción ejecutiva: Esther Fernandes, Rut Girona, Teresa Vives y Col·lectiu Las Huecas

Una producción de Las Huecas, Temporada Alta y Montse Isla

Con el apoyo de la Sala Beckett, La Infinita de l’Hospitalet, El Consulado, CCCB, Espai Nyam Nyam, Generalitat de Catalunya – Departament de Cultura y Beques Barcelona Crea.

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Del 26 al 29 en Teatro Círculo

La feria de atracciones es una amalgama compleja con su propia dramaturgia, un lugar de excepción, un espacio en el cual se puede disparar, golpear, gritar y someter al cuerpo a estímulos que no suelen estar a nuestro alcance, que no tienen legitimidad para ser transitados ni expresados en lo que denominamos vida corriente.

FIRA es una invitación a vivir la feria de atracciones desde ángulos divergentes.
Proponemos a les espectadores una experiencia situada, entre el documental escénico vivo, el paseo sonoro y la intervención performativa.

COORDINAN: Raúl León-Mendoza y Neus Berenguer
PARTICIPAN: Olga Clavel, Paula Romero, Rosana S. Rufete, Sara Espinar, Nelo Olmos, José Miguel Ruiz, Cristina García Morales + Feriantes de la feria de navidad de Aldaia.
COLABORAN: Institut Valencià de Cultura, Sala Teatro Círculo de Benimaclet.

Salida desde la puerta de la Sala Teatro Círculo (c/ Prudenci Alcón i Mateu, 3, Benimaclet) a las 19:30 h. Llegada al mismo lugar a las 21:30 h.
Nos desplazaremos juntos en un minibús hasta la Feria de atracciones navideña de Aldaia. La experiencia es para grupos reducidos, máximo 15 plazas. La entrada tiene un coste de 11€. La reserva y gestión de entradas se realiza a través de la web y la taquilla de Teatro Círculo.

IMPORTANTE: El público de FIRA no está obligado a subirse a ninguna atracción o participar activamente en las acciones que planteamos.
IMPORTANTE: Para el desarrollo inmersivo de la experiencia, rogamos acudir a la convocatoria con vuestros teléfonos móviles cargados y auriculares personales.

Más información y entradas: https://teatrocirculo.com/es/eventos/fira/.

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Paco Graco – Del 3 de noviembre al 10 de marzo en CentroCentro

Hazte con todos
Pokemon – 1997

La historia es objeto de una construcción cuyo lugar no está constituido por el tiempo homogéneo y vacío, sino por un tiempo repleto de ahora
Walter Benjamin

Desde 2017, el colectivo Paco Graco recolecta gráficas comerciales de los muchos negocios que van cerrando en Madrid, y así los rescata de la desaparición. No sólo los rótulos artesanales de tiendas centenarias, también salva los plasticuchos feos de metacrilato de tiendas más o menos nuevas y que apenas duraron abiertas unos años. Hemos ido viendo cómo, al desmontar los neones, las marqueterías y los plexiglás, también se han ido desvaneciendo formas de hacer mundo en la ciudad.

Esta colección, de más de 150 rótulos, se puede interpretar como un cementerio de negocios, un museo de tiendas y calles desplazadas, o también como un testigo de lo que ha sido y podría ser nuestro espacio público. Una especie de palimpsesto de textos -algunos sin significado actual, como chamarilería o vaquería, muchos otros consistentes en apellidos, a veces locales, otras veces migrados-, una lección de historia del diseño gráfico español, con sus cambios estéticos y políticos, y una investigación sobre las transformaciones que viven nuestras ciudades.

No va a quedar nada de todo esto trata de gestionar la inevitable nostalgia, y especula sobre ciudades menos impersonales, más vocingleras y vivaces, más diversas y divertidas, desordenadas y libres; desea elaborar miradas hacia el futuro, aún desde todo este pasado, porque la ciudad que vivimos hoy también pasará, como ya lo hicieron las ciudades antiguas que vuelven a la superficie en esta exposición. En definitiva, dentro de poco el término coworking tendrá el mismo significado, almacenado a saber dónde, que las viejas palabras mercería, casquería o ultramarinos.

Sobre Paco Graco
Cuando sólo queden franquicias, nadie creerá que en nuestras calles algún día hubo negocios familiares, comercios especializados, almacenes de materiales de construcción, y toda clase de tiendas de primera necesidad. Recuperamos todos los rótulos de los comercios que van cerrando, con el objetivo de lograr un museo permanente de gráfica comercial de Madrid.

Paco Graco es un archivo vivo, tanto de los rótulos que aún están en las calles, como de aquellos que han sido rescatados, donados y recuperados de contenedores o de personas que se pusieron en contacto con nosotros. Es una familia extensible. Hoy es un proyecto de Alberto Nanclares, Mercedes Moral, Guillermo Borreguero y Zuloark.

En 2019, Paco Graco promovió la fundación de la Red Ibérica en Defensa del Patrimonio Gráfico, que hoy en día agrupa a más de 40 nodos en 30 ciudades en España y Portugal, con el objetivo de intercambiar experiencias y hacer fuerza conjunta en la protección de este patrimonio.

Más información: https://www.centrocentro.org/exposicion/no-va-quedar-nada-de-todo-esto.

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