— MuroTRON

Adriano Galante – 18 de septiembre en la Sala Taro 

Coneixem a l’Adriano Galante per ser la veu cantant i el cos de ball de la banda Seward des de fa més d’una dècada. També per les seves incomptables aventures sonores, poètiques i performatives, així com per la seva implicació amb l’escena cultural de la ciutat, sempre des d’una perspectiva transformadora, combativa i experimental.

Després d’haver publicat el llibre ‘Mediante’ de la mà d’Arrebato (casa de Kae Tempest o Saul Williams), d’haver estrenat la conferència performativa ‘Entrar a vivir’ en el Lliure de la mà del Marc Vilanova o l’obra ‘Demoledora’ amb David Climent (corderos.sc) i Sara Serrano en L’Auditori; Galante arriba al 4×4 per a compartir noves inquietuds escèniques, utilitzant com a excusa el seu últim disc, TODA UNA ALEGRIA.

En directe, Galante compartirà la versió més arriscada i juganera de la seva música fent servir un format ben exclusiu: un sistema binaural 360º ideat pel músic Cote Fournier, en el que veus i música són capturades per un micròfon ultrasensible amb el públic escoltant amb auriculars amb tot luxe de detalls. Una experiència captivadora que potencia l’escolta i fa que cada concert sigui realment únic.

Imatge: Sílvia Poch

Más información y entradas: https://dice.fm/event/mxberl-4×4-adriano-galante-toda-una-alegra-live-binaural-360-18th-sep-sala-taro-barcelona-tickets.

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Del 27 al 29 de septiembre en Artium 

Artium Museoa organiza la segunda edición del ciclo de performances Lazos mecánicos, un programa que surge del deseo de pensar el espacio del museo y las relaciones que se construyen en él a partir de los cuerpos que lo habitan, intentando crear momentos de porosidad entre el interior y el exterior del edificio a través de las prácticas diversas de una serie de artistas y colectivos.

En 2024, Lazos mecánicos tendrá lugar el fin de semana del 27 al 29 de septiembre, y contará con la participación de Valeria Maculan (Buenos Aires, 1968), Federico Vladimir (Buenos Aires, 1983) & Pablo Llilienfeld (Madrid, 1981), Ainara LeGardon (Bilbao, 1976), Itsaso Iribarren (Pamplona, 1981) & Germán de la Riva (Cumaná, Venezuela, 1977), Pedro Barateiro (Almada, 1979), Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984), Marta Fernández Calvo (Logroño, 1978), Alejandra Pombo Su (Santiago de Compostela, 1979) y Marc Vives (Barcelona, 1978).

Lazos mecánicos. Prácticas performativas en el museo II está comisariado por Iñaki Martínez Antelo.

Más información: https://www.artium.eus/es/actividades/item/61816-lazos-mecanicos-ii-ciclo-de-performances.

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Simon Asencio – 10 de septiembre en Bulegoa z/b

Presentación de Simon Asencio al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta Left/Write! (Rescript) fue seleccionada junto a Letra xehez idaztea de Danele Sarriugarte Mochales en la convocatoria de residencias de 2023. El jurado estuvo compuesto por Aimar Arriola (comisario, editor e investigador), Laida Lertxundi (artista) y las integrantes de Bulegoa z/b.

La New Narrative fue un movimiento de escritura experimental que emergió en la escena de la poesía de San Francisco a finales de la década de los años 70 alrededor de los textos de Bruce Boone y Robert Glück y los talleres de escritura que organizaron en la librería Small Press Traffic. El término lo acuñó el también poeta Steve Abbott para describir una serie de experimentos que utilizaban el cotilleo, la promiscuidad, el fax, las listas, los elementos no narrativos, las noticias y las difamaciones como medios para escribir narrativa.

Surgida en el contexto de los derechos civiles, el movimiento negro y la liberación sexual en los Estados Unidos, la New Narrative estaba conformada por un grupo variopinto de poetas, escritores y activistas que ensayaron formas poéticas que fueran capaces de reflejar sus vidas. A través de una escritura personal, relacional y transgresora, los experimentos de la New Narrative produjeron un acercamiento al lenguaje activo y emancipatorio.

Justo después de que Ronald Reagan fuera elegido por primera vez presidente de los Estados Unidos, algunos integrantes del movimiento concibieron un congreso que reuniría a grupos de poesía comunitaria y reflexionaba sobre lo político en sus vidas y su trabajo. El congreso Left/Write, celebrado en 1981 en el Noe Valley Ministry de San Francisco, fue un intento por producir solidaridad política a través de las prácticas literarias. En parte artístico, educativo y político, reunió a 300 escritores a lo largo de dos días en torno a talleres, debates, exposiciones y eventos. El congreso se celebró una única vez y no volvió a celebrarse.

Left/Write (Rescript) se plantea como una situación de estudio performativa que investiga las condiciones de aparición de este acontecimiento a través del método del reenactment. La investigación emplea la transcripción del congreso como partitura para conversar, leer y organizar y busca formas de aprender del allí y el entonces para examinar nuestras responsabilidades para con los aquí(s) y los ahora(s).

El trabajo de Simon Asencio toma la forma de performances, publicaciones, exposiciones, situaciones de estudio colectivo y proyectos en colaboración y utiliza metodologías de investigación específicas de la performance, la filología y la pedagogía crítica. Su investigación actual se centra en las formas de sociabilidad generadas por las prácticas textuales, especialmente, la relación entre la práctica política y el activismo político. Desde 2021 desarrolla una traducción performativa de Anon, un ensayo inacabado de Virginia Woolf que trata sobre la ética del anonimato y la supervivencia de los rapsodas. En 2022, fue investigador asociado de a-pass / estudios avanzados de performance y escenografía en Bruselas con su investigación Quire Whids. Actualmente trabaja en la transcripción del congreso político y literario Left/Write (1981, San Francisco), con el objetivo de desarrollar una reconstrucción performativa.

Este proyecto está apoyado por una beca de investigación del Centre National des Arts Plastiques, París.

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María Jurado – Del 5 al 9 de septiembre en el Antic Teatre 

Spooky es una lucha contra el individuo o una performance en la que 2 mujeres crean un dispositivo escénico a partir de los códigos del cine de suspense y del cine «trash»: los medios y estética «handmade» intervienen directamente en el espacio creando una trama fragmentada que genera una sensación de incertidumbre que dialoga con el público y plantea grietas entre la realidad y la ficción.

El espacio teatral se representa como metáfora de un cerebro, a este llegan la información, patrones y proyecciones que las creencias sobre el individuo levantan sobre nosotros mismos, generando una “campana de cristal” aparentemente impenetrable pero aceleradamente tortuosa.

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/maria-jurado-spooky/?lang=es.


María Jurado es una artista, coreógrafa, performer e investigadora residente en Barcelona. Navega entre los límites de la danza conceptual y la performance. Cada creación le obliga a pensar de manera diferente, investigando los límites del formato. Estudió en el Institut del Teatre. En 2022 estrenó la pieza Black Sun en Festival Grec de Barcelona. Participó en el proceso de creación de la pieza Mágica y elástica de Cuqui Jerez y recibió la beca Danceweb 2023. Spooky nace como proyecto de residencia en El Graner gracias a la colaboración de la artista Macarena Bielski López y más tarde, la suma de un equipo multidisciplinar. El deseo del proyecto es poder investigar y profundizar desde la creación, la acción y el pensamiento continuo.

Dirección María Jurado + creación conjunta con todo el equipo
Cocreacion:  Macarena Bielski López
Interpretación: María Jurado y Macarena Bielski
Espacio sonoro y composición musical: Nina Emocional
Diseño de iluminación y espacio escénico: David Corral
Diseño y creación visual: Manuel Pita-Romero
Diseño de vestuario: 3formas
Producción: Maria Jurado y David Corral
Acompañamiento artístico: María Jerez

Coproducción: Antic Teatre
Apoyo de residencias artísticas: Graner (Barcelona), Réplika Teatro (Madrid), TenerifeLAV (Tenerife)

Agradecimientos: a Maca, Nina, David, Manu, Irene y María, por la confianza y el trabajo. A Roberto Fratini. A la familia de Réplika Teatro

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Muestra del trabajo en proceso cão de sete patas (un perro de siete patas) de Bibi Dória. Jueves 12 de septiembre a las 20h en La Caldera de Barcelona. Entrada gratuita con reserva previa. 

El proyecto surge del sueño de un personaje icónico en el cine marginal brasileño. Sônia Silk, interpretada por Helena Ignez, en la película Copacabana Mon Amour (1971) de Rogério Sganzerla, sueña con perros de siete patas, hombres-animales y otros monstruos. “un perro de siete patas” es un proyecto interdisciplinar que investiga la relación entre la ficción y el documental, entre el sueño y el relato, entre una actriz y su personaje.

Bibi Dória (Campo Grande, 1995) graduada en Danza por la UNICAMP (BR). Trabaja en la intersección entre la danza, la performance y el cine. Reside en Lisboa (PT) desde 2018, donde desarrolla sus proyectos autorales y colabora como intérprete, asistente y dramaturga con varios artistas. Entre ellos, Bruno Brandolino (UY), con quien comparte la performance y la creación de la obra LA BURLA (2022).

Más información: La Caldera

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Del 16 de julio al 29 de septiembre en La Capella. 

Artistas: Mercedes Azpilicueta, Cati Bestard, Black Quantum Futurism, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Noela Covelo Velasco, Jaume Pitarch, rogerserretricou y Helena Vinent. Comisaria: Marta Sesé. 

Renunciar a la linealidad de la historia, retirar la mirada sobre un horizonte fijo. Desorientarse para cuestionar un paradigma estable que la modernidad, entendida como proyecto occidental de civilización, legitimó regularizando los sentidos de la experiencia y definiendo los conceptos de sujeto y objeto, de tiempo y espacio. Un desorden distinto busca construir un posible “afuera para rebelarse contra el Orden”. El conjunto de piezas de la exposición ofrece resistencia a distintos órdenes, proponiendo una serie de estrategias —a través de la reivindicación del fracaso, de las temporalidades discas-queer o de revisiones históricas no lineales— que permitan apuntar hacia una pluralidad de experiencias otras.

Entrevista a Marta Sesé por Fernando Gandasegui sobre la exposición: https://www.lacapella.barcelona/es/un-desordre-distint-un-desorden-distinto.

Marta Sesé (Lleida, 1992) trabaja e investiga desde la práctica del comisariado, la edición y la crítica de arte. Sus intereses giran en torno a la revisión crítica de los imaginarios, la resistencia a la homogeneización estética y de la experiencia, las temporalidades y su vínculo con la materia y la construcción de formas de pertenencia. Actualmente es coordinadora editorial del MACBA y escribe en varias revistas especializadas en cultura contemporánea. También es cofundadora del proyecto Higo Mental. Con sus proyectos ha estado presente en instituciones y espacios como el Museo Patio Herreriano, Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani, CA2M, MNAC, Conde Duque, Homesession, Dilalica, Akademin Valand, Can Felipa y Arts Santa Mònica, entre otros.

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La Ribot y Asier Puga – 13 y 14 de septiembre en Conde Duque

Bien parece cosa de locos imaginar a La Ribot como Juana I de Castilla. Pero lo cierto es que ya la había encarnado en su perfomance El triste que nunca os vido, en 1992, que montó como lema de protesta por “la flota de artistas masculinos” programados en la conmemoración española de los 500 años de la llegada de Colón al Nuevo Mundo, un acontecimiento que ella recuerda como muy masculino y colonial. Y ahora, 32 años después, una casualidad la devuelve a aquella creación, que encuentra eco en Juana ficción, su novísima producción que llega al Centro de Cultura Contemporánea Condeduque procedente del prestigioso Festival de Avignon, que por vez primera ha programado a la polifacética artista madrileña residenciada en Suiza.

Habría que destacar que los movimientos feministas recientes han eliminado y desterrado el apodo de “la loca” para referirse a Juana I de Castilla (1479 – 1555), hoy ya confirmada como una víctima de siniestras maniobras políticas masculinas, urdidas nada menos que por su marido, su padre y su hijo, que la mantuvieron encerrada en un Palacio de Tordesillas, alejada del poder que le correspondía, durante 46 años al ser diagnosticada (hoy dudosamente) como demente.

El punto de partida de El triste que nunca os vido fue la vigilancia y la opresión sufridas por la reina encerrada. En aquel entonces, La Ribot se hizo acompañar por Juan Loriente, un actor que ha vivido muchas aventuras escénicas con ella y ahora vuelve en este nuevo episodio, centrado ésta vez en el tiempo y el sonido. Por eso la música tiene en Juana Ficción un papel determinante.

Y aquí es donde entra Asier Puga, director orquestal al frente del Grupo Enigma, ensamble de solistas de la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza, que sin siquiera conocer la existencia de El triste que nunca os vido, le comentó a La Ribot que estaba trabajando en El Cancionero de Juana, una colección de canciones que fueron compuestas como un regalo de boda cuando la reina se casó con Felipe de Habsburgo. Estas canciones la hicieron rememorar aquel trabajo, y surgió entonces la necesidad de volver sobre aquella performance desde una nueva óptica. Puga ha quedado como director musical, confiando la partitura al compositor contemporáneo Iñaki Estrada.

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/la-ribot-y-asier-puga-juana-ficcion.

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Del 18 de julio al 8 de diciembre en el CCCB

Agnès Varda fue fotógrafa, artista, cineasta y pionera de la Nouvelle Vague. La exposición recorre la vida, la obra y las fascinantes historias de una creadora libre, moderna y comprometida con su entorno político y social.

Agnès Varda (Bruselas, 1928 – París, 2019) fue una de las pocas mujeres directoras de su generación. Precursora dentro del movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague, Varda rompió normas y clichés y siempre quiso renovarse. Filmó más de cuarenta películas, entre largometrajes y cortometrajes y entre la ficción y el documental, y trabajó tanto en el cine analógico como en el digital.

La muestra celebra la trayectoria y el talento de una artista original y atrevida, que experimentó y jugó con los múltiples soportes y lenguajes del arte. Antes de ser cineasta, Varda fue fotógrafa y retratista y, de mayor, creó instalaciones artísticas para museos. En la exposición se reúnen por primera vez en Cataluña cuatro de las instalaciones de Varda, aparte de una selección de cortometrajes imprescindibles de su filmografía, que se pueden visionar en salas de proyección en el espacio expositivo.

La exposición también nos descubre la fascinante vida de Agnès Varda, marcada por su carrera de fondo para hacer cine con pocos recursos y reconocimiento y por los viajes, hijos, amistades y relaciones diversas que mantuvo. Varda fue protagonista de la efervescencia social y política de su tiempo: el feminismo, el movimiento hippie o la lucha de los Black Panthers. Y se relacionó tanto con artistas y actores famosos como con personas anónimas y marginales, que quiso representar y dignificar en sus películas.

«Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» refleja el espíritu abierto y viajero de Varda a través de objetos personales, carteles, obras de arte o de los retratos y reportajes de fotos que realizó, algunos de ellos desconocidos o inéditos, como la serie fotográfica de su viaje a Cataluña en 1955.

Para reivindicar la curiosidad y el carácter lúdico y juguetón de Agnès Vardà, abrimos el «Laboratorio Varda», un espacio para adentrarse en el imaginario de la autora o descubrir su fascinación por los gatos, espejos y playas.

Coincidiendo con la exposición, La Filmoteca de Catalunya programa un ciclo en el que se podrán ver las películas esenciales de Varda, como La Pointe Courte (1954), Cléo de 5 à 7 (Cleo de cinco a siete, 1962), Sans toit ni loi (Sin techo ni ley, 1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (Los espigadores y la espigadora, 2000) o Visages Villages (Caras y lugares,2017), entre otros títulos.

La exposición «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» es una adaptación ampliada de la muestra «Viva Varda !», concebida y producida por la Cinémathèque française de París en colaboración con Ciné-Tamaris y la amable contribución de Rosalie Varda y Mathieu Demy.

Directora artística: Rosalie Varda
Asesora de la exposición en el CCCB: Imma Merino

Comisariado: Florence Tissot

Más información: CCCB

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Programación: https://tnt.cat/es/programacio/.

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Más información: Citemor

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