Del 20 de mayo al 3 de junio en Pamplona
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Del 5 al 27 de mayo se celebra el Kunstenfestivaldesarts, y Teatron se desplaza hasta Bruselas para contar lo que pasa por allí, y acercar los trabajos de Fabián Barba, Esteban Donoso, Monira Al Qadiri, Mette Edvardsen, Tarek Atoui, Mårten Spångberg, Mithkal Alzghair, Lawrence Abu Hamdan…
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12 y 13 de mayo en el CCCB
Dos jornadas de autobiografía en directo: conciertos de música pop, monólogos tragicómicos, teatro y narrativa
Viernes 12 de mayo
Sesión 1 / 19.00 / Teatro CCCB
Kate Bolick + Anna Gabriel / Colin Barrett / Bacalao (Jorge Albi, Chimo Bayo, Nando Dixkontrol, Carlos Simó y Luis Costa)
Para inaugurar la sexta edición del festival, Kate Bolick, autora del ensayo Solterona. La construcción de una vida propia (Malpaso Ediciones, 2016) –un libro que explora en primera persona las cuestiones consideradas clave de la realización femenina por parte de la sociedad patriarcal–, charla con Anna Gabriel, educadora social, profesora de derecho y la cara más visible de la CUP en el Parlamento catalán. Sería francamente difícil encontrar a alguien mejor que Gabriel, fan acérrima del libro de Bolick, para esta entrevista, no solo por su elocuencia feminista, sino también porque ha vivido cómo sectores machistas se alteran sospechosamente ante sus reflexiones sobre la copa menstrual o la crianza colectiva. Idioma: inglés y catalán con traducción simultanea (cat)
Colin Barrett, autor de Glanbeigh (Sajalín Editores, 2016), una impresionante recopilación de relatos, tan duros como bellos, situados en una aldea semificcional irlandesa, sube al escenario de Primera Persona para hablar de la biografía de un lugar dejado de la mano de Dios. Idioma: inglés con traducción simultanea (cat)
Por último, Bacalao presenta un recorrido por todos los colores y matices de la explosión cultural que supuso la eclosión de la música de baile en Valencia tras la muerte de Franco, explicada por algunos de sus protagonistas: Jorge Albi, Chimo Bayo, Nando Dixkontrol y Carlos Simó, en una charla moderada por Luis Costa. Idioma: castellano.
Sesión 2 / 22.00 / Teatro CCCB
Ana Curra con Joan Pons / Els joves (Nigel Planer y Alexei Sayle) / Julián Hernández (Siniestro Total) + Esteban Hernández + Rafael Tapounet (Los Carradines)
Ana Curra, a la que han llamado «la reina española del punk» y la cara más radical y compleja de la mal denominada «Movida madrileña» de los ochenta, abre la segunda sesión del festival. Parte esencial de Alaska y Los Pegamoides así como de Parálisis Permanente, Curra habla de su trayectoria con el crítico musical Joan Pons, guionista de programas televisivos de música como Sputnik o Cachitos de hierro y cromo. Idioma: castellano
Les siguen Nigel Planer y Alexei Sayle, dos de los actores de la subversiva y divertidísima serie cómica de la BBC de los ochenta Els joves (The Young Ones). Mientras que en el resto del mundo pasó casi desapercibida, esta sitcom sobre cuatro estudiantes violentos e incapaces tuvo un impacto colosal en el Reino Unido y en Cataluña. Primera Persona presenta a dos de los miembros clave de Els joves, Neil «el hippie» y Alexei Sayle en el papel de la familia Balowski al completo, juntos por primera vez en nuestro país para recordar lo mejor de la mítica serie y analizar su insólito éxito en estas tierras. Idioma: inglés con traducción simultanea (cat)
Por último, Julián Hernández, fundador y líder de Siniestro Total y una de las mentes más imaginativas y alocadas de la historia del rock and roll español, sube al escenario con su hijo Esteban Hernández, con quien se reencontró cuando este ya era adolescente. Juntos se enzarzan en una jam session casera e improvisada para tocar clásicos favoritos y temas de la famosa banda, y cuentan con la colaboración de Rafael Tapounet, que combina sin despeinarse su faceta como periodista en El Periódico con la de músico en Los Carradines. Idioma: castellano.
Sábado 13 de mayo
Sesión 3 / 19.00 / Teatro CCCB
Isa Calderón + Lucía Lijtmaer / Jon Savage / Alison Statton & Spike + Stuart Moxham
El combo Isa Calderón + Lucía Lijtmaer abre la segunda jornada del festival. Calderón se ha popularizado, y también viralizado, gracias a sus vídeos como Isa ve pelis o, más recientemente, sus Reviews Fuertecitas. En ellas, tira de la manta del machismo latente en el mundo del cine, fijándose de forma audaz en los filmes de actualidad para analizarlos posteriormente de manera irreverente y antiacadémica. La acompaña en el escenario Lucía Lijtmaer, una de las articulistas más lúcidas y frescas de la prensa española, con una visión pop pero politizada, y que ahora presenta un nuevo libro: Yo también soy una chica lista. Idioma: castellano
Prosigue la sesión con Jon Savage, eminencia en temas como el punk británico gracias a la biblia absoluta de este fenómeno, publicada en 1991 bajo el título England’s Dreaming. The Sex Pistols and Punk Rock, y rescatada en España por Reservoir Books/Penguin Random House (England’s Dreaming. Los Sex Pistols y el Punk Rock, 2016). Savage también supo analizar de forma audaz e innovadora la idea de adolescencia buscando sus raíces en fenómenos previos a la Segunda Guerra Mundial y en la invención del rock and roll en Teenage. The Creation of Youth Culture (2008). Idioma: inglés con traducción simultanea (cat)
Alison Statton & Spike y Stuart Moxham son tres músicos galeses que han cambiado las reglas del pop. El trío que formó Statton con los hermanos Moxham (Stuart y Philip) en 1978, Young Marble Giants, dio expresión al adjetivo «minimalista»: el post-punk nunca había sonado tan austero, esquelético y poco agresivo. Tras su disolución, cada uno continuó con formaciones paralelas y, aunque las bandas que los agruparon están oficialmente disueltas, Primera Persona ha conseguido arrancarles de sus ocupaciones cotidianas y vencer su modestia y timidez escénica para una charla-concierto que se prevé histórica. Idioma: inglés con traducción simultanea (cat).
Sesión 4 / 22.00 / Teatro CCCB
Joe Pernice / Makoki: Miguel Gallardo y Juan Mediavilla / Las Ruinas
El músico Joe Pernice, con dos bandas fundamentales a sus espaldas como Scud Mountain y Pernice Brothers, llega al escenario de Primera Persona para tocar varias composiciones de su carrera y hablar de su novela, It Feels So Good When I Sleep, que en mayo publica Blackie Books en castellano (Esta canción me recuerda a mí, 2017). Idioma: inglés con traducción simultanea (cat)
Si un personaje de cómic español ha marcado a una generación este fue Makoki, el antisocial gamberro que crearon Miguel Gallardo y Juan Mediavilla en 1977 y que se paseó durante cinco años vertiginosos por varias publicaciones cruciales de la contracultura patria (Disco Exprés, Star o El Víbora). Gallardo y Mediavilla vienen al festival para explicarlo todo sobre Makoki, su creación más punk. Idioma: castellano
Por último, el trío de heavy-pop de Barcelona Las Ruinas –formado por el peruano Eduardo Chirinos, el venezolano Jaime Bertrán y el barcelonés Toni López– ponen el final festivo a Primera Persona 2017. Sus letras sobre amor, urbanismo, ciencia ficción distópica, miseria y ruinas (emocionales y monetarias) son el equivalente de la Barcelona de los 2000 de anteriores cronistas como Gato Pérez. Las Ruinas se propusieron ya hace mucho tiempo grabar un disco y por año y en ello andan. Su séptimo y último álbum es 100% Maximum Heavy Pop.
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Marta Fernández Calvo
(Calle Valverde 30, Madrid)
Del 4 de mayo al 4 de junio
> Inauguración jueves 4 de mayo 2017 a las 20 h.
El trabajo de Marta Fernández Calvo está hecho de la misma sustancia que la vida: situaciones, circunstancias, vivencias personales y un sincero afán de compartir. Su mirada es sutil, pero de una sutileza refinada resultado de la claridad de ideas que nace de la decisión de estar en el presente con intensidad, consciente del tiempo, del lugar, de las condiciones en las que vive; con todas sus contradicciones: no se puede eludir el conflicto.
Con motivo de la exposición Hasta que el pueblo las canta, las coplas, coplas no son, Fernández Calvo parte de una lectura del espacio de la galería, interior y exterior, y le inserta su propio sentir y cotidianeidad: una cotidianeidad en la que su práctica artística intersecciona con la vida práctica, convirtiéndose en metáfora de una condición contemporánea más amplia.
El día de la inauguración todo el espacio se convertirá en un campo de acción inundándose de un torbellino de energía.
A las obras expuestas se suman dos acciones que se desarrollarán en los balcones de la galería que dan al patio del inmueble; una espacialidad que se expande más allá de los límites de las paredes, como para evidenciar la necesidad de tener siempre presente el encuentro entre el arte y la vida, lo que constituye el núcleo de su pensamiento.
La primera acción surge del deseo de celebrar la vida y la propia exposición. Es ahí donde aparece el vínculo de la artista con su lugar de origen; de hecho, la performance consiste en el canto de una jota para la que la artista ha invitado a una jotera, Paqui Terroba, que viene a Madrid desde su lugar común de origen, La Rioja. La jota representa un patrimonio cultural que Fernández Calvo siente muy cercano por circunstancias biográficas: ‘’esos años en los que se aprende a vivir y a festejar’’. Cantada desde un balcón de la galería, la jota representa una fuerte enunciación y marca un punto de vista ligeramente elevado, una posición y una postura, un equilibrio con el entorno: una estabilidad fruto de una experiencia individual.
La segunda acción consiste en la entrega de un ‘’arco’’ a un violonchelista, que lo utilizará para componer una pieza musical improvisada in situ. El ‘’arco’’ es, en realidad, un listón de madera extraído de la carpintería de uno de los balcones de la galería con el que el chelista rozará las paredes de los edificios aledaños hasta desgastarlo… La abertura que deja el listón se podrá tapar, el listón podrá volver a su sitio, pero sólo después de haberlo transfigurado en algo precioso y haber mostrado unas posibilidades insospechadas, como la de crear sonidos.
Con las dos performances la atención se dirigirá hacia el exterior y un aire nuevo entrará en la galería por las ventanas abiertas.
Al finalizar las acciones, quedarán algunas trazas de lo sucedido: la silla del músico en el centro del espacio expositivo, vuelta hacia la ventana, se convierte en un punto estratégico desde el que sentarse a mirar; una pequeña alfombra que indicará el lugar donde la jotera se ha asomado a cantar.
La exposición la cierra un mantel blanco de papel en cuyos bordes la artista ha realizado un grabado a plancha perdida, a modo de dobladillo, sobre el que ha invitado a una cocinera a realizar una intervención durante dos horas. Un gesto mínimo que invita a una reflexión poética, símbolo de todas las acciones improductivas, inútiles tal vez, pero no por ello menos necesarias, como el arte mismo. Pero la obra también habla de la dimensión histórica económica actual, donde se desgastan tantas energías, tantas potencialidades…
El mantel es elevado a la condición de obra mediante la verticalidad y la activación con la idea de marco.
El espacio lo domina una pieza sonora: es la voz de la persona para la que Marta, desde que llegó a Madrid, hace tartas para sustentarse económicamente. Una obra que contamina toda la exposición, alterando una atmósfera contemplativa, del mismo modo en que esa actividad, funcional pero indispensable, contamina su práctica artística. Fuerte, clara, brutal, este reclamo, ineludible desde cualquier punto del espacio, nos confronta con la realidad y sus contradicciones; con la vida cotidiana de la artista, desenmascarada de cualquier ornamento. Recordando que lo económico y lo social son intrínsecos al arte y a los artistas.
Con esta muestra Fernández Calvo hace una apuesta atrevida, apartándose del simulacro y el artificio, rechazando cualquier efecto especial y poniendo en escena la realidad en sí misma. Esta realidad no impide a la artista enfatizar ciertos momentos de poesía, que de hecho existen. ‘’Hago tartas porque me gusta trabajar en pijama’’, escribe en la pared de la galería. Confort, domesticidad; la idea de trabajar con lo que se tiene a mano: el sentimiento de proximidad y de magia que emana del trabajo de Marta Fernández Calvo viene de aquí. En una época precaria en la que, más que el futuro, incierto, es el presente lo que está en juego, declarado ya en el título, aquí y ahora se convierten en condición existencial; es aquí donde aparece la performance, incorporando la dimensión temporal de la vida y la aparición de obras tenues, efímeras, pero no repentinas, pues son el resultado de la reflexión, de la sedimentación y del control de una gramática y de un vocabulario artístico personal.
De ahí elementos como la música y la cocina: actividades vinculadas a los recuerdos de la infancia y a los ambientes de origen; medios de relación, de convivencia, de instancias de lo cotidiano.
De ahí la levedad, la poesía, la ironía con la que Marta Fernández Calvo, al articular esta exposición —que es un autorretrato, pero también el retrato de una generación—, invoca un mundo más habitable en el cual la levedad, la plenitud y el compromiso puedan convivir.
Gabi Scardi
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Paula García-Masedo y Andrea González
Twin Gallery | Exposición abierta del 5 al 27 de mayo de | X a V, de 17 a 21 h. / S 11.30 a 14 h.
> Inauguración: viernes 5 de mayo de 19 a 21.30 h.
(Calle San Hermenegildo 28, Madrid)
Gotelé constituye el primer proyecto expositivo desarrollado conjuntamente por las artistas Paula García-Masedo y Andrea González. Una intervención site-specific en el espacio de una galería de arte que profundiza en buena parte de las pautas experimentales contenidas en The Way Things Go (Caniche, 2016) acerca de las inesperadas dinámicas que generan los flujos de información así como las propias cualidades y simbolismos de los objetos.
En esta ocasión toda la carga semántica se sintetiza de una manera radical y violenta sobre los paramentos verticales de la galería. Contenedores asépticos y silentes forzados por un expresionismo neo-barroco e impostor.
La asepsia volverá a las paredes una vez finalizada la intervención, ilustrando un proceso totalmente improductivo, haciendo en definitiva cosas que no conducen a nada, a la manera de Francis Alÿs. Poner el foco sobre el puro espacio físico delimitado y sobre los estériles y efímeros procesos de transformación del entorno desvela igualmente un contexto socioeconómico complejo que genera recorridos entre lo amateur y lo profesional, entre lo privado y el espacio público relacional.
El doméstico gotelé, concebido para disimular la imperfección de los paramentos, se proyecta sobre el cubo blanco, dispositivo igualmente simulador de realidades y ajenidades.
La intervención se complementa mediante un juego de espejos propositivos que enuncia la propia destrucción de la pieza. El Proyecto para recuperación de paredes lisas de galería de arte no viene a documentar la intervención que tenemos ante nosotros sino a dar cuenta de su futuro.
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Carmen Menager
Teatro Pradillo | 5 y 6 de mayo a las 21 h., y 7 de mayo a las 19 h.
Pequeños fragmentos de texto:
Alentar las piedras.
Sembrarlas en una tierra de cenizas.
Regarlas con el agua del mar.
Y esperar a que germinen.
La única revolución posible empieza en el hueco de tus manos.
1. Quería contarte también ese sueño con el que empezó todo.
Llegaba a una playa vacía. La marea había arrastrado hasta la orilla un puñado de cajas de madera, como si fueran cajas de fruta desvencijadas, pequeñas, oscuras. Algunas aún iban y venían sobre las olas. Me acercaba a ellas y lo que me encontraba dentro eran trozos de cuerpos. Una rodilla. Un dedo. Una oreja. Otros no eran reconocibles. Una de las cajas rebotaba una y otra vez contra unas rocas. Dentro había una mano. La mano de un niño con un pequeño anillo dorado en uno de sus dedos.
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Jueves 27 de abril a las 20 h. en El Fin del Mundo (C/ Doctor Fourquet 28, Madrid)
Lo Que América Puede (Sole Parody/ Billy Morreale) describe, con apenas el esqueleto de un lenguaje corroído por el continuo movimiento, un road trip lisérgico y descarnado entre paisajes de hormigón y personajes sin relato. Atrás quedaron los ecos del romántico desenfreno de los beatniks, en el relato de Billy los últimos restos de sentido de la civilización capitalista se cuelan por los márgenes de lo no escrito, mientras él y sus compañeros avanzan de espaldas al Oeste.
Foto maravillosa Paco Pomet, Cienfuegos 2009.
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Matadero | Nave 16
Hora: 21 h., 22.10 h. y 23.10 h.
Precio: Gratis previa retirada de invitación*
Roger Bernat estrena en Madrid ‘La consagración de la primavera’* dentro de la programación de CiudaDistrito, con motivo del Día Internacional de la Danza. Se trata de una versión libre del mítico montaje en el que la bailarina Pina Bausch coreografió la composición de Igor Stravinsky.
Los tres pases de la pieza colectiva tendrán lugar este sábado 29 de abril en la nave 16.4 de Matadero Madrid a las 21:00, 22:10 y 23:10 horas, respectivamente. Para participar en la actividad, debes recoger una invitación* el mismo día de la representación (a partir de las 19h) en las taquillas de Naves Matadero. Para disfrutar de la pieza sólo será necesario ponerse los cascos y dejarse sorprender por esta ‘performance’ donde los espectadores lo son menos que nunca.
*Máximo dos entradas por persona hasta completar aforo.
27 abril, 2017 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400 del Reina Sofía
Entrada gratuita hasta completar aforo. Apertura de puertas de 18.30 h a 18.55 h; una vez se cierren las puertas no será posible acceder a la actividad.
Concepto y dirección: Cuqui Jerez
Creado en colaboración con: Óscar Bueno, Javier Cruz, Jorge Salcedo y Silvia Zayas
Selección de textos: Michelle Sommer
En 1959 tuvo lugar el Congreso Internacional de Críticos de Arte en Brasil, un simposio en el que artistas, arquitectos, historiadores del arte y de la arquitectura, como Mário Pedrosa, Meyer Schapiro, Giulio Carlo Argan, Bruno Zevi, Jorge Romero Brest, Tomás Maldonado, Frederick Kiesler o Eero Saarinen, entre otros, fueron convocados para debatir qué podía hacer la modernidad en el mundo naciente tras la posguerra. Bajo el tema de “Ciudad nueva-síntesis de las artes”, el congreso se celebraba por vez primera en América Latina durante nueve días y en tres ciudades diferentes, São Paulo, Rio de Janeiro y Brasilia. A la vez que se debatía el urbanismo moderno como búsqueda de la integración de las artes y producción de una obra artística colectiva, tenía lugar el nacimiento de Brasilia como un ensayo real de estos mismos debates. Más de cincuenta mil trabajadores en turnos ininterrumpidos construían aquello que Mário Pedrosa definiría con entusiasmo como una aventura y una esperanza: Brasilia, capital del Estado y urbe estrictamente moderna.
El congreso, con más de 22 países participantes, debatirá el modelo social y urbano que supone este proyecto en siete sesiones: la ciudad nueva, el urbanismo, la técnica y la expresión, la arquitectura, las artes plásticas, las artes industriales y, por último, el arte y la educación. Las actas del congreso son un documento histórico y desconocido para entender el lugar central de la modernidad en su vocación de participar y dar forma a los desafíos de este nuevo mundo.
En esta pieza, Cuqui Jerez y su equipo proponen una activación de las actas del congreso, adaptadas por Michelle Sommer, co-comisaria de la exposición Mário Pedrosa. De la naturaleza afectiva de la forma, como ejercicio performativo de un episodio utópico del pasado, pero con una enorme potencia y reverberación en un presente en el que la historia y la crítica de arte han sido desplazadas de su rol e influencia pública. A través de la exposición de una serie de documentos relacionados con el Congreso, la artista genera un dispositivo que funciona como filtro formal para acercarse al material documental y adoptar una mirada estética específica, pero sin que esta sea subjetiva o suponga un posicionamiento frente al documento histórico. La lectura no pretende comentar o generar una interpretación sobre los fragmentos del pasado, sino componer un plano de proyección, mental y conceptual, que afecte tanto al público como al propio dispositivo escénico y teatral de representación. De esta manera, la obra busca ser tanto una primera puesta en escena del pensamiento de Mário Pedrosa y su tiempo como una confirmación de la imposibilidad de reproducir o ficcionalizar los debates que protagonizaron este momento de radical utopía.
El evento será retransmitido en el marco del programa “Diálogos” de la red de museos L’Internationale, un programa público que marca el 27 de abril como inauguración de distintas exposiciones y actividades concebidas por los museos miembros de esta red
Moderna galerija (MG+MSUM, Ljubljana, Eslovenia); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS, Madrid, España); Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA, Barcelona, España); Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen (M HKA, Amberes, Bélgica); SALT (Estambul y Ankara, Turquía) y Van Abbemuseum (VAM, Eindhoven,Holanda).
Actividad organizada por el Museo Reina Sofía en el marco del proyecto “Los usos del arte” de la confederación de museos europeos L’Internationale.
Read MoreMiércoles 26 de abril de 2017. Cripta del Templete de Bramante, 21.00 h , Academia de España en Roma
Entrada gratuita hasta completar aforo
Acción de David Benito y Elena Córdoba construida en diálogo con Jaime Conde Salazar. Lo que muda no muere forma parte del proyecto “La edad de la carne”, un ciclo de creación y estudio sobre el envejecimiento del cuerpo.
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