Olga de Soto
2 y 3 de noviembre a las 20h en el Teatro Central de Sevilla
Performance documental
El mítico espectáculo La mesa verde, del coreógrafo alemán Kurt Joos, con quien se formaron otras grandes de la danza como Pina Bausch y Susanne Linke, es materia de exhaustivo estudio en esta performance documental de la coreógrafa española residente en Bruselas, Olga de Soto, que pone en valor el impacto de una obra de gran compromiso político, como es La mesa verde. Estrenado en 2010, este trabajo ha recorrido buena parte del planeta y sigue la estela del trabajo de investigación que interesa a la creadora, también reflejado en un montaje anterior, Historias, una video-performance documental sobre Le Jeune Homme et la Mort, de Roland Petit, estrenado en 2004. / Mercedes L. Caballero
Sinopsis
Un espectáculo imprescindible para comprender el impacto que tiene una obra políticamente comprometida, teniendo en cuenta que denunciaba algo que ocurrió después. La llegada del Nazismo.
La coreógrafa de origen español, establecida en Bruselas, goza de gran reconocimiento internacional por sus proyectos de creación íntimamente ligados a largos procesos de investigación. Ya en 2004 firmó Historias, una video-performance documental sobre Le Jeune Homme et la Mort, ballet de Roland Petit sobre un libreto de Jean Cocteau. Esta pieza continúa transitando por el mismo camino.
En Una introducción, Olga de Soto prosigue su trabajo de investigación y de creación, cuyos vectores principales son la historia y la percepción de la danza, siguiendo esta vez las huellas de La Mesa Verde, obra mítica del coreógrafo alemán Kurt Jooss -maestro de Pina Bausch y de Susanne Linke-, estrenada pocos meses antes de la llegada de Hitler al poder en Alemania. La Mesa Verde es una obra esencial en la historia de la danza y está considerada como uno de los espectáculos políticamente más comprometidos jamás realizados. Obra emblemática en la que el coreógrafo denuncia el auge del fascismo y la guerra, marcada por el clima turbio que precedió a la Segunda Guerra Mundial y, en cierta medida, obra visionaria frente a la realidad oscura de una época. Estrenado en 2010, este espectáculo ha sido presentado en Alemania, Bélgica, Francia, Holanda, Portugal, Austria, Polonia, Brasil, Finlandia, República Checa, México, etc., y no para de ser demandado. Hora era de presentarlo en Sevilla. La historia universal y la historia de la obra se entretejen en los testimonios en los procesos de transmisión que Olga de Soto documenta minuciosamente, preservando cierto suspense y giros dignos de una novela de aventuras. Bajo la apariencia de una conferencia, la artista construye hábilmente su posición de autora, (…) al tiempo que cuida la puesta en escena… Smaranda Olcèse, Toute la Culture
Si bien es admitido y aceptado el retomar una obra coreográfica [del pasado] porque la transmisión del gesto es constitutiva de una memoria de la danza más visual que gráfica, esta cuestión se plantea en otros términos en el dominio de la performance que hace del “re-enactement” una de sus mayores problemáticas y apuestas. El vídeo, la fotografía, el objeto, esta “cosa muerta” que conservan los museos como traza de la acción que puede ser reactivada o no, forman parte de la memoria de la performance. Valérie da Costa, Mouvement #69
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De Björn Säfsten
3 de noviembre a las 21 h. en el Centro Párraga de Murcia
Un espacio abierto ofrece una perspectiva individual, con los ojos tapados, una mujer mira hacia la nada. Ella está trazando un mundo de símbolos, buscando un lenguaje para sostenerlo. Ella se arma y se encamina a mutar en algo nuevo mediante la transformación de estímulos y clichés que, de lo contrario, la habrían llevado a tener una identidad estática. Todo es un juego, un juego de percepción. Un juego de dominación y de quién está al mando. Ella renace, convirtiéndose en algo nuevo junto al espectador. Ella despliega las posibilidades de lo que la situación en sí quiere que se convierta.
En Prologue Björn Säfsten y la performer Sophie Augot exploran la violencia del lenguaje. El cuerpo, la mente y sus acciones vinculadas están aquí al descubierto. El planteamiento está en crear situaciones identificadas y luego involucrarlas en un juego de roles, haciendo malabarismos tanto en su construcción como en su posible significado. Es un juego con la sintaxis y la semántica del cuerpo y sus gestos. Aportando imágenes vivas que comprometen visualmente nuestra propia interpretación.
Ficha artística:
Idea y concepto: Anja Arnquist, Sophie Augot y Björn Säfsten
Coreografía: Björn Säfsten
Performer: Sophie Augot
Vestuario: Sophie Augot
Diseño de luces: SUTODA
Edición de sonido: Jon Skoog
Producción: Säfsten Produktion & Nordberg Movements Co-producción: Säfsten Produktion & Norrlands-Operan
Duración: 45 min
Realizado gracias a las ayudas de: The Swedish Arts Council (Ministerio Sueco de Cultura), Norrlandsoperan, The City of Stockholm (Ayuntamiento de Estocolmo) & The Swedish Research Council (Ministerio Sueco de Educación).
Reservas: 968 351 410 (lunes a viernes de 9 h. a 20 h.)
3 de noviembre a las 20.30 h. en la Nave 11 de Matadero
Junto con el proceso de creación de la pieza escénica Ningún lugar se ha desarrollado un taller-laboratorio en torno al sonido, la música y la performance con el colectivo Las Raras, un grupo de investigación que trabaja a partir de las rarezas como lugar de encuentro.
La Orquesta experimental de Las Raras, creada especialmente para la ocasión, junto con los participantes en la performance Ningún lugar, mostrarán al público el resultado del taller, centrado en los descartes de la pieza escénica. El nombre de la presentación, Outtakes Ningún lugar, hace referencia a una de las últimas películas de Jonas Mekas, Outtakes from the life of a happy man, en la que el cineasta redondeaba su labor creadora, basada en lo aparentemente intrascendental, utilizando únicamente los descartes de sus películas anteriores.
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1 al 5 de noviembre en Bilbao
Es un proyecto autogestionado que tiene como objetivo generar un contexto doméstico en el que artistas y público puedan compartir experiencias e impresiones.
Las presentaciones se realizaran en casas, por lo que el aforo será limitado, ayudando a crear un ambiente mas cercano que facilite no solo otro tipo de propuestas distintas a las creadas para espacios al uso como teatros, museos, salas de exposiciones… sino también la posibilidad de establecer un mayor acercamiento entre las personas que asistan y las que muestren su trabajo.
Dentro de La Cosa en Casa podremos ver trabajos de diferentes disciplinas. Se trata de poder utilizar este contexto para experimentar y testar cosas que de otro modo, en los contextos habituales creados por las instituciones no son posibles, ya sea por la duración, porque se encuentran en un estado procesual, no encajan en una disciplina concreta, no son económicamente rentables, o por cualquier otro motivo.
Otras iniciativas similares son: La Estrategia Doméstica (Barcelona); Living Room Festival (Madrid, Berlin, Bruselas y Zagreb); Escena Doméstica (Chile); Na Casa Com (Oporto) y La serata più fica di Roma (Roma), L’occasione (Bilbao).
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4/11/17 | 20h | Las Naves (Valencia)
‘Mos Maiorum’ està basat en la tècnica del Verbatim: A través d’entrevistes i enregistraments sonors es crea una dramatúrgia que els intèrprets reprodueixen fidedignament, amb totes les seues pauses, accents, imperfeccions i matisos, creant un efecte de veracitat que difumina a l’actor i transporta a aquests testimoniatges directament a escena.
Un dispositiu escènic que trasllada directament a l’espectador de costat a costat de la frontera presenciant, vivint i coneixent en primera persona a testimoniatges i protagonistes d’aquest conflicte oblidat.
Tots els testimoniatges que apareixen en l’obra són reals i van ser gravats en diferents viatges a la zona de Melilla, Nador, Tànger i Ceuta, així com també a Barcelona i Màlaga, per l’equip de ‘Mos Maiorum’.
Creació i interpretació:
Ireneu Tranis, Alba Valldaura i Mariona Naudín.
De las 23.00 h del viernes 27 a las 6.00 h del sábado 28 de octubre en La Casa Encendida
Natten es el vocablo sueco utilizado para designar la acción de pasar la noche. La noche es el único momento en que el hombre puede mostrarse verdaderamente tal cual es, escapar de la tiranía del tiempo y entregarse a una oscuridad que no pretende representar la muerte, sino la vida.
En una performance de casi siete horas de duración – los espectadores pueden entrar y salir cuando deseen–, Spångberg nos presenta su particular danza macabra. Un viaje a lo más profundo de la noche, hacia una eternidad abstracta y hacia una profundidad insondable. Allí el público puede mirar, soñar, dormir… Pero también ha de enfrentarse a sus propios monstruos. Nattenpretende conjugar danza, espanto, oscuridad, horror y aquello que nos es profundamente desconocido en una manera que sea de todo menos aterradora. O al menos no en el sentido clásico. Una reflexión sobre la noche, pero también sobre la parte de ella que más nos ilumina.
Mårten Spångberg es uno de los más celebrados enfant terrible de la danza –en algunos de sus montajes anima a los espectadores a dejar sus teléfonos encendidos y usarlos sin pudor–, además de todo un experto a la hora de hermanar pop y danza contemporánea. Es un artista particularmente activo en el campo de la investigación coreográfica, que ha abordado a través de prácticas experimentales y procesos creativos en una multiplicidad de formatos y expresiones. Sin embargo, en Natten explora una vía más íntima e intensa que en sus trabajos más mediáticos. Deja de lado su habitual actitud crítica hacia el neoliberalismo para sumergir al espectador en un experimento sobre la nada que roza lo metafísico, tanto en el sentido griego como en el más contemporáneo. En palabras del propio Spångberg, “quiero que el público tenga una sensación de miedo, pero no de algo sino de la falta de algo”.
Ficha artística
- Creación: Tamara Alegre, Simon Asencio, Linda Blomqvist, Louise Dahl, Emma Daniel, Hana Lee Erdman, Adriano Wilfert Jensen, Mårten Spångberg, Else Tunemyr, Marika Troili y Alexandra Tveit.
- Interpretación: Tamara Alegre, Mårten Spångberg, Liza Baiasnaja, Sidney Barnes, Marika Troili, Else Tunemyr, Emma Daniel y Alexandra Tweit.
- Agradecimiento especial a: Liza Penkova, que facilitó el material dancístico central de Natten.
Natten se ha desarrollado en estrecha colaboración con: un grupo de estudiantes de P.A.R.T.S. Nuestro tiempo juntos fue extraordinario. Muchas gracias a Liza Baliasnaja, Nikita Chumakov, Sien Van Dycke, Akiyoshi Nita, Eileen Van Os, Laura Maria Poletti, Kamola Rashidova y Adriano Vicente.
Agradecimientos: Mette Edvardsen, Linda Blomqvist, Silvia Fanti, Silvia Bottiroli, Tove Dahlblom, María Jerez, Alejandra Pombo, Christophe Slagmuylder, Jon Resdal Moe, Danjel Andersson, Ben Woodard y Christian Töpfner.
Estreno absoluto: Kunstenfestivaldesarts, Les Brigittines.
En colaboración con: Kunstenfestivaldesarts, Xing (Bolonia), Black Box Teater (Oslo), Santarcangelo Festival y MDT Estocolmo.
La creación de pieza ha sido posible gracias a: PAF St. Erme.
Con el apoyo del: Comité de Becas de las Artes Sueco, el Consejo Sueco de las Artes y la Ciudad de Estocolmo.
Con la colaboración y el apoyo del Festival de Otoño.
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EL CONDE DE TORREFIEL
M.C.
Una propuesta escénica con intervención videográfica
ARTS SANTA MÒNICA
25 de octubre a las 19:00h – 20:00h
Entrada libre / aforo limitado
M.C. es un nuevo proyecto que El Conde de Torrefiel ha puesto en marcha a principios de 2017 y que culminará en la presentación de una pieza escénica en mayo de 2018, cuya forma y título actualmente desconocemos.
M.C. se encuentra ahora en proceso de investigación y búsqueda de materiales. El proceso de creación de una pieza para la caja negra de un espacio teatral no puede reducirse únicamente a la búsqueda de una forma escénica, de hecho ésta es precisamente lo último que aparece en un proceso de este tipo. Es, digamos, la punta del iceberg que no puede sostenerse sin una consistente masa amorfa y sumergida de materiales; es, al fin y al cabo, una representación poética de esa acumulación, ese arsenal de información que la sostiene.
Hamaca Projecta nos ofrece la posibilidad de utilizar una de sus sesiones para materializar una linea de investigación de carácter documental del proyecto M.C. a través de la tecnología del video.
El paradigma del video es la secuenciación de imágenes para crear escenas en movimiento. En este caso vamos a desincronizar la imagen de su movimiento, de su narrativa y presentar estas dos partes a contratiempo. Un ejercicio de teatralidad donde la acción es generada por la palabra de 4 de los intérpretes de este proyecto, mientras que la imagen aparece como una acción detenida, un momento capturado y desarmado en un eco infinito de sí misma.
Una pieza basada en la descripción de imágenes que quiere impulsar la provocación de un estado anímico en la audiencia, una puerta de entrada para la observación y la comprensión de algo que nos resulta todavía misterioso: cómo aquello que se ve difícilmente puede transcender el reduccionismo y la bidimensionalidad sin el auxilio del contexto que lo sostiene.
Read MoreEn Madrid, organizado por CiudaDistrito.
Déjate sorprender con el Teatro Raro
Teatro Raro. Todo el mundo entiende esto. Lo que no encaja. Lo imprevisto. Lo inusual. Lo que no ocurre en un teatro. Lo que ocurre en un teatro pero no ocurre como siempre. Como se espera. Creadores que transitan ajenos a los límites y convenciones de las artes escénicas. Que son muchos. Los creadores, los límites y las convenciones. Atrévete. Todos somos raros.
Esta propuesta de CiudaDistrito, enfocada a diferentes tipos de públicos, tendrá lugar en los distritos de Centro y Villaverde, cuenta con obras que experimentan con diferentes formatos (desde el ‘paseo’ a la ‘performance’) y, como todas las actividades de CiudaDistrito, son de acceso libre hasta completar aforo.
EL PASEO DE ROBERT WALSER
Marc Caellas
25 DE OCTUBRE EN DISTRITO CENTRO | 17 h |
Teatro itinerante en calle (se comunicará el punto de partida exacto a los inscritos)| Máximo 12 espectadores |
Necesaria inscripción en el siguiente formulario
26 DE OCTUBRE EN DISTRITO CENTRO | 17 h |
Teatro itinerante en calle (se comunicará el punto de partida exacto a los inscritos)| Máximo 12 espectadores |
Necesaria inscripción en el siguiente formulario
27 DE OCTUBRE EN DISTRITO VILLAVERDE | 17 h |
Teatro itinerante en calle (se comunicará el punto de partida exacto a los inscritos)| Máximo 12 espectadores |
Necesaria inscripción en el siguiente formulario.
28 DE OCTUBRE EN DISTRITO VILLAVERDE | 12 h |
Teatro itinerante en calle (se comunicará el punto de partida exacto a los inscritos)| Máximo 12 espectadores |
Necesaria inscripción en el siguiente formulario.
Edad recomendada: Adultos +16
El paseo de Robert Walser –así escrito, todo junto, dirigida por Marc Caellas y protagonizada por Esteban Feune de Colombi– es una propuesta escénica cambiante que se lleva a cabo en las calles de barrios de diferentes ciudades y a diferentes horarios. Suerte de obra de teatro site-especific, el trayecto empieza en una esquina, adonde un grupo de no más de 15 espectadores se encuentran con el actor que interpreta al paseante de Robert Walser y lo siguen durante una hora y veinte minutos, en aparente anarquía, por el barrio en cuestión. Durante el camino se producen encuentros, azarosos o no, teatrales o no, improvisados o no, con un comerciante, una actriz retirada, un librero, una cantante y/o con una empleada pública; también hay una parada con refrigerio en el domicilio particular de una amiga y mecenas, poco antes que el atardecer nos conduzca al final de la obra.
AMATEUR
Rubén Ramos Nogueira
GIBBONS AMATEUR 10 NOVIEMBRE | 19 h | CC Los Rosales | Villaverde
GOLDBERG AMATEUR 11 NOVIEMBRE | 19 h | CC Los Rosales | Villaverde
Edad recomendada: Adultos +16
Amateur es una serie de dos performances que toman la forma de heterodoxos conciertos de piano (con música del compositor renacentista inglés Orlando Gibbons, en el primero, y las Variaciones Goldberg de Bach, en el segundo), ejecutados por un intérprete no profesional que, huyendo de lo espectacular, da la espalda al público, y en los que se proyecta un texto escrito en primera persona, con un tratamiento similar al de los subtítulos de una película, que reivindica la recuperación de la práctica musical de la música antigua por parte de un público amateur, para quien originalmente fueron compuestas un gran número de obras de nuestra tradición musical, al mismo tiempo que denuncia el secuestro de la mal llamada música clásica (o peor, culta), por parte de los profesionales, hasta el punto de convertir este maravilloso legado común en un producto cultural elitista, en ocasiones inaccesible para sus legítimos destinatarios.
PERFORMANCE MUNICIPAL
Cía: Arlandis & Patón
2 DE DICIEMBRE | CC Santa Petronila | 19 h | Villaverde
Edad recomendad: + 6
Performance Municipal es un trabajo que aúna dos universos aparentemente distantes: la performance y lo municipal. El objetivo objetivo principal es acercar a un público general la disciplina de la performance de una forma divertida a través del cuerpo y el lenguaje. El lenguaje constituye un código cerrado y con este proyecto pretendemos abrirlo en la medida de nuestras posibilidades. Abordar las palabras no solo como significados sino también como sonido y materia. Una materia que se puede trabajar con las manos y con la lengua, con el cuerpo entero. Esta es una pieza sobre el lenguaje y el sentido, o al revés.
En la noche todo es posible. Es el tiempo en que, como en un espejismo o sueño, se abre un territorio de igualdad gracias a la experiencia compartida del baile, el alcohol, la música y el roce de los cuerpos que transpiran. En la noche las identidades se camuflan y redefinen y las barreras sexuales impuestas pueden ser transgredidas con mayor facilidad. En este sentido, el cabaret ha sido desde su invención un lugar en el que desdibujar las diferencias sociales, donde personas de muy distinto pelaje se encuentran bajo un mismo techo, en búsqueda de todo eso que la noche promete, que siempre ha sido mucho.
Este cabaret nace inspirado por el espíritu subalterno y subversivo de Joan Brossa y queda marcado por su delicada ironía, su inteligente humor y su mágica capacidad de sorprender desde lo mínimo. Un detonador para este espectáculo de variedades que echa por tierra las barreras artificiales entre lo que se denomina «alta» y «baja» cultura. La cultura de la noche, fértil, irreverente y anárquica sirve para poner del revés jerarquías artísticas. Transformismo y estriptis, la magia, la música, y la poesía serán solo algunos de los ingredientes con los que Cabaret explorará ese maravilloso laberinto de identidades al que solo tenemos acceso, verdaderamente, cuando la luz del día se apaga. Cada noche, una serie de invitados, de procedencia siempre diversa, guiados por un maestro de ceremonias, nos invitarán a poner en suspenso algunos de los códigos de lo normativo.
Pasen y sean.
Comisariado por Pablo Martínez y José Luis Villalobos
Programa
VIERNES 27 DE OCTUBRE, 3 Y 10 DE NOVIEMBRE DE 2017, 23 h
Lugar: Capella MACBA
Viernes 27 de octubre
Rodrigo Cuevas, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, Pere Faura, Antoni Hervàs con artistas invitados, Cuqui Jerez y Úrsula Martínez.
Viernes 3 de noviembre
Tony Arroyo, Cristine Berna, Ivo Dimchev, Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, Felix Kubin, Arantxa Martínez y Úrsula Martínez.
Viernes 10 de noviembre
Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, La Flor, Victor Guerrero, Brigitta Lamoure, Úrsula Martínez, Quim Pujol, Stanley Sunday y Jonny Woo.
En todas las sesiones, contaremos con La Terremoto de Alcorcón como maestra de ceremonias.
Programa sujeto a cambios de última hora.
Más información: macba.cat/ca/cabaret
