— MuroTRON

1 diciembre, 2017 – 19:00 h / Museo Reina Sofía (Edificio Nouvel, Sala Protocolo)

Coincidiendo con el Día Internacional de la Lucha contra el Sida, el Museo Reina Sofía presenta The Touching Community, una pieza del coreógrafo Aimar Pérez Galí que aborda la relación entre la danza y el sida/VIH.

A finales de 2015, Aimar Pérez Galí inicia una investigación sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza durante las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo en el contexto español y latinoamericano. A este respecto, él mismo apunta: “Un mes antes de que yo naciera, en septiembre de 1982, el Centro de Control de Enfermedades y Prevención de los Estados Unidos utilizó por primera vez el término SIDA para evitar el uso de GRID (Gay Related Immune Deficiency) al conocerse que el virus no era exclusivo de la comunidad gay. Mientras yo aprendía mis límites como individuo a través del contacto con mis padres, muchas personas que tenían mi edad actual morían por esta epidemia. El miedo crecía, aún no estaba claro como se transmitía, y tocarse producía desconfianza, convirtiéndose en una actividad de riesgo. En los estudios de danza empezaban a surgir tensiones entre los bailarines que, sudados, tenían que tocarse para practicar las coreografías.”

La pieza versa, por tanto, sobre la memoria; sobre bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto; sobre una comunidad de artistas que se hizo fuerte en un momento de gran debilidad; y sobre el tacto y el contacto como herramientas de supervivencia. Para ello se apropia del contact improvisation, una técnica de danza que parte del contacto físico entre dos cuerpos para generar coreografías basadas en la improvisación. Concebida por el bailarín y coreógrafo Steve Paxton en 1972 en Estados Unidos, el contact improvisation se expandió internacionalmente como una nueva práctica de la denominada danza posmoderna (democrática, fundamentada en la confianza en el otro y en el hecho de compartir el peso y la gravedad del cuerpo), a la vez que el virus del VIH se propagaba generando un efecto contrario: marginalizando y apartando al sujeto afectado del contacto con otros. De este modo, el énfasis que esta técnica pone en el hecho de tocarse contrastaba con las políticas de inmunidad a las que dio lugar el VIH.

The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que aborda este contraste entre la necesidad del contacto y el deseo de inmunidad para producir una acción que invite al espectador a ser “tocado” a un nivel sensible. En este sentido, su título alude a la doble posibilidad del tacto en una comunidad de cuerpos: la de tocar a otros y ser a la vez tocado. La pieza incorpora cartas que, como parte de su investigación, Pérez Galí escribió a bailarines ya fallecidos, reuniendo reflexiones y recuerdos presentes en conversaciones con quienes fueron testigos de lo que sucedía en aquellos años.

Idea, dirección y textos: Aimar Pérez Galí

Danza: Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Óscar Dasí, Dani Méndez y Aimar Pérez Galí

Dramaturgia: Jaime Conde-Salazar y Aimar Pérez Galí

Apoyo en la investigación: Aimar Arriola

Luces: Cube.bz

Banda sonora: Tirso Orive

Ilustración y fotografía: Jordi Surribas

Producción: ANTES / Aimar Pérez Galí

Foto: Haroldo Saboia

Thiago Granato | 23 de noviembre a las 19h en el Reina Sofía (Edificio Nouvel, Auditorio 400)

Trança es la segunda parte de la trilogía Coreoversaciones, una investigación coreográfica iniciada por Thiago Granato en la Akademie Schloss Solitude de Stuttgart durante una residencia entre 2013 y 2014.

El concepto principal que estructura el proyecto es la creación de tres solos de danza basados en conversaciones coreográficas imaginarias con coreógrafos del pasado, del presente y del futuro respectivamente. De este modo, lo que comienza siendo un proceso de reflexión retrospectiva termina planteando una proyección ficticia en la que el artista pone su cuerpo a disposición de otros. La aproximación documental y la ficcional se entremezclan y confunden, generando un espacio común basado en la necesidad de abordar diferentes cualidades de presencia y estimular así la producción de nuevas corporalidades.

A partir de la combinación de investigación, creación, producción y educación, el proyecto Coreoversaciones busca generar una red de relaciones entre quienes participan en la pieza, tanto artistas como estudiantes y público, para favorecer el debate en torno a la danza y su vinculación con la historia, la herencia cultural, la autoría, la propiedad, la idea de traducción y transmisión o el concepto de incorporación y de presencia.

Después de Treasured in the Dark (2015), el primer solo de la trilogía, Trança invita a un viaje sensorial en el que el sonido, la luz y el movimiento entretejen superficies y temporalidades vertiginosas. Partiendo de una coreografía de manos, Thiago Granato acelera ejercicios de transformación corporal, procesos que permiten al cuerpo cambiar de forma, en los que distintas fuerzas internas (sentimientos y sensaciones) se traducen en signos. Reconocibles en lo cotidiano, estos signos conducen a una investigación en torno al poder del cuerpo para crear contextos que den forma a nuevos modos de vida.

Como afirma la profesora y teórica de la danza Christine Greiner en su texto La alteridad como estado de creación (en Victoria Pérez Royo; Diego Agulló (eds.), Componer el plural, Ediciones Polígrafa, 2016): “al romper la barrera entre el yo y el otro” este proyecto  produce “indeterminaciones, desestabilizando evidencias y apostando principalmente por discontinuidades y atravesamientos entre fragmentos y espectros. La propuesta no consiste en completar nada, ni en contar historias de nuevo o en apropiarse e internalizar algún entrenamiento específico, sino en avanzar en la experiencia de imaginar encuentros entre vivos y muertos, movimientos e imágenes”.

Thiago Granato. Coreógrafo brasileño residente en Berlín. Sus piezas se han presentado en distintos países como Brasil, Uruguay, Israel, Austria, Alemania, Suecia, Líbano o Corea. Además de su trabajo personal, ha colaborado con artistas como Simone Mello, Adriana Grechi, Lia Rodrigues, Mathilde Monnier, Cecília Bengolea, Cristian Duarte o Jefta van Dinther, entre otros. Participó en Ex.e.r.ce 8, programa coordinado por Xavier Le Roy, en el Centro Coreográfico de Montpellier (Francia). Es profesor en DOCH Universidad de Danza y Circo en Cullbergbaletten (Estocolmo, Suecia) y en el departamento de Danza y Teatro Modernos de la AHK en Ámsterdam (Holanda). Durante los años 2013 y 2014 fue artista residente en la Akademie Schloss Solitude en Stuttgart (Alemania), periodo durante el cual desarrolló el proyecto Coreoversaciones; y en 2015 lo fue del Centre International des Recollets en París (Francia). En 2017,  crea Hosts, una pieza coreográfica realizada junto con catorce estudiantes como parte de la programación del departamento de Teatro y Danza Moderna de la AHK. Actualmente, trabaja en la tercera parte de la trilogía Coreoversaciones.

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Tania Arias | 23 y 24 de noviembre a las 22 h. en La Casa Encendida

Danza más cabra surge a partir de unos cuernos y en relación estrecha al mundo de la moda, especialmente a la figura de Alexander McQueen. Partimos de lo más superficial, de la capa más externa. Los diferentes lenguajes de movimiento son tratados como un accesorio más.

Tania Arias Winogradow deja entrar a algunos íncubos cada vez que presenta una nueva colección de esta pieza para que rematen con ella ese traje que es la obra. En esta ocasión, a partir de la colección Fall 2016, los invasores son Celeste Mauri González, Andreya T y los músicos Santiago Rapallo y Javier Adán.

Van sucediéndose diferentes combinaciones de prendas, de movimientos, un despliegue de cuerpos que simplemente se exhiben porque fueron desterrados de diferentes territorios. Y en ese destierro, deciden homenajear salvajemente y sin control a los ídolos ya fagocitados por el tiempo, ese gran maquillador que tanto tememos.

The Horn of Plenty Dress, un título prestado de una colección de Alexander McQueen, nos remite al traje del cuerno de la abundancia. La multitud de cuerpos que van apareciendo se disuelven en un sombreado perfecto de honestidad y añoranza de una belleza nunca alcanzada.

• Concepto y coreografía: Tania Arias Winogradow.
• Creación e interpretación: Celeste González, Andreya T y Tania Arias Winogradow.
• Música original: Santiago Rapallo y Javier Adán.
• Iluminación: Sindo Puche.
• Técnico de iluminación: Cristina Libertad Bolivar.

Tania Arias Winogradow desarrolla su proyecto escénico contra la extinción creando obras en diálogo con otros artistas. Bailarina de fondo en concierto y Danza más cabra son parte de este proyecto. Algunos artistas con los que ha trabajado en los últimos tiempos son Mónica Valenciano, La Ribot, Carlos Marquerie, Mauri y Celeste González, Johannes de Silentio, Juan Loriente, Sonia Guisado. En 2013-2014 colabora junto a Simone Forti coordinando las Dance Constructions presentadas en el Museo Reina Sofía de Madrid dentro de la exposición “+-1961: La expansión de las artes”. En 2017 coordina Una exposición coreografiada en CA2M, proyecto comisariado por Mathieu Copeland.