— MuroTRON

Jan Martens – 17 y 19 de octubre en el Mercat de les Flors

En este espectáculo, seis bailarines interpretan la música de veinte compositores y cantantes innovadores. Jan Martens explica: “Quiero profundizar en la historia de la música y ver si puedo poner en un primer plano una variedad de voces desconocidas. Esta vez quiero tomarme el término «voz» al pie de la letra. La partitura musical de esta pieza estará exclusivamente constituida por obras en las que la voz femenina tiene un papel destacado”. VOICE NOISE se inspira en el ensayo de Anne Carson The Gender of Sound (1992), en el que expone cómo la cultura patriarcal ha intentado silenciar a las mujeres asociando ideológicamente la voz con la monstruosidad, el desorden y la muerte.

El coreógrafo y bailarín belga Jan Martens cree que cualquier cuerpo puede comunicar y tiene algo a decir. Con cada nueva pieza intenta redibujar la relación entre público e intérprete. Después de su primera creación, I can ride a horse whilist juggling so marry me de 2010, Martens hizo numerosos solos, duetos y piezas grupales. Crea su primera pieza para escenario grande con Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones, una producción para diecisiete bailarines que se estrenó en el Festival de Avinyó y que pudimos ver en el Mercat en 2022. Martens es artista asociado de DE SINGEL en Anvers (Bélgia), la Comédie scène nationale de Clermont-Ferrand, la Ópera Ballet Vlaanderen, la Maison de la danse de Lyon y la Biennal de Danza de Lión.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/voice-noise/.

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Magdalena Leite y Aníbal Conde – 24 y 25 de octubre en Teatro del Barrio (Surge)

Escucha Radical es una acción escénica para dos performers, que surge de la mezcla de diferentes prácticas en torno a la escucha. A través de esta escucha, dos cuerpos devienen movimiento, se encuentran en la acción y la palabra y dejan por momentos de ser dos para convertirse en un ensamblado de otras corporalidades, seres y cosas.

Una escucha radical implica una escucha a los materiales, una escucha al espacio, una escucha a la obra misma, una escucha al cuerpo, una escucha al tiempo, una escucha a la historia, una escucha a les pares, una escucha a les espectadores, una escucha a las ráfagas que atraviesan nuestros cuerpos, una escucha al viento que susurra tiempos.

Más información entradas: https://www.madrid.org/surgemadrid/2024/14-escucha-radical.html.

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Laura Ramírez Ashbaugh – 12 y 13 de octubre en Réplika Teatro (Surge)

serenity rave es un lugar, un latido, algo que no es visible pero que está presente.

Un espacio donde el cuerpo es un territorio ambiguo en el que la danza ejerce de médium y la rave como contenedor de experiencias.

Un solo de danza para una sola intérprete, cuyo cuerpo muta a través del sonido del techno, abriendo las múltiples posibilidades que podemos encontrar en aquello que todavía no conocemos y que, quizás, nos dé miedo.

serenity rave es la noche en la que aprendimos a hablar con el cuerpo, en la que nos abrumamos y algo amenazaba ruina; es la noche en la que descubrí que mi brazo era su pierna y la cabeza un fantasma, y yo, que permanecía ahí bailando, sigo bailando.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/surgemadrid/2024/32-serenity.html.

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Portinari, C. (1957). “Quema de Judas”

Opus cero de Ben Attia – 8 y 9 de octubre en Teatro Pradillo dentro del Festival Surge

Opus cero es una entrevista de Carmen Aldama a Ibrahim Bah, Bastian Ponce y Maxi Labrador. Cuatro personas y un ángel:

¿Quién, si yo gritara, me oiría desde los órdenes

celestiales? Y aún en el caso de que un ángel me acogiera

de repente y me llevara junto a su corazón: yo perecería por su

existir más potente. Porque lo bello no es nada

más que el comienzo de lo terrible, justo lo que

nosotros todavía podemos soportar, y lo admiramos tanto porque él, indiferente,

desdeña destruirnos. (Rilke)

—–

Una creación de _Ben Attia_

Espacio: _Ben Attia y María Moncada_

Diseño de iluminación: _Antoine Forgeron_

En la entrevista: _Carmen Aldama, Ibrahim Bah, Maxi Labrador, Bastian Ponce, Carlos Pulpón._

Más información y entradas: https://entradium.com/events/opus-cero

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25 de septiembre en Azkuna Zentroa de 11 a 21h

Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao abre la temporada 2024-2025 con AZzabalik. Encuentro en torno a la Creación Artística. Una jornada enfocada en mostrar la producción contemporánea a través del trabajo de una treintena de artistas del contexto local e internacional y una veintena de actividades que tienen lugar en todo el Centro: desde el Atrio hasta la Terraza, Lantegia, Kubo Baltza, DendAZ o la Sala de Exposiciones.

AZzabalik arranca por la mañana con la presentación de la Temporada 2024-2025 y la Jornada Pensar, hacer, habitar. Encuentro profesional en torno a las residencias artísticas. A modo de reflexión común, responsables de diversos espacios de residencias, institucionales e independientes y artistas compartirán impresiones sobre la importancia de los programas de apoyo y acompañamiento a la creación. Por la tarde, las y los artistas que trabajan en Azkuna Zentroa a través del Programa de Residencias abren sus estudios de Lantegia para compartir con todas las comunidades de públicos sus procesos creativos. Son proyectos que suponen una nueva mirada a las narrativas actuales, situadas en la intersección entre las artes visuales, la danza, la performance, el audiovisual, el sonido o la palabra. Lecturas performativas, visitas guiadas, encuentros y espectáculos de danza conforman esta reentré en la que se puede experimentar todo lo que sucede dentro de la Alhóndiga a lo largo del año.​

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/az-zabalik-2024/

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Romeo Castellucci – 18 y 19 de septiembre el en Festival Lev en Matadero

The Third Reich es una videoinstalación performativa frenética basada en la representación espectral de todos los sustantivos que figuran en el diccionario italiano, traducidos al castellano, que se proyectan en una pantalla gigante a gran velocidad en una secuencia, uno a uno, hasta acabar provocando la pérdida de control en la percepción del espectador. Con sonido compuesto por el músico experimental electroacústico Scott Gibbons, este proyecto es la imagen de una comunicación impuesta, obligatoria; de la violencia explícita de un lenguaje único y producido en serie. El furioso manojo de palabras que aquí se presenta no deja lugar a la elección ni al discernimiento. El núcleo del lenguaje se convierte en ruido blanco, conduciendo al caos.

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Brigitte Vasallo – Del 12 al 22 de septiembre en el Antic Teatre

¿Cómo hacer una memoria sin decir las palabras que no se pueden decir?

Naxos toma prestada una historia de princesas y laberintos para explicar la historia de la gente sin mito, de una memoria txarnega perdida en la oralidad sin lugar, en la diáspora, en la vergüenza migratoria, en la apropiación por un bando y por otro, en el discurso celebratorio del futuro industrial.

Nuestra desposesión remite a la pérdida de una única guerra en muchos actos: la Guerra Civil contra los pobres, la guerra cultural contra la memoria y la reparación, la guerra, hoy, de los mismos poderes contra las poblaciones en resistencia que luchan por la justicia, también climática, en las tierras de nuestra ausencia.

¿Quién tiene miedo de la memoria txarnega?

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/naxos-brigitte-vasallo/?lang=es.

Brigitte Vasallo
Escritora, investigadora y docente, ha sido invitada a la Cátedra Mercè Rodoreda de Estudios Catalanes de la Universidad de Nueva York (CUNY) y es docente del Máster de Género y Comunicación de la UAB, del Posgrado de Cultura de Paz de la UB, y del LAP, Laboratori d’Art i Pensament de Es Baluard Museu. Artista residente a la Academia de España en Roma, es autora de Pornoburka, prologada por Juan Goytisolo, Pensamiento MonógamoTerror Poliamoroso y Lenguaje Inclusivo y Exclusión de Clase, todas ellas con ediciones internacionales. Ha dirigido el I Festival de Cultura Txarnega de Barcelona, la tercera edición del congreso internacional Non Monogamies and Contemporary Intimacies y ha sido asesora internacional del Centro de Estudios Sociológicos de la Universidad de Coimbra. Ha estrenado, como dramaturga, la investigación escénica Un cos (possible) i lesbià, cocreada con la artista visual Alba G Corral.

Gena Baamonde – mullerona
Doctora en Bellas Artes, titulada en arte dramático, dramaturgia y dirección de escena con formación en artes del movimiento, igualdad, género y diversidad sexual. Ha estado vinculada al Matarile Teatro, a Teatre Galán i al festival de danza En Pé de Pedra. Fue artista residente en el Centro Coreográfico Gallego con el proyecto Corpo-puta-vaca-berro. Trabajó también en asistencia de dirección y dramaturgia por el Centro Dramático Galego, Factoria, Disque Danza, A Artística, Helen Bertels y Voadora. Fundó la compañía Maria a Parva, con la que estrenó los espectáculos MuleronaXogo para nenas e Indignos, de los cuales escribió los textos originales, asumiendo, también, la dirección. Forma parte de la creación y dirección de diversos proyectos de A Artística, como Des-memoria-2 y Verde a tempo completo y ha creado y dirigido el espectáculo Arquitectura da Emoción. Ha dirigido Elisa e Marcela de la compañía A Panadaría. Trabaja junto con Andrea Quintana, dentro del colectivo VACAburra.

Laura R. Iturralde
Premio Maria Casares a la mejor escenografía por Resaca (il Maquinario) y a la mejor iluminación por Invisibles (RedrumTeatro), por O empapelado amarelo (A Quinta do Cuadrante) y por Bailar Agora (Marta Alonso Tejada). Premio Rogelio de Egusquiza, de la Asociación de Directores de escena de España por la iluminación de Fariña, de Ainé Producións. Explora desde 2016 el área del live cinema y las visuales en tiempo real a través de la cámara en vivo y participa en proyectos como Lorca NamoradoVesalli Icons do TAC, Trilitrate y Nostoc.

Concha Milla
Licenciada en Arte Dramático por el Institut del Teatre de Barcelona. Ha desarrollado su carrera en Barcelona, Madrid y Buenos Aires como directora, actriz, dramaturga, asistente de dirección y pedagoga teatral. Como actriz, en teatro, ha trabajado tanto en Madrid, como en Barcelona y Buenos Aires con directores y directoras como José Sanchis Sinisterra, Helena Pimenta, Ramón Barea, Marc Angelet, Sergi Pompermayer, Israel Solà, Juan Carlos Gené o Carlos Ianni. En televisión, ha participado en TV3 en series como Com si fos ahirCitesLa RieraTemps de silenciPlats Bruts o El cor de la ciutat. Como dramaturga, ha estrenado ESTIgMESInteriorsUna nitRefraccions y ha sido finalista al IX Torneo de Dramaturgia Catalana de Temporada Alta con la obra L’Ascensor. Es directora de todas sus obras, excepto ESTIgMES, y ha dirigido, también, La grietaUna llibertat deliciosa i Calces de paper. Ha sido ayudante de dirección de Mario Gas, Lautaro Perotti y Carlos Ianni.

 

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Lolo & Sosaku – 29 de septiembre en La Mutant

Un espectáculo donde el sonido de Lolo & Sosaku vertebra todo y genera una alteración en el orden establecido del público.

El sonido llevado a su límite en esta performance sonora.

Lolo & Sosaku
Buenos Aires, Argentina, 1977
Tokyo, Japón, 1976

«Nuestro trabajo sucede en los límites, los empuja, los desdibuja, los cuestiona».

Lolo & Sosaku investigan las posibilidades de la escultura como campo ampliado. El nexo que une su trabajo es la búsqueda de un objeto en contacto con su entorno y con el espectador, un objeto que busca fricción y tensión, explorando la capacidad de crear nuevos significados.

Su trabajo transita entre diferentes lenguajes artísticos como la escultura, la instalación, arte cinético y pintura, a menudo incorporando música y sonido. Su modus operandi es constituirse como sujeto y alcanzar desde su materialidad la trascendencia, al misticismo y lo desconocido. La música electrónica es sin duda el punto culminante de su inspiración como lenguaje complejo, traducido en instalaciones sonoras y composiciones escultóricas.

Formas, líneas, materiales y los sonidos se ensamblan en esculturas en movimiento que actúan tomando su propia voz en una transformación continua e impredecible. Explorando muchos horizontes artísticos. y redefiniendo fronteras, su interés es la energía y las fuerzas ocultas que guían la vida en nuestra era tecnológica.

La obra de Lolo & Sosaku ha sido expuesta y representada, entre otros, en el Museo Reina Sofía (Madrid, España), MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Barcelona, ​​España), Liceu de la Opera (Barcelona, ​​España) PSA Power Station of Art (Shanghai, China), MIS Museu da Imagem e do Som (São Paulo, Brasil), Fundação Casa França Brasil (Rio de Janeiro, Brasil), Sónar (Barcelona, ​​España), Matadero (Madrid, España), Night Time Story, (Los Ángeles, California) Palacio de la Cultura (Iasi, Rumania), Galería Luis Adelantado (Valencia, España) e Instituto Cervantes (Milán, Italia) Museo de arte e historia MAH (Ginebra, Suiza), Galería Double Square, Taipei, Taiwán

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Angélica Liddell – Del 13 al 20 de septiembre en Teatros del Canal 

Angélica Liddell abrió el Festival d’Avignon 2024 con DÄMON. El funeral de Bergman, donde consiguió seducir al público y enfurecer a la crítica teatral francesa.

Angélica Liddell invoca al cineasta sueco Ingmar Bergman, quien escribió el guion de su funeral como si fuera su última obra maestra, y le toma la palabra.

Rodeada de actrices y actores del Dramaten –el Teatro Nacional de Suecia– y de sus habituales cómplices de su compañía, la intérprete española nos invita a contemplar nuestras fantasías enterradas y nuestros terrores tácitos, hasta tener que enfrentarnos al demonio final: no la Muerte, sino la Vanidad.

Los espectáculos de Angélica Liddell arrojan luz sobre “lo que uno no se atreve a hablar en las cenas”: este discurso ardiente que encuentra refugio en el escenario y que ella llama “la pornografía del alma”.

AVISO: Algunas escenas de este espectáculo pueden herir la sensibilidad del público.

Más información y entradas: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/angelica-liddell-damon-el-funeral-tc2425/.

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Del 13 al 21 de septiembre en La Casa Encendida

Ídem 2024 propone el trabajo de artistas que tratan cuestiones sensibles y cruciales para nuestra sociedad, reflexionado sobre el aislamiento social radical, el pensamiento marginal, la salud mental, el desplazamiento, la resistencia, el cimarronaje, la fugitividad y la experiencia de oscuridad asociada a la luz.

Desde la práctica artística y el activismo, en diferentes formatos como la performance, el site specific, la instalación interactiva, el teatro y la danza. Estos trabajos dialogan entre sí, nos convocan, nos provocan y nos interrogan.

¿Qué cuerpos importan?, ¿quién se merece una vida visible?, ¿qué vidas cuentan?

Estas piezas, desde miradas poéticas, proyectan el reflejo de nuestras elecciones íntimas, de nuestra vulnerabilidad, de nuestra capacidad de conectarnos y desconectarnos de la realidad, y nos hablan sobre cómo restaurar las redes de autonomía, afecto y amor propio.

Esta edición presenta trabajos de creadores procedentes de Francia,  Cuba y Palestina, y de comunidades autónomas como Cataluña, Comunidad Valenciana y Aragón. Los artistas participantes en las piezas proceden de Japón, Venezuela, Guinea Ecuatorial, Ecuador y República Dominicana.

Inauguramos el festival con HIKU, pieza que transita entre la performance y el cine, la ficción y el documental, y que convoca a través de robots en tiempo real a los propios HIKIKOMORI, colectivo que voluntariamente se ha aislado de todo contacto con la sociedad y que se presentan aquí como un grupo resistente a los mandatos contemporáneos. La compañía francesa Shonen presenta por primera vez su trabajo en España, dirigida por Anne-Sophie Turión y Eric Ming Cuong.

Paula Miralles y Vicente Arlandis (Taller Placer) estrenan su pieza Corrimiento al rojo, un site specific donde proponen una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva. La propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde.

La pieza Calidoscópica de Sonia Gómez con Encarni Espallargas, es un espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar. Proponen darnos a conocer de primera mano la potencialidad que puede llegar a tener la estigmatizada locura o trastorno mental.

La segunda semana del festival comienza con Basel Zaraa, artista palestino, que estrena en nuestro país su pieza Dear Laila (ganadora del premio del público ZKB 2023), una instalación íntima e interactiva que comparte la experiencia palestina de desplazamiento y resistencia a través de la historia de una familia, explorando cómo la guerra y el exilio se experimentan a través del espacio cotidiano, doméstico y público. Para ello da vida a este lugar, ahora destruido, a través de la narración de historias familiares y de una aproximación sensorial.

Victor Longás y Lucas Ares (Desgarradura), estrenan The Miracle Worker, pieza pensada para el Patio de La Casa Encendida y donde proponen al público diferentes espacios escénicos por los que transitar para presentarnos sus reflexiones sobre la soledad, el aislamiento y la desaparición social del individuo, moviéndose entre los límites de la ficción y de lo real.

El festival ÍDEM 2024 clausura con el estreno de Eyilá de José Ramón Hernández y Osikán-Vivero de creación, que tiene como punto de partida la pregunta “¿dónde radica la fuerza política de nuestra espiritualidad?”. El proyecto está desarrollado junto a comunidades que se excluyen del espacio social voluntaria e involuntariamente, personas afro, migrantes, trans y racializadas, y construye un archivo vivo de espiritualidad, memoria, resistencias, fugitividad, cimarronaje, reparación y sanación.

Festival comisariado por Marisa Lull.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/festival/idem-2024-festival-internacional-de-artes-escenicas.

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