VARIOS ARTISTAS
04.05.18 – 07.06.18
La Blueproject Foundation presenta “Abaton”, un ciclo en torno a la idea de lugar imaginario que reúne diferentes propuestas artísticas y que acogerá Il Salotto del 4 de mayo al 7 de junio de 2018. Este ciclo contará de manera permanente con la instalación sonora Chijikinkutsu, del artista japonés Nelo Akamatsu, que convivirá con las otras actividades como performances, proyección de vídeos de artistas y largometrajes, una sesión literaria y una performance audiovisual.
Abaton es una de las ciudades mencionadas en el libro Guía de lugares imaginarios, de Alberto Manguel y Gianni Guadalupi. Una ciudad de localización cambiante, a la que nadie ha podido llegar jamás y, por tanto, no se sabe cómo es su interior. Abaton es, por definición, un lugar sagrado, donde se guardaba la figura del dios en los templos griegos; un lugar inaccesible a las gentes. En la versión de Sir Thomas Bulfinch, recogida en la guía, un lugar que apenas ha podido ser vislumbrado por algunos, como una visión en un horizonte lejano.
Las referencias a Abaton, como lugar al que no se va o lugar sagrado, nos hacen pensar en el lugar que ocupamos, en el presente, y en los que podemos alcanzar en la imaginación. A partir de esta premisa, habitar un lugar, estar conectado a él e ir más allá, es lo que proponen las diferentes propuestas que componen este proyecto.
Nelo Akamatsu, con Chijikinkutsu, propone adentrarnos en un Il Salotto transformado, que nos sirve de medio, a través del agua, agujas y cables de cobre, para conectarnos con el geomagnetismo de la tierra y hacernos conscientes del lugar que ocupamos. Los diferentes vídeos y largometrajes que podrán verse hablan de lugares ficticios o ficcionados a partir de la realidad; de cómo lugares concretos se transforman en escenarios futuristas, distópicos o surrealistas en narraciones superpuestas a la realidad. Por otro lado, el cuerpo es lo que activa ese abaton y será lo que veremos en la performance de Manuel Rodriguez, mientras que en la performance The Pleiades, de Elena Bajo, la idea de constelación nos hace pensar en un lugar inalcanzable, imaginado a partir de la escala humana y los sueños.
En la guía de lugares imaginarios, muchas de las ciudades citadas son islas y precisamente una isla en particular, La isla de cemento, de J. G. Ballard, será la que articulará el encuentro literario Biblioteca de las islas, una actividad de lectura y discusión de textos en colaboración con la Fundació Joan Miró. Para terminar el ciclo, Hamill Industries, junto a Shelly y mans o, nos llevarán a un espacio visual efímero transformado por el sonido a través de la instalación Cosmophonia – The insfrastructure of light.
PROGRAMA
CHIJIKINKUTSU DE NELO AKAMATSU
Instalación sonora permanente
→ 04.05.2018 – 03.06.2018
THE PLEIADES
Performance de Elena Bajo
→ Jueves 17.05.2018, 20h
NADA REAL, TODO IMAGINARIO. EL DÍA DE GLORIA DE RAYMOND ROUSSEL
Raymond Roussel: Le Jour de Gloire de Joan Bofill, 2016
Sesión de cine a cargo de Enrichetta Cardinale, codirectora de Dart Festival Barcelona, en conversación con Joan Bofill, director de la película
→ Domingo 20.05.2018, a las 18:30h
HACER VISIBLE, LO INVISIBLE
Performance de Manuel Rodriguez
→ Jueves 24.05.2018, a las 20h
UN AGUJERO EN EL CENTRO DE LA ATLÁNTIDA
Sesión de videos de artistas a cargo de Marla Jacarilla
New Madrid de Natalia Marín, 2016, (10min06seg, VO)
De urobóros y quimeras de Juan David Galindo 2017 (16min25seg, VO)
In Praise of the Beast de Greta Alfaro, 2009 (14min58seg)
Vientos del oeste/vientos del este de Carlos Vásquez, 2014 (15min46seg, VOSI)
Montaña en sombra de Lois Patiño, 2012 (13min52seg)
Cartografías y falacias de un lugar cualquiera de Marla Jacarilla, 2011 (5min, VO)
Film (Hôtel Wolfers) de Dora García, 2007 (11min30seg, VO)
→ Domingo 27.05.2018, a las 18:30h
BIBLIOTECA DE LAS ISLAS
Encuentro literario con Víctor García Tur, presentado por Alexandra Laudo [Heroínas de la Cultura]
→ Jueves 31.05.2018, a las 18:30h
EN LOS LÍMITES DE LO REAL
Sesión de cine a cargo de Albert Elduque
Llocs que no existeixen: Austràlia de Isaki Lacuesta e Isa Campo, 2009 (27min, VO)
Lessons of Darkness de Werner Herzog, 1992 (54 min, VOSI)
→ Domingo 03.06.2018, a las 18:30h
RUIDO FUNDAMENTAL
Sesión audiovisual a cargo de Hamill Industries en colaboración con Shelly y mans o
→ Jueves 07.06.2018, a las 21h
Más información: http://www.blueprojectfoundation.org/es/actividades/eventos/item/abaton-ciclo
Del 7 al 19 de mayo en Naves Matadero
La compañía L’Alakran, fundada en Ginebra por el director, actor, autor y escenógrafo vasco Oscar Gómez Mata, suscita en escena emociones radicales, creando espectáculos lúdicos, filosóficos y siempre poéticos. El contexto político, en el sentido de actitud crítica, es inherente a su proyecto artístico; para interrogarse sobre la relación entre el individuo y la colectividad, sin querer dar respuestas ni fijar la palabra en una ideología. Desde su creación en 1997 esta compañía agita y provoca al público para despertarlo y arrancarlo del bucle de la rutina.
Con un sello propio de creación y expresión quien ve por primera vez a L’Alakran, la recuerda para siempre. Rechazando la tradición centrada en la primacía del texto, la compañía se apropia el texto con el fin de pasarlo por el filtro de sus sensibilidades y del contexto en el cual se desarrollan las representaciones, convirtiéndolo en un trampolín, al igual que el resto de formas de expresión escénica.
Según el filósofo y crítico teatral Bruno Tackels: “las actuaciones de L’Alakran traspasan los límites del teatro y lo convierten en un espacio profundamente libre, donde todo es posible. La escena se transforma en el vivero donde se diseccionan las diversas formas en que el mundo contemporáneo nos afecta. Un laboratorio de nuestras pequeñas patologías de la vida cotidiana. Cómo el capitalismo que se ha infiltrado en nuestras venas nos está deshumanizando lenta pero seguramente. En busca del antídoto, desesperadamente. Si tienes una pista, escribe a L’Alakran”.
Teatron acompañará el paso por Naves Matadero de L’Alakran-Oscar Gómez Mata, compañía histórica que recientemente ha celebrado su 20 aniversario.
7 al 12 de mayo · Taller Consciencia y pensamiento de la acción – Nave 11
14 de mayo · Clase magistral en la Universidad Carlos III – Campus Puerta de Toledo / Salón de Grados / 19h (entrada libre hasta completar aforo)
15, 16 y 17 mayo · Ciclo de cine propuesto por Oscar Gómez Mata – Sala Plató de Cineteca.
15 mayo – 21h: El jefe de todo esto (Lars von Trier)
16 mayo – 21h: Opening Night (John Cassavetes)
17 mayo – 21h: Carretera perdida (David Lynch)
Oscar hará una presentación de cada película antes de su proyección.
Acceso gratuito.
15 al 20 de mayo · Retrospectiva. Vídeo-instalación con selección de obras de L’Alakran – Vestíbulo de la Nave 11
- Carnicero español (1997)
- Cerebro magullado 2: King Kong Fire (2002)
- Optimistic vs Pessimistic (2005)
- Kaïros, sísifos y zombis (2008)
- La Conquista de lo Inútil (2016)
Horarios Video-instalación
15 mayo – 12h a 20h
16, 17 y 18 mayo – de 17h a 20h
19 y 20 mayo – de 12h a 20h
18 y 19 de mayo · Le Direktør (El jefe de todo esto) – Nave 11 / 20.30h
Read More10 de mayo en La Casa Encendida y del 11 al 12 de mayo en el CCCB.
El CCCB presenta la 7ª edición del Primera Persona, festival de referencia que reúne a creadores de varias disciplinas artísticas que basan su obra en su propia experiencia vital. Lecturas, monólogos y conversaciones, actuaciones que los participantes preparan como siempre en exclusiva para el festival. El festival también celebra su tercera edición en La Casa Encendida de Madrid.
Viernes 11 de mayo
Sesión 1 / 19.00 / Teatro CCCB
«Crónica de dos crímenes» (Carles Porta, Joan M. Oleaque y Ramón Campos) / Vivian Gornick con Anna Guitart
La cápsula «Crónica de dos crímenes» inaugura la séptima edición del festival. El periodista y escritor Carles Porta, autor de Tor, tretze cases i tres morts (La Campana, 2005) –la ya clásica narración del true crimecatalán– charla con el también periodista Joan M. Oleaque, que cubrió el crimen de Alcàsser para la revista El Temps desde el año 1993 y escribió uno de los mejores libros de crónica y de investigación publicados en España: Des de la tenebra. Un descens al cas Alcàsser (Empúries, 2002). Les acompaña en escena el productor televisivo Ramón Campos, creador –con su productora Bambú Producciones– de exitosas series españolas como Las chicas del cable(2017) o Velvet (2014-2016) y que recientemente ha estrenado Fariña (2018), la adaptación televisiva del libro sobre el narcotráfico gallego del periodista Nacho Carretero. Para el año 2019, Campos prepara una miniserie documental sobre el caso Alcàsser. Idioma: catalán y castellano
Para cerrar la primera sesión del festival, sube al escenario la escritora neoyorquina Vivian Gornick, una de las más ilustres y respetadas escritoras y feministas del mundo, en rigurosa primera persona. Es autora de varios libros, entre los que hay las dos memorias Apegos feroces (Sexto Piso, 2017) y La dona singular i la ciutat (L’Altra Editorial, 2017). En Primera Persona habla con la periodista y guionista de radio y televisión Anna Guitart. Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)
Sesión 2 / 22.00 / Teatro CCCB
Tom Gauld / Sheela (Wild Wild Country)
El dibujante de cómics e ilustrador escocés Tom Gauld abre la segunda sesión del festival. Llamado «el dibujante amante de los libros» –la gran mayoría de sus viñetas versan sobre literatura y bibliofília–, Gauld tiende a reírse, con mucho cariño, de los coleccionistas de libros, los críticos, los escritores consagrados o del canon literario. Colabora con cabeceras como The Guardian, The New York Times o The New Yorker y llega a Primera Persona para presentar su último libro: En la cocina con Kafka (Ediciones Salamandra, 2018). Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)
Para finalizar la primera jornada del festival, sube al escenario Sheela, personaje principal de la serie documental Wild Wild Country de Netflix (2018), ex secretaria personal y ex portavoz del maestro espiritual Osho. Su figura se ha hecho conocida globalmente gracias a la serie de Netflix, que aborda su papel clave en el desarrollo del culto a Bhagwan Shree Rajneesh y en la que se plantean temas que tienen que ver con las conspiraciones, los cultos religiosos alternativos del poshippismo o el choque de culturas, entre muchos otros. Personaje carismático y controvertido, mediático y polémico, sobre todo a raíz de la creación de una enorme comuna Rajneesh el desierto de Oregón, en Estados Unidos, Sheela se convirtió en la cara visible del enfrentamiento con los antiguos habitantes de aquella región, primero, y con las autoridades estadounidenses después. Este choque la llevó a cumplir 29 meses de condena en prisión, acusada de varias de las actividades que se llevaron a cabo en la comunidad. Su participación en Primera Persona servirá para conocer mejor este personaje en toda su complejidad, icónico gracias a una serie que se ha convertido en un fenómeno global pero que contiene aún más matices. Y, sobre todo, una historia de vida novelesca y fascinante. Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)
Sábado 12 de mayo
Sesión 3 / 19.00 / Teatro CCCB
Carla Simón y Elena Martín / Ishmael Reed con Marina Garcés / Simon Reynolds: Glam Rock: de T. Rex a Lady Gaga
Para abrir el segundo día de festival, suben al escenario dos representantes de una nueva generación de personalísimas cineastas catalanas: Carla Simón y Elena Martín. Simón, tras realizar varios cortometrajes experimentales y documentales emitidos en TV3, pasó a ser un fenómeno global con la historia más íntima que podía explicar, la suya, la de su familia: la película Estiu 1993 (2017), con el que se alzó con el premio a la mejor dirección novel en los Goya 2018, entre otros galardones. Simón conversa con Martín, que se dio a conocer interpretando a la protagonista de la película Les amigues de l’Àgata (2015) y trabaja siempre a caballo entre el cine y el teatro, entre la interpretación y la dirección. El 2017firma su primer trabajo como directora, Júlia Ist. Idioma: catalán
Las sigue en escena Ishmael Reed, una figura clave en la historia de la cultura afroamericana. Influido en un principio por los poetas beats y los de la Harlem Renaissance, su prosa rítmica y libre como un precioso desvarío jazz lo ha convertido en uno de los autores que han sabido explicar mejor los mitos ancestrales de la historia negra con las apuestas más vanguardistas. Al margen de sus facetas como profesor en la Universidad de California y como poeta, aquí hemos descubierto su faceta como novelista, con títulos como Mumbo Jumbo (La Fuga Ediciones, 2016). Reed charla con la filósofa, pensadora, profesora y activista Marina Garcés, recientemente galardonada con el Premio Ciudad de Barcelona en la categoría de ensayo por su libro Nueva ilustración radical (Anagrama, 2017). Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)
Finalmente, el crítico cultural inglés, articulista musical y pensador pop único Simon Reynolds sube al escenario para hablar de «Glam Rock: de T. Rex a Lady Gaga». En su último libro, Como un golpe de rayo. El glam y su legado, de los setenta al siglo XXI (Caja Negra editora, 2017), Reynolds ha analizado este género andrógino, de clase obrera y vanguardista, que lo marcó desde sus primeros años de infancia. Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)
Sesión 4 / 22.00 / Teatro CCCB
Gee Vaucher (Crass) con Brigitte Vasallo / Virginie Despentes con Christina Rosenvinge y Jordi Nopca
Comenzamos la segunda sesión con Gee Vaucher, pintora, cineasta y artista visual inglesa, miembro de la influyente banda anarco-punk Crass (1977-1984). En 1967 fundó Dial House, una comuna rural (o «casa libre») que sigue en funcionamiento a día de hoy. En Primera Persona, Vaucher conversa con Brigitte Vasallo, escritora barcelonesa, profesora y activista antirracista, conocida especialmente por su crítica a la islamofobia de género, así como por su defensa del poliamor en las relaciones afectivas. Idioma: inglés con traducción simultánea (cat)
Por último, la escritora francesa Virginie Despentes, una de las voces más vigorosas del feminismo moderno, sube al escenario para cerrar la séptima edición de Primera Persona. Despentes, que dejó casa y estudios a los diecisiete años y fue prostituta y punk, es autora de la novela Baise-moi (Fóllame), de la trilogía Vernon Subutex y del ensayo autobiográfico Teoría King Kong (L’Altra Editorial/Penguin Random House, 2018). La autora conversa con el periodista y escritor catalán Jordi Nopca, actual redactor del diario Ara y Premio Documenta 2014 con la colección de relatos Puja a casa. Los acompaña en escena la cantautora madrileña Christina Rosenvinge, que forma parte del paisaje musical español desde hace muchos años y en todas sus capas, desde la radiofórmula hasta el indie. Rosenvinge, una de las mejores escritoras de música pop en español y que en su último trabajo –Un hombre rubio (El Segell del Primavera, 2018)– revisa clichés sobre la masculinidad, leerá fragmentos de la obra de Despentes. Idioma: castellano.
Sesión 4 – Entradas agotadas
Read More
PIÈCE DISTINGUÉE N°45
10 DE MAYO DE 2018
La Ribot (Madrid 1962), una de las artistas españolas más innovadoras en la creación coreográfica, presenta el 10 de mayo en Azkuna Zentroa la pieza ‘Pièce distinguée n°45’. En esta pieza, La Ribot cuenta con la colaboración del performer Juan Loriente, con quien ha colaborado en diversas ocasiones, concretamente a dúo en ‘Los trancos del avestruz’ (1993) y ‘Oh! Sole’ (1995).
Juntos, se sientan sobre un terciopelo verde. Pareja singular, vestida de gala, la actuación se desarrolla en silencio. Cuidadosa y metódicamente, La Ribot va pintando a su compañero y luego a sí misma hasta borrar el más mínimo rastro de sus identidades. Los gestos irán cesando y de La Ribot y su compañero sólo quedará una mancha de color, un relieve rojo sobre una tela de terciopelo. ‘Pièce distinguée n°45’ juega con los límites de las disciplinas y las artes. La acción de la obra se centra en el acto de pintar, y la pintura acaba cubriendo por completo el cuerpo de los intérpretes, diluyendo su naturaleza humana para sublimarlos en una especie de esculturas orgánicas. Transcurrido un tiempo tras el último gesto, los cuerpos yacen en el suelo, mientras la pintura se endurece sobre sus pieles y su ropa. Poco a poco la acción de la obra se va hundiendo en la inmovilidad de los cuerpos casi estáticos, y el espectador ya no escruta ansiosamente a los intérpretes sino a algo similar a un cuadro viviente.
Esta pieza no pertenece a ninguna de las series de ‘Piezas distinguidas’, aunque se puede considerar un preámbulo a la serie ‘Another Distinguée’, creada el mismo año.
Las ‘Piezas distinguidas’ es un concepto que La Ribot desarrolló a principios de los años 90. Inventa un nuevo formato de coreografía basado en la brevedad, ya que la duración de una Pieza distinguida es inferior a siete minutos. Dichas piezas tienen título, número y se encuentran organizadas en series/espectáculos. Hasta la fecha actual se han creado y presentado 53 Piezas distinguidas en cinco series/espectáculos, ‘13 Piezas distinguidas’ (1993), ‘Más Distinguidas’ (1997), ‘Still Distinguished’ (2000), ‘PARAdistinguidas’ (2011) y ‘Another Distinguée’ (2016). A largo plazo, la intención de La Ribot es crear cien Piezas distinguidas. Las piezas de las tres primeras series se pusieron a la venta, como arte efímero, de manera que algunas de ellas cuentan con un propietario distinguido. ‘Panoramix’ (1993-2003) recopila las Piezas de las tres primeras series de 1993 a 2000.
Con el tiempo, el concepto inicial de las Piezas distinguidas se fue extendiendo en varias ramificaciones, pasando del espectáculo en directo a la creación de vídeo, (‘Another pa amb tomàquet’, 2002), vídeo-instalación (‘Despliegue’, 2001) o libro (‘La Ribot’, 2004), entre otras obras y medios.
CRÉDITOS
Estreno 30 de abril – Exposición inaugural “Actuar, Contemplar” en el Museo Unterlinden – Colmar, Francia. Pieza distinguida n° 45.
Coreografía y Dirección: La Ribot.
Intérpretes: La Ribot, Juan Loriente.
Director técnico: Marie Prédour.
Vestuario: La Ribot. Vestuario: Laurence Durieux.
Producción: La Ribot – Ginebra.
Manager y Difusión: Paz Santa Cecilia (Magale Prod, Madrid).
Comunicación y producción: Sara Cenzual.
Administración: Gonzague Bochud.
Difusión arte visual: Angel Varela.
La Ribot cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Ginebra, la República y el Cantón de Ginebra y Pro Helvetia – Consejo de las Artes de Suiza
LA RIBOT
Ha presentado su trabajo coreográfico en la Tate Modern (Londres), el Teatro de la Ciudad de París, el Centro Pompidou (París), el Festival de Otoño de París, el Museo Reina Sofía (Madrid), en el marco de la Trienal de Aichi (Nagoya, Japón), en la galería Soledad Lorenzo (Madrid), el museo Serralves (Oporto), el Art Unlimited – Art Basel, en el S.M.A.K. (Gante), en el marco de Panorama Rio de Janeiro y en el MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo, México DF), entre otros lugares. Su trabajo visual forma parte de las colecciones del Museo Reina Sofía (Madrid), el Centro Pompidou (París), el Centro Nacional de las Artes Plásticas, CNAP (París), el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), el Artium (Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo), el FRAC (Fondo Regional de Arte Contemporáneo) de la región de Lorena (Francia), la Panera (Lleida), la Fundación Cajasol (Sevilla) y la Casa Encendida (Madrid). A lo largo de su carrera ha sido galardonada con prestigiosos premios. En 1998 fue nominada al Premio de la Fundación Paul Hamlyn para las artes plásticas. En 2000 ganó el Premio Nacional de Danza del Ministerio de Cultura español y en 2015 fue condecorada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en España. En 2017 el festival Tanz im August dedicó una gran retrospectiva a su trabajo como coreógrafa y artista visual, titulada Occuuppatiooon! Berlín.
JUAN LORIENTE
Nacido en Santander, Juan Loriente es desde 1999 actor-colaborador del escritor y director Rodrigo García. Su colaboración comenzó con el monólogo Borges, 1999 y posteriormente participó e interpretó la mayoría de sus obras, concretamente After Sun, 2000; Accidens (matar para comer), 2004 y Gólgota Picnic, 2011. En 2014 creó El Triunfo de La Libertad junto con La Ribot y Juan Domínguez. Participó en cortometrajes de diversos directores, trabajó en el largometraje Smoking Room de Roger Gual y Julio Wallovits y colaboró asimismo con Pablo Llorca y Joan Miramón. También dirigió proyectos radiofónicos, proyectos de investigación teatral, espectáculos y talleres en distintos centros de formación, y creó la plataforma Encuentro de dos intimidades, con Nekane Santamaría. En 2015 participó en el proyecto 4 de Rodrigo García y en el cortometraje “Tadeusz Kantor en el Museo+ del Prado” de Tom Skipp. En 2016 compartió escenario con La Ribot en Another Distinguished, además de con Thami Manekehla.
Más información: https://www.azkunazentroa.eus/az/cast/agenda-4/pi%C3%A8ce-distinguee-n%C2%B045/al_evento_fa
Read More
Mónica Valenciano | Del 11 al 27 de mayo en Naves Matadero
Mónica Valenciano (Premio Nacional de Danza 2012 en la modalidad de Creación) es una figura significativa de la danza contemporánea española. Comenzó su carrera a finales de los años 80 y en 1995 formó parte del colectivo UVI junto a Blanca Calvo, La Ribot, Olga Mesa, Elena Córdoba y Ana Buitrago. Su compañía, El Bailadero, nació en 1997 y dibujó un marcado trazo en su carrera creativa, un antes y un después en su obra. Fue al frente de esta formación cuando comenzó su serie coreográfica Disparates: pequeños puzles creativos construidos a través de lo instintivo, lo íntimo y lo inmediato, donde el lenguaje, y su uso a través del espacio y el tiempo, cobran gran protagonismo. Aúpa!(1989), Puntos suspensivos (1991), Miniaturas (1992) y Adivina en plata (1996-97) son otras de las obras de esta creadora, que estudia danza clásica, contemporánea y teatro en el Institut del Teatre de Barcelona y en la RESAD de Madrid, así como otras disciplinas tan dispares como el boxeo, tiro al arco y las artes marciales, todas ellas enfocadas a nutrir directamente un lenguaje propio y característico.
En el verano de 2016 en L’Animal a l’esquena (Girona) surge el germen deIMPRENTA ACÚSTICA en (14 borrones) .. de una APARICIÓN cuando Mónica Valenciano, Raquel Sánchez, Tania Arias Winogradow, Jorge Rúa y Chefer, se juntan para investigar y probar materiales que Valenciano atesoraba. Acostumbrada a trabajar con su fragilidad en la intimidad de su equipo, Mónica decide abrirse e invitar a su proceso creativo a inquietos creadores de diferentes disciplinas del baile, la interpretación, las artes plásticas, audiovisuales y del movimiento. Estos bailaderos, que se han producido cada sábado, desde principios de 2017, en Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, son encuentros donde diversos artistas han compartido lenguajes y búsquedas, investigado desde distintos puntos de vista con posibles diálogos con ella y aportado materiales cuyas esqueléticas han ido creando cuerpos y lugares de trabajo desembocando en IMPRENTA ACÚSTICA en (14 borrones) .. de una APARICIÓN.
“Este encuentro se propone a partir de un mapa-cartografía a transitar, viajando a través de una baraja de imágenes… correspondencia abierta, cartas de una danza en la formulación de su propio tejido. Entonaciones de un gesto, ritmos de un contacto, desplazamientos de una ausencia que juega. Corpografías de una red al encuentro de esa geografía que se abre paso en el interior … Cuerpos de una voz, ramificándose en múltiples planos. El espacio como protagonista nos vincula en lo que deja… la piel de ese espacio que toca capaz de alojar un blanco inesperado… Y allí donde la mirada nos convoca prende su visión: A Barajar… Arrastres orquestales y a contratiempo el blanco es un circo de ojos, empieza en agujero. La pedrada es otoño… cruzando el canto de una lágrima volviendo, danza, escucha la parada picotear el tiempo. El miedo destiñe ? … Un punto ladrando suena en la saliva y, el testigo paseando en el fondo de tus ojos …”, Mónica Valenciano.
En esta pieza, Mónica abre la puerta de su guarida para mostrar, poseída por la verdad, algo que conoce bien y que el resto solo intuimos. Junto a Raquel, extrae la esencia del epicentro del dolor, del humor, de la poesía, de la vida. Lanza preguntas al público con el cuerpo y la palabra. Palabras que viven donde habitan los secretos, cuerpos que mueren y nacen en un exorcismo degenerosidad y necesidad: el cuerpo vivo articulado en múltiples Planos, Volúmenes y Arquitecturas Nómadas; el cuerpo preparado para abrir los límites, confrontarse, cuestionarse, exponerse al exterior y compartir; el cuerpo como una orquesta polifónica; el cuerpo lleno de ojos.
Ficha artística
Ayudante de dirección: Raquel Sánchez
Asistente de dirección: Jorge Rúa
Diseño Iluminación: Cristina Libertad Bolívar
Música: Anton Webern
Producción Ejecutiva: Jorge Rúa
Audiovisual: Marta Blanco
Oficina: Norma Kraydeberg
Asesoramiento – Documentación: Cristina Carroquino
Read More
Jorge Mirón | Storm And Drunk
No hay fotografías desenfocadas.
Foco proviene de fuego. El calor que nos reúne.
Una fotografía no-nítida ilumina como cualquier otra.
El anillo del objetivo se ajusta para desvanecer los cuerpos. Permite sintonizar otro plano y captar sus espectros.
Durante una semana el fuego congregará en Storm And Drunk a cinco personas a puerta cerrada. Cuerpos que vibran entre varias regiones y se repliegan de noche, seres que ocultan un perfil de la cara con el otro.
La cyborg
El alien
Bakalas
Un reptil
Los hombres
–
La actividad tendrá lugar las noches del 5 al 9 de mayo. Jorge Mirón (Madrid, 1983) realizará cinco sesiones de fotos en S.A.D. a cinco personas. Las sesiones a puerta cerrada buscan crear una atmósfera adecuada para la captación de los cuerpos y sus espectros. El artista usa espectro tanto en el sentido fantasmagórico del término, aparición, como el científico: rango electromagnético que el ojo humano percibe como color. Con él identifica el aura cromática que un cuerpo desprende y es revelada en sus imágenes.
Para las sesiones dispondrá de distintos utensilios lumínicos que él mismo crea y que configuran su escenografía de trabajo. En los últimos años Jorge Mirón ha empleado la fotografía como documento para narrar su vida nocturna en Madrid y también ha explorado con otras posibilidades del lenguaje fotográfico afectado por sus experiencias lisérgicas.
La actividad sin público será contada en Instagram y la web de SAD compartiendo las conversaciones que ha tenido los días previos con cada una de las personas.
Aquí un adelanto:
Cariátide Pepis
¿Tienes marcas en tu cuerpo que te recuerden a día de hoy esos otros estados? Quizás una parte del cuerpo sin marcas.
El cuerpo es el mapa de muchos de nuestros estados, de todas esas derrotas y pérdidas y gozos. Es la materia de una realidad que habitamos a diario. Por fuera puede ser unas venas encallecidas o una cicatriz blanca ya de cuidarla; por dentro
la ausencia , el empeño de la intuición para que no cierre la mina, y seguir viviendo.
Billy E. Morreale
Intenté hacerte fotos en una ocasión y me fue imposible. Estuvimos un rato y sentí que era una foto que no podía hacer yo. De alguna manera tuve la sensación de que no podías ser tú delante de mí. De que sólo necesitabas estar solo un rato y hacerte un selfie. Para esta sesión de fotos en Storm And Drunk no quiero hacer un retrato, me gustaría hacerte fotos recitando. ¿Existe Billy E. Morreale lejos de la poesía?
Yo me llamaba Billy antes de la poesía, cuando estaba viajando por USA. Para sumergirte bien en la mierda, en el lado de detrás de la cortina de humo que decía, tienes que ir vaciado, como decías tú. Normalmente no te metes en la mierda voluntariamente, la ponzoña te rodea y ya estás dentro. Ahí es útil llamarse Billy. Te protege el cuerpo, te aplaza el alma para más adelante, hasta cuando puedas sentarte a escribir y descargarlo todo en palabras y huecos entre palabras. La poesía es mi herramienta para entender el mundo y describirlo. La parte del mundo más cruda, la zona abisal, la que casi no contiene palabras. No sé lo que es existir lejos de la poesía.
Tadzio
En toda esta transformación ¿hay algo de lo que te sientas liberado? ¿Hay algo que siga ahí que te sorprenda? Pienso en tus ojos.
Me siento liberado de cierto tipo de mirada masculina (un paternalismo, violencia y deseo concretos debido a que me consideraban, por error, una mujer) y de la mayor parte de la violencia de la que mi cuerpo era objeto antes de y durante mis primeros años de transición. Es una liberación, no obstante, muy amarga porque sé lo que implica. El yugo sigue donde siempre y sólo se retira bajo ciertas condiciones, y ser hombre blanco te garantiza la retirada, a priori, de casi todos. Pero también me siento liberado, la mayor parte del tiempo en estos momentos, de lo peor de mi propia mirada. De mi propia autoconstrucción como monstruo -o al menos del ser totalmente incapaz de reapropiarme de ella. Ojalá no hubiera necesitado este par de cicatrices para ello, pero he tenido el privilegio de acceder a ellas y poder liberarme también de forma mucho más tangible. No tener que llevar algo que me oprime las costillas para poder salir aunque sea a por el pan o interactuar con alguien sin duda ayuda, y no sólo literalmente. Puedo bailar, también. Había dejado de hacerlo por más de una década debido a mi disforia. Eso también, aunque suene frívolo, ha sido parte de lo mejor de esta “liberación”. Pero en definitiva no es liberador el necesitar de tanto que han de proporcionarme otros (específicamente, profesionales dotados de autoridad médica) para obtener un mínimo de paz y conexión conmigo mismo.
Para lo segundo me temo que empiezo con una pregunta: ¿Por qué has pensado en mis ojos? Me hablan mucho de ellos, los hay que sostienen que hasta mis ojos han cambiado y otros que no han cambiado en absoluto. Yo creo que sí que han cambiado, pero que se parecen más a mi yo de hace 20 años, con 8, que al de hace sólo 4. Tiene sentido, en cierta manera. Y la verdad es que me gusta. También creo que mi voz, pese a haberse agravado, sigue ahí en cierta manera. Me costó mucho que llegara a gustarme aunque gustara tanto a alguna gente, pero me aterraba el que pudiera cambiar demasiado hasta dejar de parecerse a sí misma (a mí mismo), y creo que no lo ha hecho -o al menos no un cierto color, un cierto timbre. Sin duda me alegra. Me gusta reconocer la mayoría de mis gestos como míos desde siempre, también, aunque muchos tengan un matiz algo diferente o se vean distintos con las variaciones sutiles de mis rasgos. Y por último, me sorprende que mi piel, en algunas zonas ahora tan tomada por el vello, no haya dejado de ser suave. Fue de lo primero que me dijeron que cambiaría y me encanta que no haya sido así. Me encanta ser suave (o intentarlo), en toda su polisemia.
La fiera
Ambos tenéis una relación especial con vuestro propio cuerpo y sois apasionadas del tatuaje. Pero habitáis ese umbral dolor/placer desde lugares un tanto diferentes, lo deduzco sólo mirando vuestros tattoos: una se cubre el cuerpo de imágenes, casi como una colección de placeres. El otro se marca como si fuera un altar tallado en la piel.
Yo sólo tengo uno y en mi última experiencia con setas estuvo presente como un signo que me mantenía sereno y me recordaba quién soy y dónde estoy. Como si siempre hubiera estado ahí o si no hubiera podido ser otra imagen más que esa. ¿habéis tenido alguna experiencia con alguno de vuestros tattoos que os vincule en un plano trascendental a esa imagen más que al resto?
Mi relación con los tatus es muy amplia, no identifico una experiencia tan concreta como la que cuentas tú pero si que trascienden algunos de ellos en momentos especiales.
Tengo un tridente de una conquista muy grande… Una especie de ataúd galáctico por una muerte que sentí y compartí en una muestra de confianza absoluta.
Otro me lo marqué después de tener un sueño en el que un avión en el que iba una persona que no me quería a quien yo quería, con todo ese sufrir que conlleva, lo veía volar en el cielo y pensé “si se cae ahora…” como una especie de castigo a la persona que iba dentro. Y el avión empezó a caer. No sentí ningún placer ni realización, instantáneamente me entró una congoja gigante, el avión no llegó a estrellarse, remontó el vuelo casi a ras del impacto y siguió su camino.
Antes de este sueño siempre que veía un avión volar pensaba por unos instantes que molaría verlo estrellarse, eran pensamientos con una duración de microsegundos. El flipe de ver una catástrofe. Después del sueño ya no me pasa, automáticamente los lanzo para arriba en un vuelo tranquilo.
Aclaro que tengo pánico a volar y una vez casi me estrello, el tema del avión por ahí lo tengo, en el brazo, también.
Digamos que el avioncito que llevo me recuerda que desear el mal es horrible y demasiado grande para soportarlo. No se, creo que casi todos los tatus que llevo hacen la función que dices.
http://www.stormanddrunk.com/?la_cara_de_los_hombres | http://www.jorgemiron.net/
Read More
Del 4 al 26 de mayo en Bruselas
The Kunstenfestivaldesarts is not a festival that can be captured in a nutshell and that’s why we are so committed to it. It tends to prefer taking a risk rather than opting for something tried and tested. Within its space dedicated to vibrant and current artistic creation, it offers a multitude of possible narratives. It is written and experienced in real time. The great majority of works in its program is newly created and being premiered at the festival; they are works conceived with care, determination and a sense of urgency by artists from all over the world. Their journeys are different: some are already well known, others are here to be discovered. Their visions of the present and future world resist assimilation. They assert the importance of complex territories in which genres and definitions remain fluid and ideas continue to be questioned.
On the bill of this, our 23rd festival, key European artists use fiction to address anti-democratic developments on the continent. Milo Rau, a leading and controversial figure in contemporary theatre, is having a world premiere here. Histoire du Théâtre is dedicated to the present and the future of one of humanity’s oldest art forms and its essential ability to confront the world. The latest dark work by Joris Lacoste hits contemporary Europe where it hurts most: in populist words and a conservative closing of minds. Rooted in a sometimes unbearable present, the much-anticipated creation by the Spanish collective El Conde de Torrefiel takes us through different timeframes in search of a possible future world.
The role of fiction, its ability to add complexity to the world and to make us think about the future has inspired Sarah Vanhee’s ambitious creation with children. Younger generations have a direct presence and are addressed in various projects at this year’s festival. In Paradise Now (1968- 2018), Michiel Vandevelde brings a group of teenagers together around a cult work in theatre, a testimony of the utopias of the late 1960s.
Beyond Europe, the festival is collaborating with artists who question the decolonisation process. From Singapore (Ho Tzu Nyen) or Kisangani (Faustin Linyekula who is working on a project at the Royal Museum for Central Africa), they conceive works that dig into the stratifications of history in an attempt to bring future transformations to light. Several projects this year come to us from Brazil, a country badly affected by the reappearance of ultraconservative measures and still by numerous inequalities. Essential and occasionally crude, the choreographies of Alice Ripoll, Eduardo Fukushima and Macaquinhos address division – social, racial, physical and mental – through the body.
Dance features extensively at this year’s festival, offering particular choreographic formats, an exhibition of forgotten and marginalised dances (Eszter Salamon) and a program (initiated by Latifa Laâbissi) dedicated to the figure of the witch, a symbol of ‘the other’ being excluded and hunted today. Fundamentally the festival supports artistic expressions getting away from dominant codes while seeking solace through bodies, objects and spaces. This is particularly sensitive in the creations of a young generation of Brussels artists, including Léa Drouet, Gwendoline Robin and Louis Vanhaverbeke.
The Kunstenfestivaldesarts takes place in Brussels, reaching out for various venues in the city to realise remarkable projects. This year the festival centre is moving between four different locations, among these the art school INSAS, hosting a program dedicated to forms of resistance. The last stop will be at the former Citroën garage, a space holding the promise of a major new cultural project for Brussels.
4-26.5.2018 A festival in the present, dedicated to international, multidisciplinary and contemporary creation. Here and now lays the possibility of imagining a future. Time shared, intensely filled with artistic experiences, debates and celebrations, bringing us together in diversity. We would like to thank all our partners who make this precious project possible and warmly invite you to join us for the twenty-three days of this year’s Kunstenfestivaldesarts!
February 2018
Christophe Slagmuylder, director
Read More
Jumping scales de Silvia Zayas es un proyecto de investigación artística sobre la idea de la difracción propuesta por Donna Haraway, y ampliamente desarrollada por Karen Barad (física teórica y feminista), como alternativa a la idea de “reflexión” (el reflejo como mímesis de la realidad). Indaga posibilidades en las prácticas escénicas o coreográficas en relación a las gramáticas del cine, sus saltos de escala, y diferentes posibilidades de visión no dirigida.
…el agujero, el vacío, imágenes difractadas, fantasmas, saltos de escala, entrelazamientos,
experimentos compartidos…
Durante la residencia de investigación se ha invitado a algunos colaboradores que trabajan cerca de estas ideas a realizar residencias cortas con el fin de entrelazar y compartir prácticas, y diseñar experimentos/ gamberradas/ conversaciones/ intuiciones: Esperanza Collado, Nilo Gallego, Óscar Hernández, María Jerez y Alejandra Pombo.
Este programa que se presenta ahora pretende seguir con la idea de la investigación desde el hacer en el presente y se abre la experiencia a otras personas como Mafe Moscoso, Diego del Pozo, Vito Gil-Delgado y Luz Prado. A principios de octubre se llevará a cabo un encuentro con las teóricas Iris van der Tuin y Nanna Verhoeff, quienes están desarrollando una investigación en torno a la difracción en la Universidad de Utrecht.
Jueves 3 de mayo
19h Presentación de Jumping Scales. Silvia Zayas
20h Talking pictures. En colaboración con Esperanza Collado
Viernes 4 de mayo
21h y 22h Seànce* En colaboración con Alejandra Pombo
Sábado 5 de mayo
16h The Boogie-Woogie Ghost* En colaboración con María Jerez
20h Large Language Collider (LLC). En colaboración con Óscar Hernández
22h Seànce*. En colaboración con Alejandra Pombo
Domingo 6 de mayo
13h The Boogie-Woogie Ghost*. En colaboración con María Jerez
Sábado 12 de mayo
11.30–14.30h Observar un perro: ensayar el perspectivismo, una pequeña etnografía decolonial*. Mafe Moscoso.
18.30h Todos los agujeros de la superficie mutante. En colaboración con Diego del Pozo
21h The mountain. Nilo Gallego en colaboración con Vito Gil-Delgado, Luz Prado y Silvia Zayas
*Seànce, The boogie-woogie ghost y Observar un perro: ensayar el perspectivismo, una pequeña etnografia decolonial… requieren
inscripción previa por aforo limitado. Escribir a creadores@mataderomadrid.org indicando fecha, hora y título de la actividad a la que desea asistir.
Más información: http://www.mataderomadrid.org/ficha/9367/jumping-scales.html
Read MoreRebota rebota y en tu cara explota en el Teatre Lliure
Creación y dirección AGNÈS MATEUS y QUIM TARRIDA
Montjuïc
espai lliure
del 26 al 29/04
Agnès Mateus y Quim Tarrida presentan una reflexión descarnada sobre la violencia de género y la pasividad social. Un espectáculo de denuncia para empezar a llamar a las cosas por su nombre y vencer el miedo. Contra los tabúes contemporáneos y nuestra hipocresía.
Premio de la Crítica 2017 a Nuevas Tendencies
Debería explotarnos la vida en la cara más a menudo…
Asesinan a mujeres a razón de dos por semana desde hace 10 años y nosotros aún debemos seguir defendiéndonos y justificándonos ante la gente que nos escucha. Eso sí, que falten los minutos de silencio en la puerta del ayuntamiento con cada muerte… Les mujeres no “perdemos” la vida, a las mujeres nos asesinan. Empecemos a gritar las cosas por su nombre… debería explotarnos la vida en la cara más a menudo.
intérpretes Agnès Mateus y los invitados Pablo Domichovsky e Ismael Mengual
iluminación Carles Borràs / sonido y vídeo Quim Tarrida
coproducción Festival TNT – Terrassa Noves Tendències 2017, Antic Teatre y El Konvent punt zero (Berga)
con el apoyo de La Poderosa, la Nau Ivanow y el Teatre La Massa
agradecimientos Gabriela Oyarzabal, Semolinika Tomic, Bcn Props, Feminicidio.net, CUBE, Conrado y Martí Soler, a la familia Konvent, Maria Mateus, Carles Fígols y La Caldera
Más información: http://www.teatrelliure.com/es/programacion/todos-los-espectaculos/rebota-rebota-y-en-tu-cara-explota
Read More
