— MuroTRON

Del 4 al 22 de septiembre en la galería Bombon Projects.

Opening: Martes 04.09 / 17:30h – 21:00h

“Al principio,”

La creación del mundo según la génesis bíblica empieza con un principio en que dios creó la Luz. Las dos primeras palabras de ese inicio (“Al principio,”) han visto como a lo largo del tiempo las predecían diferentes cosas: Luz, verbos, ruido…En el pasaje de John 1:1-14 de la versión de la Biblia de King James, por ejemplo, encontramos la frase “In the beginning was the Word”, mientras que en la pagina 24 de Art as a Social System (2000), Niklas Luhmann nos dice que “In the beginning, there is a difference”. Igualmente, unos años antes, en el 1980, Michael Serres afirmó que “In the beginning was the noise”; un poco más tarde, en el 1996, Julia Kristeva aseveró que “Al comienzo era el amor”; y hace unos pocos años Rosi Braidotti escribió que “Al principio de todo está Él”. Quién sabe que debía haber exactamente al principio?

Deseando descubrir algún método para poder responder a esa pregunta, la exposición “Al principio,” utiliza el espacio de Bombon como laboratorio de una investigación arqueológica experimental. El proyecto parte de la observación de las marcas visibles e invisibles del pasado que hay en el espacio de la galería para tratarlas como pistas de otros tiempos que nos permitan imaginar y reconstruir un posible escenario del principio de este sitio.

Más info: https://bombonprojects.com/exhibition/al-principi/

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Hasta el 14 de octubre en La Virreina Centre de la imatge.

Visitas guiadas gratuitas: martes a las 18 h, sábado y domingo a las 12 h

Desde sus inicios en TV Clot y BTV, a mediados de los noventa, hasta sus últimas producciones, como la pentalogía sobre el punk en España, Kikol Grau (Barcelona, 1971) ha desarrollado un imaginario perturbador e irreverente que compone una cierta radiografía de la historia televisiva, política y musical desde los ochenta hasta hoy, con un énfasis particular en el panorama audiovisual alternativo e independiente de Barcelona.

Dame pank y dime tonto es la primera muestra antológica acerca de la trayectoria del realizador audiovisual Kikol Grau (Barcelona, 1971). Abarca desde sus inicios en TV Clot y BTV, a mediados de los noventa, hasta sus producciones más recientes, y constituye una cierta radiografía de la historia política, televisiva y musical del Estado español, con un énfasis específico en el contexto de Barcelona entre los años ochenta y el presente.

La exposición se articula en tres apartados. El primero reúne una serie de cortometrajes, como Impenetreibol escroto (1992), K-fre! Desde Plutón con Amor! (1994-1995), The final fight IV (1998),Zool. Acto de purgar los caracoles (2000) y Docutrola: Cómo convertirse en un pirata de la televisión (2001-2002); varios montajes audiovisuales que Kikol Grau realizó en los inicios de su andadura, entre los cuales podemos destacar Jason total massacre 1 / 2 (2008-2010), Las hostias de Bourne (2009) y El señor de los gramillos (2010), y, finalmente, un conjunto de videoclips experimentales para los grupos de música Tu Madre, Tarántula, Salvaje Montoya, Flamaradas, La Otra Gloria y Ktulu.

El segundo ámbito compila su producción televisiva a partir de programas absolutamente emblemáticos, como Por la Kara TV (1994-1998), con Jorge Rodríguez, Pol Turrents y Juan Antonio Bayona; Gabinete de crisis, semanario audiovisual de humor satírico junto a Félix Pérez-Hita y Arturo Bastón, por encargo de Andrés Hispano, entre 2001 y 2007; Si te he visto no te aguanto TV, un canal de televisión por Internet que compilaba emisiones independientes y alternativas de interés cultural; los programas sobre música y cine desarrollados para Metrópolis, de TVE (2006-2012); K-POW! (2005), trece episodios cortos sobre el mundo del cómic realizados para el Denominació d’Origen de la Red de Televisiones Locales de Cataluña (2005), así como 3 minutos para el fin del mundo (2017), miniprograma creado para la web de O Estudio Creativo, por encargo de Joan Pons.

El tercer apartado recorre la filmografía de Kikol Grau, desde Objetivo Gadafi (2013) hasta la pentalogía sobre el punk en España, con Las más macabras de las vidas (2014), que explica la Transición a través del grupo musical Eskorbuto, Inadaptados (2015), sobre Cicatriz, y No somos nada (2016), acerca de La Polla Records. También se exhiben Magnicidios españoles y Poe (2017) y Moctezuma-Grau. Descendencia mortal (2017). Además, en La Virreina Centre de la Imatge se estrenarán las películas Histeria de Catalunya, de autoría colectiva, y Los demenciales chicos acelerados. Barcelona y alrededores. Simultáneamente a Dame pank y dime tonto, la plataforma Filmin presentará un amplio recorrido por su trayectoria.

Uno de los aspectos significativos para entender el imaginario perturbador e irreverente de Kikol Grau son sus dibujos, que aparecen en pósters, fanzines, guiones o en cuadernos preparatorios, y que constituyen un episodio autónomo respecto a sus proyectos audiovisuales. Cabe destacar la importancia que tienen en el universo iconográfico del autor «los monos locos que destruyen la Tierra», como él mismo los ha llamado.

La muestra se completa con numerosos materiales extraídos del archivo personal de Kikol Grau: carteles, fotografías, cintas de vídeo, máquinas de videojuegos vintage, portadas de discos de época, cómics que le sirvieron de referencia, etc.

Más información: http://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina/es/exposiciones/dame-pank-y-dime-tonto/233

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ÍDEM 2018. Festival Internacional de Artes Escénicas

Del 12 al 22 septiembre en La Casa Encendida

Del 12 al 22 de septiembre, ÍDEM 2018 celebra su sexta edición. En su cita anual, ofrecerá diferentes propuestas artísticas que giran en torno a la diversidad (de lenguajes, formatos, disciplinas, cuerpos, temas, etc.) para establecer durante dos semanas un diálogo permanente con la ciudadanía que ayude a crear nuevos modos de ver, de pensar y de sentir.

Desde su apertura, La Casa Encendida ha mantenido un fuerte compromiso con la visibilización de la diversidad y la eliminación de barreras a través de su programación. Durante diez ediciones el Festival de Artes Escénicas y Discapacidad contribuyó a la expansión y la profesionalización de artistas y creadores con diversidad funcional. La evolución de la propia sociedad y las demandas de una ciudadanía cada vez más concienciada, exigente y comprometida, hicieron necesarios nuevos matices y la apertura a nuevas disciplinas y a otros ámbitos de exclusión social. Así nació ÍDEM, Festival Internacional de Artes Escénicas.

ÍDEM actúa como un campo de líneas de fuerza que se extienden y conectan entre sí y que funciona más allá de su sentido espectacular. En el programa de este año confluyen artistas de Argentina, Cuba, España, Francia, Portugal, Siria y Suiza, con muy diversas propuestas que atraviesan de lleno realidades, a veces dolorosas, a veces llenas de humor y esperanza, pero todas importantes de visibilizar: la enfermedad mental, las personas refugiadas, la discapacidad, la memoria o la igualdad de género.

El festival arranca con el estreno en España de la última pieza de La Ribot, Happy Island, realizada en colaboración con el colectivo de danza inclusiva portugués Dançando com a diferença. Una pieza de danza y cine con cinco bailarines profesionales con discapacidad física e intelectual.

También del ámbito de los artistas con discapacidad llega la pieza de danza No@menos de Yanel Barbeito y Omar Gómez y la película de Maxime Seugé, L’artiste des mots, protagonizada por François Daujon, actor que durante 13 años formó parte de la compañía francesa de teatro de l’Oiseau-Mouche.

La enfermedad mental estará presente en el festival gracias al documental de Javier Álvaro, ¿Y si te dijeran que puedes?, que nos adentra en la realidad de cinco personas que sufren de esquizofrenia y que se plantean escalar la cara sur del mítico Naranjo de Bulnes acompañados por el creador de Al filo de lo imposible, Sebastián Álvaro.

Desde muy diferentes miradas y lenguajes, nos llegan dos propuestas que hablan de emigración y personas refugiadas: Sous la plage, de los artistas Marc Villanueva y Gerard Valverde, en colaboración con el intérprete sirio Mohammad Bitari, plantea interrogantes sobre los discursos y las paradojas generados alrededor de las revueltas en los países árabes y su actualización en la actual crisis migratoria. En Anguilas, el actor argentino descendiente de europeos, Andrés Cavallini, ofrece al espectador un recorrido autobiográfico en el que plantea una reflexión en torno a la identidad, la búsqueda de las raíces y la emigración de ida y vuelta.

Dos propuestas muy diferentes, creadas y dirigidas por mujeres, plantean reflexiones en torno al concepto de memoria y la mirada del otro, como Louisa Merino en The course of memory, o a la precariedad laboral y el oficio de actriz, tal y como nos muestra la compañía El pollo camperocomida para llevar en su mordaz montaje La actrices siempre mienten.

La música, y la cara más joven del festival, estará presente en las voces de Diversity Youth Choir, un coro juvenil con participación internacional y vocación integradora, dirigido por José María Álvarez Muñoz.

Un año más, el objetivo de ÍDEM es incidir en la comunidad, provocar cambios encaminados a la conquista de una sociedad más igualitaria y a la total aceptación de nuestra diversidad.

Directora artística: Paz Santa Cecilia.

(*)Fiel a su vocación inclusiva, el festival continúa ofreciendo propuestas artísticas para personas con diversidad funcional severa, cuya especial manera de percibir y expresarse les impide asumir un código de comportamiento impuesto por razones de accesibilidad. A partir de este año esta sección se llamará Disten(se)sion, con el fin de que sea fácilmente identificada en el programa.

Más información: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/idem-2018-festival-internacional-artes-escenicas-9111

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“Inconsistencia de los hombres” es una pieza escénica colaborativa entre padre e hijo, Jaime Vallaure y Juan Vallaure, que nace con una doble intencionalidad. Por un lado, profundizar en la relación entre ambos y utilizar las dinámicas de trabajo escénico como un cambio de paradigma abordando otras maneras de entendimiento y colaboración entre las partes. Por otro, abordar diferentes temáticas vinculadas a la actualidad para aportar puntos de vista contrastados que provoquen, en última instancia, reflexión y debate. El proyecto trabaja necesariamente aspectos biográficos y contextuales pero siempre desde una perspectiva lúdica donde los roles puedan cambiar y las historias personales puedan reinventarse.

 Esta obra está relacionada con el taller “Tú eres yo, yo soy tú” que tendrá lugar en La Casa Encendida del 15 de septiembre al 27 de octubre. El taller es una invitación a tratar las relaciones madres/padres hijas/hijos a través de las artes escénicas contemporáneas, un lugar de confrontación abstracto donde ponerse en la piel del otro, dejarse hacer, proponer, inventar, cambiar de rol, someterse y rebelarse, un ring con dos personas, dos iguales, dos tan diferentes. El sábado 27 de octubre a las 20.00 horas tendrá lugar una muestra pública del proceso. 

Jaime Vallaure, artista y docente en performance y artes escénicas. Con la colaboración de Juan Vallaure como hijo.

Fecha: 8 y 9 de septiembre

Lugar: La Casa Encendida, Torreón 1

Hora: 20.00 h

Entrada: entrada libre hasta completar aforo.

Más info

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Anto Rodríguez y Óscar Bueno

>3 de agosto en el Parque Huerta del Obispo (Pista)

>16 de agosto en el Anfiteatro Marta Rodríguez-Tarduchy

Madrid. Veranos de la Villa. 

La idea es un concierto que se desborda hasta el punto incluso de que el concertista desaparece y el concierto queda en manos de los invitados y el público. Un concierto que empieza como cualquier otro, se llena de intrusos y acaba siendo un karaoke popular. Es un proyecto de Anto Rodríguez, un creador escénico que ronda todos los géneros que se sitúan a los márgenes de la escena y cuyas piezas están a medio camino entre la performance, el teatro y el concierto. En sus conciertos, con un aire muy casero, canta, sin jerarquizar, todo lo que le gusta: pop, ópera, folklore, coplas… al tiempo que juega con y desmitifica (o no) la imagen de una estrella pop, como si estuviese dentro de un videoclip. ¿Pero qué pasa si la invitación a estar dentro del videoclip es para todos? Un videoclip ambulante, expandido, sobrepasado.

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DIMARTS 17 DE JULIOL DE 18’30H A 24H AL JARDÍ DELS DRETS HUMANS (al costat del Graner, c/Jane Addams 14)

De Jorge Dutor i Guillem Mont de Palol, Los Torreznos i Societat Doctor Alonso

Una festa escènica oberta i participativa de pràcticament 6 hores de durada que es pot visitar l’estona que vulguem i quan vulguem des de les 18’30h a les 24h als Jardins dels Drets Humans (al costat del Graner).

Tres parelles artístiques amb una trajectòria consolidada i que treballen en el context de la creació pròpia s’han ajuntat per preparar una peça específica per al cicle i per al barri on parlen del valor, de compartir, del joc i la celebració. Com en una fira amb diferents casetes i accions, gaudirem de música, performance, menjar, beure i celebrarem que estem junts per posar atenció en el valor de les coses. L’atenció pot ser un ball i per ballar cal anar ben calçat!

“Nos reunimos a celebrar que nos reunimos. Todo movimiento supone un desgaste. El coste es al gasto, como el gesto es al resto. El resto es lo que queda y cada vez queda menos y eso nos da risa.”

Amb la col·laboració de Marc Sempere Moya (Compartir dóna gustet), Asociación Generación Guineocatalana Virgen de Bisila, Los Revolución, Barcelona Activa, Suelas Asencio Aznar i altres amics i amigues del barri.

Entrada gratuïta fins omplir aforament, no cal reserva, la festa escènica comença a les 19h i acaba a les 24h hi pots venir quan vulguis i quedar-t’hi l’estona que vulguis.

Recull un tiquet amb sorpresa a la Sala Pepita Casanellas, la Casa del Rellotge i la Biblioteca Francesc Candel des del dia 10 al 16 de juliol en els seus horaris d’obertura i descobreix de què amaga el mateix dia 17.

 

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Jueves 5 – 20:30 + Viernes 6 – 20:30 en saT! – Sant Andreu Teatre

Entradas: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

Una innovadora compañía que rompe las barreras entre el texto, la coreografía y las artes plásticas debuta en el Grec Festival de Barcelona con un montaje que habla del espacio y del tiempo a partir de la idea de una gran plaza.

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler firmaron en 2010 el espectáculo La historia del rey vencido por el aburrimiento, su primera pieza larga, y marcaron, así, el inicio de una compañía entregada a la investigación de nuevas formas escénicas que se escapaban de las tradicionales divisiones por géneros. Entre sus últimos espectáculos, siempre brillantes, poco convencionales, viscerales y con un notable contenido filosófico están Guerrilla (2016) y, ahora, La Plaza, un montaje del cual vimos una pre-ensayo en la última edición del festival Sâlmon<, en el Mercat de les Flors (M.C.: Las historias naturales), pero que, de hecho, se ha estrenado este mismo año en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas. Los espectadores de este festival han visto ya un montaje que se sitúa en una gran plaza llena de monumentos y de seres humanos, protagonistas de unos cuadros vivientes que nos ilustran sobre el presente y el futuro, y sobre una violencia que no solo forma parte de nuestra vida cotidiana, sino que, además, es una fuerza que lleva moviendo el Universo desde los primeros momentos de la existencia. El escenario se convierte en manos de El Conde de Torrefiel en una gran plaza donde el futuro se nos muestra como un tiempo ignoto e imprevisible que aparece ante los ojos de los espectadores a partir de una serie de situaciones inesperadas. Una reflexión escénica sobre el futuro, la inmutabilidad del tiempo y sobre la violencia como base de la existencia.

Enlaces:

Entrevista a El Conde de Torrefiel

Crónica del estreno de La Plaza en el Kunstenfestivaldesarts

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), El Conde de Torrefiel, Vooruit (Gante), Mousonturm (Frankfurt), Wiener Festwochen (Viena), Teatro Maria Matos & Alkantara Festival (Lisboa), Festival de Marseille (Marsella), Triennale dell’Arte (Milán), Festival d’Automne & Centre Pompidou (París), HAU (Berlín), Zurcher Theaterspektakel (Zúrich), Black Box Theater (Oslo).
Con el apoyo del Graner, Centre de creació.
Con la colaboración de Fabra i Coats. Fàbrica de Creació.

El día 6 de julio, después de la representación, tendrá lugar un coloquio con miembros de la compañía.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes Dirección y dramaturgia: Tanya Beyeler, Pablo Gisbert Texto: Pablo Gisbert Diseño de la iluminación: Ana Rovira Escenografía: El Conde de Torrefiel, Blanca Añón Vestuario: Blanca Añón y los intérpretes Diseño del sonido: Adolfo García Regiduría: Isaac Torres Interpretación: Gloria March Chulvi, Albert Pérez Hidalgo, Mónica Almirall, Nicolás Carbajal, Amaranta Velarde, David Mallols Producción ejecutiva: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas) Producción en gira: Caravan Productions (Bruselas)

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

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Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante. Tabacalera Madrid. La Principal 29.06.2018 – 09.09.2018

El proyecto global CARMEN // SHAKESPEARE (2012-2018) es fruto del diálogo entre dos artistas que desean establecer el mestizaje de varios territorios artísticos para componer un objeto multifacético generador de historias: ¿Una ópera contemporánea?.

Confrontando la sonoridad de los Sonetos de Amor de Shakespeare a la pasión contenida en la ópera Carmen de Bizet, el dúo Infante-Mesa nos propone una fuerza «barroca» (en el sentido estricto del término): la fuerza de una perla imperfecta que, girando alrededor de la temática del deseo, provoca, refleja y explicita algunos nudos.

La experiencia expositiva Presagios del deseo agita las energías desarrolladas por estos dos artistas durante los últimos años creando pasarelas entre artes escénicas, plásticas, literarias y audiovisuales. Ella aborda cuestiones en torno al amor y las relaciones humanas cuando son amplificadas, amordazadas, enturbiadas o incluso generadas por la tecnología. La muestra construye un gran relato mítico, poético y cotidiano que sitúa al espectador en el epicentro de un «campo de batalla» en movimiento.

 

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Sonido en los márgenes. Del 30 de junio al 26 de julio en el MACBA.

«Lorem Ipsum» nos remite a una fase de prueba, a una temporalidad que espera ser sustituida por algo más definitivo. El uso del texto original, extraído de la obra de Cicerón Sobre los límites del bien y del mal y alterado hasta perder su sentido original, nos sitúa en un momento procesual, inestable, en tránsito hacia lo que debería ser y aún no es. Este simulacro implica también juegos de formas e identidades, a través del filtro de los diferentes alfabetos, disposiciones de texto y pruebas tipográficas y espaciales.

Lorem Ipsum presenta una serie de propuestas que operan en los márgenes y en los pliegues de muchas cosas a la vez: música, performance, investigación artística, experimentación; lo queer, cuerpos racializados, desplazamientos y personas fuera de su sitio; operaciones diversas, dispares y disparatadas, de dislocaciones de lenguajes, significados, gestos y objetos, desde lo musical, en busca de una amable extrañeza.

Abren el ciclo Lolo & Sosaku, con nueva obra específicamente diseñada para el atrio del museo. Una propuesta de escucha atenta mediada por estructuras metálicas que hablan, escuchan y se mueven. Sutilezas sonoras y sonidos situados que invitan a la exploración. Una geografía de metal y cinestesia, que Violence rompe (y rasga) con su complejo amalgama de melodías, grime, música industrial y (un pasado) death metal, desde el que señala «las estructuras visibles e invisibles que crean nuestras sociedades binarias».

Esta es la línea que subraya asimismo el dúo sudafricano FAKA, poniendo el cuerpo queer y negrx en el centro, en un ejercicio histriónico de deconstrucción de la cisheterotopía del África poscolonial. Siguiendo su espíritu festivo y coincidiendo con las fiestas del Raval, el deseo y el goce se desplazan a la calle con la lituano-ecuatoriana Riobamba, al son del reguetón y el dembow, en un pulso amistoso entre la resistencia y la celebración.

Por su parte, el dúo japonés Group A mapea los márgenes de muchas cosas a la vez, entre la ambigüedad del avant noise, el minimal wave y el drone, habitando los rincones e intersecciones entre lo sonoro, la performance y la narrativa audiovisual. Y cerramos el ciclo con el estreno de The Mirror de la británica People Like Us, con quien nos volvemos a enfrentar a la cuestión de la(s) identidad(es) en un collage audiovisual inmersivo basado en su intenso trabajo sobre imágenes de archivo inscritas en nuestro imaginario colectivo.

Comisariado por Alicia Escobio y Anna Ramos

Foto: Lolo & Sosaku

Programa

SÁBADOS 30 DE JUNIO Y 14 DE JULIO a las 18.30 h
Gratuito. Sin inscripción previa. Aforo limitado.

30 de junio, LOLO & SOSAKU
Cinestesia mecánica, repetición, autonomía y sutilezas sonoras
14 de julio, RIOBAMBA
Calle y reguetón: un pulso apretado entre fiesta y resistencia

JUEVES 5, 12, 19, 26 DE JULIO, a las 20.30 h
Entrada: 5 €. Gratuito con carné Amic. Con inscripción previa. Aforo limitado.

5 de julio, VIOLENCE
Melodías, noise, metal, industrial e identidad en estado líquido
12 de julio, FAKA
El cuerpo negro y queer navegando en la cisheterotopía del África poscolonial
19 de julio, GROUP A
Drones, violines tratados, ruido abstracto y minimalismo industrial desde la performatividad
26 de julio, PEOPLE LIKE USThe Mirror
Plunderfonía inmersiva, found footage y reflejos

Más información: https://www.macba.cat/es/lorem-ipsum-2018

 

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IT’S ALL ABOUT THE HAIRSTYLE

El cas de la Marina Prados

Docu – Teatre

Del 4 al 15 de Juliol. De dimecres a dissabte a les 20:30. Diumenges a les 19h.

SINOPSI

El matí del 23 d’Abril del 2018 a Barcelona s’aixeca amb una pintada a la Plaça de la Virreina, Gràcia. Un grafiti on apareix Puigdemont, Merkel i Rajoy.

La Marina Prados passa una nit a comissaria com a possible culpable material. Per falta d’evidències la deixen lliure fins la pròxima citació, a l’octubre.

Alguns estan molt orgullosos d’ella, altres fan burles de la seva imatge. Ella nega haver fet aquest grafitti. Però qui té una evidència més sòlida? Ningú. Té límits d’expressió l’art? L’art urbà és vandalisme? I per què aquesta notícia ha estat tapada pels grans mitjans de comunicació? Hi ha acusacions que no es poden dir en veu alta ? Qui ha fet què?

La Marina Prados, juntament amb la seva parella, Paula Knüpling, decideixen explicar la seva versió dels fets i escriure la seva experiència personal abans de marxar a Berlín, vista a través de la càmera de L’Adrià Botella i l’Oriol Guanyabens. Amb les seves imatges reconstrueixen la historia i editen el seu primer documental junts, donant a conèixer al públic nous indicis, i proves que condueixen a conclusions compromeses per a l’Estat.

Direcció i dramatúrgia: Marina Prados i Paula Knüpling

Direcció audiovisual: Oriol Guanyabéns i Adrià Botella

Text: Carlos Perelló

Ajudant de direcció: Clara Mata

Direcció tècnica: Ventura L. Kalász

Més informació: https://www.laglevateatre.com/esdeveniment-its-all-about-the-hair

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