MuroTRON | T E A T R O N

LP, de Paula Miralles en la sala Carme Teatre de Valencia

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02-02-2019

1-2-3 febrero 20h30
Carme Teatre, València
Más información y entradas: https://www.atrapalo.com/entradas/lp_e4827070/

Nos emocionamos con canciones que decimos detestar. Lloramos con temas que nos transportan a otras vivencias. Cantamos a solas, a todo volumen, y nos dejamos llevar sin importarnos el tono, la afinación o la melodía.

LP es una propuesta escénica que trata de jugar con los límites de lo musical. A partir del objeto “canción” la pieza trabaja la descomposición y recomposición de esos pequeños universos sonoros para adentrarse en todas sus posibilidades dramatúrgicas y escénicas. Partiendo de conceptos en ocasiones más técnicos y otras veces más emocionales o biográficos la pieza viaja de una canción a la siguiente tejiendo un hilo musical íntimo a compartir.

Paula Miralles. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia y en Arte Dramático por la ESAD de Valencia. Ha realizado una intensa trayectoria como actriz de teatro. En 2016 crea la compañía Colectivo Mortero junto a David Alarcón, Esther Vidal y Pilar Parreño. Con esta formación pone el acento en la relación entre música y lenguaje, sonido, texto y palabra. Actualmente participa en el proyecto colectivo Taller Placer junto a Vicente Arlandis, Miguel Ángel Martínez, Violeta Ros y Aina Vidal y combina su faceta artística y creativa con la de gestión y producción de proyectos escénicos, tanto propios como ajenos. “LP” es su primer solo con el que inicia su propia línea de creación.

Las escenas. 25 años después

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22-01-2019

exposición y cuatro actos en varios formatos

Luz Broto, Dar paso a lo desconocido, intervención site-specific en La Capella, 2011.

Del 27 de enero al 23 de junio en La Capella.

Equipo curatorial: David Armengol, Sonia Fernández Pan, Eloy Fernández Porta, Sabel Gavaldon y Anna Manubens.

ESCENA 1
27.01 – 10.02.2019
Lucía Egaña / Laia Estruch / Gustavo Marrone / Marc O’Callaghan / Julia Spínola / Marc Vives

ESCENA 2
12.02-10.03.2019
David Bestué / Carles Congost / Lucía Egaña / Daniel Jacoby / Gustavo Marrone / PLOM / Alex Reynolds / Julia Spínola / Marc Vives

ESCENA 3
12.03-07.04.2019
Benzo / Carles Congost / June Crespo / Lucía Egaña / Laia Estruch / Pol Gorezje / Daniel Jacoby / Rasmus Nilausen / Alex Reynolds / Julia Spínola / Jon Uriarte / Marc Vives

ESCENA 4
09.04-05.05.2019
Yu Araki / Benzo / Anna Dot / Pol Gorezje / Marla Jacarilla / Rasmus Nilausen / Ania Nowak / Quim Pujol / Francesc Ruiz / Julia Spínola / Jon Uriarte

ESCENA 5
07.05-26.05.2019
June Crespo / Anna Dot / Antoni Hervàs / Marla Jacarilla / Rasmus Nilausen / Francesc Ruiz / Carlos Sáez / Julia Spínola / Marc Vives

ESCENA 6
28.05-23.06.2019
Luz Broto / Black Tulip / June Crespo / Ariadna Guiteras / Antoni Hervàs / Ocaña / Tere Recarens / Jara Rocha / Carlos Sáez / Julia Spínola / Y€$Si Perse+La Plebeya+Mar Pons

El 27 de enero de 1994 se iniciaron los programas de artes visuales de La Capella. Veinticinco años más tarde, un equipo formado por cinco personas que, de un modo u otro, han transitado por la organización –cuatro comisarios y un crítico cultural– se reúne para revisar sus contenidos. Así, el intercambio de expectativas y deseos, el baile de obras y de temáticas posibles se prolonga durante algunos meses, con entusiasmos, hallazgos, redescubrimientos y dudas creativas.

La Capella ha dado forma al objeto no identificado al que nos referimos cuando hablamos de una “escena” artística en la ciudad de Barcelona. Observada desde una perspectiva de veinticinco años, la noción de escena se desdibuja en favor de una sucesión de momentos de intensidad imposibles de delimitar o fijar dentro de unas determinadas genealogías. Son escenas sucesivas, pero que también conviven en paralelo. Son escenas dentro de escenas: algunas parecen descartadas; otras son vecinas; algunas tienen buena iluminación, y algunas, en la penumbra, tienen la dudosa luz de la incertidumbre.

Todo empezó con una obra que formó parte de la primera exposición de La Capella. Entonces se incorporó otra que cuestionaba el hecho de un inicio. Eso dio pie a otra obra que ofrecía claves para poder seguir… Las obras se fueron encabalgando, y los movimientos generaban su propio ritmo interno… Sobre la marcha, sin haber fijado un rumbo, obras y artistas de distintas generaciones y procedencias, y con distintas intenciones, fueron entrando en escena.

Las escenas. 25 años después responde a una voluntad de hacer y deshacer según un presente inmediato. Un tiempo presente que entrelaza el pasado y el futuro de La Capella, que son también los del arte contemporáneo y emergente en nuestra ciudad.

Acento. Muestra del programa Artistas en residencia 2018

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22-01-2019

Actividades paralelas

Del 23 al 25 de enero entre el CA2M y La Casa Encendida

Acento es un festival vinculado a Artistas en residencia, la convocatoria compartida por La Casa Encendida y el CA2M cuyo fin es apoyar la creación y la investigación centradas en el cuerpo desde lo performativo.

Durante tres jornadas se realizarán presentaciones de algunos de los proyectos llevados a cabo durante las estancias de 2018 y se generará un espacio de encuentro con los artistas del 2019. En estos días ambas instituciones quieren poner el acento en la reflexión que parte de la propia investigación artística a través del cuerpo, entendiendo este como cuerpo social, como una construcción política productora de saberes desde lo sensible.

Los artistas seleccionados en 2018 fueron: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca; Esther Rodríguez-Barbero; David Benito, Irene Cantero y Víctor Colmenero; Javier Marquerie Thomas; Oihana Altube y Javier Vaquero; Twins Experiment y Aniara Rodado y Óscar Martín. Además, Agua de borrajas, junto con las residentes de Acento, han producido una publicación que se unirá al final de los tres días de la muestra. Cada parte se presentará con su pieza y juntas conformarán Manual de instrucciones que quiere proponer probar el cuerpo de las acciones en casa.

Agua de borrajas es un proyecto editorial que parte del Departamento de Educación de CA2M junto con la imprenta Roma.

_Programación_

_23 de enero

>“Guided Tour” de Esther Rodríguez Barbero.

>“Notación y transmisión del movimiento de una Ruda” de Aniara Rodado.

>”Extraoceanic” de Javier Marquerie Thomas.

24 enero

>“Rojo pandereta” de Oihana Altube y Javier Vaquero Bueno.

25 de enero_

>“everlasting softness” de Twins Experiment.

Sâlmon< 2019

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22-01-2019

Fiesta

Del 22 de enero al 9 de febrero en Barcelona

>Programación escénica

>Programación expandida

>salmon-dance.com

Cada cuerpo, con sus maravillosas singularidades, es una puerta abierta al conocimiento del mundo. Nuestros cuerpos vivos y vivientes son fuente de experiencias ilimitadas: gracias a que tenemos un cuerpo nos pasan cosas. Y gracias a que nos pasan cosas somos capaces de entender, percibir, intuir, imaginar y, en definitiva, conocer. Por eso quizás, cada vez se hace más difícil y absurdo distinguir y separar el saber del hacer.

¿Y si nos atrevemos a bajar barreras y a dejar que los fenómenos del mundo migren libremente?

¿Y si dejamos de tratar las prácticas artísticas como un hecho aislado y cerrado sobre sí mismo, y reconocemos su poder de crear realidad?

¿Y si reconocemos que el sentido último de la creación es producir experiencia, y por tanto, conocimiento?

El Festival SÂLMON<, en esta nueva etapa, está concebido como una celebración del cuerpo como lugar de aprendizaje y fuente de conocimiento. Más allá de las disciplinas y los géneros, más allá de las aulas, los teatros y los museus, más allá de los estilos, las escuelas y la historia, las artes vivas son experiència, es decir: son una oportunidad de ampliar los límites de lo que conocemos.

Por eso, si la cuestión de la que nos vamos a ocupar es la fascinante labor de aprender, no tiene sentido restringir este festival a la exhibición convencional de obras escénicas. Entre otras cosas porque eso, nos condena a ser merxs consumidorxs de cultura, o lo que es lo mismo, de entretenimiento más o menos sofisticado. El conocimiento solo es posible como resultado de una colaboración entre personas que deciden compartir un tiempo y un espacio. Por eso, lo que Salmon reclama de vosotrxs es complicidad.

Sois mucho más que merxs receptores de espectáculos. Vuestros cuerpos, vuestras capacidades de pensar, sentir, hacer, imaginar y entender son el corazón de este festival. Queremos que el SÂLMON< sea una oportunidad de aprender y de generar conocimiento libremente entre personas. Por eso, nos gustaría presentar aquí las propuestas de lxs artistas como invitaciones a poner en juego vuestros cuerpos, con todas sus habilidades e incertidumbres, con todas sus sensibilidades y fascinantes especificidades. En definitiva, lo que deseamos es que todo lo que nos suceda mientras permanezcamos juntxs participando de todo lo que hemos preparado, amplíe nuestra imaginación de lo que es posible.

Situation Rooms

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18-01-2019

Debate

De Rimini Protokoll, del 19 de enero al 1 de febrero en los Teatros del Canal

Un periodista cultural de The Guardian dijo, después de vivir Situation Rooms, que no estaba seguro de cómo categorizar una experiencia tan impresionante. Es teatro inmersivo, donde los espectadores son a la vez actores, donde las fronteras entre lo individual y lo colectivo se difuminan y se consume periodismo, política y economía global en tiempo real.

Situémonos. El colectivo alemán Rimini Protokoll, fundado en los años noventa del siglo pasado por Helgard Haug, Stefan Kaegi y Daniel Wetzel, lleva desde entonces estirando los límites de lo teatral experimentando con el verbatim theatre, el teatro documento, el site specific, el teatro inmersivo, el teatro itinerante y la tecnología aplicada al viejo arte de contar historias. En definitiva, llevan décadas a vueltas con la relación entre realidad y ficción, intentando quebrar el complejo entramado de nuestra realidad y mostrarlo en sus distintas facetas para poder cuestionarlo.

En este caso, la guerra y su herramienta principal, las armas, son el detonante de Situation Rooms, una videopieza para múltiples “jugadores”, porque es casi como un videojuego que se vive de forma individual, pero en relación con el resto de espectadores. El público accede en grupos de 20 personas, cada uno con unos auriculares y una tablet en la mano. Y cada uno vivirá la experiencia de otras 10 personas a través de los vídeos previamente grabados que se ven en las tablets, biografías de distintos lugares del mundo relacionadas de una u otra forma con las guerras. Cada espectador vive la historia de “sus” personajes, interactuando en un espacio laberíntico con los otros actores/ personajes, solapándose distintos planos de realidad y ficción en una vivencia absorbente que te saca completamente de tu vida durante más de una hora. Pura empatía.

IMPORTANTE DE CARA A LA COMPRA DE ENTRADAS

El diseño de esta videopieza requiere la participación de un total de 20 personas. Por esta razón, a la hora de adquirir las localidades, os pediremos vuestros datos de contacto para poder confirmar vuestra asistencia.

Habrá cuatro pases al día: 12h, 16h, 18h y 20h.

Recomendado para mayores de 16 años.

Burgos >U< Trópico, Juan Navarro (y amigos) en Escena Abierta de Burgos

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18-01-2019

Festival, Fiesta

Juan Navarro junto a Chico Trópico, Cristian Wise, Mónica Carvallo, Ferdy Esparza, Juan Loriente, Semolina Tomic, Gonzalo Cunill, entre otros.

Más información: http://www.aytoburgos.es/cultura/ciclos-teatro-musica-danza/festival-escena-abierta/festival-escena-abierta-burgos-2019

Insect

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09-01-2019

Ciclo de cine

10 de gener a les 20 al Teatre CCCB, l’última pel·lícula de Jan Švankmajer

Us adjuntem el dossier de premsa que conté les projeccions previstes pels mesos de gener i febrer de 2019. Més endavant us farem arribar la programació dels mesos de març i abril.

Sota la direcció de Carolina López, el cicle de cinema del CCCB mostra obres de creació personal, obertes a l’experimentació i l’assaig.

Entre les sessions d’aquest 2019 destaquen, a més de la inaugural, les dedicades a la Nova York de Rudy Buckhart, als pioners de l’avantguarda iugoslava (producte del comunista Kino Klub Split, que va saber fer de l’estètica realista imperant un pont cap a l’avantguardista Onada Negra dels 60), o al projecte final de David Brooks, Carolyn and Me. El programa inclou grans noms del medi, com Carolee Schnemann, Werner Neckes o Stan Brackhage, així com a figures menys conegudes com Luís Macías, Christine Noll Brinckmann o Jodie Mack, que resumeix cinc anys de viatges i exploracions al voltant del món en un fascinant panòptic de paisatges i teixits en moviment (The Grand Bizarre, 2018).

Xcèntric afronta aquesta nova edició amb l’apertura, el proper 2 de febrer, del renovat Arxiu Xcèntric que incorpora un espai polivalent que afegirà a les projeccions, tallers, converses i experiències compartides. Les activitats arrencaran amb la sessió Artefactes Cinematogràfics, una introducció al cinema de Xcèntric, dirigida per la cineasta Adriana Vila, que oferirà un accés directe a la naturalesa física i instrumental del cinema en suport fotoquímic.

Expografía

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09-01-2019

Baile

Amalia Fernández

17, 18 y 19 de enero en los Teatros del Canal

Amalia Fernández es toda una personalidad en la escena experimental. Aparte de sus proyectos personales, en el que destacan En construcción 2 (que también forma parte de la programación de Teatros del Canal esta temporada) y El resistente y delicado hilo musical, ha colaborado con los proyectos de creadores como Cuqui Jerez o Mónica Valenciano, para quien ha bailado muchas de
sus obras de la serie Disparates.

Amalia Fernández fue invitada como performer por el comisario Mathieu Copeland en la experiencia Una exposición coreografiada, que la mantuvo bailando durante todo el mes de septiembre de 2017 en el CA2M de Móstoles. La propuesta exploraba cómo se comportaban los conceptos de coreografía y dramaturgia en el contexto de un museo. La experiencia, que le resultó fascinante, abrió una línea de investigación personal que devino en la propuesta Expografía, un término que cruza los conceptos de exposición y coreografía, haciéndolos coincidir en un mismo espacio-tiempo. La danza en los museos ha sido una práctica habitual de la danza posmoderna norteamericana, que albergó en los espacios expositivos de los sesenta desde los happenings de Merce Cunningham hasta las performances de Yvonne Reiner.

Desde entonces y hasta ahora, es habitual la presencia de la danza en los museos y la idea ha sido investigada a fondo por creadores de nuestro tiempo como el francés Boris Charmatz. Para Amalia Fernández supone la oportunidad de dar respuesta a los interrogantes ¿cómo afecta a la obra viva la temporalidad del museo?, ¿hasta qué punto se convierte en una mezcla de coreografía y reality show?, ¿cómo afecta al performer un marco diseñado para objetos inanimados?, ¿cómo se comporta el público cuando se da ese choque de formatos?, ¿qué se espera de él? o ¿cuál es la convención a la que debe responder? El proyecto se concreta en dos formatos: el que aquí presentamos en la Sala Negra y otro que se podrá ver en el CA2M, el sábado 12 de enero, jugando con la temporalidad museística, por lo que se pide a cada espectador el compromiso de permanecer en la sala durante las ocho horas consecutivas que dura la performance.

Enciclopedia de fenómenos paranormales Pippo y Ricardo

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09-01-2019

Bailongo de Culeo

Del 10 al 13 de enero en los Teatros del Canal

El indomable Rodrigo García ha sobrepasado los 50 en plena forma. Su ser sigue alojando al tipo más punki del teatro en español, cuya irreverencia ya querrían los que se dicen irreverentes ahora con veintitantos. Eso sí, la edad ha pulido ese ir a la contra o ese hacer lo que le dé la gana.

Los años, y el talento de Rodrigo García, sobre todo su talento, le han ido dando la razón sin tener que dejar de ser el incómodo enfant terrible que nos voló la cabeza a partir de los 90 con espectáculos como Notas de cocina, Conocer gente, comer mierda, Compré una pala en IKEA para cavar mi tumba o Agamenón.

Lo nuevo que nos trae en esta temporada a los Teatros del Canal tiene un título inquietante, que redunda en ese misterio típico de las obras del creador argentino, donde hasta el mismo instante en el que arranca la función es difícil prever un argumento. Lo que seguro sabemos es que la obra la protagonizan sus dos intérpretes predilectos: Juan Loriente y Gonzalo Cunill, probablemente los actores que menos intención ponen al decir los textos de García. Luego siempre se termina confirmando que nadie como ellos podría decirlos igual. Es alucinante lo que sucede entre la organicidad de Loriente y Cunill y las palabras de Rodrigo, factores que al sumarse y multiplicarse arrojan un producto único e inimitable.

Loriente y Cunill son Pippo y Ricardo, dos hermanos de la Logia Lautaro, una organización secreta sudamericana fundada por independentistas argentinos y chilenos en 1812. Y la obra es la plasmación del manuscrito original que da título a la misma, organizado libremente en 4 capítulos por nuestros protagonistas, “partiendo –dice el propio Rodrigo García– de visiones de santos, eremitas y borrachos de Minneapolis, Massachusetts, José C. Paz y Tortuguitas. Desde el Antiguo Egipto no se conocía nada igual”.

Encuentro LECA

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09-01-2019

Almuerzo free software

19 de enero, 2019. De 11:00h. a 14:00h. y de 16:00h a 18:00h. en el Laboratorio 987 del MUSAC.

*Actividad gratuita hasta completar aforo.

Culminación del proyecto LECA en torno a experiencias inspiradoras y puntos de fugas para abordar la situación de la educación musical y la experimentación sonora.

Participan: Miguel Ángel Fernández (Artista y compositor. Fundador grupo Gruva, Orquesta Sinfónica de Asturias, Universidad Popular Municipal de Gijón CONSMUPA), Alfonso G. de la Torre (Compositor e intérprete. Profesor Conservatorio superior Jesús Guridi, Vitoria Gasteiz), José M. Redondo (Orquesta Sinfónica de CyL y Conservatorio de Salamanca), Manuel Dos Santos Trapote (Director Escuela de Música, Danza, Teatro y Artes Plásticas de Guardo), Genzo P. (artista), colaboradores LECA y Grupo de Mediación Convocatoria Laboratorio 987.

LECA, Laboratorio de Experimentación y Creación Artística del artista Genzo P. ha venido poniendo en valor las posibilidades creativas y pedagógicas de los laboratorios de sonidos. Desde su estancia en MUSAC, esta iniciativa ha promovido la creación de espacio de trabajo para que los creadores ensanchen su formación musical, pero también para popularizar la necesidad de imaginar otras formas y espacios para la escucha.

Como culminación del proyecto LECA se propone este encuentro público en el que intervendrán varias de las personas que han participado de la experiencia en combinación con personas procedentes de diversos campos de la educación musical, quienes sumaran a esta iniciativa otras sensibilidades y así, imaginar juntos las oportunidades que un espacio de estas características podría suponer en la ciudad.

Con el objeto de ampliar la posición particular del artista y con el título de Laboratorios de sonidos: posibilidades creativas y pedagógicas, Genzo P. y el Grupo de Mediación de la Convocatoria Laboratorio 987, proponen un foro para reunir experiencias inspiradoras y puntos de fugas que susciten un debate sobre la situación de la educación musical y la experimentación sonora, a través de este encuentro quiere abordar las posibilidades creativas y pedagógicas que supondría para artistas y músicos profesionales la existencia de un laboratorio electro-acústico en Castilla y León.

El encuentro será filmado y documentado, y publicado parte del contenido audiovisual en el contexto de LECA y la Convocatoria Laboratorio 987.

— MuroTRON

LP, de Paula Miralles en la sala Carme Teatre de Valencia

Las escenas. 25 años después

Acento. Muestra del programa Artistas en residencia 2018

Sâlmon< 2019

Situation Rooms

Burgos >U< Trópico, Juan Navarro (y amigos) en Escena Abierta de Burgos

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Expografía

Enciclopedia de fenómenos paranormales Pippo y Ricardo

Encuentro LECA

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