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Lagartijas tiradas al sol – 2 y 3 de octubre en Conde Duque
Vuelve a Madrid y a Condeduque la banda de artistas mexicanos Lagartijas tiradas al sol, un colectivo que ha cumplido dos décadas de proyectos de banda ancha, valga el símil, porque se desarrollan tanto en la escena como en formato libro, en vídeo o a través de procesos educativos. Y siempre en una búsqueda muy particular que vincula trabajo y vida. Este nuevo montaje con el que comparecen en Madrid cuatro años después de traernos su Tiburón, no mira tanto a México como a sus vecinos del Sur, el subcontinente conocido como Centroamérica. No es habitual, según Luisa Pardo y Lázaro Gabino Rodríguez, almas del colectivo, lagartijas titulares, que México mire al Sur, porque siempre han vivido mirando hacia el Norte, de espaldas a un conglomerado de estados en los que, aseguran, se están ensayando los futuros ya desde la apertura del Canal de Panamá y con las constantes incursiones de Estados Unidos, el Bitcoin, el binomio revolución y dictadura, criminalidad y violencias extremas, zonas de desarrollo industrial o éxodos forzosos.
El proyecto nace cuando Luisa y Lázaro Gabino conocen a una mujer nicaragüense forzada a abandonar su país por la dictadura de Daniel Ortega. Su historia fue tan reveladora que puso en marcha un mecanismo de investigación que se materializa en soporte escénico y en una publicación. Centroamérica es una denominación bajo la que laten siete países, un nombre y una convivencia que tiene tanto de poesía como de estigma. “Si México -dicen las lagartijas- ha sido visto como patio trasero del imperio, ¿cómo vemos desde México a Centroamérica? Ese territorio que se encuentra capturado entre dos fronteras impenetrables: por un lado el tapón del Darién, selva densa y cerrada en los límites de Colombia y Panamá; por el otro, los márgenes de Belice y Guatemala que, por la presión de Estados Unidos sobre México, han sido militarizados y se han vuelto un violento obstáculo para las personas migrantes”.
Sin duda, la realidad actual de esta parte del mundo lanza mensajes ineludibles. El trabajo, siempre político, de Lagartijas busca en esta ocasión centrarse en esas miles de personas arrancadas de su territorio y separadas de sus familias muchas veces, a causa de la inseguridad y la inestabilidad que traen los diversos conflictos. A aquella mujer nicaragüense le preguntaron que qué podían hacer por ella. “Pensamos que al realizar un favor en el terreno de lo real, nos volveremos representantes de esa persona que no puede regresar al escenario de su vida anterior. Y es así, interviniendo en la vida de una persona en particular, como imaginamos ejercer una acción política desde el teatro”.
Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/lagartijas-tiradas-al-sol-centroamerica.
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Phonophobia – Del 3 al 6 de octubre en el Antic Teatre
Cuerpos, un aro aéreo y bolsas de plástico dibujando un mar negro. ¿Qué es un cuerpo sumergido en las aguas y qué es un cuerpo entre la basura? Se abordan ambas texturas, las consiguientes calidades corporales y la musicalidad de los materiales.
Se cuestionan los estereotipos de la belleza y sus límites, donde alguna cosa deja de ser bonita para convertirse en fea y viceversa.
Des-harmonía e imperfección.
La búsqueda de la apariencia y la pretensión de mantener una imagen compuesta cuando todo se hunde.
El reciclaje en el uso de los materiales (el aro es una herramienta de circo pero también es un espejo, una luna, una escenografía; las bolsas de basura son un mar de plástico pero después se convierten en un vestido elegante o en un monstruo).
Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/fast-food-emotion-phonophobia/?lang=es.
Phonophobia. Fast Food Emotion es su segunda creación. Artistas queer, disidentes y multidisciplinares, Karita y Maristella recorren diferentes formas de arte escénico como el circo, el canto, el teatro físico, la moda y la danza, para contribuir a una misma escritura dramatúrgica. Phonophobia trabajó durante su primer espectáculo en una creación sonora de circo, Responsabilitè (il)limitè d’un concert physique – (2018-2021), una mezcla de voces y cuerpos donde el lado grotesco acompaña el momento compartido con el público.
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Félix Fernández – Del 27 al 29 de septiembre en Teatro Ensalle
“Xavier a través de min” es un proyecto de artes vivas de corte autobiográfico y no documental con el que quiero traer al presente el legado inmaterial que mi hermano Xavier Fernández me dejó en vida, y dejar al descubierto todo el sedimento de la vida de mi hermano en mí.
Las principales herramientas para vehicular este contenido tan emocional son la danza, el espacio sonoro-musical, la voz, el texto y la instalación, que mezcladas componen una experiencia vivencial muy próxima a un lugar de intimidad casi confesional, donde encontrar un espacio de liberación energético poco habitual.
Xavier Fernández trabajó hasta la muerte en relación a la Consciencia, era psicólogo, criminólogo, investigador y psiconauta, profesor de yoga, de meditación, y también guía en procesos de búsqueda interior.
Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/xavier-a-traves-de-min/?event_date=2024-09-27.
Creación, dirección y performer: Félix Fernández
Asesora de coreografía y movimiento: Rut Balbís
Coach y arteterapeuta: Raquel Calvo
Textos: Xavier Fernández, Félix Fernández
Proyecciones: Xavier Fernández
Escenografía y selección sonoro-musical: Xavier Fernández e Félix Fernández
Documentación en vídeo: Henrique Lamas
Este trabajo se pudo llevar a cabo gracias al apoyo de A Casa Vella a través de una ayuda PICE, de la convocatoria de residencias artísticas Atopémonos Bailando, del MUSEO MIHL de Lugo, del Festival Escora, de la plataforma galega para artes performativas contemporáneas De Corpos Presentes y del Espacio de intervención artística de la Universidad de A Coruña, NORMAL.
Los Torreznos – 4 de octubre en el Teatro del Barrio
Nos planteamos explorar de manera directa o indirecta la relación entre el arte y la vida cotidiana.
No hay más remedio. Abarcar un concepto tan amplio nos permite abordar toda una serie de tópicos sociales y personales que traman una visión crítica de lo que hay.
Partimos de la situación concreta que vivimos aquí y ahora: dos individuos observados por espectadores en una sala.
Desde esa posición recorremos diferentes formas de experimentar lo que nos está ocurriendo.
Hace nueve años realizamos una pieza sobre “La Cultura” y consideramos que ya va siendo hora de desarrollar una pieza sobre “La Realidad”.
Más información y entradas: https://teatrodelbarrio.com/la-realidad/.
Mabel Olea, la compañía Serrucho y Eulàlia Bergadà presentan sus creaciones en la tercera edición del programa de ensayo escénico del CCCB. Tres propuestas de experimentación artística que nos invitan a reflexionar sobre la perfección y la belleza, la autenticidad y la representación en la era digital, y el concepto de espacio.
Laboratorio escénico es un programa de apoyo a la creación que acompaña y apoya proyectos que están en fase de desarrollo y que apuestan por la investigación formal y de contenido. Ofrece a tres colectivos de creadores una residencia de una semana, que culmina con una puesta en escena para compartir con el público una pieza que se halla en una etapa de prueba y ensayo.
El ciclo, comisariado por el programador de artes escénicas Isaac Vila, quiere ser un espacio de ensayo-error a medio camino hacia el resultado final de creación y un punto de encuentro interdisciplinar.
Mabel Olea, CUT ONE’S TEETH | 5 de octubre a las 19h30 en el CCCB
La bailarina y coreógrafa Mabel Olea presenta CUT ONE’S TEETH, una pieza performativa que cuestiona los estándares de belleza contemporáneos y reivindica el poder del cuerpo en la era digital.
CUT ONE’S TEETH es una obra performativa que explora el viaje de transformación personal y artística de Mabel Olea mediante la metáfora de un diamante en bruto que se convierte en un diamante pulido. Inspirada en el modismo inglés cut one’s teeth, que hace referencia al hecho de aprender y adquirir experiencia desde cero, la artista crea una narrativa visual y corporal que une los conceptos de perfección y belleza occidentales con referencias culturales diversas.
La performance combina elementos de la escultura clásica, la danza de Balanchine y la estética del anime, y crea así un cuerpo-joya que se transforma ante el público.
Con una estructura surrealista y dadaísta, CUT ONE’S TEETH es un viaje hacia el inconsciente, donde el cuerpo se convierte en una pieza de arte divina y radical.
Creación e interpretación Mabel Olea
Iluminación Oscila Vestuario Joan Ros Sonido Mabel Olea y Javier Soler Fotografía y visuales Andrea López Producción Cristina Sanz-Gadea
Con el apoyo de CCCB, Fabra i Coats, L’Estruch Fàbrica de Creació de les Arts en Viu, Becas Barcelona Crea 2023, Becas Osic 2023
Serrucho, Mirror Stream | 9 de noviembre a las 19h30 en el CCCB
Serrucho nos propone vivir una experiencia teatral única y original y jugar, desde el humor, con nuestra percepción de la realidad. Una reflexión sobre la autenticidad y la representación en la era digital.
MirrorStream desafía la percepción del público, mezclando teatro y cine, y explora los límites entre la autenticidad y la representación en la era digital. La pieza permite una exploración sorprendente y estimulante de la escena. A través del humor y la duda, MirrorStream fusiona lo efímero del teatro con la hiperrealidad de las imágenes en directo, y crea un espacio híbrido donde se difuminan las fronteras entre la vida real y la nueva realidad-ficción.
Dirección Ana Cortés, Raúl Alaejos y Paadín
Con la colaboración de CCCB
Eulàlia Bergadà, A-Void Setting 0.1 | 14 de diciembre a las 19h30 en el CCCB
A-Void Setting 0.1 es la primera puesta en escena de la próxima creación de la coreógrafa Eulàlia Bergadà. La pieza se adentra en el concepto de espacio para explorar distintas posibilidades compositivas, e investiga el vacío como elemento esencial para percibir el espacio y evitar concepciones predeterminadas.
Protagonizada por una bailarina, una música y un técnico y programador de interactivos, A-Void Setting 0.1 busca reconfigurar los ideales construidos en torno al espacio escénico. El trabajo combina la manipulación técnica con la interacción de los cuerpos y estructuras móviles, utilizando recursos tecnológicos y materiales diversos. Fomenta la proximidad y la complicidad con el público invitándole a la inmersión y la contemplación, y crea de este modo un ambiente seguro y acogedor.
Intérpretes: Eulàlia Bergadà, Pia Nielsen y Ventura López Kalász
Más información y entradas: Laboratorio escénico en el CCCB
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Neus Masdeu | Del 26 al 28 de septiembre en la Fundación Brossa
Neus Masdeu ha pogut fer realitat el seu somni: crear una empresa de seitons en vinagre. En aquest esdeveniment celebrarem la seva presentació oficial. Entre gresca, xerinola, històries familiars i de l’ofici del mar, podreu conèixer el producte i la identitat de Seitons Masdeu Hola i Adeu.
Un vermut ple de sorpreses durant el qual es podran degustar diversos plats amb el seitó de protagonista. Veniu amb gana!
Seitons Masdeu Hola i Adeu és la presentació oficial d’una empresa de seitons en vinagre fundada per l’artista, filla de l’últim subhastador de peix (a viva veu) d’Arenys de Mar, el seu poble natal.
Durant l’esdeveniment podreu conèixer alguns secrets de l’ofici del peix, la història, l’imaginari i la identitat de l’empresa; participar en una subhasta de productes oficials de la mà de Josep Masdeu (pare de la Neus), i degustar quatre plats amb el seitó com a protagonista. Tot això i algunes sorpreses més en un format peculiar: seureu i compartireu taula com en un banquet, i coneixereu altres persones interessades en el món del peix i del seitó, mentre preneu un vermutet.
Mas información y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/seitons-masdeu-hola-i-adeu/.
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Societat Doctor Alonso – 4 y 5 de octubre en La Mutant
Cinco cuerpos pacientes, celadores, médicos, especialistas, enfermeros, recipientes, muertos, actores y títeres. En una no sala de espera, en un no despacho de médico, en un no quirófano de un no hospital de campaña.
Este hospital no es un hospital cualquiera, en el que se practica la medicina moderna. Aquí la enfermedad es de una suerte de “don”. Aquello que te permite iniciar el camino de la curación. Todos estamos enfermos, y no vamos a dejar de estarlo después de visitar Hospital de campo La dolencia que arrastramos es aquello que nos invita a prestar atención al modo en que el desdoblamiento del mundo se ha hecho carne en nosotras.
Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/hospital-campo-societat-doctor-alonso/.
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Taller Placer – Del 27 al 29 de septiembre en Teatre el Musical
Corrimiento al rojo es una pieza escénica site specific que surge de una investigación artística sobre noche y oscuridad realizada por Paula Miralles y Vicente Arlandis (Taller Placer). Durante varios meses hemos estado indagando sobre las diferentes ideas que se han asociado a la luz, la oscuridad y los eclipses con un grupo de artistas e intérpretes.
Hemos trazado un viaje fascinante a través del fenómeno de la luz, la anatomía y el funcionamiento de los ojos, la teoría del Big Bang, los viajes al cosmos, la luz de las estrellas, los telescopios y los microscopios, las supernovas o el arco iris. Y finalmente, ha sido construyendo una cámara oscura en tiempo real donde hemos sintetizado todas estas ideas.
Nuestra pieza se llama Corrimiento al rojo y plantea una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva que explora cómo la luz, el espacio, la palabra y el sonido trabajan juntos y afectan nuestros cuerpos. Este estado en el cual nos coloca la propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, nos habla de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde y nos confirma que estar perdidxs durante un rato en un mundo lleno de certezas puede ser también una buena manera de habitarlo.
Más información y entradas: https://www.valencia.es/web/guest/w/corrimiento-al-rojo-taller-placer-1.
Idea y creación: TALLER PLACER/Paula Miralles y Vicente Arlandis.
Intérpretes: Paula Miralles, Vicente Arlandis y Inés Muñoz.
Asistencia Vocal: Quiteria Muñoz.
Producción: Paula Miralles /Taller Placer.
Fotografías de Lucasz Michalak.
Con el apoyo del Consorci de Museus de La Comunitat Valenciana, Asociación hablarenarte, el Ayuntamiento de Valencia y el Institut Valencià de Cultura.
Proyecto impulsado por Cultura residente 2022.
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Marc O’Callaghan | Del 26 al 28 de septiembre en la Fundación Joan Brossa
Disperses pel Born hi ha un seguit de capelles urbanes dedicades a diversos sants de la cristiandat. És el Santoral Exterior, que configura el mapa de la religiositat popular a la nostra ciutat. A cada sant, la tradició li ha dedicat un seguit de cants coneguts com a goigs i, a través del projecte CSFCMMCAB, Marc O’Callaghan n’ha versionat les melodies en estil màkina fent un encreuament entre el simbolisme catòlic i l’exploració de la materialitat i la funcionalitat del so.
Durant la rave itinerant CSFCMMCAB: Ruta Santoral Exterior del Born us convidem a ser testimonis d’un exercici musicològic samplejat a temps real en què escoltarem sons nous per a les velles melodies de cada sant, davant de cada capella urbana corresponent.
Más información y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/santoral-exterior-born/.
SOBRE EL PROJECTE CSFCMMCAB
La sigla CSFCMMCAB és l’abreviació de Correspondències simbòliques entre folklore catòlic i música màkina al casc antic de Barcelona, el títol del projecte d’investigació de Marc O’Callaghan que parteix dels pressupòsits heretats del pensament simbòlic i desenvolupa una fórmula compositiva amb la qual tradueix conjunts iconogràfics religiosos a produccions d’estil màkina. El projecte va formar part del programa BCN Producció 2019-2020 del centre d’art La Capella.
Lloc web del projecte
MARC O’CALLAGHAN (Barcelona, 1988)
Llicenciat en Belles Arts i màster en Producció i Recerca en Art, ambdós a la Universitat de Barcelona. El seu recorregut artístic s’ha anat vertebrant, d’una banda, a partir d’una línia central de peces autònomes en formats d’instal·lació i performance situada en el circuit de l’art contemporani pròpiament dit i, de l’altra, amb una altra línia més perifèrica de projectes ubicats en altres nínxols disciplinaris com el de la música o el de les arts gràfiques. Més enllà dels temes i les tècniques específiques de cada cas, la constant que caracteritza la totalitat del seu treball és que totes les obres són d’una manera o una altra exercicis que posen a prova el principi de correspondència —simbòlica, referencial o formal— entre determinats elements pertanyents a diferents àmbits. Posant-lo a prova, es generen automàticament interrogants relatius als àmbits i elements concrets que en cada obra s’hagin combinat. En alguns casos, la combinació només assenyala unes correspondències que ja eren allà, posant en relleu obvietats ignorades; en d’altres, la combinació implica en si mateixa unes correspondències inèdites que, en demostrar-se plausibles, revelen un cert potencial per suggerir la corroboració de determinades hipòtesis. Així, aquests exercicis funcionen com a metodologies de recerca metacultural a través de la pràctica artística.
Entre els seus treballs artístics destaquen Coàgul (2009-fins a l’actualitat), un projecte de música industrial en solitari amb el qual ha publicat 23 discs en diferents segells independents; el treball gràfic Revelacions automàtiques, amb què ha fet un seguit d’exposicions i murals en contextos independents i ha parasitat puntualment el món de la il·lustració per encàrrec; El palau de la memòria (2017), un sistema de classificació virtual allotjat a la seva pròpia web que servirà per ordenar la totalitat del seu treball previ segons diversos paràmetres distribuïts en quatre “pavellons”. Des de l’any 2014 està vinculat al festival deslocalitzat Ex Abrupto, i des del 2018 ha anat desenvolupant una discreta carrera com a DJ, principalment a través del col·lectiu Hardcore Wizards.
Lloc web de l’artista
