— MuroTRON

Mi padre no era un famoso escritor ruso de Bárbara Bañuelos | 4 y 5 de noviembre en La Fundición de Bilbao

Un cuerpo atravesando una experiencia.
Y la narración en formato escénico de esa experiencia.
A partir de un punto de partida: el descubrimiento de un silencio familiar y la necesidad de reconstrucción de la historia de mi abuela paterna.
Un proyecto de investigación personal y social. Una reflexión sobre el cuerpo y el sufrimiento mental (el cuerpo físico, institucional, mental, social, sanitario, afectivo, político, etc.) y cómo estos cuerpos y estas voces con sufrimiento mental se encuentran con una sociedad que estigmatiza otras realidades, otras formas de estar en el mundo.
Una experiencia individual y subjetiva que en el acto de compartirla se convierte en social .
Mis procesos creativos tienen como punto de partida un yo autobiográfico que se convierte en un yo expansivo (un nosotros) en el proceso de investigación-creación. Conceptos como memoria, imaginación, tiempo, realidad- ficción se relacionan y se ponen en juego para pensarse desde otro lugar.
Concibo el cuerpo como un archivo vivo que se despliega y articula con la presencia escénica y, desde la oralidad y una neutralidad narrativa, permite mostrar y conectar lo más íntimo, particular y subjetivo con reflexiones colectivas y universales, transitando de lo personal a lo social.

Creación, Dirección e Interpretación: Bárbara Bañuelos
Producción: Estudio Mamifero
Diseño de Luces: David Picazo
Asistencia técnica: Javier Espada
Fotografía: Andrés Pino Bueno

Bárbara Bañuelos
Formada, deformada y transformada entre Burgos, Madrid, Londres y Nueva York compagina su trabajo escénico con proyectos musicales.
Sus procesos de investigación-creación tienen como punto de partida un yo autobiográfico que deviene en un yo expansivo (un nosotros). Donde conceptos como: memoria, imaginación, tiempo, realidad-ficción, cuerpo como archivo vivo, se relacionan y se ponen en juego para pensarse desde otro lugar, transitando de lo personal a lo social.

90 dB fue su primera pieza escénica con la que ganó el premio Injuve 2019.
Con Inventario, memorias de una aspiradora junto a cientos de papeles y objetos desechados recopilados en los últimos 23 años, ha recorrido los suelos de espacios escénicos y expositivos.
Mi padre no era un famoso escritor ruso, un documental escénico, una reflexión personal y colectiva sobre cuerpo y sufrimiento mental.
Hacer Noche es su último trabajo, una conversación a dos sobre muchos. Un vínculo narrativo sobre los cuerpos que sufren el poder, el precariado laboral, la vulnerabilidad y el sufrimiento mental. Un diálogo sobre esta nuestra locura contemporánea.

Estas piezas se han podido ver en el Short Festival (Roma), Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Conde Duque, Festival BAD, Festival Sâlmon, Mercat de les Flors, Festival IDEM, La Casa Encendida, Artium, Teatro Abadía, Festival TNT, Teatro Calderón, Musac, Caixa Forum, Teatro Pradillo, Festival Escena Abierta, Festival Plataforma, L’Altre festival …
Con el apoyo de:
Coproducción: Festival Sálmon 2019, Festival BAD 2018
Colaboradores: Radio Nikosia, Centre de día Sant Pere Claver, Consulta Jove y Pla de Barris la Marina

Más información: La Fundición

Movimientos: operando con Gertrude Stein, de Norberto Llopis |martes 31 de octubre a las 18h en El Graner de Barcelona

Norberto Llopis es residente del Graner 2023 por convocatoria pública, en la modalidad de investigación. Su proyecto de investigación ‘Movimientos: operando con Gertrude Stein’ es una investigación a caballo entre la práctica en danza, la performance y el pensamiento, que toma como materia de estudio los escritos de la poeta Gertrude Stein, para analizar lo que opera en ellos y extrapolar esa noción de operación a la coreografía, a la performance, al movimiento y a lo que mueve entre los movimientos.

Fecha: martes 31 de octubre
Hora: a las 18h
Lugar: Graner (c/Jane Addams 14-16 cómo llegar)
Entrada libre con reserva previa en https://form.jotform.com/232972596869378

Más información: El Graner

IX Jornadas Escénicas Injuve – Bridge the Gap! | Del 25 al 29 de octubre en La Casa Encendida

La Casa Encendida coorganiza la presentación de los proyectos beneficiarios de las Ayudas Injuve para la Creación Joven 22/23. Se pueden ver los trabajos de Nicolás Jongen, Daniel Maciá, Ana F. Melero, Paula Serrano, Sergio R. Suárez, Nerea Pérez y Tomás Cabané, seleccionados en categoría producción de obra; y los de Marcia Vázquez, Mireia Pérez y Checho Tamayo, en la categoría de movilidad.

Con el objetivo de hacer de las Jornadas Escénicas Injuve un lugar de encuentro plural y diverso, se ha generado un programa que permita a todo tipo de públicos navegar entre la creación multidisciplinar, los laboratorios, diálogos y experiencias escénicas para reflexionar en conjunto sobre qué puentes podemos trazar desde lo local a lo global y viceversa, para seguir enriqueciendo y fomentando los ecosistemas culturales y artísticos en los que habitamos.

¿Qué elementos conforman un ecosistema cultural y artístico? ¿Qué papel juega cada cual dentro de él? ¿Qué puentes se pueden trazar entre ecosistemas artísticos locales y globales? ¿Qué conexiones pueden establecerse entre artistas jóvenes de territorios distintos?

Tomando como referencia las ‘no-jornadas’ sobre arte y ciencia organizadas en 2002 por los curadores Hans Ulrich Obrist y Akiko Miyake con el título BRIDGE THE GAP?, queremos alejarnos de los formatos tradicionales de conferencia, festival o feria para generar un espacio de encuentro y diálogo más horizontal. Cambiando el signo de interrogación del título original por una exclamación, con BRIDGE THE GAP! queremos invitar a todos y todas las participantes, profesionales del sector y público general a ser parte activa de las mismas.

La propuesta curatorial de Lorenzo Pappagallo y Jorge Tejedor interpela a toda la comunidad escénica. Artistas, agentes culturales, públicos, profesionales y no profesionales, así como cualquier persona que desee participar de estas jornadas, tienen la oportunidad de trazar un itinerario propio entretejiendo diferentes propuestas donde ver, mirar, pensar, escuchar, sentir, compartir y expresar para vivenciar y reflexionar conjuntamente.

En un mundo profundamente globalizado e interconectado, sigue siendo necesario explorar y entender qué nos diferencia y qué nos conecta con personas y con ecosistemas artísticos en otros lugares del mundo, con las subjetividades que los forman y las realidades que los caracterizan. En estas jornadas pensaremos sobre esos espacios intermedios que necesitamos transitar para poder establecer colaboraciones y conexiones con otros contextos en Europa, en América Latina y en África.

Poniendo el foco en la creación joven, trataremos de encontrar posibles respuestas a las preguntas expuestas más arriba. Así, se explorará cómo desde lo local y desde lo global se pueden trazar esas conexiones sobre las que seguir trabajando, para expandir las oportunidades tanto de los y las artistas, como de los diferentes espacios culturales, organizaciones y comunidades, dentro de una red cada vez más abierta y plural.

PROGRAMACIÓN:

DIÁLOGOS: En un formato de mesa redonda y abierta reflexionaremos sobre algunas cuestiones que afectan a la difusión y la internacionalización de las y los artistas jóvenes. Asimismo, analizaremos en profundidad los cambios de paradigma y los nuevos enfoques a la hora de abordar la circulación y el intercambio internacional de manera más sostenible y horizontal.

25 de octubre – Torreón I de 18:30 a 19:30 h.  Confluencias e interacciones entre ecosistemas artísticos a nivel glocal. Marian Arbre, Godlive Lawani, Fatima Ndoye y Horacio Pérez. Modera: Lorenzo Pappagallo.

26 de octubre – Torreón I de 12 a 14 h. Miradas decoloniales en la colaboración internacional. Godlive Lawani y Fatima Ndoye. Modera: Ben Attia.

28 de octubre – Torreón I de 13:30 a 14:30 h. Intermedios Abiertos. Conversación con Marcia Vázquez, Daniel Maciá, Nicolás Jongen, Ana F. Melero, Paula Serrano, Checho Tamayo, Sergio R. Suárez, Nerea Gracia, Mireia Vázquez, Tomás Cabané. Conduce: Jorge Tejedor.

LABORATORIOS: Una serie de encuentros participativos a través de los cuales poner en práctica algunos de los planteamientos y propuestas surgidas durante los diálogos de las jornadas, propiciando así espacios de colaboración y trabajo real con el objetivo de generar nuevas herramientas para la difusión e internacionalización.

26 de octubre – Aula 4C de 10:30 a 11:30 h. Un café con IBERESCENA y AECID. Zaida Rico y Laura Torrecilla.

26 de octubre – Aula 4C de 16 a 18 h. Reescribir la relación entre artistas e instituciones en un ecosistema internacional. Marian Arbre.

27 de octubre – Aula 4A de 11 a 12 h. Un café con ACCIÓN CULTURAL ESPAÑOLA y EUROPA CREATIVA. Elena Díaz y Augusto Paramio.

27 de octubre – Aula 4B de 12:30 a 14 h y de 16 a 18 h. Estrategias para la difusión internacional de las artes escénicas contemporáneas. Horacio Pérez.

28 de octubre – Aula 4B de 10 a 14 h. Fiesta en el cementerio. Checho Tamayo.

EXPERIENCIAS: Los nuevos lenguajes creativos abandonan el espacio escénico convencional para explorar formas nuevas de participación y vivencia de las propuestas artísticas. Dentro de esta línea podremos encontrar los siguientes proyectos:

26 de octubre – Torreón I a las 18 h. Ruido. Nicolas Jongen Ça Marche.

27 y 28 de octubre – Aulas 4C y 4D – Hi ha una manera (Hay una manera). Paula Serrano.

29 de octubre – Patio a las 12 h. Llenad mi cuerpo de piedras. Tomás Cabané – Cía. Malala Producciones.

CREACIONES: En esta línea de exhibición se encuentran los proyectos beneficiarios que se presentan en espacios escénicos de La Casa Encendida.

25 y 29 de octubre – Terraza Central a las 19:30 y a las 13:30 h. Onde pousa a humidade (Donde posa la humedad). Marcia Vázquez.

26 de octubre – Patio a las 19:30 h. Pies de Gallina (ESTRENO). Ana F. Melero, Luna Sánchez Arroyo.

27 de octubre – Auditorio a las 19:30 h. Desconvivir (ESTRENO). Daniel Maciá – La Retorcida.

27 de octubre – Patio a las 20:30 h. Moritūrī tē salūtant. Checo Tamayo.

28 de octubre – Patio a las 19 h. La Revisión. Sergio R. Suárez.

28 de octubre – Performance política y espacios de resistencia en África Oeste. Mireia Pérez Rodríguez.

28 de octubre- Patio 21. h. Fuck Me Shoes. Nerea Gracia.

Más información: La Casa Encendida

Los Torreznos y Juan Domínguez – 19 de enero de Teatre L’Artesà

Sobre el humor a través de la distancia que existe entre el personaje y la persona que le encarna en escena. Tres personajes/persona recorren conceptos asociados al humorístico: la parodia, el sarcasmo, la burla, el chiste, el absurdo, la risa, el ridículo, el esperpento…, intentando establecer una conexión imposible con un espectador abocado a la perplejidad. El trabajo termina en una batalla campal de almohadas con el público donde el lúdico adquiere un protagonismo máximo permitiendo crear un puente hacia un lugar de complicidad compartida.

Más información y entradas: https://www.teatrelartesa.cat/la-ciutat/guia-agenda/ya-llegan-los-personajes?lan=es#googtrans(ca|es).

El Conde de Torrefiel – 19 de noviembre en El Canal de Girona

Con su personal combinación de texto, movimiento, imágenes plásticas, El Conde de Torrefiel se ha convertido en un proyecto codiciado por los principales teatros y festivales de Europa. Lo han logrado con absoluta fidelidad a su forma de entender el teatro. Tales como este ciclo titulado Ultraficciones, que empezó a crecer hace un año y tuvo su estreno absoluto el pasado mayo en Viena. En un espacio que podría ser un museo, un supermercado o una cueva, el público emprende una fuga poética del mundo exterior y de las imágenes y las ficciones que nos controlan.

Más información y entradas: https://temporada-alta.com/es/shows/una-imagen-interior/.

Serrucho – 25 y 26 de noviembre en la Sala Mirador 

Transformar la urgencia en contemplación y lo utilitario en absurdo. Viva el mundo cambiante, viva el mundo al revés, que le decía Gloria Fuertes a los niños y niñas hace medio siglo. Cómo pasa el tiempo, dios mío. Clama al cielo que tengamos que extremar la mirada sobre lo cotidiano para darnos cuenta de hasta qué punto nos hemos entregado al consumismo. Eso que llamamos ocio es cada vez más autogestión del tiempo de consumo y sentarse en una hamaca, en la playa, en una piscina, en un camping, en un parque, sin más, sin hacer nada, parece pecado. ¡Es perder el tiempo! El colectivo Serrucho, después de la fantástica Archivo, pieza inmersiva y experiencia emocional inolvidable que presentó en el Festival de Otoño en 2019, vuelve con una obra de teatro de objeto que utiliza el tiempo como material de trabajo y juega con la superposición de fragmentos espacio-temporales imposibles.

“¿Qué significa perder el tiempo? ¿Por qué pedimos unos minutitos más? ¿Si tenemos todo el tiempo por delante, qué hemos dejado atrás exactamente?” -se preguntan desde la compañía. “Desde nuestra desconexión del tiempo astronómico los días pasan más rápidos y nuestras horas se miden en dinero. Las convenciones temporales basadas en los ciclos de la naturaleza se han visto sustituidas por una híper acelerada visión mercantil. ¿Qué supone eso para nuestras vidas? ¿Y para el mismo tejido espaciotemporal?” Todas estas preguntas responden a un concepto social del tiempo, pero también está el tiempo material o la materialidad que intentamos darle al tiempo en física para comprenderlo. Y luego está el tiempo escénico, que entra en tensión con el tiempo de la vida, una tensión no siempre comprendida por un espectador cada vez más acostumbrado a un manejo del tiempo audiovisual mediatizado por una pantalla. La dimensión temporal del teatro está condicionada por la presencialidad, por un tiempo y un espacio compartidos y a la vez subjetivos. El tiempo en el teatro actúa distinto en el actor, en el personaje y en el espectador. Desde ahí es desde donde Serrucho quiere investigar la figura del tiempo-teatro como agente dramático.

¿Y cómo lo hace? Una larga escena de camping nocturno. Un laboratorio con sillas plegables, sombrillas y tiendas de campaña. El espectador, ayudado de un frontal, irá descubriendo en esa noche de verano un collage de objetos y memoria. El haz de luz que se proyecta desde su cabeza pone en escena su mirada junto a la del resto del público, delatando temporalidades y decisiones individuales que condicionan la representación.

El camping como paradigma del tiempo libre. Una colección de objetos efímeros, diseñados para que cunda el tiempo. Ingeniería 2 Seconds (ya saben, lo de montar la tienda de campaña en un pis pas, con un solo gesto, made in esa franquicia francesa con la que todo el mundo hace deporte) que nos impone una gestión del ocio entendido como producto de consumo. Se trata, en definitiva, de “un espectáculo basado en la experiencia y en la observación fenomenológica. Eventos que serán percibidos como aparentemente desincronizados e inconexos porque atienden a distintos órdenes narrativos y marcos de referencia, a través de los que el propio transcurrir del tiempo provocará un proceso de transformación sobre el espectador”, según palabras de sus responsables. O para decirlo en términos mitológicos, un combate más, sobre el escenario, entre Cronos y Kairós. ¿Tú con quién vas?

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2022/interior.html.

Sábado 29 de octubre a las 13h en La Casa Encendida

La voz y el cuerpo de los cuatro intérpretes se mueven generando imágenes poéticas, composiciones acústicas y experimentaciones sonoras y coreográficas que posibilitan el descubrimiento del espacio y de las relaciones humanas a través de la voz y el movimiento, construyendo significado alrededor de la identidad colectiva.

Aurora Bauzà & Pere Jou son creadoras, compositoras e intérpretes en artes escénicas. El objeto central de su investigación es la voz humana y su relación con el cuerpo, el movimiento y el espacio. Su trabajo escénico está influenciado por su formación musical clásica (ambos son licenciados en música), así como por la obra de artistas como Alessandro Sciarroni, que les asesora en la dramaturgia. El año 2020 estrenaron en el Festival GREC de Barcelona su primera pieza escénica I am (t)here, cuya investigación sobre voz y cuerpo sentó las bases para su posterior pieza, We are (t)here, estrenada el año siguiente en el Festival TNT de Terrassa. También de 2021 es la pieza comunitaria Aquí | No allá, que explora la identidad, la vulnerabilidad y el empoderamiento a través de un trabajo vocal con no profesionales. En marzo de 2023 estrenarán su nueva creación escénica en L’Auditori de Barcelona.

Ficha artística:

• Creación: Aurora Bauzà & Pere Jou
• Interpretación: Lara Brown, Elisa Keisanen, Aurora Bauzà y Pere Jou
• Asesoramiento dramatúrgico: Alessandro Sciarroni
• Vestuario: Mariona Signes
• Producción y distribución: Ariadna Miquel
• Fotografía: Alessia Bombaci
• Apoyos: Festival TNT Terrassa. Graner Centre de Creació. L’Estruch de Sabadell. Institut d’Estudis Baleàrics Generalitat de Catalunya

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/we-are-there-aurora-bauza-pere-jou-13988

Sábado 22 y domingo 23 de octubre en La Mutant

Hammamturgia genera y capta el flujo de los cuerpos y las cosas en el espacio, una sucesión que no explica nada, sino que propone y activa transformaciones, una obra coreográfica en definitiva, que trabaja con el espacio y el tiempo.

Entendemos la hammamturgia como lo otro de la dramaturgia. La dramaturgia sería así la acción de crear, componer e interpretar una obra. La hammamturgia, en cambio, remite a una relación con las condiciones atmosféricas que producen la transformación de la forma/obra, el paso a dar es estar dentro, atravesando, ser lo que nos mueve y no vemos.

Si la dramaturgia está relacionada con el contar, y se le atribuye en consecuencia un autor (el dramaturgo, el que cuenta y crea el drama), la hammamturgia, por su parte, se vincula con el suceder, y no necesitaría entonces un dramaturgo que prescriba unas acciones. Aceptaría, quizá, unos procuradores que atienden y actúan en relación a unas determinadas condiciones ambientales. Por eso decimos que la hammamturgia es lo que ocurre —o lo que opera el cambio.

El espacio mismo se está construyendo y/o transformando durante la acción, a la vista de los espectadores.
Este espacio no es más que un ambiente compartido. Un ambiente en el que no se distingue un fuera de un adentro. Es sólo una membrana, en la que respiramos (y vivimos, al menos durante este tiempo) juntos.

Cuestionamos la idea de que uno puede estar en un “afuera”, donde puede ser  un simple observador neutral. Siempre estamos en un ambiente compartido: somos ambiente, el ambiente también es nosotros.

La forma que este hecho adquiere en Hammamturgia es hacer ambiente, en el ambiente y con el ambiente. De alguna forma hacemos la casa desde dentro transformando poco a poco, suavemente, el lugar al que hemos llegado —y al que llamamos teatro— en otro sitio. Lo transformamos y hacemos visible esta transformación. No se trata de hacer de principio a fin un ambiente, sino hacer algo con las condiciones que lo constituyen.

Más información: Notas que patinan #122: Hammamturgia

Entradas: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=269

Performance, 20.07.2022 / 19h – 20h en la Sala Bar del Santa Mònica (Barcelona)

Actividad abierta a todo el mundo y gratuita con aforo limitado a 55 personas

Una pieza de destilación somática que se desarrolla en una exploración de movimiento, voz y sonido.

Con Malén Iturri.

“Crura” es una pieza de destilación somática que se desarrolla en una exploración de movimiento, voz y sonido. Temporalidad esponjosa que lo ablanda todo por debajo la lengua, la abajo de la abajo desde y hacia un atrás primitivo [digestión – evacuación – deglución]. Encontrando resistencia en la lentitud y las humedades oscuras, “cuerpa” más que humana en estado relacional de fluidez bien densa.

Malén Iturri es artista e investigadora. Despliega su curiosidad alrededor de la práctica somática, los pensamientos feministas y cuir-queer, el estudio del movimiento y la creación escénica, a la vez que se sumerge en experimentaciones sónicas y la composición de música electrónica con el proyecto Mímbere.

Graduada en Bellas artes por la Universitat Politècnica de València y diplomada del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM-ARTEA-MNCARS) a Madrid y del Máster Universitario en Estudios Culturales y Artísticos con perspectivas Feministas y Cuir[MUECA] de la UMH. Se encuentra acabando la formación certificada en Educación Somática del Movimiento (SME) y Educación del Movimiento Evolutivo Infantil (IDME) de Body-Mind Centering® con Movimiento Atlas.

Desde una práctica artística híbrida, actualmente aborda una investigación sobre cuerpo, movimiento y sonido y colabora en varios proyectos colectivos de performance e improvisación.

#DimecresdeSoiCos es un ciclo comisariado por Sâlmon + L’Afluent + Festival mixtur

Más información: web del Santa Mònica

Más información: web del festival Citemor