Del 16 al 18 de mayo Teatros del Canal presenta cuatro piezas de Roger Bernat: Please continue (Hamlet), No se registran conversaciones de interés, Numax-Fagor plus y La consagración de la primavera.
Más información: https://www.teatroscanal.com/
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Siegmar Zacharias
14 de febrero a las 19h en la Planta 3 de CentroCentro
Esta conferencia explora cómo la bocalidad visceral del habla y su significado al construir sensibilidad crean un movimiento entre la forma y la ausencia de forma, la fluidez y la sedimentación, que pueden causar que las partículas se re-orienten y re-organicen. Es una conferencia que funciona a través de la política de la intimidad y la alienación y su enredo mutuo. Sigue una ética de la intimidad duradera con lo “alien” y el reconocimiento de las fuerzas alienantes de la intimidad. Para Mirror becomes a razor when it’s broken, Siegmar hará girar hilos de saliva en/alrededor/ a través de intimidades virtuales y no virtuales hacia re-organizaciones de cuerpos no normativos de conocimiento y carne.
La vida de Siegmar transcurre entre la práctica de la performance y la práctica de la filosofía; entre los satélites y entre las sábanas. Explora, además, las políticas de la alienación y la intimidad en un pensar/ser que se encarna en la materia y al que le importan las colaboraciones con humanos y no-humanos. Su trabajo se desarrolla en diversos formatos, como performances, instalaciones, encuentros discursivos o comisariados/invitaciones que tratan cuestiones como la agencia y la ecología de la práctica artística. Entre sus proyectos recientes se incluyen: The Cloud: una cosmo-coreografía hecha por animales, vegetales, minerales, humanos, conceptos y emociones; Pensamiento sucio; hospitalidad invasiva; Dirty Talk Series; Dinámicas Viscosas. Enseña en diferentes universidad internacionales y es profesora invitada habitual en DOCH / Uniarts Stockholm, HZT /UdK Berlin, DAS Theatre/ DAS Graduate School.
Read More27 y 28 de septiembre a las 22h en La Casa Encendida
Una investigación coreográfica sobre la censura y su relación con los cuerpos y las cosas. Una investigación sobre la participación del encuentro de lo oculto, desaparecido o eliminado. La potencialidad y la hipervisiblidad de lo que ha sido apartado del régimen de lo visible, de lo censurado y lo autocensurado.
¿Cómo podemos movernos en los márgenes, los límites, de lo visible? ¿Sería posible la percepción de lo que ya no está? ¿Cómo liberarnos de la necesidad de ver y reconocer las cosas para provocar movimientos? Se trata de una búsqueda en la historia reciente de la coreografía contemporánea, cómo se lleva a cabo la construcción de un archivo volátil. Una búsqueda a través de estímulos que no corresponden a lo visible, pensando desde las vibraciones, el desplazamiento, el flujo mismo de las cosas.
Trabajar con las capacidades políticas y emocionales de las cosas que ya no están. La agencia y potencialidad que tiene la no visibilidad, la ausencia, generan coreografías concretas. Cómo son los procesos y mecanismos de selección de materiales que deben ser mostrados. Qué movimientos provocan y se relacionan con materiales expurgados / censurados —textos, cuerpos, objetos, imágenes— arroja la pregunta: ¿es posible la eliminación total de las cosas?
Ignacio de Antonio Antón es creador escénico y arquitecto. Actualmente vive en Madrid después de hacerlo en Alicante, São Paulo y Nueva York. Su trabajo parte de la investigación a través de la práctica artística, abarcando la coreografía y la performance como una práctica espacial crítica. Su recorrido se centra en estas prácticas entendidas como dispositivos donde se ponen en crisis y en valor los mecanismos de consenso y disenso, indagando sobre los modos de producción y la relación entre las cosas. En el año 2016 estudió en la New York University en el departamento de Performance Studies con una beca Fulbright. Actualmente desarrolla su doctorado en este ámbito en el Grupo de Investigación ARTEA.
Un proyecto de: Ignacio de Antonio Antón.
En escena: Óscar Hernández, Roberto García e Ignacio de Antonio.
Vestuario y espacio escénico: Álvaro Borrajo.
Iluminación: Antón Ferreiro.
Colaboran: Espacio en residencia Azala Espazio, La Casa Encendida, Arqueologías del Futuro y Red de artes vivas.
Setmana per la llibertad d’Expressió.
Presó La Model, Barcelona.
11 a 14 de abril de 2018
Hemos presenciado un incremento de la represión ejercida sobre la libertad de expresión y manifestación en los últimos años. A las distintas actuaciones de la Audiencia Nacional actuando con criterios políticos conservadores se han sumado la Ley Mordaza y la Reforma del Código Penal como herramientas de censura y control. Las últimas condenas a cantantes como Valtònyc, Pablo Hasél, los juicios contra La Insurgencia, tuiteros/as, humoristas, periodistas y una larga lista de activistas, además de la retirada de obras de arte de museos o el secuestro del libro Fariña, nos obligan a organizarnos para plantar cara y dar una respuesta colectiva contundente.
#NoCallarem mientras existan leyes para enmordazarnos. #NoCallaremosmientras haya una sola persona represaliada en el Estado español por expresarse, actuar o pensar de manera contraria al Gobierno. #NonCalaremos mientras haya activistas perseguidas/os por denunciar la vulneración de los derechos humanos. #NunVamosCallar mientras se persigan personas por el solo hecho de expresar su opinión en redes sociales. #EzGaraIsilduko mientras se limite la libertad de creación artística, mientras se retiren obras de arte, se censure la literatura, se coarte el humor y la sátira o se censuren letras de canciones. #NonCararam mientras se quiera encarcelar a cantantes, humoristas, artistas, activistas… #NoCallarem mientras haya personas en prisión por sus ideas. # NoCallaremos porque mañana puedes ser tú.
Artistas y colectivos luchamos contra la censura y por la libertad de expresión:
Sindicat de Músics Activistes de Catalunya – SMAC! / Ateneu Popular 9 Barris / The Good Good – Promotora de Projectes Artístics / Defender a Quien Defiende / Babel Sound System / Buckshott Sound / SGS – Societat Gastronòmica Subversiva / Defensem DDHH / RAI – Centre de Recursos d’Animació Intercultural de Barcelona / Reskate Studio / Alicia Música / Gats / Novact / Alterevents – Esdeveniments des d’una Economia Transformadora / BccN – Festival de Cine Creative Commons de Barcelona / Casal Antoni Sala i Pont / Tigre de Paper Edicions / El Raig Verd Editorial / Konvent Puntzero / Irídia – Centre per la Defensa dels Drets Humans / Quesoni / La Tremenda / Antic Teatre / Òmnium Cultural / Grup de Periodistes Ramon Barnils / Teatre amb R de República / L’Afluent / La Mosca TV / La Zurda / Contrabanda FM / Scanner FM / Carne Cruda
Dimecres 11 d’abril
Jornada d’Inauguració. Arts moviment i activisme.
Dijous 12 d’abril
Veus enmordassades. La llibertat d’expressió a presó.
Divendres 13 d’abril
Músiques engabiades. Censura i música.
Dissabte 14 d’abril
Veus contra la repressió. Gutenberg enmordassat.
Diumenge 15 d’abril
#EnvoltemLaModel — Fira Popular per la Llibertat d’Expressió.
+ info: http://www.nocallarem.org/
Foto de Jorge Mirón
Las voces del GPS | Del 16 de febrero al 20 de mayo en CentroCentro
Las voces del GPS, un proyecto comisariado por Paula García-Masedo y María Rogel, surge de un contexto de investigación generado ex–profeso para el encuentro entre la arquitectura y la coreografía. Parejas de equipos de ambas disciplinas han trabajado sobre una selección de acontecimientos ocurridos durante viajes en coche en las décadas de los 2000 y 2010. Desde estas noticias reales, se ha desarrollado un proceso investigativo conjunto que finaliza con una serie de propuestas en sala, híbridas entre la coreografía y la instalación. Otras piezas, fuera de CentroCentro, circulan en un coche con conductor. Crash crash crash crash.
La exposición es un viaje que atraviesa acontecimientos, oscilando entre la realidad de las instalaciones de las piezas expuestas y el mundo de ficción en el que vivimos.
Viajamos en coches que, aparentemente, poco han cambiado desde hace años. El coche es el icono del siglo XX, creando y sosteniendo deseos, tecnologías y sujetos, empujando el desarrollo capitalista hasta hoy, del fordismo al postfordismo. El viaje en coche ha pasado de ser mitificado, a sentirse ubicuo e invisible. Lo que era un ritual parece convertirse en una rutina. ¿Quién conduce y quién nos guía hoy? ¿Cómo son nuestros cuerpos cuando conducimos? Brazos, piernas, órganos, CO2, olor a plástico, pistones, salpicaderos. ¿Qué voces nos llevan? El intermitente, faros agresivos, adelantamiento, elegir el color de la tapicería, meter embrague, el territorio por la ventana, GPS. Hay una constante negociación entre el cuerpo y la máquina en nuestro modo estar en el mundo. Ésta se diseña y prefigura antes de que pisemos el pedal. Esta exposición explora el viaje en coche como metáfora de una sociedad en crisis, y también, como parte del folklore contemporáneo. Esencial en la transformación del mundo hacia un destino que hoy parece fuera de control, queda preguntarse cómo usarlo para viajar, por un rato, a un lugar distinto, subvertido, derrapado.
Paula García-Masedo y María Rogel, comisarias
El coreógrafo Ángel Zotes y el estudio Taller de Casquería han trabajado de forma conjunta en la propuesta Default Water, partiendo de un accidente ocurrido en Badajoz en el que, siguiendo las indicaciones de un GPS confundido, un coche cayó al agua del embalse de La Serena. Jonathan Martineau y elii han desarrollado Los fantasmas de Susie Sierra, adentrándose en los centros de crash test, “poblados de espectros sin pies y en los que se representa un buen mundo en común cuyos riesgos se intentan controlar”. C+ arquitectos y Azahara Ubera han creado Las Respiradoras, a partir de los atascos que siguieron a los atentados del 11 de septiembre en Nueva York. Por último, Paula García-Masedo y María Rogel, partiendo de cómo Valdebebas se convirtió en una ruina de la modernidad y se reapropió como escenario de rallyes ilegales, han generado en Hacer (des)aparecer un coche un diálogo entre un grupo de aficionados a las prácticas de modificación de automóviles y un coche en sala. La exposición también dialogará de forma activa con la ciudad, a través de las propuestas de La Intrusa Danza y GOIG, que tendrá lugar en el propio dispositivo vehículos con conductor.
En el transcurso de la muestra se sucederán activaciones coregráficas en el espacio y las salas servirán de laboratorio para dar continuidad a los procesos creativos.
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Margarida Cordeiro, António Reis. Trás –os- Montes. Película, 1976
Del 22 al 31 de enero en el Reina Sofía | Comisariado por Manuel Asín
Margarida Cordeiro (1939) y António Reis (1927-1991) son autores insólitos en el cine portugués posterior al levantamiento del 25 de abril de 1974. Sus películas, que se apartan de la corriente urbana imperante en el momento, inventan un lenguaje cinematográfico poético e hipnótico, de un estilo y una sensibilidad que marcará el rumbo de una larga tradición de cine radical en Portugal.
António Reis, reconocido en su país como un visionario y un maestro de gran influencia en el despertar del cine portugués y en la nueva generación de cineastas de los años ochenta y noventa, había destacado ya como poeta antes de que Manoel de Oliveira le invitara a trabajar con él y con Paulo Rocha en su primera obra maestra radical, Acto de Primavera (1962). El cine etnográfico y poético definido por Oliveira y Reis guiaría el curso de las cuatro obras que entre 1974 y 1989 dirigió con su esposa, la psiquiatra Margarida Cordeiro y que se reúnen en este ciclo junto a Acto de Primavera. Así, el Museo Reina Sofía profundiza en la exploración del cine de autor que ha caracterizado su programación de los últimos años, estableciendo continuidades y relaciones con la retrospectiva integral dedicada a Straub y Huillet en 2016, admiradores por otra parte de estos cineastas.
Gran parte del cine revolucionario portugués posterior a la dictadura de Salazar tuvo un marcado carácter urbano del que Cordeiro y Reis se apartaron enérgicamente, recorriendo en sentido contrario el camino de la emigración interior que estaba desfigurando el país. Si cada día llegaban a la capital campesinos empobrecidos que acababan sirviendo en la guerra colonial o malviviendo en los poblados de la periferia, los cineastas se alejaron deliberadamente de la ciudad para trabajar sobre la estructura material y mítica de la más remota de las regiones que despoblaban los que se marchaban, Trás-os-Montes.
El gesto, tajante, encerraba una provocación: los nuevos gobernantes democráticos debían comprender la dialéctica entre riqueza estética y pobreza material que determinaba las formas de vida del pueblo en cuyo nombre hablaban. La tarea de los cineastas consistía en mostrar que la región más pobre y castigada del país, la más desposeída, era precisamente aquella cuyos símbolos se habían perpetuado visiblemente a lo largo del tiempo.
Como en la retrospección revolucionaria de Straub y Huillet, hay en Cordeiro y Reis una negativa a separar el mundo naciente del que se resiste a morir. Examinan el microcosmos campesino de una manera que puede considerarse antropológica, aunque se trata de una antropología heterodoxa. Según Reis, «nadie puede saber lo que supondría hacer una película de este tipo. Implicaría una lucha cuerpo a cuerpo entre formas ancestrales y modernísimas, entre lobos y Peugeot 504, entre arados neolíticos y bombonas de gas».
Las escenas solapadas crean una especie de estratigrafía, los planos son cortes a través de las sucesivas capas del tiempo histórico, que es también el tiempo cotidiano. El trabajo se parece al de tejer un tapiz abigarrado ensamblando retales de distintas épocas. De ahí que las secuencias se articulen a menudo en torno al sentido del tacto —algo casi único en la historia del cine— y de ahí el refinamiento en el recurso al simbolismo del color como elemento capaz de generar rimas y relaciones a distancia. La composición laberíntica de las películas de Cordeiro y Reis, que desorientó y fascinó a colegas como Jean Rouch, Joris Ivens o Jacques Rivette, no obedece a fantasías sobre la realidad sino a la necesidad de reproducirla en un orden profundo, coherente, «como si el tiempo nunca hubiera existido», tal como dijo de ellas Manoel de Oliveira.
Este ciclo presenta el conjunto de su obra, calificada de breve y radical, poética y popular, decisiva y clave en la identidad del cine portugués contemporáneo por cineastas como Pedro Costa, João Cesar Monteiro y João Pedro Rodrigues.
Sesión 1
Lunes, 22 de enero – 19:00 h
António Reis, Jaime, 1974
Portugal, 35 mm, color, 35´
Jaime es un homenaje a la borrosa figura de Jaime Fernandes, un interno del manicomio de Lisboa que a su muerte dejó cientos de conmovedores dibujos realizados en sus últimos tres años de reclusión. La primera película de Cordeiro y Reis evita todas las trampas —muchas y compatibles entre sí— de presentar a Jaime como anormalidad, es decir, como enfermo y no como alguien que padeció un encierro de treinta y ocho años, como outsider y no como pobre, como artista brut y no como campesino.
Tras la proyección, Manuel Asín, comisario del ciclo, llevará a cabo una presentación sobre el modelo fílmico de Reis y Cordeiro.
Martes, 23 de enero – 19:00 h
Mesa redonda: La imagen del pueblo. El cine de Reis y Cordeiro
Con la participación de José Manuel Costa, Vítor Gonçalves y Jaime Pena
La obra de Reis y Cordeiro ha servido para construir una genealogía del prestigioso cine de autor contemporáneo en Portugal, también para proponer una contra-historia poética del cine popular, en su doble sentido político e identitario. Ajenos a los elogios compasivos de la pobreza durante la dictadura de Salazar, Reis y Cordeiro plantearán una imagen del pueblo inseparable del mito, del saber común y de la historia social. Esta mesa redonda debate su propuesta artística, con la participación de José Manuel Costa, director de la Cinemateca portuguesa, Vítor Gonçalves, cineasta, guionista y productor integrante de la llamada Escuela de Reis, y Jaime Pena, crítico de cine y Responsable de Programación en el CGAI (Centro Galego de Artes da Imaxe).
Sesión 2
Miércoles, 24 de enero – 19:00 h
Manoel de Oliveira Acto da primavera, 1962
Portugal, 35 mm, color, 90´
El primer trabajo profesional de António Reis fue una ayudantía de dirección en la película que supuso la vuelta al cine de Manoel de Oliveira tras veintiún años de forzado silencio. Se trataba del registro de un misterio medieval sobre la Pasión de Cristo representado en una pequeña aldea trasmontana, que dio a Oliveira la ocasión de reflexionar sobre las convenciones de la representación y sobre la especificidad de la palabra en el cine. Reis no olvidaría esta experiencia en sus películas como director, aunque sobre todo para desmarcarse de ella.
Sesión 3
Viernes, 26 de enero – 19:00 h
Margarida Cordeiro y António Reis Trás-os-Montes, 1976
Portugal, 35 mm, color, 111´
El tema de Trás-os-Montes es la arquitectura —en el sentido más amplio del término— de una de las regiones más pobres y remotas de Portugal, que se va despoblando al emigrar los adultos a la capital o a otras ciudades europeas. Ofrece un panorama de las milenarias formas de vida campesinas en contraste con el destino al que se ven abocadas por el progreso, el de su extinción: el lirismo cíclico de la imaginación tradicional amenazado por la prosa de la historia.
Sesión 4
Lunes, 29 de enero – 19:00 h
Margarida Cordeiro y António Reis Ana, 1982
Portugal, 35 mm, color, 114´
Si en Trás-os-Montes el protagonista era el lugar, que en cierto modo se imponía sobre los seres humanos, aquí el paisaje está personificado en la figura de Ana, la madre de Margarida Cordeiro. El resultado es una mirada interior, una colección de imágenes mentales que trazan un paralelo entre el retrato simbólico, no narrativo, de un personaje y su medio.
Sesión 5
Miércoles, 31 de enero – 19:00 h
Margarida Cordeiro y António Reis Rosa de Areia, 1989
Portugal, 35 mm, color, 88´
«¡Flashbacks de 5000 años!», decía Joris Ivens de Ana. Los cineastas tomaron buena nota y en Rosa de Areia la exploración espacial, temporal y simbólica de la región es aún más amplia, la desmesurada escala de las relaciones —de lo cósmico a lo microscópico— hace perder pie. «Una película para quien aún pueda ver y oír como si fuera la primera vez; como si fuera la primera película surgida de la tierra y que habla sobre ella», según Margarida Cordeiro.
/UNZIP Arts visuals al Prat
us convida a participar en l’activitat relacionada amb l’exposició
JULIO JULIÁN. Retrospectiva.
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Dissabte 14 de gener 2017 ZACATÚA, entremaliadura acompanyada a l’exposició Visita entretinguda a l’exposició. Inclou l’edició col•lectiva d’un fanzine i una sèrie d’accions, per tal de reflexionar de manera lúdica i productiva sobre diversos aspectes d’interès que el Colectivo Julio ha trobat en la seva investigació sobre Julio Julián. – – – – – – – – – – – – – – – – – PROGRAMA: 11.30 h 12.15 h “Forillo” 13 h 13.30 h – – – – – – – – – – – – – – – – – + info |
/UNZIP és el dispositiu de Suport i Mediació de les arts visuals al Prat, que té la seva seu central al Centre d’Art Torre Muntadas
C. Jaume Casanovas 80
08820 El Prat de Llobregat
Horari:
De dimarts a divendres de 16:30h
a 20.30 h Caps de setmana d’11 a 14 h. Com arribar-hi:
Renfe: R2 (a 11 minuts de Sants Estació) / Bus: 65, 165 i L10
+ informació:
Tel.: 934 782 237 / unzip@elprat.cat / @UNZIPel
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16, 17 y 18 de diciembre 2016
El 16, 17 y 18 de diciembre tendrá lugar la 5ª edición IN SITU – Mostra d’arts del moviment en el Arts Santa Mónica de Barcelona. La nueva edición de INSITU llega con un nuevo formato de exhibición en el que se invitará al público a hacer un recorrido por tres espacios diferentes del Arts Santa Mónica, donde podrán ver VERSIONS-SITE, es decir versiones de piezas adaptadas al espacio, de tres artistas cada una de las noches de la Muestra. Este nuevo enfoque responde al interés en adaptar trabajos escénicos basados en el movimiento a espacios no convencionales.
Asimismo la Muestra consolida las colaboraciones para tejer un circuito de exhibición en todo el territorio promoviendo la movilidad de las piezas con diferentes entidades y festivales como MACBA es Viu, Festival Sismògraf d’Olot, la Sala Hiroshima, l’Antic Teatre, el Festival Mixtur y l’Animal a l’Esquena.
Labranza del Col·lectiu Lamajara, Cúmul del Col·lectiu Lema, Breve ensayo sobre la nada de Iris Heitzinger y Imaginarium frame de Manel Salas son las 4 piezas seleccionadas en convocatoria abierta del programa de la 5ª edición IN SITU. La selección, tuvo lugar el pasado julio, ha cargo del equipo IN SITU conjuntamente con Anna Rubirola, creadora independiente con una larga trayectoria artística, y que actualmente gestiona el espacio de creación La Visiva y es miembro del col·lectiu G.R.U.A (Grup de Recerca d’Universos Artístics).
Rewrite de Albert Quedada y Roger Costa es la pieza creada a partir de la colaboración con el Festival Mixtur y finalmente Ji Gou: Preludi i fuga en La Menor de Neus Villà es la pieza seleccionada en el marco de los artistas residentes de la animal en la Espalda y con el que IN SITU ha establecido una colaboración.
IMPORTANTE RESERVAR: Telf: 935671110 o email: coordinacioasm@magmacultura.net
Más información: http://mostrainsitu.com
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