— MuroTRON

Motus

Del 2 al 4 de junio en Naves Matadero

> Más información

La compañía italiana Motus, fundada en los noventa por Enrico Casagrande y Daniela Nicolò, representa la vanguardia escénica europea. Portadores de un nuevo lenguaje que se nutre de todas las artes vivas, crean tendencias contemporáneas en cada uno de sus montajes. Presentes en festivales de referencia de todo el mundo como Under the Radar en Nueva York, Festival Trans Amériques en Montreal, FIBA en Buenos Aires o el Grec de Barcelona, sus producciones navegan en aguas fronterizas a través de las heridas, conflictos y contradicciones de nuestro tiempo.

MDLSX es una pieza autobiográfica con una sola intérprete, Silvia Calderoni. La actriz da vida a un ser andrógino que cuestiona las barreras entre géneros. Un animal en trance que el New York Time describió con pasión en su crítica: “Silvia Calderoni debe estar hecha de mercurio o algún otro elemento líquido que aún no se ha descubierto. Con seguridad ningún cuerpo de carne mortal puede someterse a las impredecibles transformaciones que consigue esta notable performer en MDLSX, un trabajo de codificación de percepciones de Motus, la troupe del teatro revolucionario”.

MDLSX sobre el escenario es un seductor himno a la libertad del devenir, al gender b(l)ending. Un canto a ir más allá de los límites del cuerpo, del color de la piel, de los órganos sexuales. Es ser más que una nacionalidad impuesta o adquirida. Es mirarnos hacia dentro hasta darnos la vuelta.
Para lograr atravesar nuestra mirada sesgada Calderoni huye de las categorías, incluso de las artísticas, y explora sus límites apoyándose en la danza, el videoarte, la música de The Smiths, Vampire Weekend o Yeah Yeah Yeahs y textos de literatura queer como la columna El Feminismo no es un Humanismo, firmada por Paul B. Preciado en el diario francés Libération. En ella dice: “El cambio necesario es tan profundo que se dice que es imposible. Tan profundo que se dice que es inimaginable. Pero lo imposible está por venir. Y lo inimaginable es merecido”.

27 y 28 de mayo a las 22 h en La Casa Encendida

Domínguez no trabajaba solo desde hacía 14 años. En aquel entonces, la coreografía de su trabajo se proponía con un texto en tarjetas que el público leía. Ahora, va a hablar de sí mismo generando un autorretrato en el que cita, en el mas amplio sentido de la palabra, a algunos de sus amigos y a sí mismo.

Juan Domínguez es un creador y comisario del campo de la coreografía y artes escénicas. Su obra explora la relación entre diferentes códigos y aboga por la disolución completa entre ficción y realidad, utilizando la primera para producir la segunda y viceversa. Ha sido director artístico del Festival In-Presentable de La Casa Encendida (2003-2012), codirector del Living room Festival (2010-2013) y comisario de Picnic Sessions en CA2M-Madrid (2013-2015).

Una producción de Juan Domínguez con el apoyo de Tanznacht Berlin y Tanzfabrik Berlín/ apap-advancing performing arts project – Performing Europe 2020 / EU – Creative Europe Programme.

Carmen Menager

Teatro Pradillo | 5 y 6 de mayo a las 21 h., y 7 de mayo a las 19 h.

Pequeños fragmentos de texto:

Alentar las piedras.
Sembrarlas en una tierra de cenizas.
Regarlas con el agua del mar.
Y esperar a que germinen.

La única revolución posible empieza en el hueco de tus manos.

1. Quería contarte también ese sueño con el que empezó todo.

Llegaba a una playa vacía. La marea había arrastrado hasta la orilla un puñado de cajas de madera, como si fueran cajas de fruta desvencijadas, pequeñas, oscuras. Algunas aún iban y venían sobre las olas. Me acercaba a ellas y lo que me encontraba dentro eran trozos de cuerpos. Una rodilla. Un dedo. Una oreja. Otros no eran reconocibles. Una de las cajas rebotaba una y otra vez contra unas rocas. Dentro había una mano. La mano de un niño con un pequeño anillo dorado en uno de sus dedos.

> Más info

27 abril, 2017 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400 del Reina Sofía

Entrada gratuita hasta completar aforo. Apertura de puertas de 18.30 h a 18.55 h; una vez se cierren las puertas no será posible acceder a la actividad. 

Concepto y dirección: Cuqui Jerez

Creado en colaboración con: Óscar Bueno, Javier Cruz, Jorge Salcedo y Silvia Zayas

Selección de textos: Michelle Sommer

En 1959 tuvo lugar el Congreso Internacional de Críticos de Arte en Brasil, un simposio en el que artistas, arquitectos, historiadores del arte y de la arquitectura, como Mário Pedrosa, Meyer Schapiro, Giulio Carlo Argan, Bruno Zevi, Jorge Romero Brest, Tomás Maldonado, Frederick Kiesler o Eero Saarinen, entre otros, fueron convocados para debatir qué podía hacer la modernidad en el mundo naciente tras la posguerra. Bajo el tema de “Ciudad nueva-síntesis de las artes”, el congreso se celebraba por vez primera en América Latina durante nueve días y en tres ciudades diferentes, São Paulo, Rio de Janeiro y Brasilia. A la vez que se debatía el urbanismo moderno como búsqueda de la integración de las artes y producción de una obra artística colectiva, tenía lugar el nacimiento de Brasilia como un ensayo real de estos mismos debates. Más de cincuenta mil trabajadores en turnos ininterrumpidos construían aquello que Mário Pedrosa definiría con entusiasmo como una aventura y una esperanza: Brasilia, capital del Estado y urbe estrictamente moderna.

El congreso, con más de 22 países participantes, debatirá el modelo social y urbano que supone este proyecto en siete sesiones: la ciudad nueva, el urbanismo, la técnica y la expresión, la arquitectura, las artes plásticas, las artes industriales y, por último, el arte y la educación. Las actas del congreso son un documento histórico y desconocido para entender el lugar central de la modernidad en su vocación de participar y dar forma a los desafíos de este nuevo mundo.

En esta pieza, Cuqui Jerez y su equipo proponen una activación de las actas del congreso, adaptadas por Michelle Sommer, co-comisaria de la exposición Mário Pedrosa. De la naturaleza afectiva de la forma, como ejercicio performativo de un episodio utópico del pasado, pero con una enorme potencia y reverberación en un presente en el que la historia y la crítica de arte han sido desplazadas de su rol e influencia pública. A través de la exposición de una serie de documentos relacionados con el Congreso, la artista genera un dispositivo que funciona como filtro formal para acercarse al material documental y adoptar una mirada estética específica, pero sin que esta sea subjetiva o suponga un posicionamiento frente al documento histórico. La lectura no pretende comentar o generar una interpretación sobre los fragmentos del pasado, sino componer un plano de proyección, mental y conceptual, que afecte tanto al público como al propio dispositivo escénico y teatral de representación. De esta manera, la obra busca ser tanto una primera puesta en escena del pensamiento de Mário Pedrosa y su tiempo como una confirmación de la imposibilidad de reproducir o ficcionalizar los debates que protagonizaron este momento de radical utopía.

El evento será retransmitido en el marco del programa “Diálogos” de la red de museos L’Internationale, un programa público que marca el 27 de abril como inauguración de distintas exposiciones y actividades concebidas por los museos miembros de esta red

Moderna galerija (MG+MSUM, Ljubljana, Eslovenia); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS, Madrid, España); Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA, Barcelona, España); Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen (M HKA, Amberes, Bélgica); SALT (Estambul y Ankara, Turquía) y Van Abbemuseum (VAM, Eindhoven,Holanda).

Actividad organizada por el Museo Reina Sofía en el marco del proyecto “Los usos del arte” de la confederación de museos europeos L’Internationale.

CPR  Center for Performance Research will present Spring Movement, a three-night festival of works by 12 emerging and established choreographers in dance and performance, April 13-15, 2017 at 7:30pm. The festival will include new and previously presented work that spans dance, movement-based work, and performance art. CPR is thrilled to announce the participating artists for Spring Movement 2017:

April 13:
Nia & Ness
Jess Goldschmidt
EstadoFlotante|Alvaro Gonzalez Dupuy
TALL GIRLS DANCING

April 14:
Gabrielle Revlock
TWINS EXPERIMENT (pictured)
Abdiel Jacobsen and Kelsey Burns
HAM | Amélie Gaulier-Brody, Dages Juvelier Keates, Rain Saukas and Alexis Steeve

April 15:
Stuart Meyers
Naomi Elena Ramirez
Lucy Kerr
Tristan Powell

Center for Performance Research

361 Manhattan Ave. Brooklyn, NY 11211

718.349.1210 | studio@cprnyc.org

More info: http://www.cprnyc.org/spring-fall-movement/

Decimotercera sesión de “El libro por venir”

Jueves, 6 Abril, 2017 – 19:00
Bulegoa z/b | Solokoetxe 8 bajo, 48006 Bilbao | www.bulegoa.org |

Tomando como punto de partida el libro Un coup de dés jamais n’abolira le hasard de Marcel Broodthaers (1969), Amaia Urra presenta una lectura singular de textos y entrevistas al artista belga.

Como si de una tirada de dados se tratara, la palabras se suceden una a otro creando nuevas combinaciones, mientras invocan presencias ocultas del lenguaje. “Bla: la lenguaje la la Me” o “ Bla: La lectura la la la la” podrían ser otros títulos sugeridos por la artista para esta sesión, todos ellos desdoblan pliegues semánticos que activan nuevas formas de leer la obra de Broodthaers a viva voz.

Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974). Su trabajo se centra en el lenguaje, la palabra cantada/hablada y la acción o la dificultad de nombrar las cosas y ha sido presentado en diversos contextos.

¿Cómo se hace una performace? es un collage de materiales editado en tiempo real, creando una composición diferente cada vez que se performa. La objetivación de sus cuerpos y movimientos multiplica los desencadenantes y las posibilidades de combinación de los materiales con los que juegan. A lo largo de la pieza, el espacio es transformado de acuerdo con los materiales que aparecen, los cuales producen un paisaje a modo de instalación en escena. El juego-estructura de la pieza se caracteriza por el proceso y, por tanto, por el riesgo, que deja a las Twins expuestas y vulnerables dentro de su propia pieza.

La multitarea, la sobre-estimulación y el consumo de la cultura de masas –estados y efectos de nuestro tiempo presente– se contraponen a su relación de gemelas, no como individuos individuales, si no como un colectivo simbiótico.

Ainhoa Hernández y Laura Ramírez son Twins Experiment. Madrileñas. Gemelas. Fueron separadas al nacer y se reencontraron en 2014. Juntas son Twins Experiment. Juntas hacen playlists, listas, esquemas, collages. Hacen su primera pieza juntas, bailan, duermen, idean juegos y, a veces, comparten piso. Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes.

> Más infomación

> Venta de entradas

3 de marzo a las 21 h en el Teatre de L´Aurora (Carrer de l’Aurora, 80-Plaça de Cal Font-IGUALADA)

Creació i interpretació: Ireneu Tranis, Alba Valldaura i Mariona Naudín. 

Qui són aquesta gent tan desesperada que arrisca la seva vida per arribar al nostre continent? Un impactant espectacle sobre la immigració a través de testimonis reals gravats a un costat i altre de la frontera.

Prop de 27.000 persones han mort des de l’any 2000 al Mediterrani mentre miraven d’arribar a un continent on no els volen. Quantes veus són 27.000? Podem parar un moment? Podem escoltar una veu?

A partir d’entrevistes fetes a testimonis reals a Melilla, Nador, Tànger i Ceuta, entre d’altres ciutats frontereres, s’ha creat Mos Maiorum, un impactant espectacle de teatre documental sobre la immigració. Els actors difuminen la seva feina deixant d’interpretar per passar a imitar de la manera més veraç els diàlegs mantinguts amb els immigrants. En una sala buida on no hi ha cadires, l’espectador es veurà traslladat a un costat i altre de la frontera presenciant, vivint i coneixent, en primera persona, aquest conflicte oblidat. El fenomen de la immigració, a escena.

> Más información

Centro de las Artes de Sevilla 

1 y 2 de marzo | M 19h J 20h

Jorge Gallardo y Natalia Jiménez Gallardo

JÚBILO es una propuesta escénica de pequeño formato para una sola intérprete, creadora de la pieza y de la arquitectura en bruto del acto escénico. En ella se funden movimiento y palabra para establecer un diálogo real con el público presente, o incluso con un público inventado, al que la intérprete remite. Su intención está en trascender la comunicación individual y la distancia, para conseguir que el yo (o ella/él), pase a ser un nosotras/os. La idea de ‘escena’ está basada en la construcción de un diálogo fluido. Ficción y realidad dejan de ser categorías antagónicas.

En la pieza se narra y se baila; las sevillanas, la sardana, el claqué y la danza contemporánea aparecen como formas “conjugadas” y son manifestaciones del júbilo y la alegría. La pieza genera un viaje por la memoria física-sensorial del baile, explotando sus capacidades comunicativas. Estos bailes del cuerpo y de la memoria, bailes también de la palabra, aparecen como referencias autobiográficas y de territorio, jugadas, resquebrajadas, festejando la memoria y el estar.

El júbilo se busca en las relaciones del cuerpo y la palabra en el espacio, como expresiones de un territorio al que se pertenece; un territorio fronterizo pero habitable, donde la identidad no entra en una categoría establecida, sino que baila entre sus habitáculos limítrofes. Las identidades a las que la intérprete va dando cuerpo en Júbilo insisten en mantenerse en la frontera; la frontera entre el público y la escena, entre lo cuerdo y lo alocado, entre lo femenino y lo masculino, entre lo propio y lo ajeno.

En Júbilo el discurso del cuerpo se re-actualiza constantemente y lo vemos cambiar en la práctica de estar presente. En este sentido, la pieza mantiene un diálogo vivo con la energía del momento, movilizando el pensamiento sobre las categorías, las afecciones y los afectos, las identidades, las subjetividades y la realidad de nuestras pluralidades.

> Más información