— MuroTRON

27 abril, 2017 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400 del Reina Sofía

Entrada gratuita hasta completar aforo. Apertura de puertas de 18.30 h a 18.55 h; una vez se cierren las puertas no será posible acceder a la actividad. 

Concepto y dirección: Cuqui Jerez

Creado en colaboración con: Óscar Bueno, Javier Cruz, Jorge Salcedo y Silvia Zayas

Selección de textos: Michelle Sommer

En 1959 tuvo lugar el Congreso Internacional de Críticos de Arte en Brasil, un simposio en el que artistas, arquitectos, historiadores del arte y de la arquitectura, como Mário Pedrosa, Meyer Schapiro, Giulio Carlo Argan, Bruno Zevi, Jorge Romero Brest, Tomás Maldonado, Frederick Kiesler o Eero Saarinen, entre otros, fueron convocados para debatir qué podía hacer la modernidad en el mundo naciente tras la posguerra. Bajo el tema de “Ciudad nueva-síntesis de las artes”, el congreso se celebraba por vez primera en América Latina durante nueve días y en tres ciudades diferentes, São Paulo, Rio de Janeiro y Brasilia. A la vez que se debatía el urbanismo moderno como búsqueda de la integración de las artes y producción de una obra artística colectiva, tenía lugar el nacimiento de Brasilia como un ensayo real de estos mismos debates. Más de cincuenta mil trabajadores en turnos ininterrumpidos construían aquello que Mário Pedrosa definiría con entusiasmo como una aventura y una esperanza: Brasilia, capital del Estado y urbe estrictamente moderna.

El congreso, con más de 22 países participantes, debatirá el modelo social y urbano que supone este proyecto en siete sesiones: la ciudad nueva, el urbanismo, la técnica y la expresión, la arquitectura, las artes plásticas, las artes industriales y, por último, el arte y la educación. Las actas del congreso son un documento histórico y desconocido para entender el lugar central de la modernidad en su vocación de participar y dar forma a los desafíos de este nuevo mundo.

En esta pieza, Cuqui Jerez y su equipo proponen una activación de las actas del congreso, adaptadas por Michelle Sommer, co-comisaria de la exposición Mário Pedrosa. De la naturaleza afectiva de la forma, como ejercicio performativo de un episodio utópico del pasado, pero con una enorme potencia y reverberación en un presente en el que la historia y la crítica de arte han sido desplazadas de su rol e influencia pública. A través de la exposición de una serie de documentos relacionados con el Congreso, la artista genera un dispositivo que funciona como filtro formal para acercarse al material documental y adoptar una mirada estética específica, pero sin que esta sea subjetiva o suponga un posicionamiento frente al documento histórico. La lectura no pretende comentar o generar una interpretación sobre los fragmentos del pasado, sino componer un plano de proyección, mental y conceptual, que afecte tanto al público como al propio dispositivo escénico y teatral de representación. De esta manera, la obra busca ser tanto una primera puesta en escena del pensamiento de Mário Pedrosa y su tiempo como una confirmación de la imposibilidad de reproducir o ficcionalizar los debates que protagonizaron este momento de radical utopía.

El evento será retransmitido en el marco del programa “Diálogos” de la red de museos L’Internationale, un programa público que marca el 27 de abril como inauguración de distintas exposiciones y actividades concebidas por los museos miembros de esta red

Moderna galerija (MG+MSUM, Ljubljana, Eslovenia); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS, Madrid, España); Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA, Barcelona, España); Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen (M HKA, Amberes, Bélgica); SALT (Estambul y Ankara, Turquía) y Van Abbemuseum (VAM, Eindhoven,Holanda).

Actividad organizada por el Museo Reina Sofía en el marco del proyecto “Los usos del arte” de la confederación de museos europeos L’Internationale.

CPR  Center for Performance Research will present Spring Movement, a three-night festival of works by 12 emerging and established choreographers in dance and performance, April 13-15, 2017 at 7:30pm. The festival will include new and previously presented work that spans dance, movement-based work, and performance art. CPR is thrilled to announce the participating artists for Spring Movement 2017:

April 13:
Nia & Ness
Jess Goldschmidt
EstadoFlotante|Alvaro Gonzalez Dupuy
TALL GIRLS DANCING

April 14:
Gabrielle Revlock
TWINS EXPERIMENT (pictured)
Abdiel Jacobsen and Kelsey Burns
HAM | Amélie Gaulier-Brody, Dages Juvelier Keates, Rain Saukas and Alexis Steeve

April 15:
Stuart Meyers
Naomi Elena Ramirez
Lucy Kerr
Tristan Powell

Center for Performance Research

361 Manhattan Ave. Brooklyn, NY 11211

718.349.1210 | studio@cprnyc.org

More info: http://www.cprnyc.org/spring-fall-movement/

Decimotercera sesión de “El libro por venir”

Jueves, 6 Abril, 2017 – 19:00
Bulegoa z/b | Solokoetxe 8 bajo, 48006 Bilbao | www.bulegoa.org |

Tomando como punto de partida el libro Un coup de dés jamais n’abolira le hasard de Marcel Broodthaers (1969), Amaia Urra presenta una lectura singular de textos y entrevistas al artista belga.

Como si de una tirada de dados se tratara, la palabras se suceden una a otro creando nuevas combinaciones, mientras invocan presencias ocultas del lenguaje. “Bla: la lenguaje la la Me” o “ Bla: La lectura la la la la” podrían ser otros títulos sugeridos por la artista para esta sesión, todos ellos desdoblan pliegues semánticos que activan nuevas formas de leer la obra de Broodthaers a viva voz.

Amaia Urra (Donostia-San Sebastián, 1974). Su trabajo se centra en el lenguaje, la palabra cantada/hablada y la acción o la dificultad de nombrar las cosas y ha sido presentado en diversos contextos.

¿Cómo se hace una performace? es un collage de materiales editado en tiempo real, creando una composición diferente cada vez que se performa. La objetivación de sus cuerpos y movimientos multiplica los desencadenantes y las posibilidades de combinación de los materiales con los que juegan. A lo largo de la pieza, el espacio es transformado de acuerdo con los materiales que aparecen, los cuales producen un paisaje a modo de instalación en escena. El juego-estructura de la pieza se caracteriza por el proceso y, por tanto, por el riesgo, que deja a las Twins expuestas y vulnerables dentro de su propia pieza.

La multitarea, la sobre-estimulación y el consumo de la cultura de masas –estados y efectos de nuestro tiempo presente– se contraponen a su relación de gemelas, no como individuos individuales, si no como un colectivo simbiótico.

Ainhoa Hernández y Laura Ramírez son Twins Experiment. Madrileñas. Gemelas. Fueron separadas al nacer y se reencontraron en 2014. Juntas son Twins Experiment. Juntas hacen playlists, listas, esquemas, collages. Hacen su primera pieza juntas, bailan, duermen, idean juegos y, a veces, comparten piso. Twins son dos y son colectivo. Trabajan desde la afectividad, la telepatía y la horizontalidad. Ser Twins les permite tomar riesgos que no tomarían solas, juntas se convierten en superhéroes.

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3 de marzo a las 21 h en el Teatre de L´Aurora (Carrer de l’Aurora, 80-Plaça de Cal Font-IGUALADA)

Creació i interpretació: Ireneu Tranis, Alba Valldaura i Mariona Naudín. 

Qui són aquesta gent tan desesperada que arrisca la seva vida per arribar al nostre continent? Un impactant espectacle sobre la immigració a través de testimonis reals gravats a un costat i altre de la frontera.

Prop de 27.000 persones han mort des de l’any 2000 al Mediterrani mentre miraven d’arribar a un continent on no els volen. Quantes veus són 27.000? Podem parar un moment? Podem escoltar una veu?

A partir d’entrevistes fetes a testimonis reals a Melilla, Nador, Tànger i Ceuta, entre d’altres ciutats frontereres, s’ha creat Mos Maiorum, un impactant espectacle de teatre documental sobre la immigració. Els actors difuminen la seva feina deixant d’interpretar per passar a imitar de la manera més veraç els diàlegs mantinguts amb els immigrants. En una sala buida on no hi ha cadires, l’espectador es veurà traslladat a un costat i altre de la frontera presenciant, vivint i coneixent, en primera persona, aquest conflicte oblidat. El fenomen de la immigració, a escena.

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Centro de las Artes de Sevilla 

1 y 2 de marzo | M 19h J 20h

Jorge Gallardo y Natalia Jiménez Gallardo

JÚBILO es una propuesta escénica de pequeño formato para una sola intérprete, creadora de la pieza y de la arquitectura en bruto del acto escénico. En ella se funden movimiento y palabra para establecer un diálogo real con el público presente, o incluso con un público inventado, al que la intérprete remite. Su intención está en trascender la comunicación individual y la distancia, para conseguir que el yo (o ella/él), pase a ser un nosotras/os. La idea de ‘escena’ está basada en la construcción de un diálogo fluido. Ficción y realidad dejan de ser categorías antagónicas.

En la pieza se narra y se baila; las sevillanas, la sardana, el claqué y la danza contemporánea aparecen como formas “conjugadas” y son manifestaciones del júbilo y la alegría. La pieza genera un viaje por la memoria física-sensorial del baile, explotando sus capacidades comunicativas. Estos bailes del cuerpo y de la memoria, bailes también de la palabra, aparecen como referencias autobiográficas y de territorio, jugadas, resquebrajadas, festejando la memoria y el estar.

El júbilo se busca en las relaciones del cuerpo y la palabra en el espacio, como expresiones de un territorio al que se pertenece; un territorio fronterizo pero habitable, donde la identidad no entra en una categoría establecida, sino que baila entre sus habitáculos limítrofes. Las identidades a las que la intérprete va dando cuerpo en Júbilo insisten en mantenerse en la frontera; la frontera entre el público y la escena, entre lo cuerdo y lo alocado, entre lo femenino y lo masculino, entre lo propio y lo ajeno.

En Júbilo el discurso del cuerpo se re-actualiza constantemente y lo vemos cambiar en la práctica de estar presente. En este sentido, la pieza mantiene un diálogo vivo con la energía del momento, movilizando el pensamiento sobre las categorías, las afecciones y los afectos, las identidades, las subjetividades y la realidad de nuestras pluralidades.

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25 de febrero a las 19h. en Las Naves de Valencia

“Desde 1996 he estado recopilando objetos (principalmente planos y de papel) que me he ido encontrando en la calle, objetos cotidianos del día a día de cualquier persona, o retazos de cosas que formaban parte de algo o fragmentos de cosas no queridas o pedidas.

Luego surgió la necesidad de investigar la vida potencial de cada uno de ellos.

Inventario es un recorrido inusual por una parte de la memoria, por los objetos y la intuición. Un juego posible que se desplaza entre la ficción y la realidad.

El recorrido que cada objeto genera es inesperado, las relaciones y conexiones que se establecen no son premeditadas ni medidas y se despliegan solas a modo de memoria expandida configurando una búsqueda no lineal. Utilizo mi presencia como un archivo vivo corporal que habita las propias vivencias y a partir de fragmentos autobiográficos se devuelve cierta memoria a los objetos creando un mapa de ramificaciones infinitas. Como si de un rizoma se tratara, cada historia se repliega sobre sí misma multiplicada en infinitas, manteniendo abierto las posibilidades de lenguaje para que se conviertan en herramientas de acción”.

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17 de febrero en el Auditorio CICUS. Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla a las 20 h. (C/ Madre de Dios, nº 1.). 

La Leçon nace del encuentro y conversación entre dos personas de dos culturas escenicas y performativas distantes: Un encuentro a través de la palabra y el movimiento, de historia(s) y de cuerpos  migrantes. Este es un ejercicio que nace del deseo compulsivo por ser otro, de un imitar para ser otro (a fin de cuentas, el teatro, siempre fue el arte de hacerse pasar por otro). Pintura de camuflaje.

Un día en que me dirigía a la canoa, descubrí en la arena las huellas de un pie desnudo. La impresión hizo que me detuviera en seco, como si hubiera sido alcanzado por un rayo o hubiese visto algún fan- tasma. Miré hacia todos lados, pero no vi ni oí nada. Trepé a un pequeño promontorio para otear más lejos, bajando luego y encaminándome hacia la playa, pero tampoco conseguí avanzar en mis observa- ciones. Regresé otra vez al lugar del espantoso descubrimiento, con la esperanza de que mis temores re- sultaran infundados, pero torné a ver las huellas precisas de un pie descalzo: los dedos, el talón y demás detalles que conforman la planta humana. (Robinson Crusoe, D. Dafoe).