— MuroTRON

Si el meu cos esta nit parlara de El Conde de Torrefiel | 4 de marzo en el IVAM Alcoi

En el marco de “Un contínuum común indefinidamente liso. Proyecciones sobre la contemporaneidad en la colección del IVAM”.

Si el meu cos esta nit parlara es una pieza bailada, una aproximación desde la práctica escénica a la exposición Un continuum común indefinidamente liso, de Diana Guijarro, en el IVAM de Alcoi. Esta pieza site specific de la compañía recoge la invitación de la comisaria a observar con ojo caleidoscópico los conceptos de tiempo y contemporaneidad encriptados en los objetos que habitan esta muestra.

Todos y cada uno de los millones de objetos que aparecen sobre la superficie de la tierra guardan una historia propia, poseen un relato único, tienen algo que contar. Tanto los objetos originales como los replicados y mercantilizados, esconden secretos de su contemporaneidad, han escuchado las lenguas de su tiempo, poseen una certeza arraigada al espacio y contexto donde aparecieron, desde el exclusivo y único Guerrer de Moixent creado en el siglo V a.C. hasta un multiproducido Tamagotchi creado industrialmente en el año 1996.

Cuando añadimos a este objeto la cualidad de obra artística, su historia se hace todavía más compleja dentro de su fantasmagoría.

Si cosificaramos a una persona, si le impidiéramos hablar y moverse espontáneamente, si tratáramos un cuerpo como si fuera un objeto más colocado para articular una exposición, ese cuerpo se revelaría única e inevitablemente en su propia imagen; un cuerpo sin voz propia, que emana un imaginario, unas sinergias y asonancias. Ese cuerpo enmudecido, como si de se tratara un enigma, encierra experiencias, preguntas, memoria y, en definitiva, una historia. Y la imagen de ese cuerpo entraría en diálogo con sus espectadores que solo pueden escucharlo con la mirada.

No es habitual ver en un museo un cuerpo vivo como objeto a contemplar. El espacio destinado para observar cuerpos vivos y cosificados es el teatro. El Conde de Torrefiel propone la observación de un cuerpo en movimiento, que narra sin hablar y que, al atravesar la escenografía accidental que le proporciona la exposición comisariada por Diana Guijarro, construye automáticamente otra imagen, otra historia posible.

Utopia i esclavatge de Eduard Escoffet | 25 de febrero en la Reial Acadèmia de Medicina de Catalunya

Utopia i esclavatge (Utopía y esclavitud) es una acción de Eduard Escoffet en torno a la voz pero en la que no hay voz en directo, sino que todo el desarrollo se basa en la reproducción de la voz grabada a través de diferentes reproductores de cassette. La acción aborda la idea de que la economía digital y las nuevas formas de la economía llamada colaborativa nos han convertido primero en clientes y acto seguido en usuarios desposeídos de derechos colectivos e individuales más allá de las dinámicas de consumo. Rápidamente hemos olvidado la utopía que representaba Internet en un principio para pasar a ser siervos digitales. Producida por La Capella en el marco de BCN Producció 2022, se presenta de nuevo, esta vez en un lugar especial: el anfiteatro anatómico de la Reial Acadèmia de Medicina de Catalunya. 

Pases a las 20:30 h, 21:30 h y a las 22:30 h

Eduard Escoffet

Poeta y artista sonoro. Siempre se ha caracterizado por atravesar fronteras entre disciplinas artísticas con la poesía y la palabra como elemento de partida. En su trabajo aborda temas como el cuerpo y el deseo, el texto como arquitectura, el feudalismo digital y la reflexión sobre la ciudad y los límites del crecimiento.

Más información: https://chiquitaroom.com/event/utopia-i-esclavatge/

Otra tentativa de Moverse sobre nada de Carme Torrent | 22 de febrero a las 19h en los Miércoles de sonido y cuerpo del Santa Mònica

A través de la danza, Carme Torrent propone poner en juego, reencantar los materiales de transición entre los cuerpos, entre los movimientos, entre las imágenes. Un modo de atender a aquello que no puede ser capitalizado.

Inscripciones superpuestas. Una interpelación a poner en juego, a reencantar los materiales de transición entre los cuerpos, entre los movimientos, entre las imágenes. Un lugar de paso en el mundo haciéndose y deshaciéndose. Como en cierta experiencia de desidentificación y de extrañeza, entre preformance y performance, la escena, por inestable, interruptora, vibrátil, paradojal, denota la incompletitud de toda aparición como su condición constituyente, se inserta en las fisuras, pone en crisis una cierta economía y atiende al cuidado de lo que no puede ser capitalizado. ¿Cómo podemos imaginar o, incluso, soñar con una danza que nos gustaría ver sin la obligación de saber cómo hacerlo ahora?

Moverse sobre nada hace referencia a un acontecimiento compuesto de tres piezas escénicas: ‘¿Cuerpos monárquicos?’, ‘100 fuegos horizontales’, ‘Construcción amorosa’. También, Moverse sobre nada se compone de encuentros y prácticas de movimiento con personas que provienen de ámbitos muy diversos. Lo expuesto es, pues, resultado de esta experiencia colectiva.

Con la participación de Carme Torrent

Implicada en procesos de aprendizaje, investigación y creación en el arte. Estudia arquitectura en la Universitat Politècnica de Catalunya mientras trabaja en varios estudios, entre ellos el del arquitecto Enric Miralles. Paralelamente, desarrolla su trabajo en el ámbito de la danza. Atraída por el trabajo de Body Weather (laboratorio de climatología corporal), viaja a Japón y colabora a lo largo de diez años con el centro Dance Resources on Earth, dirigido por Min Tanaka. También colabora regularmente con el coreógrafo Xavier Le Roy, en propuestas para espacios expositivos. Es graduada en Filosofía por la Universitat de Barcelona. Imparte talleres dentro del programa de máster E.X.E.R.C.E. de Montpellier.

Más información: https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dimecres-de-so-i-cos-00044

Foto: Guillem Pacheco

12.01.2022 / 19h, Arts Santa Mònica, Sala Bar

Público general. Actividad abierta a todo el mundo y gratuita con aforo limitado.

Una composición sobre la identidad, la voz y el cuerpo

Con Aurora Bauzà & Pere Jou

A cargo de MIXTUR, Festival de nova creació sonora de Barcelona

I AM (T)HERE es una pieza que investiga la relación entre el cuerpo y la voz, explorando nuevas formas de interacción entre ambos que se alejan de la tradición musical clásica que impone servidumbre en el cuerpo hacia la voz. La pieza encarna un cuerpo atrapado entre dos dinámicas, la voz y el movimiento, que evolucionan en direcciones opuestas, creando un cuerpo en tensión, un sujeto en conflicto con su identidad.

Más información:
https://artssantamonica.gencat.cat/es/detall/Dimecres-de-so-i-cos | https://www.aurorabauzaperejou.com/iamthere

Sergi Fäustino, Antoine Forgeron, Pedro Fresneda, Raquel Hernández, Artús Rey, Terrorismo de autor.

Réplika Teatro
24/09/2021 – 20:00h.
25/09/2021 – 20:00h.
26/09/2021 – 19:00h.

precio: 15,00 € / 13,00€ / 10,00€

Cuarto capítulo de El Dispositivo, serie de encuentros entre los creadores Sergi Fäustino, Antoine Forgeron, Pedro Fresneda, Raquel Hernández, Artús Rey y Terrorismo de autor.

Semanas intensas de residencia para reflexionar, debatir, compartir materiales, estados, procesos… de manera que comienza a tomar forma una propuesta presentada a público el último fin de semana “en el estado en que se encuentre”.
El Dispositivo es un proceso en continuidad, no episodios aislados más o menos relacionados entre sí, sino el desarrollo de acciones e ideas que evolucionan, se repiten, conducen a nuevas acciones e ideas, a un cambio en el punto de vista, en el estado, en la calidad, en el cuerpo.
Cualquier tema, preocupación, interés, juego, broma, recuerdo, anhelo, miedo, deseo, cada náusea, también… se pone sobre la mesa (o sobre el escenario) y ya sea de manera individual o colectiva se suceden acciones y palabras sin autoría.
Algo que crece y se mueve, sin ánimo de avanzar, ni siquiera de mantenerse a flote.
Otro factor que hace crecer o deforma cada dispositivo es el lugar de residencia, su espacio, el personal, la ciudad o el clima distorsionan con su influencia cada encuentro.

→ Dispositivo 1: Teatro Ensalle (17-31/01/21), Vigo (proceso no mostrado a público debido a restricciones causadas por la epidemia del COVID-19)
→ Dispositivo 2: La Caldera (21-27/06/21) (residencia) y Antic Teatre (28-04/06-07/21) (residencia y muestra del proceso), Barcelona.
→ Dispositivo 3: Tatro Ensalle (01-08/08/21), Vigo
→ Dispositivo 4: Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación (18-26/09/21), Madrid

Un tipo* dijo una vez algo así como “las revoluciones son la locomotora de la historia”. Años más tarde, otro tipo**, dijo “quizás sea todo lo contrario, quizás las revoluciones son un intento de los pasajeros de este tren de activar el freno de emergencia”.
*Karl Marx
**Walter Benjamin

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/el-dispositivo-cap-4-septiembre-2021/

Óscar Bueno Rodríguez

21 de junio en La Casa Encendida

Soundtrack es una banda sonora y es la banda sonora de sí misma también.

A la vez son muchas bandas sonoras, tantas como escuchantes haya, tantas como interpretes haya.
Porque la escuchanta y la intérprete son la misma persona.
El performer es la partitura: una partitura que manipula muchas partituras.
Por lo tanto Soundtrack es la banda sonora de varias bandas sonoras escuchadas y realizadas por múltiples escuchantes-intérpretes.

En Soundtrack se trabaja la idea se sonidación, una palabra inventada a través de una pequeña deriva etimológica:

• Imagen: del latín imago (retrato, copia, imitación).
• Imaginación: del latín imaginatio. Significa “acción y efecto de formar una figura mental” (una imagen). Sus componentes léxicos son: imago (retrato), más el sufijo -ción (acción y efecto).
• Sonido: del latín sonitus y significa “sensación de escuchar”. Sus componentes léxicos son: sonare (producir un ruido), más el sufijo -ido (cualidad perceptible por los sentidos).
• Sonidación: acción y efecto de formar un sonido mental. Sus componentes léxicos son: sonare(producir un ruido), más el sufijo -ción (acción y efecto).

+ info y entradas

6 de junio a las 19.30h en Azkuna Zentroa

Corps noir es una intensa inmersión en bruto en lo íntimo. Una puesta en escena del cuerpo en un delirio de accesorios y objetos de texturas diversas, de materias sonoras, de imágenes y de voz, como tantas otras metáforas identitarias transmitidas mediante tecnología punta que permite superponer, intercalar, fusionar. Este bazar del subconsciente y la memoria presenta las piezas, congregadas, disgregadas o desencajadas, de una ficción de uno mismo, entre sólidos y líquidos, pantallas cubiertas de escarcha, hielo y agua, calor y frío, opacidad y transparencia.

El cuerpo es atacado: mojado, manchado, absorbido… y toma partido: combate, penetra, oprime también. Irradia. En física, un cuerpo negro se define como un objeto que absorbe totalmente la luz en todas las longitudes de onda.

Stéphane Gladyszewski se convierte en la propia materia y crea un autorretrato fragmentado basado en la complejidad de una identidad estrellada y las construcciones de la psique.

STÉPHANE GLADYSZEWSKI (Montreal) estudió y trabajó en el ámbito de la fotografía antes de obtener su Licenciatura en Bellas Artes. Atraído por el movimiento, se abrió paso en la danza a través de la técnica ‘contact improvisation’. En 2008 crea un sistema de proyección de ‘vídeo termal’ que utilizó por primera vez en el proyecto Corps noir. Aplicando los mismos principios tecnológicos, dirige la coreografía del dúo Chaleur humaine, presentada como parte del proyecto Danse à 10. Con Tête à tête, Gladyszewski continúa investigando la identidad y la exploración de la intimidad a través de un espectáculo en vivo.

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