— MuroTRON

vulnerasti cor meum / Madrid de Carmen Aldama | Del 2 al 28 de octubre en Surge Madrid

Del 2 al 28 de octubre, cada día a las 11:00 h
El 29 de octubre, cierre con todos los espectadores a las 18:00 h
Con la colaboración de Campaneros de Madrid.

Duración: 1 hora
Con inscripción previa en carmenaldamagoded@gmail.com

Más información: Surge Madrid

En lo oscuro está lo infinito, un proyecto de Taller Placer | Jueves 29 en La Mutant de València

Lo que queremos contaros precisa de noche, de detenimiento, de escucha. Buscamos un grupo de cómplices. Buscamos otras formas de relación entre el cuerpo y el tiempo; esa sensación que todos tenemos cuando poco a poco se extingue el día o cuando se apaga la luz en una sala y parece que nos difuminamos en el espacio infinito de la oscuridad: entre lo real y la ficción, entre la vigilia y el sueño, entre lo presente y lo ausente, entre el agotamiento y la resistencia.

Lo que queremos contaros precisa de noche. Os proponemos experimentar la profundidad de una cueva, volver a mirar las estrellas y el pasado, entrar en el presente del tiempo y el trabajo incesante, encontrar de nuevo el amanecer en un paseo y celebrarlo a golpe de campana, en una amnesia colectiva que nos distinga y nos reúna.

Lo que queremos contaros precisa de noche. Os proponemos una aventura. Un programa cuyo sentido se irá armando mientras lo atravesamos y donde cualquier parecido o relación entre las cosas es pura magia.

En lo oscuro está lo infinito es nuestro leit motiv para crear algo más que un programa. Una constelación que se despliega y se expande a través de otras piezas, artistas, excursiones, encuentros y casualidades repartidas a lo largo de una noche entre dos teatros: El TEM y La Mutant. Empezaremos con el crepúsculo y terminaremos al alba. Un grupo de insomnes recorriendo la ciudad, observando, caminando, compartiendo e imaginando.

PROGRAMA COMPLETO
FECHA: jueves 29 de junio y viernes 30 de junio
HORA: 20:00 a 08:30 horas
ENTRADA:
Precio del programa completo 25€ (Incluye tanto la entrada a los dos espectáculos de sala como a todas las actividades nocturnas) Plazas limitadas.
DURACIÓN:
Espectáculos de sala 60 minutos.
Programa completo toda la noche
IDIOMA: Castellano y Valenciano
UN PROYECTO DE TALLER PLACER
Con la participación de: Edurne Rubio, Enric Marco, José Martín Robles, Miguel de la Rubia, Paco Varón, Ángeles Hernández, empleados de la Autoridad Portuaria de Valencia y MercaValencia.
Colaboran: Ayuntamiento de Valencia, Teatro El Musical y La Mutant:Espai d’Arts Vives,
Autoridad Portuaria de Valencia, Mercavalencia
Agradecimientos: Programa Cultura Resident 22 del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y Asociación HablarenArte.

PROGRAMA DETALLADO
Jueves 29 junio 
LIGHT YEARS AWAY de Edurne Rubio.
Lugar: sala del TEM
Hora: 20h
Duración: 60 minutos
Idioma: castellano

Jueves 29 junio a Viernes 30 junio
Recorrido nocturno en grupo por diferentes lugares de la ciudad.
Hora: 21.30h – 07:30h
Lugar: VARIOS
Duración: toda la noche
Idioma: castellano y valenciano
Necesidades: cada persona que se apunte a este recorrido deberá traer algo de cena para compartir, calzado cómodo, algo de abrigo y una linterna o similar.

Viernes 30 junio
CLAREJARES de Llorenç Barber y Montserrat Palacios.
Hora 07.30h-08.30h
Lugar: sala de LA MUTANT
Duración: 60 minutos
Idioma: sin texto

Más información: La Mutant

No hay acto creativo de Norberto Llopis Segarra | 24 de mayo en los Dimecres de so i cos del Santa Mònica de Barcelona

No hay acto creativo es una conferencia-perfomance. En ella, al hilo de diversos materiales de archivo de sus trabajos anteriores, y a través de acciones, frases, del uso de objetos y discursos, Norberto Llopis Segarra intenta caracterizar la práctica artística desde la noción de Operación, no ya desde la noción de Acción, operación llevada a cabo por uno o múltilples operadores, sino por uno o diversos actores. Operación como procedimiento o improcedencia reiterativa a través de la cual intervenimos un territorio, operación desencadenante que siempre pone un pequeño soberano en desequilibrio y precipita la deconstrucción de un medio.

Con la participación de Norberto Llopis

Norberto Llopis Segarra, coreógrafo y performer, trabaja en el límite entre la danza y el pensamiento. Titulado en Danza y Coreografía por el Institut del Teatre; Máster en Artes performativas por DasArts, AHK Amsterdam; Grado en Filosofía por la UNED; Máster en Estudios avanzados en filosofía por la Universidad Complutense y actualmente desarrolla su tesis doctoral sobre la estética en el pensamiento de Derrida y Deleuze en la Universidad de Barcelona. Ha desarrolado su trabajo entre Barcelona, Bruselas y los Paises Bajos. Su práctica artística va desde el trabajo con y sobre el cuerpo hasta el uso de objetos y materiales para la construcción y reflexión sobre el espacio. En su acercamiento a la filosofía, intenta desarrollar una práctica de pensamiento y escritura sobre el cuerpo, el movimiento y la performatividad. Así, su práctica oscila entre el ensayo, la coreografía, la conferencia performativa, la instalación o las acciones duracionales.

Más información: Arts Santa Mònica

19762 – solos y conectados, de Candela Capitán | 5 y 6 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

Artista de acción y coreógrafa. El trabajo personal de Candela Capitán explora la activación y desactivación de los lazos sociales poniendo el cuerpo en relación con otros cuerpos, objetos e imágenes colectivas.

Principalmente utiliza el lenguaje de la performance para estudiar los límites de la danza gracias a un conocimiento exhaustivo del cuerpo en movimiento y de su presencia en escena.

Sus obras se desarrollan en diferentes medios (acciones en vivo, instalaciones o en el campo audiovisual) y vehículos (a través de plataformas virtuales o en directo), con el objetivo de encontrar canales diferentes de interconexión con el público o cuestionar las disciplinas artísticas y sus posibilidades.

Sus proyectos personales comienzan a partir de 2018, entre los que destacan: las performances The Death at the club (1.0 en 45 minutos) y The Death at the club (1.1 en 4 horas) (2018-2022), presentada en Soho House Barcelona (2018), en la plataforma de vídeo de Boiler Room TV y en el marco del Festival Streaming From Isolation (2020).

Colabora habitualmente con artistas de arte contemporáneo como Joan Morey, en el proyecto Tout de Force (2017); la artista y fotógrafa Tanit Plana en el proyecto Part (2021), presentado en el teatro L’Auditori de Barcelona en el marco del programa “Mujeres y creación”; y participa con los colectivos Gelitin e YBDG en una exposición presentada en Tiroler Landesmuseum (Innsbruck, 2021).

Su pieza, declara la directora y coreógrafa, 19762 – Solos y conectados, es un giro eterno entre la belleza y la violencia que va y viene entre los cuerpos. En cada vuelta una fisura en el universo y un paseo desconocido hacia el desierto.

SYC es una pieza coreográfica para seis cuerpos conectados a un dispositivo parateatral que define un patrón repetitivo de movimiento del que los intérpretes no podrán salir. Se trata de una obra generacional que cuestiona el hecho de sentirse atrapado en la rutina de la vida actual y en la que los cuerpos se abrazan, rechazan u obedecen a sus ataduras físicas sociales y comunitarias.

Más información: Teatro Central de Sevilla

Un periódico, una escuela, un partido político, una tribuna pública o una campaña por los derechos civiles son algunos de los proyectos artísticos que ha desarrollado en los últimos años la artista cubana Tania Bruguera. Siempre situada radicalmente en la intersección del arte y la política, para ella el arte es una herramienta de transformación social. Sus obras, que le han valido tanto el reconocimiento internacional como la prisión y el exilio de Cuba, exploran y denuncian los abusos del poder y se esfuerzan al mismo tiempo por abrir espacios para la discusión política y la defensa de las libertades colectivas. Para ella, el objetivo es convertir a los espectadores en ciudadanos, crear situaciones que permitan explorar soluciones alternativas, propuestas artísticas que puedan ser espacios de futuro, teatros de posibilidades, máquinas para pensar y mostrar que quizás las cosas pueden ser de otra manera.

Es solo un día de Carolina Campos y Márcia Lança | 1 de abril en La Mutant de València

Una manera d’evocar la transgressió del relat des de la ficció especulativa posada en escena. Un dispositiu d’escriptura en viu amb 8 hores de duració que revela la construcció d’un flux de narratives que s’assenten en una superfície inestable, en el contagi entre paraula i gest. Les artistes proposen imaginar mons on el real i la ficció es toquen i es confonen. Prenen les ruïnes del discurs com a lloc de potència i ficcionalizan el present a partir de l’escolta del lloc on es troben. El públic s’emporta una publicació realitzada en directe que conté un text diferent cada vegada. // Print Mutant, jornada d’estampació
participativa, el públic assistent es podrà imprimir, mitjançant la tècnica de serigrafia, 100 totebags que aportarà La Mutant, amb l’ajuda d’un tècnic especialista de Lanevera Edicions.

Dirección, Performance y texto
Carolina Campos & Márcia Lança
Concepto de Luz
Letícia Skrycky
Design e impressión de Publicación in Vivo
Andrei Bessa
Producción
VAGAR

Más información: La Mutant

Si el meu cos esta nit parlara de El Conde de Torrefiel | 4 de marzo en el IVAM Alcoi

En el marco de “Un contínuum común indefinidamente liso. Proyecciones sobre la contemporaneidad en la colección del IVAM”.

Si el meu cos esta nit parlara es una pieza bailada, una aproximación desde la práctica escénica a la exposición Un continuum común indefinidamente liso, de Diana Guijarro, en el IVAM de Alcoi. Esta pieza site specific de la compañía recoge la invitación de la comisaria a observar con ojo caleidoscópico los conceptos de tiempo y contemporaneidad encriptados en los objetos que habitan esta muestra.

Todos y cada uno de los millones de objetos que aparecen sobre la superficie de la tierra guardan una historia propia, poseen un relato único, tienen algo que contar. Tanto los objetos originales como los replicados y mercantilizados, esconden secretos de su contemporaneidad, han escuchado las lenguas de su tiempo, poseen una certeza arraigada al espacio y contexto donde aparecieron, desde el exclusivo y único Guerrer de Moixent creado en el siglo V a.C. hasta un multiproducido Tamagotchi creado industrialmente en el año 1996.

Cuando añadimos a este objeto la cualidad de obra artística, su historia se hace todavía más compleja dentro de su fantasmagoría.

Si cosificaramos a una persona, si le impidiéramos hablar y moverse espontáneamente, si tratáramos un cuerpo como si fuera un objeto más colocado para articular una exposición, ese cuerpo se revelaría única e inevitablemente en su propia imagen; un cuerpo sin voz propia, que emana un imaginario, unas sinergias y asonancias. Ese cuerpo enmudecido, como si de se tratara un enigma, encierra experiencias, preguntas, memoria y, en definitiva, una historia. Y la imagen de ese cuerpo entraría en diálogo con sus espectadores que solo pueden escucharlo con la mirada.

No es habitual ver en un museo un cuerpo vivo como objeto a contemplar. El espacio destinado para observar cuerpos vivos y cosificados es el teatro. El Conde de Torrefiel propone la observación de un cuerpo en movimiento, que narra sin hablar y que, al atravesar la escenografía accidental que le proporciona la exposición comisariada por Diana Guijarro, construye automáticamente otra imagen, otra historia posible.

Utopia i esclavatge de Eduard Escoffet | 25 de febrero en la Reial Acadèmia de Medicina de Catalunya

Utopia i esclavatge (Utopía y esclavitud) es una acción de Eduard Escoffet en torno a la voz pero en la que no hay voz en directo, sino que todo el desarrollo se basa en la reproducción de la voz grabada a través de diferentes reproductores de cassette. La acción aborda la idea de que la economía digital y las nuevas formas de la economía llamada colaborativa nos han convertido primero en clientes y acto seguido en usuarios desposeídos de derechos colectivos e individuales más allá de las dinámicas de consumo. Rápidamente hemos olvidado la utopía que representaba Internet en un principio para pasar a ser siervos digitales. Producida por La Capella en el marco de BCN Producció 2022, se presenta de nuevo, esta vez en un lugar especial: el anfiteatro anatómico de la Reial Acadèmia de Medicina de Catalunya. 

Pases a las 20:30 h, 21:30 h y a las 22:30 h

Eduard Escoffet

Poeta y artista sonoro. Siempre se ha caracterizado por atravesar fronteras entre disciplinas artísticas con la poesía y la palabra como elemento de partida. En su trabajo aborda temas como el cuerpo y el deseo, el texto como arquitectura, el feudalismo digital y la reflexión sobre la ciudad y los límites del crecimiento.

Más información: https://chiquitaroom.com/event/utopia-i-esclavatge/