— MuroTRON

Festival Moujuïc | 20 i 21 de maig al Castell de Montjuïc de Barcelona

Les prèvies “Moujuïc al Barri”, els dies 7 i 13 de maig, busquen sortir dels murs de l’equipament per anar allà on són els públics del festival: als carrers i les places dels barris de la muntanya. Diumenge 7, davant de la seu del districte de Sants- Montjuïc, i en el marc del programa Obrim Carrers, els espectales “ESO” (Los Informalls) i “Scotoma” (Clémentine Télesfort & Lisard Tranis) donaran el tret de sortida a la programació. Així mateix, dissabte 13 es traslladarà a la plaça de la Marina de Sants, on el veïnat podrà gaudir de les peces “Blue Monday” (Agnés Sales i Héctor Plaza) i “WIWBAK, When I Will Be A Kid” (Cia. Kiko López). Peces de, i per al carrer, que funcionaran com a introducció a allò que es podrà veure, i sentir, al Castell de Montjuïc els dies 20 i 21, des de l’humor i fins a la poètica del moviment, sempre amb el cos com a eina de creació.

La diversitat d’espais del Castell serà l’escenari del gruix de la programació, que s’inaugurarà dissabte 20 amb la peça “Fight”, de la companyia basca LaSala, a la terrassa del pati d’armes. Posteriorment, l’acció es trasllada a l’hornabec, amb “Aperitivo”, de Los Informalls, per retornar a la terrassa amb Joan Català i el seu “Pelat”. La jornada es clourà amb el “Metaplec”, una improvisació coral, amb voluntat de permanència, on artistes de diferents trajectòries (Glòria Ros, David Climent, Marina Pravkina, Adriano Galante i Hoss Benítez) coindiciran els dies previs per preparar un tancament a l’alçada, i en diàleg, amb el públic.

Així mateix, les entranyes de l’equipament són també el seu nucli creador, acollint les peces de les residents d’enguany. Dissabte serà el torn de “Yukedo Yukedo”, de Park Keito, i diumenge de “Bailar o lo salvaje”, de Lara Brown.

Diumenge 21 s’inicia amb una jornada matinal, que transcorrerà entre “Maña”, de la cia. Manolo Alcántara, i la peça “Moving!”, de María Ferrer, una col·laboració amb el Centre Cívic del Sortidor amb participació de joves acabades d’arribar al Poble- sec, que posa en valor el doble vessant comunitari i territorial. El tercer, el de la creació, estarà representat amb l’oberturà de procés del “Projecte K amb K de kol·lectivitat”, de Sputniks Cia, una proposta conjunta entre l’Ateneu Popular 9 Barris i el propi Castell, en el marc de Creació i Museus.

La tarda acollirà “Otempodiz” (“Diueltemps”), de la cia. Ertza, i “Meohadim”, de la cia. Jacob Gómez, ambdues a la terrassa, mentre que “Molar”, de Quim Bigas, es podrà gaudir al pati d’armes. En paral·lel, a la capella, es podrà veure un documental sobre el procés de creació d’Otempodiz, “Vosotros tenéis los relojes, nosotros tenemos el Tiempo…”. Prèviament, al matí, els ballarins Deissane Machava i Fenias Nhumai, d’Ertza, oferiran el taller de danses moçambiqueses “Marrabenta i Machawona” per a la canalla de 9 a 12 anys.

La jornada, i el festival, es clourà amb la represa de “Castells a l’aire”, de Raquel Klen i Raquel Gualtero, el projecte de Creació i Museus 2021 entre la Caldera i el Castell. Una peça pensada, viscuda i executada a l’equipament, que el posa en valor i hi tornarà per posar punt i final a aquesta edició del Moujuïc.

Més informació: Festival Moujuïc

Festival Tara | Del 12 al 28 de mayo en Las Palmas de Gran Canaria

El teatro es lo mismo que la guerra, sólo que carga sus balas con belleza

Festival Tara es un escaparate de nuevos lenguajes artísticos que busca la renovación de las formas y el lenguaje escénico, asociados a planteamientos sociales reivindicativos y, en suma, a descentralizar el fenómeno cultural. Un intercambio entre artistas locales, nacionales e internacionales que, bajo una misma corriente, dan un nuevo sentido a la cultura de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. Para ello albergamos propuestas artísticas de diversos estilos encuadradas en espacios no convencionales, que dan valor al acto artístico vivo más allá del lugar donde se encuentre, potenciando así el fuerte valor cultural que nos ofrecen los rincones de esta ciudad y acercando la cultura a un público poco habitual.

​El festival pretende crear una iniciativa única y alternativa para Las Palmas de Gran Canaria, generando un espacio de visibilidad a la creación contemporánea y una oportunidad de establecer nuevos modelos de intercambio, reflexión y pensamiento, donde convergen la tradición y la vanguardia.

​Festival Tara es un proyecto que evoluciona día a día, sin olvidar que la cultura es y debe ser accesible para cualquier colectivo, independientemente de sus condiciones económicas, culturales o sociales. Asimismo, ponemos en valor el esfuerzo de todas aquellas personas que nos dedicamos a generar, crear y sostener la cultura de una región.

​Aprovecho para recordar lo que apuntaba Peter Brook en El espacio vacío: “Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro le observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral.” Esto es lo que hemos venido hacer.

Más información: Festival Tara

Festival Sismògraf | Del 13 al 16 d’abril a Olot

El Sismògraf és el festival que detecta el moviment del cos i del planeta. 

Del cos perquè engloba la dansa, el circ, les performances, els passejos i les situacions híbrides; i del planeta perquè estem convençuts que vivim en un planeta viu amb explosions de volcans i pujada del nivell del mar que cal escoltar.

És un festival conscient, que posa en valor la responsabilitat social i ambiental, tant en l’equip, com en el muntatge i en la programació.

És un festival situat que des de la Garrotxa es relaciona amb la resta del món. Per això, el paisatge és una part fonamental, entès com a entorn físic, mental, emocional, i com un lloc on hi passen coses.

El Sismògraf reivindica la seva singularitat i alhora s’obre al món amb tota la seva complexitat. La programació artística vol donar veu als reptes socials, ambientals i relacionals de la nostra societat.

Més informació i entrades: Sismògraf

Autóctonxs, Festival de escena viva | Del 1 al 5 de marzo en el Teatro del Soho de Málaga

Con Alberto Cortés, Laila Tafur, Alessandra García y otrxs artistxs.

Primera edición del Festival Autóctonxs, una apuesta con la que queremos poner en valor el talento local de artistas malagueños y residentes en la ciudad, creando con su trabajo un tejido cultural único e imprescindible para la ciudadanía. Un festival que quiere poner de relieve los nuevos lenguajes, disciplinas y formas de ver las artes escénicas.

Durante cinco días, más de veinte artistas expondrán un total de catorce piezas en diferentes espacios del teatro donde la dramaturgia, la danza, la música, el happening y la poesía serán protagonistas. Con el fin de descubrir distintas maneras de vivir la cultura, la programación se distribuirá en los siguientes cuatro formatos:

NUEVAS DRAMATURGIAS – escenario

El objetivo es acoger proyectos que, por su envergadura, reconocimiento y técnica, necesiten un espacio como un gran escenario. Espectáculos que giran en torno a las nuevas dramaturgias contemporáneas.

IMPRO en el HALL – hall primera planta

Unir a profesionales por primera vez. Colocar la Improvisación en un formato escénico propio al que poder acudir como espectadxr. La música y la danza vista desde muchos ángulos distintos se dan la mano para convertir el hall en una improvisación total.

HAPPENING POÉTICO – hall sala goya

Palabra, experimentación, lenguaje y personas. El público y el artista. Happening y poesía. Convertir el vestíbulo en un espacio para la palabra y la acción.

ENSAYO ACIERTO – sala goya

Las Artes Vivas en su estado más probeta. Darle oportunidad al público de acercarse a proyectos que están en fase de ‘work in progress’, y es que los procesos creativos son iguales de valiosos que las piezas terminadas. Tres proyectos abren la sala de operaciones ante miradas ajenas que tendrán la oportunidad de ver la gestación de una futura pieza. Convirtiéndose en un ENSAYO ACIERTO.

Más información: Teatro del Soho

Del 19 al 28 de enero en el Teatre Lliure

19/01 – 28/01 – Happiness – Dries Verhoeven

19/01 – 22/01 –Tête-à-tête – Stéphane Gladyszewski

21 – 22/01 – Domestic Violence – Markus Örhn

26 – 28/01 – The Hole & Corner Travel Agency – Marga Socias

26 – 27/01 – La Plaza – El Conde de Torrefiel

27 – 28/01 – RAW – Laia Fabre y Thomas Kasebacher

Tras preguntarnos qué es el teatro, qué nos define, citar a Rilke para “vivir las preguntas” con las conferencias performativas, admirar los márgenes y la indefinición –siempre positiva– de las artes escénicas, Katharsis llega al cuarto año con una crisis existencial más profunda que cuando nació. Adquirimos profundidad, y nos encanta.

Este año, por base conceptual nos inspira una de las definiciones de la palabra distorsión: una deformación de imágenes, sonidos y otras señales eléctricas debido a imperfecciones en los sistemas de procesamiento y transmisión, como ejemplo de cómo puede alterarnos lo que pasa a nuestro alrededor a la hora de comunicarnos o de percibir la realidad. Para la edición de este año buscamos propuestas que nos distorsionen la idea de teatro, de sociedad y de nosotros mismos. Y también propuestas que nos ayuden a ver las causas que provocan dicha distorsión.

Katharsis nace en el año 2020 con la voluntad de cuestionar siempre cómo hacemos y experimentamos el teatro. Como en la primera edición, contaremos con la presencia de artistas locales e internacionales que, por medio de la observación, la escucha, el reconocimiento y el juicio, mostrarán en qué medida su señal se distorsiona fruto de las imperfecciones del sistema que nos conforma, del sistema donde nos toca vivir o del que queremos crear.

Más información y entradas: http://www.tea-tron.com/murotron/blog/2022/12/20/monjour/.

Del 21 al 30 de octubre en diferentes lugares de Madrid

Más información y programa completo: https://seminarioeuraca.wordpress.com/programa12/.

“Hace un año que lincharon a Samuel Luiz en A Coruña y el Seminario Euraca se decidió a arrancar con un programa DOCE que, muy microscópicamente, le hiciera justicia, pensando en este acontecimiento como lo que es: una señal de la reacción en curso a los derechos y visibilidades conseguidos por las luchas lgtbq / feministas en los últimos años, y como una marca de la constante violencia que los cuerpos no normativos han sufrido en las calles del patriarcado. Pero los tiempos de nuestro seminario son tan lentos que ya ha pasado un año de trabajo hacia adentro para la organización del programa y otras cientos de señales más han venido a avisarnos de la ola de venganza y ultraredisciplinamiento de los cuerpos no blancos no cis no heteros que los masters del universo y los incels de las cloacas perciben como amenaza a su poder decadente, podrido, destructor. La insoportable masacre de jóvenes en la valla de Melilla, no muy diferente de la que a diario se hace en las fronteras de Europa, pero particularmente utilizada como celebración de un pacto de sangre entre España y Marruecos para continuar resolviendo bien la división del mundo entre blancos y no blancxs, entre trabajadorxs con derechos y trabajadorx sin derechos, entre cuerpos cuya vida importa y cuya vida no. La derogación del derecho al aborto en Estados Unidos para parar la ola de revueltas de las siervas de la reproducción que cada hombre ha tenido a su disposición a lo largo de los siglos, cuya fuerza internacionalista ha puesto en tensión la división del mundo entre el género que domina y el dominado, los trabajadores que producen mercancías por un salario y las trabajadoras que reproducen la fuerza de trabajo sin remuneración, la propia división del mundo en doses. No hay -no puede haber- igualdad mientras siga habiendo personas segregadas, violentadas, invisibilizadas y desposeídas de papeles, derechos, techo y sustento; sociedades que toleren una parte de la homosexualidad integrada pero masacren y niguen derechos a personas migrantes (como dijo Renate Costa en esta entrevista, min. 7.30)).

Porque si incluso algunas de las que esto escribimos en tan solo una vida hemos asistido a un 8M chiquito y a un 8M masivo y a una derechización fatal de una parte del feminismo, a una subcultura queer under y a una toma del mainstream por algunos de sus gestos, a la Veneno en prime time y al secretismo gay en todos los pueblos y ciudades a no ser las grandes, al Ya es ley de Argentina y la derogación del aborto en los US, a la cultura del 15M y a la de Vox, qué no habrá pasado en los más de 150 años que el feminismo lleva abriendo y ensanchando la grieta en el patriarcado capitalista, un cambio de la vida de lxs de abajo inimaginable segundos antes de suceder. No solo el derecho al aborto que las «petroleras» (con quienes abrimos en enero de 022 este programa) ni podían siquiera imaginar estando como estaban en los márgenes de la Comuna revolucionaria, sino el propio derecho a la Existencia, y sobre todo, el derecho a la Imaginación: que lo que hacemos y somos se vea, cuente, conforme imaginarios; y que otra forma de lo que somos se haga posible en el mundo. Inimaginable para Whitman la vida de Lorca, para Lorca la de Spicer, para Spicer la de Lemebel, para Lemebel la de Ioshua y, no obstante, unos a otros se contienen en el sueño que el deseo va abriendo con el cuerpo valiente que pusieron en sus escrituras. Un poco más próximas en el tiempo las vidas de Luz Pichel, Rita Indiana, Dalia Rosetti y Andrea Abreu trazan un mapa del sueño todavía más amplio en latitudes (Galicia > República Dominicana > Argentina > Canarias), imaginarios e imaginaciones por venir de parte de las chicas y chiques, de las ninias y adolescentes y ancianas, de las amigas para siempre, de las bolleras y bi y butch con y sin bulto seguro inimaginables para Gertrude Stein o Gloria Fuertes que las precedieron.

Y es a esta escala, y es por abajo y por afuera de las divisiones por arriba y por el centro, y es a esta invención de las genealogías y convivencia de tiempos, y es a esta historia de cambios a veces en avanzada y a veces en retroceso pero siempre con efectos en los cuerpos de las othras (Sayak Valencia) a la que queremos remitir. Y es a esta fuerza imparable a la que queremos afirmar como propuesta contra (y no como reacción a) la reacción en curso, aunque ahora no esté de moda proponer sino solo destruir: la era feminista sigue viva y está abierta.

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto 

La era feminista va generando un sujeto que no cumple con lo que estaba previsto para ser dentro del patriarcado cada vez en cada uno de sus periodos. Tan imprevisto como para que unos filólogos del siglo XIX encuentren una cantiga de una amiga a una amiga hecha en el siglo XIII y se vean obligados a cambiarle el género, incapaces de dejar existir en el pasado lo que no quieren que sea en el presente ni de imaginar para el futuro lo que podría ser si lo dejáramos pasar. Por suerte la escritura dejó un rastro suficiente para que otras lectoras del futuro podamos releer desde otra era, reestableciendo la señal entre los tiempos. Porque por suerte la escritura no consiste solo en quién era quien la hizo sino en cómo hizo lo quizo quien la hizo: un artefacto de lenguaje que nos posibilita ser otrx que el previsto: trans-cender de la realidad cis a mundo algo mejor para todxs en tanto seres vivxs, tal y como describe Fernanda Laguna en una entrevista con Martín Baigorria en el Flasherito: «[…] cuando uno escribe […] uno posee otro tipo de movimientos. La tristeza en el mundo real es algo que te hace sufrir, es un abismo. Pero la tristeza cuando está en manos del poeta […] pasa a ser algo dulce o bello. Y entonces las sensaciones que podemos tener frente al mismo estado de tristeza se vuelven otra cosa con la poesía. Yo a eso lo llamo  la “realidad cis” ‒la tristeza con el dolor tal cual se percibe‒ y la “realidad trans” es la realidad del poeta, transmutada, donde la tristeza se puede volver algo bellísimo y puede hacer sentir una sensación totalmente diferente. Y así con todo: podés tener un corte de luz en tu casa y si escribís se puede convertir en estrellas o en un montón de cosas más. Esa es la “realidad trans”, transmutada».

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto, y su era va sucediéndose a través de diferentes momentos de lucha en los que ese sujeto se va condensando en cuerpos históricos concretos (comuneras, bolleras, trans, maricas, bi…), fundamentalmente caracterizados por su desnaturalización de lo que unos segundos antes suponía ser una mujer/femenino/afeminado/cativa en la sociedad patriarcal, y por su desidentificación de lo asignado, por su no ser hombre, o su serlo mal. Y estos momentos concretos del cuerpo feminista van abriendo las posibilidades no solo de tener derechos sino de Existir e Imaginar mediante, por un lado, unas vidas tan valientes como fue la de de Pedro Lemebel, cuyas solas presencias = gestualidades y lenguajes de por sí desobedientes de la norma social afirman cotidiana y políticamente que otras vidas, más vividas y más vívidas son posibles, que es posible ser en este mundo; y mediante, por  otro lado, unos textos como Tengo miedo, torero donde esas vidas se vuelven imaginario y sueño para quienes las leemos. Así que la propuesta de viaje número DOCE del Seminario Euraca consiste en ir a unos poquitos (cinco) de los cientos de momentos de la lucha feminista, de las comuneras del XIX a los maricas del XX a las ninias y bolleras del XXI y un flashbck-flashforward al siglo XIII, de la homosexualidad a la homofobia, del deseo a la potencia, de la potencia a la violencia,  a través de (mayormente) novelas tan exuberantes, hermosas y emocionantes como Papi, Panza de burro o Dame pelota, y poemas tan power como la Oda a Walt Whitman o el de la risa de cativa de Luz Pichel. Creemos que no solo por «ser mujeres» «ser bolleras» «ser maricas» las autoras sino por ser el feminismo un nuevo paradigma está cambiando la literatura que se hace y que nos gusta. Una textualidad a la que cabe más el cuerpo, el sexo y el desliz de todo tipo, formal e informal, no tan pesadamente psicologista ni familiriasta sino al revés, esto es, más bien, la confusión, el caos, la trama trepidante, la ya clásica promiscuidad, la ya clásica vitalidad voraz, el ya clásico enamoriscamiento permanente, la ya clásica sensualidad a mansalva de las desviadas… o el deseo, mi amor, el deseo… de leer, de escribir, de vivir, de que salga un verano para siempre. Y de, por primera vez en Euraca, explorar un nuevo género (literario): la Novela”.

«yo soy una más de lxs que estamos aquí»
(María del Monte)

«yo soy una más de ustedes»
(Isabel Pantoja)

«mariquita no, maricón que suena a bóveda»
(Miguel de Molina)

«quién no se ha dado un pipazo con una buena amiga»
(Lola)

«si quieres conmigo, guapo, tendrás que amariconarte»
(Lynn da Quebrada)

1939, acusado de beber semen en cálices, el reo replicó:
«yo eso lo he bebido siempre directamente de la fuente»
(Álvaro Retana)

«queremos todo gratis, todo homosexual»
(se canta en Chile, en las manis)

«todo gratis, todo gay»
(rey feliz)

María Jerez y Edurne Rubio –  28 y 29 de octubre en Conde Duque

La superposición de dos espacios es el eje de esta pieza, la primera realizada en régimen de co-autoría por Edurne Rubio y María Jerez, dos artistas que ya habían colaborado en alguna ocasión anterior, pero nunca hasta el extremo de concebir un trabajo juntas.

Esta superposición pone a trabajar el espacio del teatro, cerrado y construido por y para el ser humano, y un valle, un espacio transformado y moldeado por las condiciones geológicas y atmosféricas y completamente abierto, un espacio exterior. La arquitectura humana frente al sublime kantiano de una Naturaleza siempre amenazante. O siempre cambiante, sin más. «Nos interesa —dicen las creadoras— entrelazar el uno al otro, permitir puntos de encuentro entre los dos mundos y así construir un tercer lugar transitorio, anacrónico por ser al mismo tiempo ancestral y futurista, una pieza de ciencia (ficción) especulativa».

Edurne Rubio y María Jerez observan así, el espacio teatral como ecosistema para, aprovechando su propia topografía, tecnología y materialidad acercarse a la extrañeza de la naturaleza, a sus dramaturgias y a sus fenómenos. Edurne ya nos transportó al interior de Ojo Guareña, la cueva que su padre exploró en tiempos de dictadura franquista, en la pieza Light years away. El teatro era la cueva, dos abismos de oscuridad y libertad. María Jerez ya nos introdujo en un cosmos artificial en constante movimiento en su pieza Yabba, que proponía una mirada atenta a la busca de una transformación constante pese a la incapacidad de nombrar lo que se estaba mirando. Estas dos piezas son los antecedentes inmediatos de A nublo, que toma su nombre de la tradición popular asentada hasta mediados del siglo XX, en la que los lugareños de las zonas rurales de España se enfrentaban a las tormentas, hablando directamente al cielo nublado para mantener la tormenta lejos de los pueblos, tratando de ahuyentar los rayos y pedirle al granizo que se convirtiera en agua.

Edurne y María llegarán al teatro de Condeduque y lo transformarán. «Generaremos un paisaje de manera tridimensional y envolvente. Situaremos al espectador en el ojo del huracán, en el centro del teatro, en la caja escénica: el valle. Comenzarán a observar el hermoso paisaje desde un punto de vista cómodo y seguro, pero, poco a poco, el clima cambiará».

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/maria-jerez-edurne-rubio-nublo-40deg25376n-3deg42421w.

Del 10 al 30 de septiembre en La Casa Encendida 

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/idem-2022-festival-internacional-artes-escenicas-13958.

El Festival Internacional de Artes Escénicas ÍDEM reúne, del 10 al 30 de septiembre, trabajos internacionales que suscitan un impacto social y político, abordando temas como los cuidados, la comunidad, el mundo sensorial, la travesía, la discapacidad, el encuentro entre los cuerpos y sus posicionamientos.

ÍDEM, Festival Internacional de Artes Escénicas, es uno de los proyectos emblemáticos de La Casa Encendida que, con periodicidad anual, se celebra en el mes de septiembre. Este Festival es un descendiente directo y evolucionado del Festival de Artes Escénicas y Discapacidad que se celebró entre 2002 y 2013, y que también fue pionero en su género, contribuyendo a la expansión y la profesionalización de artistas y creadores con diversidad funcional.

En sintonía con la evolución en estos 20 años de los enfoques y conceptos de diversidad y accesibilidad; ÍDEM nació en 2013 con un nuevo nombre (una palabra latina que significa “igual” y evoca un idioma común europeo) dedicado a la diversidad en todos los sentidos: sin etiquetas, con un área de trabajo más amplia (no solo en torno a la discapacidad) y todo tipo de disciplinas, formatos e idiomas.

ÍDEM ha presentado a lo largo de sus diez ediciones el trabajo de artistas nacionales e internacionales que coinciden en su marcado activismo, en un compromiso con los problemas contemporáneos: la justicia y economía geopolíticas, la colonización y descolonización, el asilo político, la enfermedad mental, los cuidados, la diversidad y la inclusión. Desde diferentes perspectivas, ÍDEM nos invita a recolocar nuestra posición como espectadores y a afinar nuestra mirada para poder reconectar con el compromiso esencial del arte: su capacidad transformadora.

El objetivo de ÍDEM es acercar a la ciudadanía a la diversidad a través de la creación artística. El hecho artístico no debe dejarse solo reducido a la puesta en escena, debe apuntar a ofrecer experiencias y eso es lo que ÍDEM pretende proporcionar.

En su décima edición, y a través de formatos diferentes –performance, instalaciones, talleres, piezas de vídeo, documental, danza o proyectos escénicos a través de objetos-, el festival propone crear un espacio de escucha y cuidados, donde prevalezca la reflexión entre ciudadanía, público y artistas procedentes de países como Brasil, Zimbabue, Argentina, Uruguay, Bélgica, Chile, Italia, Austria o España.

El artista brasileño Jonathas de Andrade, representante del pabellón de Brasil en la Bienal de Venecia de este año, y nora chipaumire (Zimbabue) inauguran el festival con dos videoinstalaciones que se muestran por primera vez en España. Olho da Rua es un trabajo filmado en dos días con 100 personas sin hogar; un poderoso testimonio del Brasil contemporáneo, con su rico multiculturalismo y sus desigualdades estructurales. Y Arias. Nehanda es un trabajo que gira en torno a los efectos de la colonización y sus dinámicas.

nora chipaumire ha acompañado el festival desde 2019, cuando presentó por primera vez en nuestro país el espectáculo de danza #PUNK. En 2020 mantuvo dos encuentros online en el marco de festival: uno con el creador suizo Milo Rau y otro con la comisaria de ÍDEM Marisa Lull. En 2021, La Casa Encendida junto a la institución belga Arts Center Vooruit produjo la ópera sonora Nehanda, que se emitió por capítulos en La Casa Encendida Radio. Y ahora, en 2022, la artista cierra su participación con la videoinstalación Arias. Nehanda.

La programación continúa con el performer y coreógrafo Michael Turinsky, quien actúa por primera vez en España para estrenar Precarious Moves, pieza galardonada con el Premio de Teatro Nestroy de Austria 2021. Un solo-performance sobre el cuerpo y su movilidad, que marca el camino de cómo acercarse al otro sin reservas, y donde Turinsky muestra de nuevo su estudio del cuerpo etiquetado como “discapacitado”, su manera de estar en el mundo, su relación con la temporalidad y el ritmo, el afecto y la producción del afecto, el género y la sexualidad, la visibilidad y la invisibilidad.

ÍDEM 2022 acoge el estreno de Mejor que saludarse con los codos. El creador escénico Fernando Rubio y el investigador Alfredo Ramos se rebelan contra el lugar que ocupa el tacto en la jerarquía de los sentidos y estrenan una instalación performática, a la que precede un taller de creación multidisciplinar. Ambos se articulan entorno a siete bañeras donde crean un espacio de encuentro que nos invita a hablar sobre el tacto y  la piel.

Y también por primera vez en nuestro país se proyecta Third Act, de Lotte Stoops y Mieke Struyve (Bélgica), un documental donde Peeping Tom -una de las compañías de danza más importantes del panorama internacional- deja ver el backstage de sus proyectos Vader, Moeder y Kind, que abordan los temas del envejecimiento y la familia.

Una danza en peligro de extinción

El festival propone el taller y la performance Save the last dance for me, del artista visual Alessandro Siarroni (Italia). La pieza pretende revisionar y recuperar una antigua tradición en peligro de extinción: la Polka Chinata, un baile de cortejo originalmente realizado en Bolonia solo por hombres, que data de principios del siglo XX y que en 2018 sólo practicaban cinco personas en el mundo.

La Merce (Chile) propone en Paseo para rastreras, reptiles y sinuosas una performance por los espacios de La Casa Encendida que ha coreografiado. Una recorrido -desplazamiento- donde muestra su deseo de desafiar lo hegemónico a través del encantamiento.

La programación incluye otras propuestas como la presentación del proyecto Monnula, muñecas que migran, de la coreógrafa y artista visual Tamara Cubas (Uruguay). El proyecto está compuesto por muñecas de manufactura artesanal, creadas por mujeres de la comunidad Comcaác, en Punta Chueca (México), y su cuaderno de viaje. Cada muñeca emprende una travesía por el mundo con un destino incierto y cada participante tiene la oportunidad de ser el anfitrión temporal de su primera parada y elegir su próximo destino. Monnula es una performance colectiva, gestual y de cartografía compartida que pretende crear conexiones entre mundos y personas.

Además, durante todo el festival se puede escuchar en La Casa Encendida Radio el Archivo sonoro de los cuidados, una serie de podcast que recogen testimonios orales y las vivencias de personas que cuidan a grandes dependientes y que han puesto en marcha Marta Fernández Calvo y Daniela Ruiz Moreno (España).

Y, a modo de espiral, el festival ÍDEM se cierra como comenzó: con el taller Fotopalabra: juegos, actos y gestos del brasileño Jonathas Andrade, quien presenta en el cierre del festival la videoinstalación Olho da Rua en un encuentro abierto con el público.

El festival está comisariado por Marisa Lull.

Organizado por el Ayuntamiento de Burgos, la Universidad de Burgos y la Fundación Caja de Burgos, el Festival Escena Abierta de Burgos profundizará en su vigésimo tercera edición en la esencia y la singularidad de la comunicación teatral que se establece en un espacio escénico mediante la exploración de todas las fuentes de expresión, no solo las tecnológicas. Para ello, esta consolidada cita cultural, que se celebrará del 8 al 16 de enero de 2022, programa seis espectáculos que mostrarán, en 11 funciones, la diversidad escénica actual con el foco puesto en la diversidad y riqueza de los lenguajes que se emplean en la creación teatral.

Sin duda hemos vivido tiempos convulsos, aún no hemos salido, pero ante cierta relajación de la época más crítica de la reciente pandemia, salimos con fervor a reencontrarnos con nuestros conocidos y a ocupar el espacio público que la epidemia nos había clausurado. El arte escénico, más que nunca, se convierte en ese puente necesario que nos conecta nuestra realidad con nuestros anhelos, nuestros sueños e incluso con la idea utópica de una sociedad ideal. La XXIII edición del Festival Escena Abierta, Burgos 2022 es una muestra de ello. El cuerpo y lo sensorial se convierten en el eje vertebrador de los creadores escénicos presentes con sus trabajos en esta nueva cita de Escena Abierta. Volver a reconocernos y volver a tener sensaciones en nuestros cuerpos y compartirlo de forma presencial.

El nuevo trabajo que nos presenta la burgalesa Bárbara Bañuelos es un ejercicio de escucha, una reflexión escénica sobre los cuerpos y sus contextos. La también burgalesa Edurne Rubio junto a María Jerez nos transportan a una experiencia sensorial que lo envuelve todo, interviniendo en el espacio teatral para enfrentarnos a la fuerza de la Naturaleza. Sleepwalk Collective nos brinda una visión del agua como metáfora de vida y muerte a través de los cuerpos. Óscar Gómez Mata visita nuevamente el Festival con su último montaje, que según sus propias palabras lo define como un teatro de espionaje, es una investigación para observar el mundo, tratando de detectar lo sensible escondido bajo lo sensible, es una obra sobre las capas. La tragedia de José Couso, llevada de la mano del arte escénico por medio de la emoción -pero también de la reflexión y el pensamiento-, es el sincero trabajo que nos ofrece Vuelta de Tuerca. La compositora, vocalista e instrumentista gallega Mercedes Peón nos ofrece su último trabajo en una única sesión, todo un fenómeno sonoro y visual lleno de corporeidad.

De manera ininterrumpida durante veintitrés años, la colaboración entre el Ayuntamiento de Burgos, el Vicerrectorado de Cultura, Deporte y Relaciones Institucionales desde su Aula de Teatro de la Universidad de Burgos y la Fundación Caja de Burgos ha hecho posible convertir en realidad Escena Abierta como un foro imprescindible en nuestro entorno para dar a conocer los trabajos de los creadores escénicos que transforman sus propuestas en referentes de los nuevos caminos que se van abriendo en el mundo escénico desde el compromiso, el riesgo y la experimentación. El Teatro Principal y el Fórum Evolución Burgos serán los espacios donde se concentrarán las puestas en escena del XXIII Festival Escena Abierta, para el disfrute de los fieles seguidores del Festival y, este es nuestro deseo, el de nuevos espectadores ávidos de experiencias escénicas diferentes e intensas.

PROGRAMA. XXIII FESTIVAL ESCENA ABIERTA. BURGOS 2022
Sábado 8 a domingo 16 de enero de 2022

Organizan: Ayuntamiento de Burgos, Universidad de Burgos y Fundación Caja de Burgos

Sábado 8. 21:30 h. Mercedes Peón: “Osmose”. Teatro Principal. Entrada: 10 €.

Sábado 8 y domingo 9. 19:00 h. Bárbara Bañuelos_Barbara Fournier: “Hacer noche”. Fórum Evolución Burgos (Sala de ensayos). Entrada: 10 €.

Lunes 10 y martes 11.20:30 h. Edurne Rubio & María Jerez: “A Nublo”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos). Entrada: 10 €.

Jueves 13 y viernes 14.20:00 h. Óscar Gómez Mata/L’Alakran: “Makers”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos). Entrada: 10 €.

Viernes 14, 22:00 h. Sábado 15, 21:00 h. Sleepwalk Collective: “Swimming Pools”. Teatro Principal. Entrada: 10 €.

Sábado 15y domingo 16. 19:00 h. Vuelta de Tuerca: “El fuego amigo”. Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos). Entrada: 10 €.

VENTA DE ENTRADAS
Se podrán adquirir abonospara los 6 espectáculos, con un 30% de descuento, en las taquillas del Teatro Principal, Casa de Cultura de Gamonal y Cultural Cordón hasta el sábado 8 de enero de 2022.

Asimismo, se podrán comprar entradas sueltas a través de Internet (en el Servicio de Tele Entradas de la Fundación Caja de Burgos hasta 15 minutos antes del comienzo de la función; en www.aytoburgos.es, www.cajadeburgos.com/teleentradas y www.forumevolucion.es/e-entradas/taquilla), que deberán imprimirse por el comprador o bien descargase en el teléfono móvil o “tablet”. Y como es habitual, podrán adquirirse en los horarios habituales de las taquillas del Teatro Principal, Casa de Cultura de Gamonal, Cultural Cordón, Centro de Arte de Caja de Burgos  y en el caso del Fórum Evolución Burgos desde una hora antes del comienzo de la función en ese espacio.

Más información: http://www.aytoburgos.es/cultura/agenda-cultural/espectaculos/xxii-festival-escena-abierta-burgos-2021

Programación completa y más información: https://badbilbao.eus/