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Infinita/Unfinished. Poética del cansancio. Exposición de Camila Cañeque | Del 23 de octubre al 20 de noviembre en La Capella, Barcelona

Comisariado por Beatriz Escudero y Eloy Fernández-Porta

La improductividad, la inmovilidad, la pérdida, los tiempos de transición y los de clausura son algunos de los temas que Camila Cañeque trabajó. Su producción artística, desarrollada a lo largo de doce años desde 2012, se expandió en cinco campos creativos: la performance, la instalación, la fotografía, el arte objetual y la escritura. De todo ello constituye una buena muestra esta exposición, que ofrece al público una selección representativa de sus obras, entre las cuales tiene especial relevancia el vídeo de performance. Recuperando un antiguo proyecto esbozado para La Capella, ponemos el foco en la producción de Cañeque, una de las artistas más singulares de su generación, porque, como ella misma escribió, ninguna página será la última.

ACTIVIDADES

Martes 29 de octubre, a las 19h
Luna Miguel reinterpreta ‘Emilys, etc…’

Viernes 8 de noviembre, a las 19h
Entre la performance y la filosofía.
Coloquio con Juan Gómez Alemán y Jordi Claramonte.

Camila Cañeque (Barcelona, 1984-2024) investigó el cansancio de nuestros paisajes contemporáneos a través de proyectos de performance, instalaciones, objetos y textos. Mediante un uso figurativo del vocabulario de las sociedades de consumo y composiciones más abstractas, su práctica artística es una oda a la inactividad, una cara B de nuestros tiempos acelerados e hiperconectados en la que abundan el silencio, la quietud y lo deshabitado, lo que revela un agotamiento multifacético, una resaca tanto histórica como física, política y medioambiental.

Expuso o performó sus obras en espacios como la Galeria Vermelho (São Paulo), la Microscope Gallery (Nueva York), The Kitchen (Nueva York), el Kulturhuset Museum (Estocolmo), CaixaForum (Barcelona), la Galeria Joan Prats, La Virreina Centre de la Imatge, la Lucía Mendoza (Madrid), el Glasshouse Project (Nueva York), el Queens Museum (Nueva York), el Museo Lázaro Galdiano (Madrid) y La Juan Gallery (Madrid), entre otros. Participó en residencias en centros como el Mana Contemporary (Nueva Jersey), la Nida Art Colony (Lituania), la NauEstruch, Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona, el Largo das Artes (Río de Janeiro) o el Zentrum für Kunst und Urbanistik – ZK/U (Berlín). Obtuvo la beca de investigación CREA del Institut de Cultura de Barcelona, fue finalista del premio Miquel Casablancas y ganó la beca Exchange de Homesession.

Impartió talleres y dio charlas en la Universidad Estatal de Nueva York (SUNY), en la Universidad Pompeu Fabra, en Can Felipa y en otras instituciones. Su trabajo ha sido reseñado en publicaciones como Artsy, OFFICE Magazine, Hyperallergic, The Journal, BOMB, El País, La Vanguardia, El Periódico de Esen o el compendio Emergency Index, publicado por Ugly Ducking Presse.

Entre sus escritos destacan dos textos realizados para proyectos de La Capella: “El motor inmóvil”, para Otra luz cegadora, de Diego Paonessa, y “Correspondencias simbólicas entre folklore católico y música mákina en el casco antiguo de Barcelona”, para el proyecto del mismo título de Marc O’Callaghan. Es autora de los artículos “Los olvidantes”, publicado en el volumen colectivo Olvidar/Forgetting (Brumaria); “Compartir intemperie”, en Jot Down, y “Bach, bachata”, en Oral, así como del ensayo La última frase (La Uña Rota, 2024).

Más información: La Capella | Crónica de Rubén Ramos Nogueira

Agnès Varda (Bruselas, 1928 – París, 2019) fue una de las pocas mujeres directoras de su generación. Precursora dentro del movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague, Varda rompió normas y clichés y siempre quiso renovarse. Filmó más de cuarenta películas, entre largometrajes y cortometrajes y entre la ficción y el documental, y trabajó tanto en el cine analógico como en el digital.

La muestra celebra la trayectoria y el talento de una artista original y atrevida, que experimentó y jugó con los múltiples soportes y lenguajes del arte. Antes de ser cineasta, Varda fue fotógrafa y retratista y, de mayor, creó instalaciones artísticas para museos. En la exposición se reúnen por primera vez en Cataluña cuatro de las instalaciones de Varda, aparte de una selección de cortometrajes imprescindibles de su filmografía, que se pueden visionar en salas de proyección en el espacio expositivo.

La exposición también nos descubre la fascinante vida de Agnès Varda, marcada por su carrera de fondo para hacer cine con pocos recursos y reconocimiento y por los viajes, hijos, amistades y relaciones diversas que mantuvo. Varda fue protagonista de la efervescencia social y política de su tiempo: el feminismo, el movimiento hippie o la lucha de los Black Panthers. Y se relacionó tanto con artistas y actores famosos como con personas anónimas y marginales, que quiso representar y dignificar en sus películas.

«Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» refleja el espíritu abierto y viajero de Varda a través de objetos personales, carteles, obras de arte o de los retratos y reportajes de fotos que realizó, algunos de ellos desconocidos o inéditos, como la serie fotográfica de su viaje a Cataluña en 1955.

Para reivindicar la curiosidad y el carácter lúdico y juguetón de Agnès Vardà, abrimos el «Laboratorio Varda», un espacio para adentrarse en el imaginario de la autora o descubrir su fascinación por los gatos, espejos y playas.

Coincidiendo con la exposición, La Filmoteca de Catalunya programa un ciclo en el que se podrán ver las películas esenciales de Varda, como La Pointe Courte (1954), Cléo de 5 à 7 (Cleo de cinco a siete, 1962), Sans toit ni loi (Sin techo ni ley, 1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (Los espigadores y la espigadora, 2000) o Visages Villages (Caras y lugares,2017), entre otros títulos.

La exposición «Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar» es una adaptación ampliada de la muestra «Viva Varda !», concebida y producida por la Cinémathèque française de París en colaboración con Ciné-Tamaris y la amable contribución de Rosalie Varda y Mathieu Demy.

Directora artística: Rosalie Varda
Asesora de la exposición en el CCCB: Imma Merino

Todo lo demás, un acercamiento a los espacios de creación contemporánea de Madrid | Exposición, del 25 de febrero al 28 de mayo en CentroCentro

Desde los años setenta han sido muchos los espacios dedicados a las artes visuales que han ofrecido una programación regular a la ciudad de Madrid. Pese a que el contexto local está fuertemente marcado por las instituciones culturales públicas, los espacios independientes han enriquecido la escena aportando autonomía y diversidad. Hoy son cerca de cuarenta los que se encuentran activos, con programas que abarcan exposiciones, conferencias, talleres, residencias, comidas y otros eventos con los que han conseguido generar una relación más cercana con el público visitante.

Todo lo demás surge de la invitación de CentroCentro a cuatro de estos espacios a desarrollar un comisariado colectivo para ofrecer un acercamiento a estas organizaciones híbridas. En esta aproximación, se presentan veinte espacios muy diferentes entre sí. Sus propuestas son lo que el pedagogo Manuel Bartolomé Cossío llamó “todo lo demás” refiriéndose a la amalgama de saberes y experiencias de carácter no académico que resultan indispensables en el proceso de formación de una persona.

Si entendemos el arte y la cultura como un campo de conocimiento expandido, que se nutre de elementos diversos, los espacios de creación contemporánea aportan “todo” lo que no ofrece una institución pública o comercial: propuestas artísticas experimentales, que asumen riesgos y operan desde la intuición; espacios de aprendizaje compartido, donde se fomentan los procesos más que los resultados; modelos de trabajo desjerarquizados, con equipos horizontales e inclusivos, donde se promueven la equidad y la solidaridad; prácticas culturales comprometidas, que atienden las problemáticas de su contexto, que promueven la hospitalidad, la creación de vínculos duraderos y, sobre todo, que son capaces de sostener una comunidad de afinidades en torno a su programación.

El programa público vinculado a la exposición incluirá cerca de treinta actividades, como talleres, proyecciones, shows de música o performances en directo, ligadas a los procesos de creación e investigación propios de cada uno de los espacios que componen la muestra.
El programa completo se publicará próximamente en la web.

Participan:
Alimentación 30, Aparador Monteleón, CAR-Centro de Acercamiento a lo Rural, Casa Banchel, Espacio Afro, Espacio de Todo, #Ey!Studio, FelipaManuela, Institute for Postnatural Studies, Centro Cultural de Experimentación y Documentación Artística La Parcería (CCEDA), La Juan Gallery, marcablanca, Museo La Neomudéjar, Nadie Nunca Nada No, Omnívoros, Planta Alta, Proa, Salón, Storm And Drunk, Zapadores Ciudad del Arte

Un proyecto comisariado por:
Amelie Aranguren (CAR-Centro de Acercamiento a lo rural)
Andrea Pacheco González (FelipaManuela)
Flavia Introzzi (Planta Alta)
Ramón Mateos (Nadie Nunca Nada No)

Diseño expositivo: Ramón Mateos
Diseño gráfico: Clara Sancho

Más información: https://www.centrocentro.org/exposicion/todo-lo-demas

Alberto Cortés

27 y 28 de febrero en el Teatro Central 

Solo o en compañía de otros, Alberto Cortés no cesa de buscar y buscarse, y lo hace a través de propuestas escénicas que nunca dejan de evolucionar. Es el maestro de los espectáculos “en permanente proceso”. De tal manera que es casi imposible saber cuál de las versiones de cada una de sus propuestas es la definitiva. Pero, ¿acaso hay una versión cerrada y permanente en un arte —el escénico— que se significa por su permanente singularidad?. Quizá, solo quizá, este sea, junto a su anclaje irónico en aquello que sucede dentro y fuera de la sala de representación, el valor y el reto que nos proponen las propuestas cambiantes de este creador malagueño.

De El Ardor nos dice: es mi primera vez solo, un discurso que juega con la posibilidad de acabar con la sociedad del bienestar y el sistema afectivo-capitalista a través de la idea de ardor entendido como deseo (físico y también etéreo). Deseo puesto en crisis, planteado como estado de destrucción masiva, no limitado a la pornografía del consumo de los cuerpos (que también) sino a la posibilidad de engendrar un estado de deseo casi inmortal, casi santo, de entusiasmo eterno. Este objetivo utópico sueña hacerse realidad a través de un ejército de adolescentes y viejas, principales portadoras de la fuerza del ardor.

…creo que El Ardor es un speech sobre la decisión definitiva de abandonar la casa y elegir lo salvaje; y para ello el cuerpo no puede estar solo, necesita rodearse de sus pares, de una banda de desheredados y malditos con los que huir.

Dos ideas románticas sostienen este delirio salvaje: el deseo como forma de vida (condena y salvación) y la inmortalidad como utopía política.

Me cuestiono de dónde viene esta necesidad abrasiva de señalarme como contrario, El Otro siempre.

+ info

Exposición en POLS, Carrer Francisco Moreno Usedo 23, Valencia, hasta el 3 de noviembre.

POLS es un nuevo espacio coordinado por Paula García-Masedo, Carles Angel Sauri y Néstor García Díaz.

Del 20/09 al 08/12 en el Espai 13 de la Fundació Joan Miró dentro del ciclo Gira todo Gira comisariado por Marc Navarro

*Inauguración el jueves 19 de septiembre del 19 a 21h.  

Laia Estruch entiende la voz como una extensión del cuerpo capaz de sintetizar cuestiones relativas al lenguaje, el género y las estructuras sociales. En Crol esta síntesis se da en la piscina: un escenario inestable que se transforma en laboratorio de experimentación sonora. La oposición entre lo seco y lo húmedo estructura una propuesta que sondea las posibilidades acústicas y expresivas del sonido en el medio acuático y que se interroga al mismo tiempo sobre el impacto de la ciudad en nuestros cuerpos.

La artista imagina una tradición oral vinculada a estos espacios lúdicos y deportivos e interviene el espacio expositivo con un conjunto de estructuras que remite a técnicas adaptativas como la natación, la respiración y la flotabilidad. Fluctuando entre la hidrofilia y la hidrofobia, Crol indaga en el imaginario ambivalente del agua y transita por él como si se tratara de un vasto archivo líquido repleto de narraciones, memoria material y silencios. Crol hace hincapié en aquellos fenómenos que clasificamos dentro del espectro de lo inaudible y nos propone una aproximación al sonido como forma de resistencia.