— MuroTRON

Noche cañón de Societat Doctor Alonso | 17, 18 y 19 de marzo en el Teatro Ensalle de Vigo

Más información: Box Levante – Centro escénico del Estrecho

Ballarina: Bailarina Reload 2014-2024 de Sònia Gómez | 16 de marzo en el Teatre L’Artesà del Prat de Llobregat dentro del festival Dansa Metropolitana

Una imagen interior de El Conde de Torrefiel | Del 16 al 19 de marzo en el Centro de cultura contemporánea Condeduque de Madrid

Toda la existencia es una imagen interior, o una sucesión de imágenes que discurre en mi cabeza, como una película. Si me muero se acaba la película, aunque una muy parecida siga discurriendo en otras cabezas. Yo desaparezco, pero no así la realidad. El mundo soy yo en cuanto que soy una parte del mundo. La realidad… ¿Qué diablos es la realidad? Una pregunta muy antigua y una impresión de lo que percibimos que ni las palabras ni las imágenes consiguen plasmar del todo. «Ante la evidencia de este paisaje de fracaso, Una imagen interior es un ejercicio poético que sonda los principios fundacionales del concepto de ficción en disputa constante con la incuestionable ley gravitacional a la que están sujetos los cuerpos». Así explica El Conde de Torrefiel, o lo que es lo mismo, Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, esta aproximación al complejo concepto de realidad y a su tensión cada vez más acuciante con todo eso que llamamos ficción, cada vez más hegemónico. ¿O es una ficción la hegemonía de la ficción? ¿Es hegemónica por excesiva y excesiva por ser producto capitalista? ¿Nos abruma el exceso de ficción hasta comprometer nuestros sentidos y nuestra salud mental? ¿Hemos entregado la capacidad de generar relatos propios al capitalismo de plataforma como delegamos nuestra inteligencia frente al solucionismo irreflexivo y acrítico de Silicon Valley?

Como es habitual en el trabajo de El Conde de Torrefiel, se llega a un resultado a través de varias fases de trabajo que van sucediendo en distintos lugares. El primer impulso, en este caso, surge de un concepto fabricado por ellos mismos: el de ultraficción. «Fue la palabra que encontramos para dar nombre a una sensación que teníamos durante los dos años de pandemia, donde la frontera cada vez más fina entre realidad y ficción estaba muy presente»”, explica Tanya Beyeler. La primera aproximación al concepto tuvo lugar en el festival italiano de Santarcangelo en verano de 2021 y la pieza se ha ido modelando en diversas tentativas posteriores. La idea principal que finalmente atraviesa el trabajo tiene que ver con que «la realidad muchas veces es una ficción construida, un orden imaginado por uno mismo que adquiere categoría de real, sin serlo». De ahí que hayan apostado por entregar su investigación a través de un texto en primera persona, un yo problematizado combinado con otros elementos escénicos aparentemente desconectados de la idea expresada en palabras.

Más información y entradas: Condeduque

Fuck me de Marina Otero | 11 de marzo en el Teatre Joventut de L’Hospitalet dentro de Dansa Metropolitana

Fosc de Javier J Hedrosa y Néstor García | 11 y 12 de marzo en La Fundición de Bilbao

Un proyecto escénico que investiga y reflexiona sobre el papel del espectador de artes escénicas, el archivo y la memoria individual y colectiva de la experiencia teatral. ¿Qué recuerda el espectador? ¿Qué es lo que le marca? ¿Qué le hace volver al teatro? Por ello, el dispositivo escénico se sitúa en el patio de butacas, y no en el “escenario”, desde donde algunos especta- dores locales se convierten en protagonistas narrando en directo sus memorias.

Por otra parte, para dar espacio y agencia al espectador y a sus experiencias decidimos invitar a diferentes espectadores de artes escénicas para que compartan sus memorias teatrales y contar con algunos de ellos para la puesta en escena, entendiendo la experiencia teatral como un acto comunitario, un acontecimiento del que participan por igual autores, obra y espectadores. Para subrayar la mirada del espectador, le damos la vuelta al dispositivo escénico concentrando la acción en el patio de butacas, dejando la escena vacía como espacio de evocación y proyección de la memoria. Así, el rol del actor/bailarín emerge en escena sólo en momentos muy señalados de la pieza como contrapunto.

Concepto y creación: Javier J Hedrosa y Néstor García
Con la colaboración: Rafael Ridaura y José Julián
Con el acompañamiento: Tatiana Clavel
Mirada externa: Sofia Asèncio
Diseño de luces: Diego Sánchez
Una producción de Javier J Hedrosa
Con el apoyo de: Graners de Creació, Espai Inestable, Dansa València, La Nau Ivanow (Barcelona), Centro Coreográfico de la Gomera, IVC.
Agradecimientos: Santi de la Fuente, Laura Pastor, Fernanda Medina, Teatro de lo Aus- ente, Itziar Barriobero.

La compañía de Javier J Hedrosa está en activo desde 2016. Su trabajo pone el foco en el archivo, la memoria del hecho coreográfico, la agencia del espectador y cuestiones locales.
Desde sus inicios hasta hoy ha creado varias piezas de danza estrenadas en València, para teatros y museos. Sus piezas se han presentado en festivales como Dansa València, Camping en el CND de París, 10 Sentidos, ACT Bilbao, Circuito Bucles, Russafa Escénica. Sus piezas se han estrenado en salas como Carme Teatre, Espacio Intestable o lo CCCC.
Asimismo, ha realizado proyectos de innovación e investigación pedagógica con el Conservatorio Profesional de Danza de València o los Centros Municipales de Juventud.
Ha contado con la colaboración de Graners de Creació, La Nau Ivanow, el CC de La Gomera y cuenta con el apoyo del Institut Valencià de Cultura o el Ayuntamiento de València.

Más información y entradas: La Fundición

Oasis de la impunidad de Teatro La Re-Sentida | Del 9 al 12 de marzo en el Teatre Lliure de Gràcia

Hammamturgia de Societat Doctor Alonso | 8 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid

Con Societat Doctor Alonso nunca puede darse nada por sentado; anti-apriorísticos ellos, alérgicos a la convención establecida, valga la redundancia, el espacio-tiempo en puro presente que construyen en cada nuevo proyecto es una isla poética que, sin embargo, contribuye a ensanchar indefinidamente el concepto de lo teatral. En esta ocasión, el grupo catalán que comandan Tomàs Aragay y Sofía Asencio presenta una pieza sin palabras a partir del neologismo que le da título: hammamturgia. De un lado, el dispositivo que comúnmente asociamos a la herencia árabe u otomana, El Hammam, que nos ha legado una arquitectura para la sociabilidad, el placer y la higiene. De otro, la dramaturgia, o la habilidad de coser una historia en el tiempo a partir del encuentro entre fuerzas cuya fricción genera un movimiento transformador hacia adelante.

Dicho todo esto, no hay que tomar lo del hammam por lo literal, no hay que llevar el bañador ni se nos empañarán las gafas con los vapores. El público accede descalzo a un gran cubo blanco y cada cual elegirá su lugar en el espacio. Hay cuatro aberturas en cada uno de los lados del cubo por las que entran y salen también las cuatro performers que ejecutan las acciones, dando vida a láminas de plástico de distintos tamaños, colores y texturas con las que hacen palpable las metamorfosis de la materia sometida al movimiento.

• Dramaturgia: Tomàs Aragay y Sofia Asencio
• Dirección escénica: Tomàs Aragay
• Creación e interpretación: Sofia Asencio, Beatriz Lobo, Ana Cortés, Kidows Kim
• Asesoramiento espacio escénico: Cube.bz y Serrucho
• Diseño iluminación: Cube.bz
• Espacio sonoro: Maties Palau
• Vestuario: Jorge Dutor

Más información: Teatro Calderón

La guerra dels mons de Atresbandes | 3 y 4 de marzo en el Teatre Lliure de Barcelona

La guerra dels mons
de H. G. Wells
adaptación y dirección Atresbandes (Mònica Almirall, Albert Pérez y Miquel Segovia) y Guillem Llotje

Retomamos por 2 únicas funciones la experiencia sonora de nuestra actual compañía residente, Atresbandes, formada por Mònica Almirall Batet, Albert Pérez Hidalgo y Miquel Segovia Garrell, sobre el clásico de ciencia ficción La guerra dels mons, presentada en la Temporada 21/22.

La invasión extraterrestre de la Tierra recupera la visión medioambiental de la novela de H. G. Welles de 1898, que defiende el sentido de ecosistema biológico del planeta.

“Yo tal vez soy un hombre de una templanza excepcional. No sé hasta qué punto otros hombres comparten mi experiencia. A veces sufro por el hecho de sentirme separado de mi mismo y del mundo que me rodea, y me parece contemplarlo todo desde fuera, desde parajes muy remotos, fuera del tiempo y del espacio, fuera de la tensión y de la tragedia de todo ello.”
H. G. Wells

En julio de 2021 la dirección del Teatre Lliure nos propuso realizar una adaptación de la novela The War of the Worlds (H. G. Wells) para teatro radiofónico. Parece que este formato está viviendo una segunda vida a consecuencia de los confinamientos a los que nos hemos visto forzados por la pandemia del COVID-19; pero también, creemos, a causa de la aparición de todo tipo de dispositivos pensados para ofrecer contenidos a escala masiva pero siempre desde la experiencia individual. El gesto de colocarse unos auriculares y aislarse se ha multiplicado en todo el mundo, tal vez del mismo modo que la aparición de la imprenta multiplicó el gesto de abrir un libro y también aislarse. En el caso de la novela de Wells, este aislamiento va acompañado de un ejercicio de imaginación exuberante en el que, a través de sus palabras, el lector construye en su cabeza unos sucesos muy alejados de su vida cotidiana; de hecho, unos sucesos aislados de cualquier vida en el planeta Tierra: una invasión alienígena. El poder evocador de la palabra se hace evidente en esta novela que ha marcado el imaginario colectivo. Un imaginario explotado hasta la saciedad en el cine y en la literatura. Nuestra propuesta, como lo fue la novela original, queremos que sea un ejercicio de imaginación. Un ejercicio de imaginación por parte del oyente a partir de los diferentes estímulos que le ofrecemos. Si Wells nos ofrece palabras, nosotros ofrecemos su “traducción sonora”.

La (nuestra) guerra dels mons es una pieza sonora libremente inspirada en la novela escrita en 1898. Partiendo de este texto, considerado uno de los precursores de las novelas de ciencia-ficción, hemos creado un viaje sonoro que atraviesa los 27 capítulos que forman los dos libros en los que se divide la novela. Nuestra intención ha sido poner el foco en el viaje emocional que realiza el protagonista. Es una versión subjetiva y actualizada al siglo XXI, que utiliza sonidos extraídos de los medios de comunicación, sonidos grabados, sonidos creados con diferentes instrumentos y máquinas (sintetizadores, octavadores, pedales…) y efectos sonoros generados con la técnica Foley que se utiliza en el cine.

_ATRESBANDES (Mònica Almirall, Albert Pérez y Miquel Segovia)

Más información y entradas: Teatre Lliure

Interior noche de Serrucho | 1 y 2 de marzo en el Teatre Principal d’Olot

Un espectacle de teatre d’objectes. L’espectador entrarà amb un frontal posat, com qui va a un campaments de nit, i aquesta serà l’única llum que il·lumina l’escena

Entrem a l’espai com qui va de campaments de nit, amb els frontals posats i encesos. La nostra és l’única llum que il·lumina l’escena. Feta de tants focos com perspectives, allò que veiem (en solitari o col·laborant les unes amb les altres), és i serà sempre parcial.

Un cop ens acostumem a aquesta manera de mirar, apareixerà davant nostre un càmping també parcial, a mig fer: un parell de cadiretes plegables, potser un foc de gas i enmig de tot això un remolc-tenda model Apache, original dels anys setanta: Ni mejor, ni peor, ¡el primero!

Espectacle de teatre amb objectes, Interior Noche fa servir la referència a allò campestre per plantejar-nos un joc de temporalitats impossible. S’hi barregen, entre altres, el temps escènic (la peça dura el que dura, i està estructurada en diferents escenes i imatges plàstiques pensades des del ritme) i el temps social (per exemple, remetent-nos a un espai que relacionem amb les vacances, amb l’acció de ‘deixar passar el temps’).

Defensant la contemplació com a acte polític de resistència, Serrucho ens ofereix un taller pràctic d’observació lenta, i una dramatúrgia feta de situacions i acudits visuals que posen al descobert l’absurda obsessió amb l’eficiència d’aquest nostre capitalisme histèric. El món high-tech del càmping contemporani, en aquest sentit, esdevé aquí un pou d’exemples paradigmàtics i sovint hilarants de com el sistema ha anat envaint tots els aspectes de la nostra vida per servir els seus interessos. Un altre temps en joc: el que és or, diners, privilegi.

Escenificada per un paisatge viu, surrealista i en transformació permanent, Interior Noche sublima el món ’Quechua’ mitjançant una estètica volgudament cutre i analògica, fent perdre el temps a objectes dissenyats sota el mantra de l’eficiència. Celebrant-ne la ineficàcia com la reconquesta d’un temps perdut, allò que il·luminem amb els frontals pot esdevenir una mica com un mirall i ens pot fer somriure davant la nostra pròpia desgràcia.

Serrucho són: Ana Cortés, Raúl Alaejos i Paadín
Creació, realització i construcció: Serrucho
Assistència tècnica: Miguel Aparicio

Más información y entradas: Olot Cultura