El ardor de Alberto Cortés | 18 de marzo el Auditori de Sant Ildefons de Cornellà de Llobregat dentro del festival Dansa Metropolitana
Una deslumbrante pieza entre la danza, el teatro y la performance que se sumerge en una salvaje disidencia sexual y vital.
El ardor es un discurso que busca la inmortalidad de los outsiders, desheredados, salvajes o marginados. Una pieza entre la danza, el teatro y la performance en la que Cortés escenifica su cuerpo como una llama encendida y sus palabras como flechas, hasta convertirse él mismo en el cuerpo del ardor.
Alberto Cortés (Málaga, 1983) es director de escena, dramaturgo y performer. En el 2009 empezó su camino escénico desde una dramaturgia bastarda y periférica que se ha ido asalvajando con el tiempo. Desde entonces ha colaborado con diversas creadoras que han inspirado su camino y han creado piezas de distintos formatos y disciplinas centrándose en lo intangible y lo humano.
Ficha artística
Autoría, dirección e interpretación: Alberto Cortés – Autoría/Dirección musical: Pablo Peña – Audiovisual y fotografía: 99 páginas – Vestuario: Gloria Trenado – Diseño de iluminación: Benito Jiménez – Coproducción: Graner, Universidad de Málaga, Junta de Andalucía, Graners de Creació
El esfuerzo constante de ganarse la vida de Vicente Arlandis | 18 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid #meetyou
Esta propuesta forma parte del proyecto de investigación El malestar del trabajo llevada a cabo desde Taller Placer. A través de diferentes actividades y prácticas tratamos de indagar cuál es el papel del trabajo en nuestras vidas y la búsqueda de nuevos modos de relacionarnos con el tiempo.
Con la colaboración de Centro Conde Duque, Culturarts y Ayuntamiento de Valencia. Una producción de Taller Placer.
El esfuerzo constante de ganarse la vida es una performance donde trato de trabajar lo mínimo, lo justo y lo que yo entiendo por razonable. Os voy a contar lo que pienso de la disciplina, del trabajo del bailarín y del secuestro de nuestro tiempo. Os voy a contar cómo se siente al repetir durante ocho horas al día la misma acción en una fábrica o cómo se queda el cuerpo al bailar el mismo espectáculo durante cinco años. Y para acabar os voy a contar unos chistes, os dejo uno como ejemplo: todos seríamos más felices si trabajásemos de lo que nos gusta. En mi caso es muy difícil encontrar trabajo de macarrones con queso.
Vicente Arlandis es un artista y eso significa que casi nada de lo que hace lo hace por dinero. De hecho, si calculamos el tiempo invertido además de la colaboración de otras personas en esta actividad las ganancias serían de risa. La gente sabe que los artistas cobran poco, por eso Vicente tiene muchas propuestas de trabajo muy mal o incluso no remuneradas. Vicente también es editor porque hace libros y luego trata de venderlos. Además, es bailarín y trabaja con otras compañías. En realidad, esto es lo que mejor le funciona porque generalmente suele cobrar por lo que hace y además le pagan a los pocos días de haber realizado la tarea. También es distribuidor porque él es el encargado de vender su propio trabajo. Se le dan bastante bien las redes sociales y cada día piensa de qué manera comunicar bien lo que está haciendo así que también podríamos decir que es comunity manager. Hasta hace poco era su propio gestor porque aprendió con unos tutoriales de internet a hacerse los trimestrales, aunque en el último año ha recurrido a un profesional. A veces le piden que escriba textos para revistas por cantidades simbólicas o tiene que escribir los textos para los dosieres de sus trabajos, pero nunca se considerará escritor. Ahora mismo está escribiendo, junto a un guionista de verdad, el guion de un documental que preparan para el año que viene. Últimamente también le interesa mucho la música y en sus últimos espectáculos ha hecho él mismo la banda sonora de los mismos. Le gusta la fotografía y el vídeo y puede usar perfectamente cualquier software de video y audio como Premiere y Photoshop. El diseño gráfico no es su fuerte, aunque puede imitar muy bien a reconocidos diseñadores cuando tiene que hacer los carteles de sus espectáculos. La página web de Taller Placer, colectivo al que pertenece y del que se encarga de hacer la difusión trimestral de sus trabajos, la ha diseñado y realizado él mismo.
Con la colaboración de Nacho Meseguer, Paula Miralles, Rosana Sánchez, Aris Spentsas y Eva Arlandis.
Crowd de Gisèle Vienne | Del 17 al 19 de marzo en el Mercat de les Flors de Barcelona
Pieza para quince bailarines, Crowd es una meditación sobre el amor y la violencia dentro de una rave catártica, en la que los jóvenes se abandonan a la música electrónica. “La intensidad de la música y la emoción que une a estas personas en este lugar crean una situación propicia para una especia de montaña rusa emocional, o más específicamente, un gran número de trastornos interrelacionados”, explica Vienne. Desde hace unos cuantos años, la artista se interesa por el lado oscuro de las personas y por nuestra necesidad de violencia.
Gisèle Vienne es una coreógrafa, directora de escena y artista plástica franco-austríaca. Trabaja habitualmente con el escritor Dennis Cooper y con los músicos Peter Rehberg y Stephen O’Malley. A lo largo de los últimos veinte años ha hecho diversas giras por Europa y sus obras se han representado con frecuencia en Asia y América. Ha expuesto sus fotografías en museos como el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Centro Pompidou y el Museo Nacional de Bellas Art3s de Buenos Aires.
Noche cañón de Societat Doctor Alonso | 17, 18 y 19 de marzo en el Teatro Ensalle de Vigo
Aparentemente Noche Cañón es un show típico de Stand-up Comedy. Pero en realidad lo que Noche Cañón guarda escondido es un dispositivo por capas cuyo efecto, en la cabeza del espectador, es el de un número de Cabaret/varietés.
En Noche Cañón el espectador va siempre un poco por detrás del show, descubriendo poco a poco, mediante una cascada de sorpresas el interior del mecanismo. Un dispositovo que consta de un libreto con imágenes en manos del espectador, una serie de accidentes escénicos a modo de gags performativos y un vestuario en continua transformación. Estas diversas capas acompañan y modifican el discurso verbal y físico de la performer.
Ficha artística
Dramaturgia: Sofía Asencio y Tomás Aragay
Creación e interpretación: Sofía Asencio
Dirección escénica: Tomás Aragay
Diseño revista: Beatriz Lobo
Espacio escénico: Jorge Nieto
Vestuario: Jorge Dutor
Iluminación: Celina Chavat
Producción: Imma Bové
Comunicación y distribución: Tomás Aragay
Espectáculo co-producido por: Festival TNT, Antic Teatre y Societat Docotor Alonso
Con la colaboración de: Espai nyamnyam, Festival Citemor, Festival Russafa Escènica y La Caldera
Este proyecto ha recibido la beca ACENTO de La Casa Encendida y el MACBA.
Societat Doctor Alonso recibe sorporte de ICEC, INAEM y del Institut Ramón Llull.
Ballarina: Bailarina Reload 2014-2024 de Sònia Gómez | 16 de marzo en el Teatre L’Artesà del Prat de Llobregat dentro del festival Dansa Metropolitana
La dansa com a forma de vida, una indagació del moment artístic de Sònia Gómez, després de 25 anys de professió.La danza como forma de vida, una indagación del momento artístico de Sònia Gómez, después de 25 años de profesión.
El movimiento y el deseo de moverse es el protagonista absoluto en Ballarina. Una indagación en el momento artístico de la bailarina, performer y coreógrafa Sònia Gómez, que implementa el bagaje y la pericia adquirida en los escenarios durante los 25 años de profesión artística. Una performance de un cuerpo de 50 años, imaginativo e irónico, más allá de las tendencias, y que representa un deseo de resistencia alegre, posible y regeneradora, y con un mensaje claro: la danza como forma de vida y participación activa en el conjunto de la sociedad.
Desde 2004, Sònia Gómez trabaja en proyectos con temas como la construcción de la identidad, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. La bailarina y coreógrafa catalana ha actuado en España, el Reino Unido, Italia, Alemania, Francia, Estonia, Portugal, EE. UU., Brasil, México, Holanda, Colombia, Chile, China, la República Checa y Canadá.
Ficha artística
Autoría, dirección, interpretación y producción: Sònia Gómez – Sugerencias musicales: David Cauquil – Edición sonora: Manu Léonard – Escenografía, vestuario y diseño de iluminación: Emily y Sònia Gómez – Fotografía: Mercat de les Flors – John James Audubon – Coproducción: Teatro L’Artesà – Agradecimientos: Marta Oliveres y Cristina Alonso
Una imagen interior de El Conde de Torrefiel | Del 16 al 19 de marzo en el Centro de cultura contemporánea Condeduque de Madrid
Toda la existencia es una imagen interior, o una sucesión de imágenes que discurre en mi cabeza, como una película. Si me muero se acaba la película, aunque una muy parecida siga discurriendo en otras cabezas. Yo desaparezco, pero no así la realidad. El mundo soy yo en cuanto que soy una parte del mundo. La realidad… ¿Qué diablos es la realidad? Una pregunta muy antigua y una impresión de lo que percibimos que ni las palabras ni las imágenes consiguen plasmar del todo. «Ante la evidencia de este paisaje de fracaso, Una imagen interior es un ejercicio poético que sonda los principios fundacionales del concepto de ficción en disputa constante con la incuestionable ley gravitacional a la que están sujetos los cuerpos». Así explica El Conde de Torrefiel, o lo que es lo mismo, Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, esta aproximación al complejo concepto de realidad y a su tensión cada vez más acuciante con todo eso que llamamos ficción, cada vez más hegemónico. ¿O es una ficción la hegemonía de la ficción? ¿Es hegemónica por excesiva y excesiva por ser producto capitalista? ¿Nos abruma el exceso de ficción hasta comprometer nuestros sentidos y nuestra salud mental? ¿Hemos entregado la capacidad de generar relatos propios al capitalismo de plataforma como delegamos nuestra inteligencia frente al solucionismo irreflexivo y acrítico de Silicon Valley?
Como es habitual en el trabajo de El Conde de Torrefiel, se llega a un resultado a través de varias fases de trabajo que van sucediendo en distintos lugares. El primer impulso, en este caso, surge de un concepto fabricado por ellos mismos: el de ultraficción. «Fue la palabra que encontramos para dar nombre a una sensación que teníamos durante los dos años de pandemia, donde la frontera cada vez más fina entre realidad y ficción estaba muy presente»”, explica Tanya Beyeler. La primera aproximación al concepto tuvo lugar en el festival italiano de Santarcangelo en verano de 2021 y la pieza se ha ido modelando en diversas tentativas posteriores. La idea principal que finalmente atraviesa el trabajo tiene que ver con que «la realidad muchas veces es una ficción construida, un orden imaginado por uno mismo que adquiere categoría de real, sin serlo». De ahí que hayan apostado por entregar su investigación a través de un texto en primera persona, un yo problematizado combinado con otros elementos escénicos aparentemente desconectados de la idea expresada en palabras.
Fuck me de Marina Otero | 11 de marzo en el Teatre Joventut de L’Hospitalet dentro de Dansa Metropolitana
La coreógrafa argentina Marina Otero presenta esta pieza exitosa sobre el narcisismo que se ha visto en todo el mundo. Un espectáculo entre la ficción y el documental, la danza y la performance.
El espectáculo incluye el desnudo integral de los intérpretes.
En esta rompedora y sorprendente pieza, da órdenes a unos cuerpos masculinos para indagar en el paso del tiempo y las marcas que deja en los cuerpos. Un espectáculo entre la ficción y el documental, la danza y la performance, el accidente y la representación. Conocida por subir siempre al escenario como una luchadora y heroína, la creadora argentina Marina Otero cede su lugar para que cinco performers-bailarines hablen por ella a través de sus cuerpos. En Fuck me, Premio del Público 2021 del ZKB – Theater Spektakel de Zúrich, por primera vez Otero no aparece en solitario en el escenario en un acto consciente de narcisismo.
Marina Otero (Buenos Aires, 1984) es directora, intérprete, autora y docente. Fuck Me es la tercera parte – luego de las obras Andrea y Recordar 30 años para vivir 65 minutos – del proyecto RECORDARPARA VIVIR con el cual se propone construir una obra inacabable sobre su vida hasta el día de su muerte; recientemente ha lanzado su última pieza Love me. Sus espectáculos se han presentado en Singapur, Suiza, Sarajevo, España, Italia, Francia, Bélgica, los Países Bajos, Portugal, Perú, Chile, Colombia, Brasil, México y Argentina. Ganadora de varios premios como el Premio del Público ZKB – Theater Spektakel 2021 (Zúrich); Mejor Dirección en Danza en la Bienal de Arte Joven 2016 (Buenos Aires) y Premio Estrella de Mar (Mar del Plata). Además, coordina talleres y seminarios de creación en Argentina, Francia, Perú y España.
Ficha artística
Dramaturgia y dirección: Marina Otero – Intérpretes: Augusto Chiappe, Juanfra López Bubica, Fred Raposo, Matías Rebossio, Miguel Valdivieso, Cristian Vega y Marina Otero – Asistencia en dirección: Lucrecia Pierpaoli – Producción general: Mariano De Mendonça – Espacio e iluminación & dirección técnica: David Seldes y Facundo David – Diseño de iluminación y espacio: Adrián Grimozzi – Diseño de vestuario: Uriel Cistaro – Edición digital y música original: Julián Rodríguez Rona – Asesoría en dramaturgia: Martín Flores Cárdenas – Asistencia coreográfica: Lucía Giannoni – Artista visual: Lucio Bazzalo – Montaje técnico audiovisual: Florencia Labat – Estilismo de vestuario: Chu Riperto – Realización de vestuario: Adriana Baldani – Fotografía: Matías Kedak, Diego Astarita, Ale Carmona, Maca De Noia i Marco Roa – Producción ejecutiva: Mariano De Mendonça y Marina D ́lucca – Producción: Marcia Rivas – Distribución y producción delegada: T4, Otto Productions, Ptc Teatro y Studio Grompone – Coproducción: Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) 2020
Fosc de Javier J Hedrosa y Néstor García | 11 y 12 de marzo en La Fundición de Bilbao
Un proyecto escénico que investiga y reflexiona sobre el papel del espectador de artes escénicas, el archivo y la memoria individual y colectiva de la experiencia teatral. ¿Qué recuerda el espectador? ¿Qué es lo que le marca? ¿Qué le hace volver al teatro? Por ello, el dispositivo escénico se sitúa en el patio de butacas, y no en el “escenario”, desde donde algunos especta- dores locales se convierten en protagonistas narrando en directo sus memorias.
Por otra parte, para dar espacio y agencia al espectador y a sus experiencias decidimos invitar a diferentes espectadores de artes escénicas para que compartan sus memorias teatrales y contar con algunos de ellos para la puesta en escena, entendiendo la experiencia teatral como un acto comunitario, un acontecimiento del que participan por igual autores, obra y espectadores. Para subrayar la mirada del espectador, le damos la vuelta al dispositivo escénico concentrando la acción en el patio de butacas, dejando la escena vacía como espacio de evocación y proyección de la memoria. Así, el rol del actor/bailarín emerge en escena sólo en momentos muy señalados de la pieza como contrapunto.
Concepto y creación: Javier J Hedrosa y Néstor García Con la colaboración: Rafael Ridaura y José Julián Con el acompañamiento: Tatiana Clavel Mirada externa: Sofia Asèncio Diseño de luces: Diego Sánchez Una producción de Javier J Hedrosa Con el apoyo de: Graners de Creació, Espai Inestable, Dansa València, La Nau Ivanow (Barcelona), Centro Coreográfico de la Gomera, IVC. Agradecimientos: Santi de la Fuente, Laura Pastor, Fernanda Medina, Teatro de lo Aus- ente, Itziar Barriobero.
La compañía de Javier J Hedrosa está en activo desde 2016. Su trabajo pone el foco en el archivo, la memoria del hecho coreográfico, la agencia del espectador y cuestiones locales.
Desde sus inicios hasta hoy ha creado varias piezas de danza estrenadas en València, para teatros y museos. Sus piezas se han presentado en festivales como Dansa València, Camping en el CND de París, 10 Sentidos, ACT Bilbao, Circuito Bucles, Russafa Escénica. Sus piezas se han estrenado en salas como Carme Teatre, Espacio Intestable o lo CCCC.
Asimismo, ha realizado proyectos de innovación e investigación pedagógica con el Conservatorio Profesional de Danza de València o los Centros Municipales de Juventud.
Ha contado con la colaboración de Graners de Creació, La Nau Ivanow, el CC de La Gomera y cuenta con el apoyo del Institut Valencià de Cultura o el Ayuntamiento de València.
Oasis de la impunidad de Teatro La Re-Sentida | Del 9 al 12 de marzo en el Teatre Lliure de Gràcia
Tras el éxito internacional de Paisajes para no colorear, la compañía chilena presenta un espectáculo entre el teatro y la danza sobre las formas de violencia de los cuerpos policiales de las sociedades democráticas.
Ocho cuerpos se mueven por el escenario en misteriosas sacudidas. Marchan, entrenan y celebran, pero no está claro si sus movimientos hablan del sufrimiento o de la alegría, del orgullo o del miedo. Juntos forman un cuerpo de seguridad, un organismo mecánico y convulso compuesto por cuerpos estrictamente disciplinados. Educados para perpetrar la violencia contra sí mismos y contra los demás, lo que se inscribe en sus cuerpos impregna todos los niveles de su ser y vivir. ¡Mantener el orden es el imperativo! En un espacio museístico abstracto, fuerzas de seguridad, sus víctimas y figuras fantásticas del terror se reúnen en un ritual de confesión, expiación y denuncia. Oasis de la impunidad propone una reflexión coreográfica sobre la naturaleza de la violencia estatal que ha vinculado a las fuerzas de seguridad y ciudadanos en una dialéctica permanente a lo largo de nuestra historia, centrándose en las motivaciones sistémicas e individuales de los sujetos que ejercen dicha violencia: ¿Cómo se entrelazan la convicción individual y la disciplina violenta?, ¿Quién utiliza y quién controla el monopolio estatal de la violencia?, ¿Cómo puede una sociedad democrática encontrar un consenso sobre el uso legítimo de la violencia?, ¿Cuándo se convierte el miedo y la desacralización del cuerpo humano en las únicas estrategias de adoctrinamiento, castigo y control?
La Re-sentida nació en el año 2008, gracias a jóvenes artistas de la escena chilena que buscaban la consolidación de una poética capaz de encarnar los pulsos, las visiones y las ideas de su generación. Su objetivo es crear desmarcándose de las formas y los discursos artísticos hegemónicos. La compañía se caracteriza por su carácter descarado, su afán de desacralización de tabú y de hacer reflexionar desde la provocación. Sus creaciones tienen una gran carga política y un tono de crítica, reflexión y construcción. Sus espectáculos han pasado por quince ciudades de Chile y más de veinticinco países, y han participado en más de ochenta escenarios internacionales entre los que se encuentran los más prestigiosos del mundo.
