— MuroTRON

Lo que tiembla y casi danza de Mikolaj Bielski | 30 y 31 de marzo y 1 y 2 de abril en  Réplika Teatro, Madrid

El creador y director de escena Mikolaj Bielski vuelve a Réplika Teatro con su último proyecto artístico, coproducido junto a Teatteri Quo Vadis (Finlandia).

→ Creación: Mikolaj Bielski en colaboración con los intérpretes
→ Dirección, concepto y espacio escénico: Mikolaj Bielski
→ Dramaturgia: Mikolaj Bielski en diálogo con Miguel Deblas
→ Textos: Miguel Deblas, Celeste González, Minerva Kautto, OpenAI, Maija Rissanen, María Velasco
→ Asesoría dramatúrgica: María Velasco
→ Composición musical y espacio sonoro en directo: Víctor Heitzmann
→ Intérpretes: Miguel Deblas, Celeste González, Jesús Irimia, Minerva Kautto, Maija Rissanen
→ Diseño de iluminación y new media: David Benito
→ Vestuario: Mikolaj Bielski e intérpretes
→ Dirección técnica: David Benito
→ Acompañamiento escénico y regiduría: Carmen Menager
→ Técnico de iluminación y vídeo: George Marinov
→ Técnico de sonido: Alberto Úbeda
→ Fotografía: Javier Bejarano y Víctor Martínez
→ Producción ejecutiva: Krista Mäkinen

→ Co-producción: Quo Vadis Teatteri y Réplika Teatro

Hacer que la pregunta huya.

Una fuga de la ficción de la vieja urdimbre, de las retóricas y discursos prevalecientes, prestados y/o heredados.

Filosóficos, éticos, estéticos, políticos. Con sus mentiras y temibles olvidos.

Con la misma saliva dictan lo bueno y lo malo, lo bello y lo que no, lo que conviene y lo que no, lo que se muestra y se oculta.

Hoy la ficción amenaza con devorar la realidad. Nuestra ficción civilizatoria amenaza la supervivencia del plantea, las identidades virtuales amenazan nuestra coherencia cotidiana, la ansiedad devora a los jóvenes occidentales ante la imposibilidad de reproducir la ficción en sus realidades materiales; el discurso parece acopiar y protagonizar las luchas.

La ficción es, también, el modo en que vivimos. Es desde la ficción como nos relacionamos.

La cuestión es, ¿qué ficción queremos?

En el comienzo fue el Verbo.
El lenguaje como formalización del mundo.
El lenguaje formaliza el mundo.
Formalizar y ficcionar son la misma cosa.
El lenguaje hace del mundo una ficción.
Hacer del mundo una ficción significa inocular el concepto de pureza como referente.
Abrir la posibilidad para decir:
Esto es. Esto no es.

Sustituir realidad por ficción, hacer de la ficción su afuera, permite el advenimiento del totalitarismo.
Esto es. Esto no es.

Pero, ¿cómo hacer una ficción que de cuenta de su afuera? ¿Puede el teatro mostrar en vez de decir?

Los textos proyectados son el residuo de las lecturas de Georges Bataille, Gilles Deleuze, Giorgio Agamben y Chantal Maillard (entre otros).

Más información y entradas: Réplika Teatro

Interior noche de Serrucho | 31 de marzo y 1 y 2 de abril en Teatro Ensalle de Vigo

Aquellas que no deben morir de Las Huecas | 25 y 26 de marzo en La Mutant de València

Aquellas que no deben morir es un espectáculo que coloca en la esfera pública un tema aún tabú: la muerte y su gestión privada. Para ello, Las Huecas trabajamos a partir de los imaginarios (a veces precarios) que las generaciones jóvenes tenemos sobre los procesos de traspaso. Desde una perspectiva política y poética, el espectáculo arroja luz sobre los abusos de la industria funeraria y la capitalización del deceso. Se trata de una puesta en escena a medio camino entre el teatro documental y la experimentación de los rituales, en donde, además de las performers, intervienen Núria Isern, trabajadora del sector funerario y Júlia Sánchez, activista por la soberanía de la muerte. Aquellas que no deben morir es una propuesta emancipadora porque permite interrumpir los relatos convencionales sobre el morir, una experiencia teatral que se ha definido desde la crítica como ‘’algo que no puedes nombrar, pero que cuando estás delante de ello, sabes que no lo habías visto antes’’.

Espectáculo ganador del premio Apuntador 2021 y del premio Novaveu de la Crítica 2022.

Más información y entradas: La Mutant

Una imagen interior de El conde de Torrefiel | 24 y 25 de marzo en el Teatro Central de Sevilla

NADIE LES HA REGALADO NADA, AL CONTRARIO. HAN SIDO UNA DECENA DE ESPECTÁCULOS CON LOS QUE EL CONDE DE TORREFIEL HA CONSEGUIDO UNA FIRMA TAN PERSONAL QUE SE HA CONVERTIDO EN IMPRESCINDIBLE EN EL CIRCUITO DE LOS FESTIVALES, TEATROS Y CENTROS DE PRODUCCIÓN EUROPEOS MÁS EXIGENTES.

EL MONTAJE QUE NOS OFRECEN SE ESTRENÓ EN MAYO 2022 EN EL WIENER FESTWOCHEN Y HA SIDO COPRODUCIDO POR EL GREC DE BARCELONA, EL FESTIVAL DE AVIÑÓN, EL FESTIVAL D’AUTOMNE (PARÍS), EL KUNSTENFESTIVALDESARTS (BRUSELAS) Y UN LARGO ETCÉTERA. POCAS VECES UNA COMPAÑÍA DESPIERTA TANTA UNANIMIDAD EN EN TERRITORIO DEL ESPECTÁCULO VIVO INTERNACIONAL.

El montaje que nos ofrece este improbable “conde” es el final de un proceso que empezó en el Santarcangelo Festival (Emilia-Romagna) con Fracciones de tiempo, donde se proyectaba al atardecer y al aire libre un texto sobre las disimilitudes entre realidad y ficción; continuó en el Festival Grec 2021 de Barcelona con Ultraficción nr. 2/Los buenos modales; en el festival de Valencia Russafa Escènica con Complicidad de materiales anónimos, con un trabajo con alumnas de arte dramático; y, finalmente, en la última edición del Festival Sâlmon de Barcelona, donde se pudo ver a una serie de estudiantes de arquitectura construyendo un gran tótem contemporáneo en Ultraficción nr.4/Working Class.

Desde que en 2010 presentara su primer espectáculo (La historia del rey vencido por el aburrimiento), la compañía ha apasionado a público, crítica y a unos programadores europeos que han seguido con atención la decena de espectáculos que han creado hasta el momento. En estos espectáculos nos hablan del tiempo y de la sociedad del siglo XXI, combinando y a la vez distanciando texto, movimiento e imágenes plásticas, e investigando las tensiones entre el individuo y el colectivo.

En un mundo digitalizado, donde lo virtual con sus mandatos de visuales calibrados ocupa cada vez más espacio, ¿cómo podemos nutrir nuestras imágenes internas?, ¿cómo podemos aprovechar el poder de nuestra imaginación?, ¿cómo dar sustancia a una realidad que no es inmutable, sino por el contrario maleable, cambiante, fruto de nuestros sueños y de nuestras decisiones?, ¿qué podría ser esta ultraficción colectiva?; una ficción tan soñada que se volvería real, ultrarreal. Es a estas sensibles cuestiones a las que nos invita la nueva creación de la compañía El Conde de Torrefiel. Desde las herramientas de la performance, la danza y las artes visuales, para hacer mejor el teatro. Una imagen interior ofrece una dramaturgia singular, texto, movimiento, sonidos y materiales chocan, se oponen y se precipitan hacia un Big Bang. Una imagen interior es esta explosión de pensamientos y sensaciones, que busca desplegar todo el erotismo de nuestra imaginación. Y tal vez, ¿quién sabe?, inventar otra realidad: la del mañana…

Más información: Teatro Central de Sevilla | Entrevista a Pablo Gisbert

Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía de Éskaton | Del 17 al 19 de marzo en Réplika Teatro, Madrid

La agrupación artística ÉSKATON estrena su último trabajo con autoría de Miguel Deblas y George Marinov, producido por Réplika Teatro.

→ Dirección, espacio escénico, iluminación y vestuario: Miguel Deblas Escera y George Marinov
→ Dramaturgia: Miguel Deblas Escera
→ En escena: Miguel Deblas, George Marinov y Júlia Solé
→ Espacio Sonoro: Cristina Manuela
→ Sound Destruktor: Víctor Heitzmann
→ Prensa y comunicación: Javier González (Adiria)
→ Con la colaboración de El Consulado (Valencia)
→ Una producción de Réplika Teatro

Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía aborda el peligro que supone desmantelar al cuerpo del discurso. Por ejemplo, el peligro que alberga el encuentro sexual entre dos o más cuerpos. Desde el mero desencuentro hasta la violencia más cruenta. En este encuentro los cuerpos se ofrecen los unos a los otros, permiten ser tocados, penetrados, invadidos, golpeados, lacerados. Las representaciones oficiales del sexo (presentes en la cultura popular y digital) y las herramientas políticas que les rodean (la moral, la educación, la ley) pretenden crear la ilusión de un mundo donde ese peligro desaparece, mediante normas, categorías y contratos. Aquí́, sin embargo, el teatro constituye un paralelismo con el encuentro sexual, un encuentro cuerpo a cuerpo, donde el peligro es potencia. Exaltar ese peligro es exaltar la potencia. Esta potencia es la del cambio de forma, de figura, la de la metamorfosis.

La pieza comienza con un particular vídeo-contrato que los performers han grabado en mitad de la noche, en un bosque. Como en un documento oficial exponen su compromiso con la escena, casi a la manera en que lo hacen las actrices y los actores de cine porno o como cuando alguien decide participar en un experimento para la investigación científica o como cuando alguien se alista en un ejército, entregando su cuerpo a una causa ajena, dejando de lado las voluntades y deseo propios. Por curiosidad, por diversión, por la angustia de una vida que no cambia, por la desazón de sentirse profundamente débil en este mundo.

Una propuesta para inflamar el conflicto, ardientemente contemporáneo, de lo natural o lo tecnológico de nuestras identidades, y por lo tanto de su mutabilidad. Abrir la posibilidad a fugarse del destino social, de la categoría, del nacimiento, desfigurando y transfigurando el cuerpo, gracias al artificio, gracias a la máquina, gracias a la escena

Miguel Deblas y George Marinov son artistas residentes en Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación. Junto a Óscar Nieto forman ÉSKATON, cuya primera obra, Cicuta Contagiosa, fue producida por Réplika Teatro y estrenada en abril de 2021. Actualmente desarrollan su segundo proyecto escénico enmarcado dentro de nuestros Sistemas de apoyo a la creación: residencia para artistas, que culminará con el estreno de la obra en el mes de marzo de 2023.

Las creaciones de ÉSKATON pretenden ser el resultado material de un estudio crítico de la historia del arte, la filosofía y la religión, y llevar al extremo las situaciones dentro de la escena y la suspensión de los significados preconfigurados por el espectador a través del tratamiento de los símbolos y los iconos.

Más información y entradas: Réplika Teatro

L’atapeïda + laSADCUM | 18 de marzo en el Centre d’Art Tecla Sala dentro del festival Dansa Metropolitana

El movimiento y el teatro físico nos conducen por la historia de tres personajes que nos hablarán en clave de humor sobre los límites que nos imponen, pero, sobre todo, de los que nos imponemos nosotras mismas, y una adaptación de pequeño formato de la pieza ACLUCALLS de danza multidisciplinar que expone los traumas y las frustraciones de la generación Z. Un retrato grotesco de la sociedad y generación posinternet.

“esberlar”, L’atapeïda

esberlar utiliza el movimiento y el teatro físico para conducirnos a través de imágenes de inestabilidad, derrumbe y reconstrucción. Tres personajes nos hablarán en clave de humor sobre los límites que nos imponen, pero sobre todo, de los que nos imponemos nosotras mismas. Un viaje físico y gestual guiado por las emociones de la ruptura.

L’atapeïda trabaja las fronteras del movimiento y el teatro físico. Enfocada a crear piezas de calle para todos los públicos, se encuentra bajo la mirada artística de Elena Lalucat.

“CÀPSULA ACLUCALLS”, laSADCUM

Los intérpretes de ACLUCALLS son integrantes de la generación Z. Nacidos entre tecnología y virtualidad, han crecido en una saturación de información constante, lo que los ha convertido en seres tecnológicos y perturbados. ACLUCALLS es un retrato grotesco de la sociedad y generación postinternet, trazado a partir de tres conceptos representativos: el workout, la pantalla y la programación informática. A través de esta pieza de danza contemporánea, los jóvenes bailarines crean una danza de nuestra sociedad y reflejan cómo influye la tecnología en el comportamiento humano y, en especial, en su generación.

El proyecto de danza laSADCUM, fundado el año 2018 en Barcelona por Guillem Jiménez, se centra en temas y problemáticas generacionales y la influencia de la tecnología hacia las nuevas generaciones. Es la tercera pieza de danza que producen, después de The Uncanny Valley (2018) y The Lesson (2022), aunque también han producido dos exposiciones CLASSMATES (2020) y TWINK TWINK TWINK (2022) y un programa de actividades en colaboración con el CCCB en motivo del estreno de ACLUALLS (2022). Su trabajo se ha visto en espacios como La Casa Encendida, CCCB, Museo Guggenheim Bilbao, La Capella o Espai Inestable, entre otros.

We are (t)here de Aurora Bauzà & Pere Jou | 19 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid #meetyou

WE ARE (T)HERE condensa una investigación escénica, coreográfica y dramatúrgica sobre la voz humana, que se convierte en el instrumento con el que intérpretes y espectadores descubren el espacio físico y las relaciones humanas. Cuatro intérpretes se mueven, se relacionan y cantan con la conciencia de ser un alta-voz, creando una partitura vocal improvisada y única en cada representación. Su voz resuena en el espacio y en el cuerpo mismo del espectador, permitiendo que emerjan multitud de imágenes poéticas que reflexionan sobre la complejidad de las relaciones humanas y los mecanismos de construcción de una identidad colectiva.

Aurora Bauzà & Pere Jou son dos compositores que trabajan con el cuerpo. El objeto central de su investigación es la voz humana y su relación con el cuerpo y el movimiento. Creen que la música no es solo un fenómeno sonoro, sino también físico, visual y móvil. Consideran el movimiento y el espacio como agentes centrales de sus composiciones. Conceptualmente les apasiona la dinámica de creación de significado social especialmente aquellos involucrados en la construcción de identidad tanto individual como colectiva.

• Creación: Aurora Bauzà & Pere Jou
• Interpretación: Lara Brown, Elisa Keisanen, Aurora Bauzà y Pere Jou
• Asesoramiento dramatúrgico: Alessandro Sciarroni
• Vestuario: Mariona Signes
• Vídeo: Tristán Pérez-Martín
• Producción & distribución: Ariadna Miquel

Apoyos: Festival TNT Terrassa, Graner Centre de Creació, L’Estruch de Sabadell, Institut d’Estudis Baleàrics, Generalitat de Catalunya

Más información y entradas: Teatro Calderón de Valladolid

El ardor de Alberto Cortés | 18 de marzo el Auditori de Sant Ildefons de Cornellà de Llobregat dentro del festival Dansa Metropolitana

El esfuerzo constante de ganarse la vida de Vicente Arlandis | 18 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid #meetyou

Esta propuesta forma parte del proyecto de investigación El malestar del trabajo llevada a cabo desde Taller Placer. A través de diferentes actividades y prácticas tratamos de indagar cuál es el papel del trabajo en nuestras vidas y la búsqueda de nuevos modos de relacionarnos con el tiempo.

Con la colaboración de Centro Conde Duque, Culturarts y Ayuntamiento de Valencia. Una producción de Taller Placer.

El esfuerzo constante de ganarse la vida es una performance donde trato de trabajar lo mínimo, lo justo y lo que yo entiendo por razonable. Os voy a contar lo que pienso de la disciplina, del trabajo del bailarín y del secuestro de nuestro tiempo. Os voy a contar cómo se siente al repetir durante ocho horas al día la misma acción en una fábrica o cómo se queda el cuerpo al bailar el mismo espectáculo durante cinco años. Y para acabar os voy a contar unos chistes, os dejo uno como ejemplo: todos seríamos más felices si trabajásemos de lo que nos gusta. En mi caso es muy difícil encontrar trabajo de macarrones con queso.

Vicente Arlandis es un artista y eso significa que casi nada de lo que hace lo hace por dinero. De hecho, si calculamos el tiempo invertido además de la colaboración de otras personas en esta actividad las ganancias serían de risa. La gente sabe que los artistas cobran poco, por eso Vicente tiene muchas propuestas de trabajo muy mal o incluso no remuneradas. Vicente también es editor porque hace libros y luego trata de venderlos. Además, es bailarín y trabaja con otras compañías. En realidad, esto es lo que mejor le funciona porque generalmente suele cobrar por lo que hace y además le pagan a los pocos días de haber realizado la tarea. También es distribuidor porque él es el encargado de vender su propio trabajo. Se le dan bastante bien las redes sociales y cada día piensa de qué manera comunicar bien lo que está haciendo así que también podríamos decir que es comunity manager. Hasta hace poco era su propio gestor porque aprendió con unos tutoriales de internet a hacerse los trimestrales, aunque en el último año ha recurrido a un profesional. A veces le piden que escriba textos para revistas por cantidades simbólicas o tiene que escribir los textos para los dosieres de sus trabajos, pero nunca se considerará escritor. Ahora mismo está escribiendo, junto a un guionista de verdad, el guion de un documental que preparan para el año que viene. Últimamente también le interesa mucho la música y en sus últimos espectáculos ha hecho él mismo la banda sonora de los mismos. Le gusta la fotografía y el vídeo y puede usar perfectamente cualquier software de video y audio como Premiere y Photoshop. El diseño gráfico no es su fuerte, aunque puede imitar muy bien a reconocidos diseñadores cuando tiene que hacer los carteles de sus espectáculos. La página web de Taller Placer, colectivo al que pertenece y del que se encarga de hacer la difusión trimestral de sus trabajos, la ha diseñado y realizado él mismo.

Con la colaboración de Nacho Meseguer, Paula Miralles, Rosana Sánchez, Aris Spentsas y Eva Arlandis.

Más información y entradas: Teatro Calderón de Valladolid

Crowd de Gisèle Vienne | Del 17 al 19 de marzo en el Mercat de les Flors de Barcelona

Pieza para quince bailarines, Crowd es una meditación sobre el amor y la violencia dentro de una rave catártica, en la que los jóvenes se abandonan a la música electrónica. “La intensidad de la música y la emoción que une a estas personas en este lugar crean una situación propicia para una especia de montaña rusa emocional, o más específicamente, un gran número de trastornos interrelacionados”, explica Vienne. Desde hace unos cuantos años, la artista se interesa por el lado oscuro de las personas y por nuestra necesidad de violencia.

Gisèle Vienne es una coreógrafa, directora de escena y artista plástica franco-austríaca. Trabaja habitualmente con el escritor Dennis Cooper y con los músicos Peter Rehberg y Stephen O’Malley. A lo largo de los últimos veinte años ha hecho diversas giras por Europa y sus obras se han representado con frecuencia en Asia y América. Ha expuesto sus fotografías en museos como el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Centro Pompidou y el Museo Nacional de Bellas Art3s de Buenos Aires.

Más información y entradas: Mercat de les Flors