— MuroTRON

El coro ¿Para qué sirve la tragedia? de Juan Navarro  | Del 2 al 4 de junio en el Teatro Ensalle de Vigo

Un Coro popular formado por personas de diferentes profesiones, géneros y generaciones decide reescribir los cuatro movimientos que componen la 9ª Sinfonía de Beethoven. Una suerte de Corifeo que conoce las reglas del escenario, les ayuda con la partitura y los movimientos escénicos. No quieren usar instrumentación, sólo sus voces se harán cargo de la nueva partitura experimental. Durante los ensayos el grupo habla sobre las tragedias, los temores y las problemáticas de la sociedad actual. No llegan a ninguna conclusión ¿Para que sirve la tragedia? En realidad, lo que buscan es entender la cabeza y el cuerpo de Beethoven, la sordera implacable que le aislaba por completo del mundo, y su deseo de liberar a la humanidad de algo, tal vez de la tragedia.

Pocos años después del gran éxito de la 9ª llegó la muerte del compositor, y en sus últimos estertores dijo: Aplaudid amigos, la comedia se ha terminado.

El Coro ¿Para que sirve la tragedia? Es un proyecto site specific que se desarrollará con Corales de diferentes ciudades de Europa durante el 2023 y el 2024.

Ficha artística
Intérpretes: Grupo de desempleados de larga duración del municipio donde se desarrolle la propuesta.
Dirección y dramaturgia: Juan Navarro.
Dirección y composición musical: Jordi Lalanza con la colaboración del
Espacio escénico y ayudante de dirección: Manel Barnils
Creación audiovisual: Manel Barnils

Con la colaboración especial en Vigo:
Dirección musical: Enrique Alberto Martinez Rivero
Coral Polifónica Cidade de Vigo, ONCE.

Más información: Teatro Ensalle

Rèquiem Nocturn de Pere Faura | Del 25 al 27 de mayo en el Mercat de les Flors

Vuelve al Mercat el Rèquiem Nocturn de Pere Faura, un réquiem personal y sincero para despedir todas las danzas caducas que hay que dejar atrás. Y lo hace a través del universo artístico del director de cine y coreógrafo Bob Fosse, gran experto en el espectáculo de la muerte, para crear un ritual festivo y lleno de purpurina con un reparto multidisciplinar y multigeneracional de 9 bailarines, 1 actor y 2 músicos en directo interpretando una banda sonora electrónica completamente inédita. Escenas icónicas y otras más desconocidas de Fosse serán reinterpretadas en una misa laica pero fúnebre, alegre pero desgarradora, con el objetivo de reflexionar sobre la vida de la danza y la belleza de la muerte.

Pere Faura inició su carrera en los Países Bajos donde creó la mayoría de sus primeras piezas, principalmente en el Teatro Frascati de Ámsterdam, del que fue coreógrafo asociado. En 2006 volvió a Barcelona y continuó con su faceta de creador con diferentes producciones, algunas de las cuales hemos podido ver en el Mercat, como Sin baile no hay paraíso y Swet Tyranny. El trabajo de Pere Faura se caracteriza por la apropiación de elementos de la cultura pop, como el striptease, la disco, los musicales y el porno, remezclados en una coreografía multidisciplinaria que combina todos los elementos del engranaje teatral.

Concepto, dirección y coreografía Pere Faura / Intérpretes de la gira 2023 Odo Cabot, Montse Colomé, Raffaella Crapio, Mario Garcia, Júlia Irango, Anamaria Klajnescek, Víctor Pérez Armero, Toni Viñals, Claudia Solwat, Sarah Anglada / Con la colaboración actoral Francesc Orella / Concepto y espacio escénico Jordi Queralt /  Composición, dirección e interpretación musical Aurora Bauzà, Pere Jou (Telemann Rec.) / Assessorament dramatúrgic Marc Angelet /Ajudantia direcció Anna Serrano  / Ajudantia coreografia Claudia SolWat 
Producción Mercat de les Flors, Grec 2020 Festival de Barcelona – Institut de Cultura, Aj. de Barcelona, Plataforma Cultural La Diürna SL / Con la colaboración Fundació Banc de Sabadell / Con el apoyo especial  Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya (CAT)
Estreno Julio, 2020 – Festival Grec – Mercat de les Flors (BCN)

Más información y entradas: Mercat de les Flors

Escuchas del paisaje de Monte Isla | 27 y 28 de mayo en La Mutant de València

“Entran en el escenario un grupo de personas vestidas de negro que transportan a cuestas una gran escalera. Se detienen en el centro del espacio y se suben al techo técnico para empezar a bajar todos los focos. Desanudan el cortinaje y desmontan todas las barras. Suben hasta arriba del todo y empiezan a desmontar el techo por partes, como si fuera un mecano. El cielo de la noche queda al descubierto.

Después, pliegan los muros del teatro como si fuesen de tela, los doblan y los meten dentro de unas cajas. Acto seguido empiezan a enrollar el suelo como si fuese una moqueta y se lo llevan. Tras su partida sólo ha quedado en pie la grada del público, colocada sobre el suelo en el exterior. El público se queda solo. En ese momento empieza un espectáculo sin actores, ni bailarines, ni cómicos, ni acróbatas, ni nada…; tampoco nadie lo ha dirigido, no hay ni una reseña escrita sobre él; no hay escenografía ni decorado, no hay nada más que una grada donde sentarse delante del mismo mundo.”

IDEA Y CREACIÓN
Monte Isla
DIRECCIÓN Y DRAMATÚRGIA
Adrià Girona y Andrea Pellejero
TEXTO
Adrià Girona
VOZ
Andrea pellejero
DISEÑO DE SONIDO
Uriel Ireland
DISEÑO DE ILUMINACIÓN
Andrea Pellejero
DIRECCIÓN TECNICA
Uriel Ireland
PRODUCCIÓN EJECUTIVA
Rut Girona
Una producción de
MONTE ISLA
Con el soporte de
INAEM, Nau Ivanow, Teatro
Puerto, Rèplika Teatro

Más información y entradas: La Mutant

Noche cañón de Societat Doctor Alonso | 26 de mayo en el Centro Párraga de Murcia

Aparentemente Noche Cañón es un show típico de Stand-up Comedy pero, en realidad, guarda escondido un dispositivo por capas cuyo efecto, en la cabeza del espectador, es el de un número de Cabaret/varietés.

En Noche Cañón el espectador va siempre un poco por detrás del show, siguiendo las indicaciones de Sofía Asencio, que “como una guía turística del humor, vestida a juego con el estampado del asiento del autocar, nos hace de tour-operadora por diferenets rutas, pasando de la sonrisa tímida a la risotada descarnada. Ramón Gómez de la Serna y Lina Morgan, la slapstick y el gag visual, el formulario de la Seguridad Social y Doña Rogelia… Las (extrañas) parejas conceptuales de esta propuesta son múltiples y variadas” (Revista Nuvo. Oriol Puig Taulé).

Dramaturgia: Sofía Asencio y Tomás Aragay
Creación e interpretación: Sofía Asencio
Dirección escénica: Tomás Aragay
Espacio escénico: Jorge Nieto
Vesturaio: Jorge Dutor
Libreto que el espectador encontrará frente a su asiento: Beatriz Lobo

Más información y entradas: Centro Párraga

EXagerada de Natasha Padilha | Del 24 al 27 de mayo en DT Espacio escénico, Madrid

¿Cómo terminar un amor? – ¿Cómo entonces termina? – En suma, nadie – salvo los otros – sabe nunca nada de eso, una especie de inocencia oculta el fin de esa cosa concebida, afirmada, vivida según la eternidad.

Barthes, Roland. Fragmentos de un discurso amoroso.

EXagerada es un solo sobre el fin y la reflexiones que vienen después, pero también es sobre las cosas que todos sentimos pero no podemos explicar, especialmente el amor y el duelo. El mensaje de whatsapp, de su ex-pareja, recibido por la actriz es un disparate para grandes discusiones a respecto del ser humano, su necesidad afectiva y la precariedad de algunas estructuras amorosas. La obra parte de la experiencia real del desamor, se mezcla con datos biográficos y se despliega para una construcción a la vez escénica y conferencista, rica en reflexiones filosóficas y psicoanalíticas. El deseo de relacionarse y a la vez la atracción por la individualidad egocéntrica revela una paradoja actual del amor.

Ficha artística:

Concepto, interpretación y dramaturgia: Natasha Padilha
Acompañamiento artístico: Mariona Naudin, Mónica Muntaner y Bea Fernández
Asistente general y técnica: Natalia Soldera
Incubación y apoyo: La Poderosa y Fabra i Coats

Más información y entradas: DT Espacio escénico

Heredarás el cosmos de Anómico Teatro | Del 19 al 21 de mayo en el Teatro Ensalle de Vigo

Un día me planté en mitad de la calle y dije: ¿podríamos parar, por favor?
Lo dije en voz alta, como si al alzar la voz pudiera compartir mis palabras
con el grupo.
¿Pero qué grupo?
No había grupo, solo personas luchando por abrirse camino.
Cuando las ovejas pasan mucho tiempo dentro de un redil, comienzan a dar vueltas,
es como si perdieran la cabeza, dan vueltas todas a la vez, de manera ordenada, y en sentido
inverso a las agujas de un reloj, como tratando de regresar al lugar donde se perdieron.
Lo recuerdo como si fuera ahora mismo, y se me pone la carne de gallina.
Me planté en mitad de la calle y dije: ¿podríamos parar, por favor?
Y entonces el mundo a comenzó a dar vueltas, y vueltas,
sentí un vértigo espantoso,
aunque en aquel momento no lo sabía. Era mi primer vértigo en la vida
y lo que yo veía no era el mareo sino las casas moviéndose
las nubes girando alrededor de un punto.
El vértigo me venía por desear que parara el mundo
pero yo entonces no lo sabía. Era mi primer vértigo en la vida.

No sé exactamente cuándo comenzó realmente la explosión del capitalismo contemporáneo, ese que en poco tiempo ha logrado esquilmar prácticamente todo el planeta, sé que no hace tanto, y que todo lo que sucede a nivel global es fruto o consecuencia de la única ley que reina en el mundo y que no es otra que el crecimiento exponencial de la riqueza en manos de las élites. Miro las fotos de mi infancia y creo entenderlo.
En esa foto, al fondo, las eras estaban llenas de medas, esas montañas de centeno y trigo que todavía entonces eran el centro de un mundo rural que segaba a hoz y majaba a golpes. Justo en la mitad de la foto, a la derecha, unas mujeres lavando en el arroyo, un arroyo que ya no existe y que de existir tampoco llevaría agua. Y en mi mano derecha un bidón de combustible. Por entonces, ya había un camión en la comarca, un “pegaso” o un “barreiros”, no lo recuerdo bien, pero no había gasolineras, por lo que el combustible se almacenaba en bidones. Era el despertar de un mundo nuevo, un mundo de grandes oportunidades pero también de residuos y de agotamiento. El fotógrafo, un tío mío que había comprado una máquina de fotos con sus primeros ahorros, seguramente me dijo que pusiera la mano en el bidón porque ya a los niños entonces se nos nombraba futuros herederos de todo lo que estaba por hacer. Y yo obedecí, aunque llorando por dentro, porque ya desde niño me sentía desubicado, como si todo lo que sucedía y estaba a punto de suceder no fuera conmigo.

Ficha artística
Texto y creación escénica: Julio Fernández Peláez
Música: Roberto García de Mesa
Canción: Sandra Moya
Colaboración documental: Myriam López Domínguez
Voces en off: Carlos Sarrió y Ángel Encinas
Con la colaboración de Diario El Salto, TV France 24 y Canal ARTE
Dirección técnica: Jaume Blai

Más información: Teatro Ensalle

Cristo está en Tinder de Rodrigo García | Del 25 de mayo al 11 de junio en el Teatro de la Abadía de Madrid

La naturaleza es una cagada ¿Cómo vas a comparar los montes, los lagos, las playas, con una capital a tope de garitos de toda clase? La naturaleza es un funeral, la metrópoli está viva.

¿A quién te vas a encontrar, a quién te vas a ligar y a follar una noche loca en medio de un robledal?

En las ciudades se puede perder todo el dinero en vicio, en un monte ¿Quién te va a robar, quién te va a dar un susto de muerte si ya no quedan ni osos?

19/02/2030

¡Ah! ¡Cuánto le debemos a los narcotraficantes! Gracias a ellos soportamos las desdichas y los infortunios de este mundo cruel. Y los persiguen y encarcelan en vez de hacerles monumentos en las plazas. Le hacen una estatua a Colón y no se la hacen a un capo de la droga, con todo lo que ha hecho por nosotros, nos ha sacado tantas veces del atolladero, nos ha librado tantas veces de nuestra angustia, nos ha subido momentáneamente al cielo. Cada camello debería tener… No sé… Al menos su nombre en una calle.

23/02/2030

Sí que soy un robot. Marque dónde aparecen semáforos. Sí que es un robot. Usted es un robot. ¿Cuáles de estas fotos tienen cables de alta tensión? No soy un robot. Captcha. Marque las fotos donde aparecen barcos. No soy un robot. Sí que es un robot. Usted es un robot. Seleccione todos los cuadrados de prohibido fumar. Quiero ser un robot. Captcha. ¡Recórcholis! Quiero ser un robot. Seleccione todos los cuadrados donde aparecen chochos. No soy un robot. Sí que no soy un robot. Captcha. ¡Córcholis! Sí que es un robot. Usted es un robot. Seleccione todos los cuadrados que contengan montañas o colinas. ¡Recórcholis! Lo confieso: soy un robot. Sí que es un robot. Usted no es un robot. Seleccione todas las imágenes que contengan: cocaína. Kaptcha. Soy un ser humano que ruega encarecidamente a Dios ser un robot. No soy un robot. Sí que es un robot. Soy medio robot. En cuáles de estas imágenes aparecen: gacelas. Sí soy robot, pero soy bueno, joder. Seleccione las fotos donde aparecen: escupitajos. Soy buen robot. No soy un robot.

Más información y entradas: Teatro de la Abadía

Desert de Atresbandes | Del 24 de mayo al 4 de junio en el Teatre Lliure de Gràcia

La compañía residente de esta temporada es la formación Atresbandes (La guerra dels mons), nacida del encuentro artístico y personal de Mònica Almirall, Miquel Segovia y Albert Pérez Hidalgo. Su proyecto tratará del inconsciente.

Imagina un desierto. Con esta frase empieza un popular ejercicio de psicología destinado a conocer la personalidad del otro. Siguiendo las indicaciones, la persona que lo realiza acaba imaginando un paisaje con diferentes elementos que más tarde serán interpretados. El ejercicio tiene la apariencia de un juego inocente y al mismo tiempo esconde la ambición de husmear en su inconsciente.

La palabra desierto esconde detrás un gran imaginario. Es una palabra fundamental de muchos textos religiosos y filosóficos. Para Hannah Arendt, es una metáfora para entender el lugar del ser humano al mundo (‘el mundo es siempre un desierto’). En la Biblia, representa el lugar donde se pone a prueba la fe en Dios, y el islam es una religión nacida de las travesías del desierto en busca de la presencia divina. Es, en definitiva, una palabra muy cargada de significados: es casi un símbolo. Pero un símbolo que contiene una gran paradoja: nos alejamos de él porque representa un espacio vacío de vida y, a su vez, buscamos su vacío para conseguir distinguir las señales que la vida no nos deja ver.

Esta mezcla de psicología, filosofía y misticismo es el punto de partida de este nuevo proyecto.

En el entorno de formación del Institut del Teatre de Barcelona, los miembros de la compañía decidieron empezar un proyecto común. Desde 2011, el grupo se caracteriza por llevar a cabo un teatro laboratorio en el que es fundamental el proceso de creación. Poniendo en cuestión todo lo que les rodea, son autores de La guerra dels mons (2021), It don’t worry me (2020, con Bertrand Lesca y Nasi Voutsas), Ultima Thule (2019, con Hotel – Col·lectiu Escènic), Coda (2019), All in (2017), Locus Amoenus (2014) y Solfatara (2012).

Más información y entradas: Teatre Lliure

Gala de Jérôme Bel | 20 y 21 de mayo en el Centro de Arte Condeduque de Madrid

Hay en Jérôme Bel (París, 1965) una preocupación que ha estado presente a lo largo de toda su carrera como coreógrafo, que abarca poco más de lo que va de siglo. La democratización del escenario ha sido y sigue siendo una práctica constante, que le ha alejado de las grandes estrellas pero también, poco a poco, del bailarín profesional común. Si la danza es inherente al hombre desde los tiempos ancestrales, si bailar y ver bailar supone un placer (aún inexplicable) propio de los humanos, entonces el derecho a danzar sobre un escenario lo tenemos todos. No existe en su universo el cuerpo viable, la perfección técnica ni la pirueta de infarto. La suya, desde hace mucho tiempo, es una danza hecha por gente que baila. Gala, exitosa pieza que viene presentando desde 2015, lejos de ser excepción, es ejemplar de esta filosofía.

En cada lugar donde se presenta se escoge un variopinto y heterogéneo grupo de ciudadanos sin experiencia escénica previa que, tras un entrenamiento que no requiere técnica ni estudios previos, va a reclamar su derecho como ser humano de bailar para ser visto. Mujeres y hombres, negros y blancos, obesos y delgados, discapacitados y capacitados, torpes y listos, pobres y ricos, bellos y feos, jóvenes, niños, mayores… gente, simplemente gente. Esos son los protagonistas de esta propuesta que se representa, irónicamente, como si fuera una gala, la más glamurosa forma y fórmula de la representación escénica.

Al inicio de Gala, Bel nos presenta una serie larga de diapositivas que nos muestran escenarios vacíos. Desde abigarrados escenarios de grandes casas de ópera a sencillos tablaos de teatros de barrio. La insistencia en presentarlos vacíos nos empuja de forma automática a lo que quiere, que es que nos hagamos la gran pregunta. ¿Quién puede habitarlos? ¿Quién tiene permiso para acceder y quién no? ¿Qué significa la representación escénica? ¿Qué es lo distintivo que tiene un artista: la técnica, la belleza, el peso, el color?…

Toda esta investigación tuvo su punto de arranque en 2001 cuando estrenó The Show Must Go On, que sorprendió y deleitó a las audiencias con su espontaneidad y al mismo tiempo, calculada sencillez. Bel ponía en valor el potencial de lo popular y, como Isadora, parecía querer volver a los orígenes, a ese momento en que la danza era espontánea, salía del cuerpo y no se había sofisticado, cuando no existía la técnica ni el rigor escénico. Quería regresarnos a ese momento en el que solo había disfrute. Del que baila, por supuesto, pero también del que se queda quieto a ver bailar. Desde entonces y hasta ahora, explorando diversos caminos y probando diversas maneras, la obra de Jérôme Bel ha permanecido preocupada siempre por una idea fija: la democratización del escenario.

Más información y entradas: Condeduque

Cosa, The Watching Machine y ¡Ay! ¡Ya! de Macarena Recuerda Shepherd | 18, 19 y 20 de mayo en La Mutant de València

Trilogia completa composta per les peces: !AY! YA!, “The Watching Machine” i “COSA. Intervindre un cos”.

“Cosa” és la peça que tanca la meua trilogia sobre l’Il·lusionisme, investigació que m’ha portat a pensar com la il·lusió connecta amb l’essència teatral, exposant sobre l’escena la convenció i la màgia, la realitat i el seu doble, l’acció i la ficció. Aquesta investigació que va començar en el 2017 ha portat amb si les peces! AY! YA! (2018) investigació sobre les imatges perceptives pensades des del cos i “The Watching Machine” (2020) investigació sobre les imatges perceptives pensades des de la llum, ombra i reflex. En aquesta ocasió, en “COSA. Intervenir un cos”, investiguem les imatges perceptives des de l’escenogràfic. Per a això hem pensat el cos com un material més, cosificant fins a convertir-ho en atrezzo.”Cosa” és una peça de dansa composta per un cos de ball objectual. La coreografia de les coses.

Más información y entradas: La Mutant