— MuroTRON

Confines de Pablo Viar | 23 de mayo en Azkuna Zentroa, Bilbao

Una invitación a explorar los límites de nuestra existencia.

Ecoica de Blanca Tolsá | 23 de mayo en el Teatro Leal de La Laguna, Tenerife

Ecoica se despliega a través del movimiento, voz y música en directo, investigando las relaciones entre el deseo crudo de moverse y los patrones que vienen de un imaginario común. Nace de la necesidad de desmontar ciertas lógicas impresas en el cuerpo de la creadora para desestabilizar las relaciones entre voz y gesto, pensamiento y acción, y encontrar la poética del eco, de la disonancia y de la interrupción. Es una invitación a la desconexión temporal mediante la discontinuidad, la mutación y la fantasía.

Blanca Tolsá empezó su trayectoria como bailarina en IT Dansa. Entre sus proyectos más destacados encontramos Registres Evanescents de Constanza Brncic, Flamingos de Albert Quesada, Wu Wei de Raquel Klein, por la que recibió el Premio Butaca 2020 a mejor intérprete, o Moaré de Ariadna Monfort. En 2019 inicia su investigación sobre la relación del cuerpo y la voz. Estudia el Grado Superior en Coreografía en el Institut del Teatre.

Más información: Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna

Cuerpos celestes de AzkonaToloza | 22 y 23 de mayo en Condeduque (Madrid)

Segunda parte del proyecto Falla de la compañía AzkonaToloza. Después de la aclamada Trilogía Pacífico (Extraños mares arden, Tierras del Sud y Teatro Amazonas), Laida Azkona y Txalo Toloza se han embarcado en un proyecto que parecía de proximidad, pero que está resultando ser tan global como el precedente. En Canto mineral, una especie de epílogo de su anterior trabajo, emprendían una travesía en búsqueda de las voces de las montañas. Del rugir de los volcanes. Del crujir de las rocas. De la vibración de una falla. Y eso los llevaba al futuro y al pasado, en un conjunción temporal tan necesaria como imposible. Con una novedad respecto a su manera de hacer teatro documental: la ciencia ficción.

En su segunda pieza, Cuerpos celestes centran su mirada en la barbarie extractivista y los límites minerales del planeta. Pero, ¿cuáles son las implicaciones económicas, sociales y geopolíticas de la llamada fiebre del oro azul? ¿Qué conlleva la explotación de los cuerpos celestes que rodean la tierra? ¿Estamos condenados a repetir los mismos errores del sistema de explotación colonial, o seremos capaces de imaginar nuevas posibilidades de relación con el universo?

Todo esto se pregunta AzkonaToloza en Cuerpos celestes, desde la perspectiva de una familia que, 60 años después de la invasión de Marte, realiza un documental que nunca terminarán sobre las colonias mineras extractivas ubicadas en diferentes asteroides del sistema solar.

Más información: Condeduque

Juan Domínguez | 18 y 19 de mayo en La Mutant de València

Durante un fin de semana invitamos al público de la Mutant a recorrer algunos de los trabajos de los últimos 4 años del artista Juan Domínguez.

Su práctica, que en la mayor parte de los casos, deriva en obra escénica, también abarca proyectos en espacio público, doméstico y otros espacios no teatrales.

Sus creaciones tienen siempre un fuerte tono conceptual y a partir de ahí y con imaginación desatada trabaja con especial foco en el tratamiento del concepto de tiempo, el trabajo del lenguaje, la teatralidad y la relación con el público.

El primer día, Domínguez nos presenta «My only memory». Se trata de un trabajo con la oscuridad a partir de textos fragmentados para ser sentidos.

El segundo día nos presentará «Los Barrocos, una película de principios de siglo” que realizó durante la pandemia de coronavirus junto a Maria Jerez y su última charla performática «nO me tienE quE interesaR» que incluye también extractos de otras obras suyas.

Más información: La Mutant

Het Lam Gods de Victoria Aime | 15 de mayo en La Madraza de Granada

Estáis invitados a presenciar el capítulo «Vicios y Virtudes » de la poliédrica saga HET LAM GODS. Primera parte: La Pastora. Una aproximación encarnada a los Vicios y una aproximación desencarnada a las Virtudes a través de las alegorías representadas por Giotto di Bondone en los frescos de la Capilla de los Scrovegni en Padua, Italia.

Sobre HET LAM GODS. Primera parte: La Pastora. “Vicios y virtudes“

Los frescos de las alegorías de los Vicios y las Virtudes pintados por Giotto en 1305 viajarán desde la Capilla de los Scrovegni en Padua hasta el Palacio de la Madraza en Granada. Se les espera el 15 de mayo de 2024 a las 20:00 h. Se avisa que el traslado provocará alteraciones en su forma y necesitarán mediaciones orgánicas y eléctricas para manifestarse. Dentro del Mihrab (Oratorio), Victoria Aime prestará su cuerpo para encarnar los Vicios por orden de llegada. Las Virtudes, más discretas, dialogarán con La Pastora dentro de la sala María Pineda sobre la necesidad o no de ser vistas. Ambas operaciones ocurrirán simultáneamente y se repetirán al menos tres veces para que los visitantes puedan presenciarlas en su completud.

Sobre el ciclo HET LAM GODS

Desde 2021, Victoria Aime desarrolla la saga HET LAM GODS, título que toma prestado del retablo del Cordero místico de los hermanos Van Eyck (Catedral de San Bavón, Gante, 1432). Para interaccionar con el retablo, inventa el personaje proteico de La Pastora al que le dedica la primera parte de la saga con varios capítulos de distintos formatos. La Pastora finalmente se convierte en el vector que permite atravesar las preguntas que se hace Victoria sobre la representación desde una perspectiva sensible acudiendo a prácticas de observación y mimesis. Los capítulos creados hasta el momento son los siguientes:

“El aterrizaje“, la primera materialización de La Pastora en una instalación coreografiada para espacios exteriores simétricos y seis intérpretes (Rosaleda del Parque del Oeste — VIII Muestra Surge 2021, Madrid)

“Idilio”, los amores y desamores de La Pastora con el cordero místico contados en una obra de teatro (Enero 2023, Teatro Pradillo, Madrid)

“Elephas indus culices non timet“, La Pastora dentro de los códices de la Biblioteca Malatestiana (cuento, 2021)

“Ejercicio de mimesis“, La Pastora tratando de transformarse en bosque (performance y video, 2022)

“Vicios y Virtudes“ es el nuevo capítulo imaginado por Victoria Aime para el Palacio de la Madraza.

Sobre Victoria Aime – Creadora en artes vivas y traductora

El trabajo de Victoria Aime se centra en los motores de la sensorialidad, la emergencia de las imágenes y el ritmo. Su teatro se encuentra en la encrucijada entre la performance y la instalación donde convoca las historias del arte y de las ciencias para hilvanar ficciones.

Con su compañía El Temblor, desarrolla actualmente una serie de obras recogidas bajo el título HET LAM GODS. Los primeros capítulos de la primera parte sobre la Pastora en ver el día son “El aterrizaje”, una instalación coreografiada para espacios exteriores simétricos y seis intérpretes (Rosaleda del Parque del Oeste, Surge Madrid, 2021) e “Idilio” (Teatro Pradillo, Madrid, 2023).

Ha colaborado con varios artistas de la escena madrileña: con Carlos Pulpón en la co-creación de PPPP (Nave 73, Surge Madrid, 2023), con un colectivo multidisciplinar en la instalación-laboratorio Cómete la naturaleza muerta (Ayudas para la creación joven Injuve 2022). También ha sido colaboradora artística de la coreógrafa Luz Arcas (La Phármaco) para su puesta en escena de Psicosís 4.48 (Teatro Español, Madrid, 2023) y en su trilogía Bekristen (Teatros del Canal, Madrid, 2023).

Ha actuado bajo la dirección de Angélica Liddell (Epístola de San Pablo a los Corintios; El orgullo de la nada; ¿Qué haré yo con esta espada?) y de Sara Molina (Don Juan Tenorio; Comedia sin título).

Más información: La Madraza

Fundido encadenado de Los Lúmenes | Sábados de mayo a las 13h en el Teatro del Barrio de Madrid

Grip de Jan Martens | 3 y 4 de mayo en el Teatro Central de Sevilla

TRAS EL ACLAMADO any attempt will end in crushed bodies and shattered bones (TEATRO CENTRAL, FEBRERO 2023), JAN MARTENS NOS PROPONE UN ESPECTÁCULO PARA SUMERGIRNOS EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA Y RESALTAR VOCES DESCONOCIDAS DE MUJERES.

UNA PRODUCCIÓN COMPUESTA DE DANZA Y MÚSICA EN EL QUE LA VOZ FEMENINA JUEGA UN PAPEL IMPORTANTE.

VOICE NOISE son dos partes de un proyecto ficticio formado por un total de 24, en el que cada una es un espectáculo de danza de 50 minutos con música interpretada por voces femeninas.

Da la impresión de que forma parte de un evento mucho más grande, en el que bailarines y voces van y vienen a través de un sinfín de tesoros musicales escondidos u olvidados: más de cien años de voces femeninas en la historia de una música que canta, tararea, mece, grita o susurra.

La pieza está inspirada en el texto The gender of sound de Anne Carson escrito en la década de 1990, que analiza la forma en que las mujeres han sido silenciadas a lo largo de la historia. Desde los antiguos griegos a Margaret Thatcher pasando por Gertrude Stein. Este ensayo describe hasta qué punto han sido consideradas superfluas las voces de las mujeres, con su timbre estridente, sus gritos agudos o sus conversaciones inútiles. Escribe: Silenciar a las mujeres ya estaba en la Grecia preclásica y clásica con un conjunto complejo de legislaciones y convenciones, teniendo como hilo conductor la afirmación de Sófocles: El silencio es el cosmos (el buen orden y el orden del universo) de la mujer.

VOICE NOISE es un acontecimiento compartido tanto por el público como por los intérpretes. El teatro se convierte en un espacio abierto indefinido en el que “ver y escuchar” se sitúan en un plano de igualdad.

Tras sus recientes producciones con grandes elencos para —any attempt will end in crushed bodies and shattered bones y FUTUR PROCHE—, Jan Martens vuelve a trabajar para un conjunto más pequeño. Personas que ya lo han inspirado en el pasado (Steven Michel, Courtney May Robertson y Loeka Willems) y otras tres que son caras nuevas (Sue-Yeon Youn, Elisha Mercelina y Mamadou Wagué).

La obsesión de Jan Martens por los números, la geometría y los esquemas dialoga con los lenguajes físicos únicos de cada uno de sus intérpretes, lo que lleva a redescubrir el interés por la danza misma: en el detalle y la sutileza, en la redefinición, la gracia y la elegancia.

Más información: Teatro Central de Sevilla

Obra imposible de Los Bárbaros | Del 9 al 11 de mayo en Condeduque Madrid

Para Los Bárbaros (Javier Hernando y Miguel Rojo), Obra imposible es otro intento, quizás el último, de hacer algo juntos. Toda una declaración de intenciones de una compañía que lleva una década entre nosotros y que ha trabajado conceptos en torno al poder, la imaginación y la identidad, y que a raíz de Obra infinita, declaraba: “Lo que queríamos con esta obra era juntarnos para escucharnos, porque este un mundo bastante vacío, en el que somos incapaces de mirar al otro y decir es verdad, yo no tenía razón, me voy contigo o, joder, me has abierto un mundo. Aquí nos juntamos no solo para estar juntos, sino para escucharnos, y que esa escucha pueda atravesarme a mí y modificarme corporalmente, y yo me adueñe de todo eso, de ese relato y de la escucha, y propagarlo, y volverme a juntar con otro, y con otro… Si no, no se puede hacer nada”.

Obra imposible es la última parte de una trilogía formada también por Obra inacabada y Obra infinita, dos piezas en las que, respectivamente, nos han hablado de la imposibilidad de terminar las historias y del relato sinfín de los cuentos populares. Dicen que en sus creaciones buscan formas de contarse a sí mismos. Y lo hacen a través de todo lo que tienen a su alcance, empezando por el teatro, el gesto y los objetos y acabando por las artes plásticas, la literatura y la música. Siempre con el convencimiento que el espectador es un ser cercano a quien se le puede seducir a través de un todo que es la experiencia escénica.

Los Bárbaros cuestionan, desde diversas perspectivas, conceptos en torno a la sociedad contemporánea, el poder y las formas de relacionarnos, trabajando entre la realidad y la ficción. Han creado un corpus de trabajos donde una misma cuestión es abordada desde la escena, las artes plásticas o la literatura. Les gusta el humor, la imaginación, la memoria y las cosas invisibles. Y Obra imposible promete ser un último paso o quizá otro más hacia regiones inexploradas.

Más información: Condeduque Madrid

Symphony performance de Sara Manubens | 11 y 12 de mayo en Réplika Teatro, Madrid

Estreno en Madrid de la versión escénica de Symphony Performance de la artista Sara Manubens.

Symphony of the Seas es una travesti patéticamente inestable que ensaya un gran escándalo. Al borde entre la realidad y la ficción, Symphony entrega su cuerpo a sus últimas fantasías, creando escenas melodramáticas y con alta carga visceral: emocionarse es un acto disidente. Symphony es un cuerpo que transiciona en su propia histeria mientras promete un gran espectáculo que nunca llega. Symphony Performance es un estudio en la construcción del lenguaje con herramientas híbridas que provienen tanto de la Danza y la Performance como de la práctica e identidad Travesti, un estudio emocional sobre el amor y la violencia que recibe el cuerpo trans-femenino.

→ Concepto, coreografía y producción: Sara Manubes
→ Diseño de iluminación y técnica en funciones: Manoly Rubio
→ Tecnologías Backstage: Feña Celedón
→ Vestuario: Hanna Tervonen
→ Diseño y publicación: Bruna Kury
→ Residencias: El Canal Salt, La Poderosa, Festival Linha de Fugida (PT)
→ Co-producción y estreno: Antic Teatre (2024)

Idioma: Castellano

Duración: 50 minutos.

Edad recomendada: A partir de 16 años.

SARA MANUBENS. Artista, coreógrafa y travesti en Barcelona. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Museo Reina Sofía, grupo ARTEA). Su trabajo se mueve entre el site-*specific, la performance y la danza y se centra en la transcorporalidad y su impacto en la realidad. Toma la práctica e identidad travesti desde una mirada crítica y experimental. Desarrolla sus propios proyectos de investigación desde 2015. Diseña y ejecuta proyectos educativos entre ellos, DRAG KIDS (2020) o TEEN HORROR (2023). Trabaja como performer con Cuqui Jerez, Aimar Pérez Galí, Idoia Zabaleta. Escribe reseñas críticas sobre danza y performance en el Blog del Mercat deles Flors.

Más información: Réplika Teatro

Thauma de Andreu Martínez y Magda Puig Torres | Del 8 al 26 de mayo en el Espai Lliure de Barcelona

Magda Puig Torres es la artista residente de esta temporada. Junto a Andreu Martínez, explorará el concepto thauma, que significa sorpresa y maravilla, y que ya Aristóteles consideró el origen del conocimiento y la filosofía.

Vivimos en un mundo lleno de respuestas, pero cada vez con menos preguntas. Asombrarse es precisamente eso, plantearse preguntas. De hecho Aristóteles consideraba el thauma (la maravilla) como el origen del conocimiento. El asombro es ese estado radical de extrañeza e incredulidad ante lo que nos rodea, y nos hace indagar sobre un mundo que creemos conocer a la perfección.

Thauma es un viaje por una cabeza en estado de asombro.
Funciona como un juego poético en el que se confunden arriba y abajo, fondo y figura, lo grande y lo pequeño, creando diferentes formas de ver lo mismo.
Sigue los códigos de la novela gráfica y el teatro de objetos proponiendo un paisaje que va abriéndose, revelando su interior.
Thauma es un poema escénico centrado en la capacidad de asombrarnos y quedar suspendidos en un terreno poético que no tiene finalitat, ni conclusión, ni cierre.

Más información: Teatre Lliure