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Espectáculo

PIÈCE DISTINGUÉE N°45

10 DE MAYO DE 2018

La Ribot (Madrid 1962), una de las artistas españolas más innovadoras en la creación coreográfica, presenta el 10 de mayo en Azkuna Zentroa la pieza ‘Pièce distinguée n°45’. En esta pieza, La Ribot cuenta con la colaboración del performer Juan Loriente, con quien ha colaborado en diversas ocasiones, concretamente a dúo en ‘Los trancos del avestruz’ (1993) y ‘Oh! Sole’ (1995).

Juntos, se sientan sobre un terciopelo verde. Pareja singular, vestida de gala, la actuación se desarrolla en silencio. Cuidadosa y metódicamente, La Ribot va pintando a su compañero y luego a sí misma hasta borrar el más mínimo rastro de sus identidades. Los gestos irán cesando y de La Ribot y su compañero sólo quedará una mancha de color, un relieve rojo sobre una tela de terciopelo. ‘Pièce distinguée n°45’ juega con los límites de las disciplinas y las artes. La acción de la obra se centra en el acto de pintar, y la pintura acaba cubriendo por completo el cuerpo de los intérpretes, diluyendo su naturaleza humana para sublimarlos en una especie de esculturas orgánicas. Transcurrido un tiempo tras el último gesto, los cuerpos yacen en el suelo, mientras la pintura se endurece sobre sus pieles y su ropa. Poco a poco la acción de la obra se va hundiendo en la inmovilidad de los cuerpos casi estáticos, y el espectador ya no escruta ansiosamente a los intérpretes sino a algo similar a un cuadro viviente.

Esta pieza no pertenece a ninguna de las series de  ‘Piezas distinguidas’, aunque se puede considerar un preámbulo a la serie ‘Another Distinguée’, creada el mismo año.

Las ‘Piezas distinguidas’ es un concepto que La Ribot desarrolló a principios de los años 90. Inventa un nuevo formato de coreografía basado en la brevedad, ya que la duración de una Pieza distinguida es inferior a siete minutos. Dichas piezas tienen título, número y se encuentran organizadas en series/espectáculos. Hasta la fecha actual se han creado y presentado 53 Piezas distinguidas en cinco series/espectáculos, ‘13 Piezas distinguidas’ (1993), ‘Más Distinguidas’ (1997), ‘Still Distinguished’ (2000), ‘PARAdistinguidas’ (2011) y ‘Another Distinguée’ (2016). A largo plazo, la intención de La Ribot es crear cien Piezas distinguidas. Las piezas de las tres primeras series se pusieron a la venta, como arte efímero, de manera que algunas de ellas cuentan con un propietario distinguido. ‘Panoramix’ (1993-2003) recopila las Piezas de las tres primeras series de 1993 a 2000.

Con el tiempo, el concepto inicial de las Piezas distinguidas se fue extendiendo en varias ramificaciones, pasando del espectáculo en directo a la creación de vídeo, (‘Another pa amb tomàquet’, 2002), vídeo-instalación (‘Despliegue’, 2001) o libro (‘La Ribot’, 2004), entre otras obras y medios.

CRÉDITOS
Estreno 30 de abril – Exposición inaugural “Actuar, Contemplar” en el Museo Unterlinden – Colmar, Francia. Pieza distinguida n° 45.
Coreografía y Dirección: La Ribot.
Intérpretes: La  Ribot, Juan Loriente.
Director técnico: Marie Prédour.
Vestuario: La Ribot. Vestuario: Laurence Durieux.
Producción: La Ribot – Ginebra.
Manager y Difusión: Paz Santa Cecilia (Magale Prod, Madrid).
Comunicación y producción: Sara Cenzual.
Administración: Gonzague Bochud.
Difusión arte visual: Angel Varela.
La Ribot cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Ginebra, la República y el Cantón de Ginebra y Pro Helvetia – Consejo de las Artes de Suiza

LA RIBOT
Ha presentado su trabajo coreográfico en la Tate Modern (Londres), el Teatro de la Ciudad de París, el Centro Pompidou (París), el Festival de Otoño de París, el Museo Reina Sofía (Madrid), en el marco de la Trienal de Aichi (Nagoya, Japón), en la galería Soledad Lorenzo (Madrid), el museo Serralves (Oporto), el Art Unlimited – Art Basel, en el S.M.A.K. (Gante), en el marco de Panorama Rio de Janeiro y en el MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo, México DF), entre otros lugares. Su trabajo visual forma parte de las colecciones del Museo Reina Sofía (Madrid), el Centro Pompidou (París), el Centro Nacional de las Artes Plásticas, CNAP (París), el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), el Artium (Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo), el FRAC (Fondo Regional de Arte Contemporáneo) de la región de Lorena (Francia), la Panera (Lleida), la Fundación Cajasol (Sevilla) y la Casa Encendida (Madrid). A lo largo de su carrera ha sido galardonada con prestigiosos premios. En 1998 fue nominada al Premio de la Fundación Paul Hamlyn para las artes plásticas. En 2000 ganó el Premio Nacional de Danza del Ministerio de Cultura español y en 2015 fue condecorada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en España. En 2017 el festival Tanz im August dedicó una gran retrospectiva a su trabajo como coreógrafa y artista visual, titulada Occuuppatiooon! Berlín.

JUAN LORIENTE
Nacido en Santander, Juan Loriente es desde 1999 actor-colaborador del escritor y director Rodrigo García. Su colaboración comenzó con el monólogo Borges, 1999 y posteriormente participó e interpretó la mayoría de sus obras, concretamente After Sun, 2000; Accidens (matar para comer), 2004 y Gólgota Picnic, 2011. En 2014 creó El Triunfo de La Libertad junto con La Ribot y Juan Domínguez. Participó en cortometrajes de diversos directores, trabajó en el largometraje Smoking Room de Roger Gual y Julio Wallovits y colaboró asimismo con Pablo Llorca y Joan Miramón. También dirigió proyectos radiofónicos, proyectos de investigación teatral, espectáculos y talleres en distintos centros de formación, y creó la plataforma Encuentro de dos intimidades, con Nekane Santamaría. En 2015 participó en el proyecto 4 de Rodrigo García y en el cortometraje “Tadeusz Kantor en el Museo+ del Prado” de Tom Skipp. En 2016 compartió escenario con La Ribot en Another Distinguished, además de con Thami Manekehla.

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/az/cast/agenda-4/pi%C3%A8ce-distinguee-n%C2%B045/al_evento_fa

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Rebota rebota y en tu cara explota en el Teatre Lliure
Creación y dirección AGNÈS MATEUS y QUIM TARRIDA

Montjuïc
espai lliure
del 26 al 29/04

Agnès Mateus y Quim Tarrida presentan una reflexión descarnada sobre la violencia de género y la pasividad social. Un espectáculo de denuncia para empezar a llamar a las cosas por su nombre y vencer el miedo. Contra los tabúes contemporáneos y nuestra hipocresía.

Premio de la Crítica 2017 Nuevas Tendencies

Debería explotarnos la vida en la cara más a menudo…

Asesinan a mujeres a razón de dos por semana desde hace 10 años y nosotros aún debemos seguir defendiéndonos y justificándonos ante la gente que nos escucha. Eso sí, que falten los minutos de silencio en la puerta del ayuntamiento con cada muerte… Les mujeres no “perdemos” la vida, a las mujeres nos asesinan. Empecemos a gritar las cosas por su nombre… debería explotarnos la vida en la cara más a menudo.

intérpretes Agnès Mateus y los invitados Pablo Domichovsky e Ismael Mengual

iluminación Carles Borràs / sonido y vídeo Quim Tarrida

coproducción Festival TNT – Terrassa Noves Tendències 2017, Antic Teatre El Konvent punt zero (Berga)

con el apoyo de La Poderosa, la Nau Ivanow y el Teatre La Massa

agradecimientos Gabriela Oyarzabal, Semolinika Tomic, Bcn Props, Feminicidio.net, CUBE, Conrado y Martí Soler, a la familia Konvent, Maria Mateus, Carles Fígols La Caldera

Más información: http://www.teatrelliure.com/es/programacion/todos-los-espectaculos/rebota-rebota-y-en-tu-cara-explota

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Basada en Carmen de Bizet, los artistas Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol traen a Naves Matadero una ópera en formato expositivo que cobra vida en los límites de fricción con otras disciplinas artísticas.

Fecha: 27, 28 y 29 abril
Horario: 20.30h
Duración: 80 minutos
Ubicación: Nave 11. Sala Fernando Arrabal
Precio: 12 eurosEste espectáculo está acogido al Joven Bono Cultural. Si tienes entre 16 y 26 años, apúntate aquí al JOBO y ven gratis.

Imaginemos por un momento que la ópera Carmen de Bizet fuera una pieza de museo. Ahora imaginemos que esa obra expositiva cobrara vida de la mano de artistas contemporáneos como Luis Úrculo, Norberto Llopis o Bernhard Willhelm. Eso es Grand Applauseuna exposición en cuatro actos o una ópera que recorre cuatro salas de una exposición creada por el escenógrafo y performer Jorge Dutor junto al coreógrafo, bailarín y también performerGuillem Mont de Palol.

Dutor y Guillem Mont de Palol comenzaron a trabajar juntos en 2008, tras conocerse en Ámsterdam, donde Guillem se graduó en coreografía en la School for New Dance Development (SNDO). Su interés artístico dirige la mirada hacia el lenguaje, la semiótica, significante y significado, cuerpo y movimiento, musicalidad y fisicalidad del sonido. Utilizan el humor como herramienta para cuestionar formas de producción, creación, exhibición, interacción y contaminación de la práctica artística. “Creemos en una cierta dimensión política de nuestro trabajo tratando de expandir el concepto de coreografía trabajando en los límites de fricción con otras disciplinas artísticas”, explican. Por eso, a lo largo de su carrera han colaborado con otros artistas como Sara Manente & Marcos Simões, o María Jerez. Producto de estas relaciones artísticas han surgido las piezas Uuuhhh, yo fui un hombre lobo adolescente inventando horrores (2009), Y por qué John Cage? (2011), #LOSMICRÓFONOS (2013) y la película Thismovie (2013), que han viajado por múltiples espacios y festivales como Festival Panorama de Río de Janeiro, Buda Kunstenzentrum de Kortrijk (Flandes), Short Theatre de Roma, Museo Universitario del Chopo en Ciudad de México, La Casa Encendida de Madrid, Julidans Festival de Amsterdam, Festival AltVigo, Royal Exchange Theater de Manchester o la Alhóndiga en Bilbao, entre otros.

Gran Applause se estrenó en el Mercat de Les Flors el Sàlmôn Festival 2016 y se ha presentado en escenarios de México, Manchester o Palma de Mallorca. En palabras de sus creadores: “Proponemos una traslación de un formato expositivo a un formato performático. Es un proyecto curatorial; una coreografía que recorre una arquitectura virtual de escala 1:1 basada en la ficción de la ópera Carmen de Bizet y pone en diálogo el trabajo de tres artistas que comparten la potencia de sugerir ficciones a partir de elementos cotidianos: Norberto Llopis en el papel de Carmen, Luis Úrculo en el papel de Don José y Bernhard Willhelm como el torero Escamillo. En Grand Applause pasamos de ser los absolutos protagonistas de nuestras piezas a ser un elemento más de todo un ecosistema en el que compartimos, o diluimos, el asunto de la autoría con Merimee, Bizet, The Korgis, Reveriano Soutullo, Juan Vert, Luis Cobos, Héroes del Silencio y Rafael Alberti”.

OBRAS SELECCIONADAS QUE FORMAN PARTE DE GRAND APPLAUSE:

SALA 1

1. Norberto Llopis
All things, Archaeology of a Space Object, 2015

2. Luis Úrculo
Procesos Infinitos, 2014
Vídeo Instalación
Papel, plástico, espuma, styrofoam, madera, cuerda, cinta adhesiva, rafia sinténtica

3. Luis Úrculo
Saffron Anatomy, 2014
Plástico de pintor, cinta adhesiva, cartón, ventilador, instalación eléctrica

SALA 2

1.Norberto Llopis
All things, Archaeology of a Space Object, 2015

2. Bernhard Willhelm & La Dirección
Fantasmas 2004-2016
Vinilo sobre Tyvek, gafas de sol

3. Bernhard Willhelm
Two overalls for Performance, 2016
Sarga de algodón impresa

4. Luis Úrculo & La Dirección
Ensayo sobre la Ruina.
Lona de rfia sintética (polietileno 90gr y alumnio) 4×6, cordones trezados de prolipopileno

SALA 3

1. Luis Úrculo
Ensayo sobre la Ruina, 2012
Vídeo moncanal
Papel, plástico, madera, cuerda, cinta adhesiva,  hilo de nailon, bolsa de basura, tubos de cartón

2. Bernhard Willhelm
Two overalls for Performance, 2016
Sarga de algodón impresa

3. Norberto Llopis
Tendency (extracto), 2006

SALA 4

1. Norberto Llopis
Tendency (extracto), 2006

2. Bernhard Willhelm & La Dirección
Fantasmas 2004-2016
Vinilo sobre Tyvek, gafas de sol

3. Sebastián Yradier
El arreglito, 1860

4. La Dirección
Grand Finale, 2016
Instalación: Humo, luz y sonido

Ficha artística

Performance de: Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol
Con obra de: Norberto Llopis, Luis Úrculo y Bernhard Willhelm
Coordinación técnica y regiduría: Carmelo Fernández
Sonido: Carlos Parra y Marcelo Lastra
Tramoya: Almudena Sancho
Confección de telones: Paloma Martínez López
Diseño gráfico: Miguel Marques
Con la colaboración de: Coro GAC de Barcelona y Coro de El Molino
Producida por: Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol
Con la colaboración de: Graner/SÂLMON< Festival, del Museo Universitario del Chopo, de Estiu en Obres de Las Naves Espai d’Innovació i Creació
Con el apoyo de: Beques a la Recerca i la Creació en els ámbits de les Arts Visuals, dels Nous Sectors Creatius, de les Arts Escèniques, de la Música i el Pensament de la Generalitat de Catalunya

Más información: https://naves.mataderomadrid.org/es/actividades/grand-applause

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Sábado 21 de abril | 19 h | Teatre CCCB

Entrada libre con inscripción previa Idioma: inglés

19 h | Performance inmersiva e interactiva a cargo de Zoe Philpott

20 h | Conversación entre Zoe Philpott, artista en el ámbito tecnológico,  y Mariona A Ciller, cofundadora de SokoTech

La dramaturga londinense Zoe Philpott presenta en el CCCB Ada.Ada.Ada, una performance inmersiva sobre tecnología y género alrededor de la matemática y física británica Ada Lovelace (1815-1852), creadora de lo que hoy se considera el primer algoritmo para uso de una máquina.

Ada.Ada.Ada es una oportunidad para adentrarse en un espectáculo de 60 minutos que condensa la extraordinaria vida y legado de Ada Augusta Byron King (Londres, 1815 a 1852), más conocida como Ada Lovelace. Matemática y física de gran talento, a mediados del siglo XIX escribió instrucciones para el primer programa informático conocido, lo que la llevó a ser considerada la primera programadora de la historia.

En la performance, Philpott sube al escenario con un vestido interactivo del siglo XIX equipado con 4.400 luces LED que se activan mediante guantes de satén. Es el resultado de su colaboración con Charles Yarnold, destacado tecnólogo y fundador de Hackspace London. Ada.Ada.Ada es a la vez una conferencia, una pieza de teatro y un espectáculo en el que el público interactúa para convertirse en el primer ordenador del mundo y utilizar un programa sencillo entre todos. La experiencia pone de manifiesto la importancia de los logros conseguidos por Ada Lovelace y su impacto en la tecnología actual, además de demostrar que cada uno de los asistentes puede formar parte de la tecnología.

Ada.Ada.Ada cierra la cuarta edición de la conferencia internacional de educación STEAMConf, que este año homenajea Lovelace con tres encuentros en torno a su figura. El STEAMConf 2018 ha querido destacar la vital importancia de implementar programas y recursos que permitan contribuir a minimizar la brecha digital y los desequilibrios de género y promover la igualdad de oportunidades.

Más información: http://www.cccb.org/es/actividades/ficha/adaadaada/228794

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Del 20/04/2018 al 22/04/2018 en la Sala Beckett de Barcelona
Precio: 12€ (Personajes de la Beckett 10€)

Horario: Viernes y sábado, 20h. Domingo, 18h

Martí Sales pone en escena su último libro, La cremallera (Malas Herbes, 2016), un largo poema sobre nuestro mundo, nuestra ciudad y su generación, una especie de Howl contemporáneo. La cremallera es un poema narrativo que canta la ciudad y sus exploradores, el amor que todo lo puede y la aventura de perderse. Es un viaje fulgurante al tuétano de la otra cara de Barcelona y un hechizo alarido desde lo alto de la Muntanya Pelada. Es un portal interdimensional y una operación a corazón abierto. Es una llamada a la revuelta y la historia abreviada del textil. Son dos amantes zambulléndose en los ríos del infierno. Es la crónica local del diluvio universal y un travelling por la noche artificial: una elegía lisérgica en octosílabos.

Texto e interpretación: Martí Sales
Dirección, espacio y luces: Jordi Oriol

Ayudante de dirección y maquinista: Alba Pujol

Agradecimientos: Al liante Andreu Gomila, a Ana Rovira por el regalo de la lámpara, a la buena gente de la Beckett, a Vil·la Urània y La Caldera por su gentil cessión de espacios, a Arnaldo Alfonso para hacer de red y a IndiTex… por vender calzoncillos a 4×3.

Más información: https://www.salabeckett.cat/es/espectacle/la-cremallera/

 

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PSiRC | Del 19 al 22 de abril, 20h (do 18h) | Sala MAC del Mercat de les Flors, 16€

Segundo espectáculo de la compañía, El meu nom és Hor es una pieza basada en poesía visual, expresión personal y técnica de circo (manos a manos, manipulación de objetos, marionetas), el estudio del movimiento y un papel central de la iluminación. La pieza investiga en el movimiento a través de una mezcla de técnicas y disciplinas enmarcado en el movimiento mágico de las marionetas, motor expresivo y emotivo.

Sin que tengan una presencia directa en el espectáculo, los artistas han bebido de varias fuentes artísticas a la hora de entrar en mundos abstractos, como las pinturas del pintor surrealista Edgar Ende con su mundo desolado pero en color y siempre con una esperanza al final.

Mi nombre es Hor es una historia basada en hechos reales protagonizada por dos artistas de circo, Wanja (el alto y forzudo) y Adrià (el pequeño y ágil).

Los hechos fueron que durante el proceso de creación del espectáculo, hartos de leer reflexiones filosóficas y posmodernas sobre la sociedad actual, decidieron hacer una excursión al campo, a una región donde Wanja se había criado y conocía palmo a palmo. Pero lo inesperado y sorprendente de esta excursión fue que se encontraron ante una cueva inmensa que Wanja no conocía. Allí dentro sucedió algo que difícilmente puede ser explicado con palabras. ¿Se hallaron quizá ante las entrañas de sus propias sombras?

La oscuridad, la pérdida del sentido del espacio y el tiempo, el silencio más absoluto y la sensación de delirio, hicieron de su experiencia en la cueva un templo, un teatro, un garaje, una pantalla, un espejo dentro del espejo, crearon un espacio donde poder desdibujar las fronteras de lo que son para entregarse generosamente a su público como un simulacro más de la propia existencia.

“La sombra le debe su nacimiento a la luz”

John Gay

PSiRC nace en 2011 y está formada por Adrià Montaña (ágil de manos a manos), Wanja Kahlert (portor de manos a manos) y Anna Pasqual (percha china). Su primer espectáculo, Acrometria, gira durante 3 años por Europa y América Latina, a 12 países y con más de 120 representaciones y recibe relevantes galardones, como el premio al espectáculo de noche de la última edición de FETEN, el galardón “Freiburger Leiter” de la Kulturbörse de Freiburg 2016 como espectáculo de artes de calle, el premio Zirkolika 2012 a la mejor compañía novel y el FAD 2013- Aplauso a la creación emergente.

Artistas en escena Wanja Kahlert, Adrià Montaña / Idea original Wanja Kahlert, Adrià Montaña / Creación y dramaturgia Wanja Kahlert, Adrià Montaña,  Rolando San Martín/ Dirección Rolando San Martin / Marionetas Wanja Kahlert / Diseño sonoro Wanja Kahlert, Adrià Montaña, Rolando San Martín / Iluminación Carlos Ferrer, Wanja Kahlert, Adrià Montaña / Escenografía Adrià Montaña i Wanja Kahlert /  Técnico sonido y luces Carlos Ferrer / Distribución Amèlia Bautista. 

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/el-meu-nom-es-hor/

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Tijuana, de Lagartijas tiradas al sol

11 y 12 de abril a las 19:00 en los Teatros del Canal

¿De qué modos la economía condiciona la manera en que nos relacionamos con la política?

Sala Negra. Duración: 1h 15min

Gabino Rodríguez decidió dar un giro radical a su vida y convertirse, durante seis meses, en un obrero más de una fábrica de Tijuana. Cambió su nombre y sobrevivió con el salario mínimo para vivir en carne propia esa experiencia. Después la volcó en esta puesta en escena. Ser otros, ponerse en el cuerpo de otros… ¿qué, si no eso, es actuar?

Esta obra forma parte de La democracia en México, un ambicioso proyecto con el que Lagartijas Tiradas al Sol busca retratar la realidad política, social e histórica del país, a través de una serie de 32 aproximaciones a mundos sumergidos, como los 32 estados mexicanos.

Un proyecto de Gabino Rodríguez
Basado en textos e ideas de: Gunter Walraff, Andrés Solano, Martin Caparrós
Dirección adjunta: Luisa Pardo
Colaboración artística: Francisco Barreiro
Producción: Lagartijas Tiradas al Sol

Más información: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/lagartijas-tiradas-al-sol-2

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Desde el año 2000 más de 30.000 personas han muerto en el Mediterráneo. Una avalancha de personas que no para de crecer y que están suficientemente desesperadas por arriesgar su vida una vez y otro para llegar a tierras europeas.
¿Cuántas voces son 30.000?
¿Cuántas miradas, cuántos gestos, cuántas manos y cuánta vida quieren seguir intentándolo?
¿Podemos parar un momento?
¿Podemos escuchar una voz?
¿Ver un gesto, escuchar una palabra, tocar una mano?

Creadores/intérpretes: Ireneu Tranis, Alba Valldaura Mariona Naudin
Espacio escénico: Clàudia Vilà
Iluminación y espacio sonoro: Pol Queralt
Asesoramiento escénico: Mònica Almirall
Producción: Antic Teatre
Coproducción: CAET-TNT
Con la colaboración de: l’Estruch de Sabadell, Nunart i La Poderosa (espais de residència) y Teatre Leal de Tenerife (LEAL – LAV)

Hasta el 28 de abril en La Villarroel.

Más información: https://www.lavillarroel.cat/es/ex/1499/mos-maiorum/

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Thomas Ostermeier | 6 y 7 de mayo en Teatros del Canal 

La historia comienza con la derrota de Alemania en la Segunda Guerra Mundial y termina cuando una próspera Alemania Occidental gana el Mundial de fútbol. En este arco de tiempo Maria Braun ha creído perder a su marido, Hermann, en la guerra, y tras sobrevivir a duras penas comienza a convivir con otro hombre. El drama se precipita cuando Hermann regresa y…

Cinco actores interpretan a los 27 personajes de la obra de Fassbinder, transformándose constantemente por medio de pelucas y disfraces.

Una historia de las que interesan a Ostermeier, para quien «el teatro tiene que reflejar la realidad… interrogarse sobre cómo sobrevivir en una época en la que la presión del liberalismo económico es insoportable».

En colaboración con el Goethe-Institut Madrid y el Ministerio Federal de Relaciones Exteriores.

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Rodrigo García | 27 y 28 de enero en Teatre El Musical (Valencia)

“Evel Knievel contra Macbeth na terra do finado Humberto” es una pieza de teatro escrita y dirigida por Rodrigo García que se mueve entre el absurdo y el surrealismo basándose de forma libre en la clásica tragedia de William Shakespeare.

Esta fantástica historia se desarrolla en Salvador de Bahía. Y más concretamente entre dos puestos de acarajés, una especie de bollo con judías y camarones. El mítico Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Ultramán, un superhéroe de 40 metros de altura, pretende terminar con el reinado de Welles, pero no puede hacerlo solo. Para ello debe unirse a su archienemigo Naronga, a un popular motociclista llamado Evel Knievel y a los Titanes del Ring. Todo esto da lugar a peleas, rayos, navajazos y patadas voladoras que es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas en BlaBlaCar.

¿Qué va pasar con todo esto? Rodrigo García lo tiene claro: «Yo no lo sé. Son cosas que en la obra se aclararán, y si no, que devuelvan el dinero de la entrada, ¡conchudos!»

Con: Núria Lloansi, Inge Van Bruystegem y Gabriel Ferreira Caldas

Texto, espacio escénico, dirección: Rodrigo García

Asistente de dirección: Pierre-Alexandre Dupont

Iluminación escenográfica: Sylvie Mélis

Rodaje en Brasil – Realización : David Rodríguez Muñiz

Creación multimedia: Ramón Diago, Daniel Romero, Eva Papamargariti

Vestuario: Marie Delphin, Eva Papamargariti

Creación de espacio sonoro: Daniel Romero, Serge Monségu

Dirección Técnica: Roberto Cafaggini

Sonido: Vincent Le Meur

Diseño gráfico: Arturo Turbe

Directora de Producción: Sarah Reis

Producción: Humain trop humain – CDN de Montpellier / Rodrigo García y La Carnicería Teatro

Coproducción : Teatros del Canal (Madrid), Bonlieu Scène Nationale (Annecy), Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino (Buenos Aires) con el apoyo de FONDOC.

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