Jueves 5 – 20:30 + Viernes 6 – 20:30 en saT! – Sant Andreu Teatre

Entradas: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

Una innovadora compañía que rompe las barreras entre el texto, la coreografía y las artes plásticas debuta en el Grec Festival de Barcelona con un montaje que habla del espacio y del tiempo a partir de la idea de una gran plaza.

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler firmaron en 2010 el espectáculo La historia del rey vencido por el aburrimiento, su primera pieza larga, y marcaron, así, el inicio de una compañía entregada a la investigación de nuevas formas escénicas que se escapaban de las tradicionales divisiones por géneros. Entre sus últimos espectáculos, siempre brillantes, poco convencionales, viscerales y con un notable contenido filosófico están Guerrilla (2016) y, ahora, La Plaza, un montaje del cual vimos una pre-ensayo en la última edición del festival Sâlmon<, en el Mercat de les Flors (M.C.: Las historias naturales), pero que, de hecho, se ha estrenado este mismo año en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas. Los espectadores de este festival han visto ya un montaje que se sitúa en una gran plaza llena de monumentos y de seres humanos, protagonistas de unos cuadros vivientes que nos ilustran sobre el presente y el futuro, y sobre una violencia que no solo forma parte de nuestra vida cotidiana, sino que, además, es una fuerza que lleva moviendo el Universo desde los primeros momentos de la existencia. El escenario se convierte en manos de El Conde de Torrefiel en una gran plaza donde el futuro se nos muestra como un tiempo ignoto e imprevisible que aparece ante los ojos de los espectadores a partir de una serie de situaciones inesperadas. Una reflexión escénica sobre el futuro, la inmutabilidad del tiempo y sobre la violencia como base de la existencia.

Enlaces:

Entrevista a El Conde de Torrefiel

Crónica del estreno de La Plaza en el Kunstenfestivaldesarts

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), El Conde de Torrefiel, Vooruit (Gante), Mousonturm (Frankfurt), Wiener Festwochen (Viena), Teatro Maria Matos & Alkantara Festival (Lisboa), Festival de Marseille (Marsella), Triennale dell’Arte (Milán), Festival d’Automne & Centre Pompidou (París), HAU (Berlín), Zurcher Theaterspektakel (Zúrich), Black Box Theater (Oslo).
Con el apoyo del Graner, Centre de creació.
Con la colaboración de Fabra i Coats. Fàbrica de Creació.

El día 6 de julio, después de la representación, tendrá lugar un coloquio con miembros de la compañía.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes Dirección y dramaturgia: Tanya Beyeler, Pablo Gisbert Texto: Pablo Gisbert Diseño de la iluminación: Ana Rovira Escenografía: El Conde de Torrefiel, Blanca Añón Vestuario: Blanca Añón y los intérpretes Diseño del sonido: Adolfo García Regiduría: Isaac Torres Interpretación: Gloria March Chulvi, Albert Pérez Hidalgo, Mónica Almirall, Nicolás Carbajal, Amaranta Velarde, David Mallols Producción ejecutiva: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas) Producción en gira: Caravan Productions (Bruselas)

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

DAVID CLIMENT / SÒNIA GÓMEZ / PERE JOU
MERCAT DE LES FLORS – SALA PINA BAUSCH | 06/07 – 08/07

Quizás el agujero de la pared sea más interesante, incluso, que la misma pared… Lo creen tres actores, performers, coreógrafos y músicos, dispuestos a poner bajo el foco escénico esas fracturas de la realidad que trastornan nuestro mundo.

El espectáculo nace de un ataque de sinceridad en una conversación en la cual Sònia Gómez y David Climent se confiesan mutuamente el rechazo que siempre les ha producido el trabajo del otro y deciden emprender un proceso creativo por donde nunca lo habían empezado: la diferencia. Para evitar una simple confrontación de lenguajes invitan a Pere Jou, que acaba para conformar un triángulo más enigmático que el de las Bermudas.

Una pieza autobiográfica pero que habla de cualquiera y que quiere contagiar el placer de enviar a tomar viento a nuestros prejuicios. Esto, a veces, hace daño; a veces, libera; a veces, nos pone en situaciones de riesgo y a veces nos hace bellamente fuertes. Nowhere in particular pone el foco en las pequeñas convenciones cotidianas, cómo un simple “hola” puede ser el inicio o el final de una gran historia. Hacer valer el concepto de encuentro, de cómo un accidente nos puede permitir acercarnos a aquel que, de manera preconcebida, creíamos que era contrario a nosotros, e incluso, disfrutar de la experiencia. Una gota de sangre sólo es un insignificante punto rojo, hasta que lo observas con un microscopio y otra realidad se te revela. Nowhere in particular es una celebración de la interacción humana.

Bienvenidas y bienvenidos. ¿Y si salimos del círculo?

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, elclimamola, Festival Tercera Setmana-Festival Internacional d’Arts Escèniques (València).

Con la colaboración de Animal a l’esquena, Roca Umbert Fàbrica de les Arts, Graner Centre de Creació, Hiroshima.

FICHA ARTÍSTICA

Dirección escénica e interpretación: David Climent, Sònia Gómez, Pere Jou Ayudantía de dirección: Neus Villà Jürgens Diseño del espacio sonoro y composición: Pere Jou, Aurora Bauzà (Telemann Rec.) Espacio escénico: David Climent Asistente de espacio escénico: Neus Villà Jürgens Vestuario: Sònia Gómez, Pere Jou, David Climent Diseño de la iluminación: cube.bz Técnico de sonido: Stephan Carteaux

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/es/espectaculos/nowhere-particular

Rodrigo García | Teatros del Canal | 29 del mayo al 2 de junio

La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud.

Ultramán, superhéroe de 40 metros de altura, y Naronga —enemigos desde los sesenta y ahora por primera vez luchando juntos—, se unen al popular motociclista Evel Knievel y a los Titanes del Ring para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles.

Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas en BlaBlaCar.

¿Qué va pasar con todo esto? Rodrigo García lo tiene claro: «Yo no lo sé. Son cosas que en la
obra se aclararán, y si no, que devuelvan el dinero de la entrada, ¡conchudos!».

> Más información y entradas

26/05/2018

En un escenario vacío se proyecta un viaje narrativo por diez ciudades europeas que nos introduce en las zonas más oscuras, perturbadoras y violentas de la mente de las personas. Aparecen personajes ilustres, fetiches culturales, como Michel Houellebecq, Paul B. Preciado, Spencer Tunick o Zygmunt Bauman, así como individuos anónimos que comparten el mismo presente.

La obra desdibuja la cartografía del comportamiento y desplaza las prácticas humanas a un estado casi embrional. Un mapa que esconde el territorio salvaje del pensamiento, amenazado por la perversión, el miedo y la debilidad de las leyes morales.

Pensada como un libro abierto, la obra describe y cuenta el mundo imperceptible de las atmósferas, los pensamientos y los recuerdos.

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes
Dirección y dramaturgia: Pablo Gisbert y Tanya Beyeler
Texto: Pablo Gisbert
Coreografía: Amaranta Velarde — Con Tirso Orive Liarte, Nicolás Carbajal Cerchi, David Mallols y Albert Pérez Hidalgo

Una coproducción de Festival TNT de Terrassa, Graner Espai de creació de Barcelona y El lugar sin límites /Teatro Pradillo/CDN Madrid.
Con la colaboración de Programa IBERESCENA, La Fundición de Bilbao, ICEC — Generalitat de Catalunya, Antic Teatre de Barcelona 4

Más información: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-conde-de-torrefiel-la-posibilidad-que-desaparece-frente-al-paisaje/

PARALLAX. Silvia Zayas

NUEVAS DRAMATURGIAS

25 de mayo, 21 horas/ Centro Párraga, Murcia, Espacio 0
Precio de la entrada: 6 euros
Duración: 60 minutos

¿Qué ocurre cuando las imágenes de la película son producidas en la mente del espectador y se vuelven incontrolables para quien intenta crearlas?

Eso es Parallax, una película creada en directo, frente a los ojos del espectador, a base de luz, sonido y montaje engarzados en milimétrica coreografía… pero sin imágenes.

Mezclando ficción y documental a través de la voz de una emisora de radio, la historia parte de una anécdota de la guerra de ultramar en los años 70: la del inexistente puente en la provincia de Farim (Guinea-Bisáu) que, según la locutora de radio María Turra,  se desmoronaba todas las semanas con  el objetivo de minar al ejército portugués. Se quiso entonces hacer estallar la sede de la radio, pero sin éxito.

Silvia Zayas (León, 1978) trabaja en los límites de las artes escénicas, el video y coreografía expandida. Actualmente indaga formas de trasladar el lenguaje fílmico documental a diferentes dispositivos performativos.

Entre algunas de sus piezas están: Ballets Roses (2012), São Tomé Revisitado, beca de Creación Artística MUSAC (2011) estrenado en Escena Contemporánea, Madrid (2012) en colaboración con Isabel Serra y Parallax (2016). Colabora con diferentes artistas y colectivos como Declinación Magnética; El Desenterrador de Sofía Asencio, Alejandra Pombo, o Chus Domínguez y Nilo Gallego en el proyecto expositivo-laboratorio para las artes en vivo Laboratorio 987 (2012-2013), MUSAC. Durante 2017-2018 trabaja en Jumping scales, un nuevo trabajo de investigación en residencia apoyado por Matadero-Madrid.

Más información: http://www.centroparraga.es/servlet/s.Sl?sit=c,914,m,3898,i,1&r=Portal-40001-DETALLE_EVENTO

Del 18 al 20 de mayo en el Mercat de les Flors.

Radical Light es una coreografía para cuatro bailarines a partir de la música tecno minimalista y electrónica de los compositores Senjan Jansen y Joris Vermeiren (Discodesafinado). Salva Sanchis presenta un auténtico diálogo entre una danza directa, con múltiples capas y sin adulteraciones, y una música basada en el concepto musical de pulsación. La pieza no da tregua: sonido y movimiento implacables, a 120 latidos por minuto, donde conviven dos conceptos de danza, aquel que se crea espontáneamente de manera instintiva -pero también socialmente determinada- y el concepto de danza formal, el que se ve en las actuaciones de danza.

El catalán Salva Sanchis estudió en el Institut del Teatre de Barcelona y en P.A.R.T.S., donde se graduó con la primera promoción. Su proyecto de final de estudios se representó en diversos puntos de Europa y desde entonces creó diversas obras. En 2003 entró a formar parte de la compañía Rosas, naciendo la colaboración coreográfica con Anne Teresa De Keersmaeker, con quien firmó diversas coreografías conjuntas. También ha creado piezas propias producidas por Rosas. Desde 2009 Salva Sanchis lleva la dirección artística de Kunst/Werk junto al coreógrafo Marc Vanrunxt.

Coreografía Salva Sanchis / Bailarines Inga Huld Hakonardottir, Peter Savel, Stanislav Dobak, Thomas Vantuycom o Gabriel Schenker, Salva Sanchis / Música Discodesafinado (Joris Vermeiren i Senjan Jansen) / Fotografía Bart Grietens
Producción Kunst/Werk / Con el apoyo Comunidad Flamenca

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/radical-light/

La Ribot (Madrid 1962), una de las artistas españolas más innovadoras en la creación coreográfica, presenta el 10 de mayo en Azkuna Zentroa la pieza ‘Pièce distinguée n°45’. En esta pieza, La Ribot cuenta con la colaboración del performer Juan Loriente, con quien ha colaborado en diversas ocasiones, concretamente a dúo en ‘Los trancos del avestruz’ (1993) y ‘Oh! Sole’ (1995).

Juntos, se sientan sobre un terciopelo verde. Pareja singular, vestida de gala, la actuación se desarrolla en silencio. Cuidadosa y metódicamente, La Ribot va pintando a su compañero y luego a sí misma hasta borrar el más mínimo rastro de sus identidades. Los gestos irán cesando y de La Ribot y su compañero sólo quedará una mancha de color, un relieve rojo sobre una tela de terciopelo. ‘Pièce distinguée n°45’ juega con los límites de las disciplinas y las artes. La acción de la obra se centra en el acto de pintar, y la pintura acaba cubriendo por completo el cuerpo de los intérpretes, diluyendo su naturaleza humana para sublimarlos en una especie de esculturas orgánicas. Transcurrido un tiempo tras el último gesto, los cuerpos yacen en el suelo, mientras la pintura se endurece sobre sus pieles y su ropa. Poco a poco la acción de la obra se va hundiendo en la inmovilidad de los cuerpos casi estáticos, y el espectador ya no escruta ansiosamente a los intérpretes sino a algo similar a un cuadro viviente.

Esta pieza no pertenece a ninguna de las series de  ‘Piezas distinguidas’, aunque se puede considerar un preámbulo a la serie ‘Another Distinguée’, creada el mismo año.

Las ‘Piezas distinguidas’ es un concepto que La Ribot desarrolló a principios de los años 90. Inventa un nuevo formato de coreografía basado en la brevedad, ya que la duración de una Pieza distinguida es inferior a siete minutos. Dichas piezas tienen título, número y se encuentran organizadas en series/espectáculos. Hasta la fecha actual se han creado y presentado 53 Piezas distinguidas en cinco series/espectáculos, ‘13 Piezas distinguidas’ (1993), ‘Más Distinguidas’ (1997), ‘Still Distinguished’ (2000), ‘PARAdistinguidas’ (2011) y ‘Another Distinguée’ (2016). A largo plazo, la intención de La Ribot es crear cien Piezas distinguidas. Las piezas de las tres primeras series se pusieron a la venta, como arte efímero, de manera que algunas de ellas cuentan con un propietario distinguido. ‘Panoramix’ (1993-2003) recopila las Piezas de las tres primeras series de 1993 a 2000.

Con el tiempo, el concepto inicial de las Piezas distinguidas se fue extendiendo en varias ramificaciones, pasando del espectáculo en directo a la creación de vídeo, (‘Another pa amb tomàquet’, 2002), vídeo-instalación (‘Despliegue’, 2001) o libro (‘La Ribot’, 2004), entre otras obras y medios.

CRÉDITOS
Estreno 30 de abril – Exposición inaugural “Actuar, Contemplar” en el Museo Unterlinden – Colmar, Francia. Pieza distinguida n° 45.
Coreografía y Dirección: La Ribot.
Intérpretes: La  Ribot, Juan Loriente.
Director técnico: Marie Prédour.
Vestuario: La Ribot. Vestuario: Laurence Durieux.
Producción: La Ribot – Ginebra.
Manager y Difusión: Paz Santa Cecilia (Magale Prod, Madrid).
Comunicación y producción: Sara Cenzual.
Administración: Gonzague Bochud.
Difusión arte visual: Angel Varela.
La Ribot cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Ginebra, la República y el Cantón de Ginebra y Pro Helvetia – Consejo de las Artes de Suiza

LA RIBOT
Ha presentado su trabajo coreográfico en la Tate Modern (Londres), el Teatro de la Ciudad de París, el Centro Pompidou (París), el Festival de Otoño de París, el Museo Reina Sofía (Madrid), en el marco de la Trienal de Aichi (Nagoya, Japón), en la galería Soledad Lorenzo (Madrid), el museo Serralves (Oporto), el Art Unlimited – Art Basel, en el S.M.A.K. (Gante), en el marco de Panorama Rio de Janeiro y en el MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo, México DF), entre otros lugares. Su trabajo visual forma parte de las colecciones del Museo Reina Sofía (Madrid), el Centro Pompidou (París), el Centro Nacional de las Artes Plásticas, CNAP (París), el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), el Artium (Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo), el FRAC (Fondo Regional de Arte Contemporáneo) de la región de Lorena (Francia), la Panera (Lleida), la Fundación Cajasol (Sevilla) y la Casa Encendida (Madrid). A lo largo de su carrera ha sido galardonada con prestigiosos premios. En 1998 fue nominada al Premio de la Fundación Paul Hamlyn para las artes plásticas. En 2000 ganó el Premio Nacional de Danza del Ministerio de Cultura español y en 2015 fue condecorada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en España. En 2017 el festival Tanz im August dedicó una gran retrospectiva a su trabajo como coreógrafa y artista visual, titulada Occuuppatiooon! Berlín.

JUAN LORIENTE
Nacido en Santander, Juan Loriente es desde 1999 actor-colaborador del escritor y director Rodrigo García. Su colaboración comenzó con el monólogo Borges, 1999 y posteriormente participó e interpretó la mayoría de sus obras, concretamente After Sun, 2000; Accidens (matar para comer), 2004 y Gólgota Picnic, 2011. En 2014 creó El Triunfo de La Libertad junto con La Ribot y Juan Domínguez. Participó en cortometrajes de diversos directores, trabajó en el largometraje Smoking Room de Roger Gual y Julio Wallovits y colaboró asimismo con Pablo Llorca y Joan Miramón. También dirigió proyectos radiofónicos, proyectos de investigación teatral, espectáculos y talleres en distintos centros de formación, y creó la plataforma Encuentro de dos intimidades, con Nekane Santamaría. En 2015 participó en el proyecto 4 de Rodrigo García y en el cortometraje “Tadeusz Kantor en el Museo+ del Prado” de Tom Skipp. En 2016 compartió escenario con La Ribot en Another Distinguished, además de con Thami Manekehla.

Más información: https://www.azkunazentroa.eus/az/cast/agenda-4/pi%C3%A8ce-distinguee-n%C2%B045/al_evento_fa

Rebota rebota y en tu cara explota en el Teatre Lliure
Creación y dirección AGNÈS MATEUS y QUIM TARRIDA

Montjuïc
espai lliure
del 26 al 29/04

Agnès Mateus y Quim Tarrida presentan una reflexión descarnada sobre la violencia de género y la pasividad social. Un espectáculo de denuncia para empezar a llamar a las cosas por su nombre y vencer el miedo. Contra los tabúes contemporáneos y nuestra hipocresía.

Premio de la Crítica 2017 a Nuevas Tendencies

Debería explotarnos la vida en la cara más a menudo…

Asesinan a mujeres a razón de dos por semana desde hace 10 años y nosotros aún debemos seguir defendiéndonos y justificándonos ante la gente que nos escucha. Eso sí, que falten los minutos de silencio en la puerta del ayuntamiento con cada muerte… Les mujeres no “perdemos” la vida, a las mujeres nos asesinan. Empecemos a gritar las cosas por su nombre… debería explotarnos la vida en la cara más a menudo.

intérpretes Agnès Mateus y los invitados Pablo Domichovsky e Ismael Mengual

iluminación Carles Borràs / sonido y vídeo Quim Tarrida

coproducción Festival TNT – Terrassa Noves Tendències 2017, Antic Teatre y El Konvent punt zero (Berga)

con el apoyo de La Poderosa, la Nau Ivanow y el Teatre La Massa

agradecimientos Gabriela Oyarzabal, Semolinika Tomic, Bcn Props, Feminicidio.net, CUBE, Conrado y Martí Soler, a la familia Konvent, Maria Mateus, Carles Fígols y La Caldera

Más información: http://www.teatrelliure.com/es/programacion/todos-los-espectaculos/rebota-rebota-y-en-tu-cara-explota

Basada en Carmen de Bizet, los artistas Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol traen a Naves Matadero una ópera en formato expositivo que cobra vida en los límites de fricción con otras disciplinas artísticas.

Fecha: 27, 28 y 29 abril
Horario: 20.30h
Duración: 80 minutos
Ubicación: Nave 11. Sala Fernando Arrabal
Precio: 12 eurosEste espectáculo está acogido al Joven Bono Cultural. Si tienes entre 16 y 26 años, apúntate aquí al JOBO y ven gratis.