La coreógrafa y bailarina norteamericana Meg Stuart afincada entre Berlín y Bruselas acaba de recibir el León de Oro de la Bienal de Venecia por su carrera. Esta coreógrafa fundó su compañía Damaged Goods en Bruselas en 1994, con la que ha creado más de 30 producciones, desde solos hasta grandes coreografías, además de vídeos e instalaciones. El trabajo coreográfico de Stuart gira entorno a la idea de un cuerpo incierto, vulnerable y autoreflexivo. Mediante la improvisación explora estados físicos y emocionales o el recuerdo de estos estados. Su trabajo artístico es análogo a una identidad en transformación constante que se redefine continuamente, a la vez que busca nuevos contextos de presentación y territorios para la danza. Su obra ha sido aclamada internacionalmente.

An evening of solo works,  7 y 8 de noviembre, 20 h, Sala PB, 16 €

A lo largo de los últimos años, Meg Stuart ha creado un buen número de solos en los que explora los movimientos cotidianos y las condiciones físicas. An evening of solo works (2013) presenta una selección de estos solos, así como fragmentos de obras de larga duración.

“¿Cómo se pueden traducir en movimiento las sensaciones y los monólogos interiores? ¿Es posible detectar las vacilaciones o los movimientos involuntarios?”. Meg Stuart

Coreografía e interpretación Meg Stuart / Producción Damaged Goods (Bruselas) / Meg Stuart & Damaged Goods reciben el apoyo del Gobierno Flamenco y la Comisión de la Comunidad Flamenca
Meg Stuart/Damaged Goods colabora regularmente con el Kaaitheater (Bruselas) y el HAU Hebbel am Ufer (Berlín).

#MegStuart #Violet #Aneveningofsoloworks

El jueves 8 de noviembre (18h), proyección de la película ‘Before We go’ de JORGE LEÓN (2014), con Meg Stuart, Benoît Lachambre y Simone Aughterlony

Más información y entradas: http://mercatflors.cat/es/espectacle/an-evening-of-solo-works/

VIOLET, del 9 al 11 de noviembre, 20 h (domingo 18h), Sala MAC, 22 €

“VIOLET podría ser el nombre de una banda de rock. Así es como nos sentimos, como si estuviéramos dando un concierto de rock duro en lugar de un espectáculo de danza”. Meg Stuart

Cinco bailarines nos rebelan de manera simultánea y singular un paisaje lleno de energía, un terreno cargado de opciones. VIOLET es un descenso vertiginoso, un remolino de formas enérgicas y esculturas cinéticas llenas de detalles. En VIOLET, creada en 2011, Meg Stuart sitúa el movimiento como motor primario de la obra, identificando la coreografía con una alquimia de los sentidos. La pieza cuenta con la música en directo de Brendan Dougherty a la percusión y la música electrónica.

Coreografía Meg Stuart / Creada con Alexander Baczynski-Jenkins, Varinia Canto Vila, Adam Linder, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Intérpretes Márcio Kerber Canabarro, Mor Demer, Renan Martins de Oliveira, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner / Música en viuBrendan Dougherty / Dramaturgia Myriam Van Imschoot / Escenografía Janina Audick /Diseño iluminación Jan Maertens / Vestuario Nina Kroschinske / Asistente escenografía Julia Kneusels / Asistente vestuario Nina Witkiewicz  / Entrenadora ensayos Joséphine Evrard / Director técnico Jitske Vandenbussche / Director escena Pierre Willems / Técnico sonido Richard König / Director producción Eline Verzelen / Responsable gira Delphine Vincent / Asistente producción Mira Moschallski / Agradecimientos Ulrike Bodammer, Eric Andrew Green, Claudia Hill, Leyla Postalcioglu, Anna-Luise Recke, Annegret Riediger, Jozef Wouters
Producción Damaged Goods (Bruselas) / Coproducción PACT Zollverein d’Essen, Festival de Avignon, Festival d’Automne à Paris, Les Spectacles Vivants – Centre Pompidou de Paris, La Bâtie-Festival de Ginebra, Kaaitheater de Bruselas

#MegStuart #Violet #Aneveningofsoloworks

Más información y entradas: http://mercatflors.cat/es/espectacle/violet/

Arbusto Ardiente, imagen de Esperanza Collado

Arbusto Ardiente, Amaia Urra

Miércoles, 24 de octubre – 18:00 h / Jueves, 25 de octubre – 12:00 h

Museo Reina Sofía (Edificio Sabatini, Jardín)

*Entrada libre hasta completar aforo

Como parte del ciclo de artes escénicas diseñado conjuntamente con Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta Arbusto Ardiente, el resultado de una residencia llevada a cabo en 2015 por Amaia Urra en el jardín paisajista del Parque Jean-Jacques-Rousseau de Ermenonville en Oise, París, donde el filósofo vivió sus últimas semanas. La pieza, uno de los últimos trabajos de esta artista, parte de la lectura y reescritura de distintos manuales de botánica para proponer una nueva catalogación de plantas que escapan a las categorías objetivables de la ciencia en favor de clasificaciones vinculadas con la cultura popular y otras lógicas semánticas, formales y afectivas. Como otras obras de Amaia Urra, esta pieza se centra en el lenguaje y la acción de nombrar las cosas, así como la dificultad que esto entraña.

Su primera performance, El Eclipse de A., realizada en 2002 en Arteleku en el marco del programa de creación artística Mugatxoan, reflexionaba sobre la espera como un estado mental y corporal inscrito en una temporalidad cotidiana a la vez que separado de ella, pues provoca una suspensión respecto al ritmo general favoreciendo la aparición de relaciones distintas. A este trabajo le siguen otros que exploran la capacidad del lenguaje para determinar la realidad y despiertan en la artista el interés por lo que sucede en los márgenes, ya sean temporalidades no productivas o palabras en desuso. La escritura, la repetición, la elaboración de listados o la búsqueda y comparación entre distintas definiciones oficiales y consensuadas por diccionarios o enciclopedias nutren un recorrido en el que la escritura, la lectura y la acción van unidas al canto, al paseo y a otras derivas, presentando situaciones que revelan, desde una actitud poética, lo que no se ve, no se oye o no se tiene en cuenta.

Todas sus acciones tienen en común una utilización sintética del lenguaje, sea hablado, cantado, leído o tarareado. En unas, como en Una vuelta-ta (2013-2016), Calles (2012-2014) o Ahora (2015-2016), se improvisa a partir de unas reglas de juego muy concretas, de variaciones mínimas que operan dentro de unos límites definidos con antelación. En otras, las llamadas por la artista “derivas de sinónimos”, el texto funciona como una partitura escrita de antemano, en las que listas de verbos como “desaparecer, aparecer, renunciar, inaugurar, caminar, pasear, tararear…” conducen a acciones literales marcadas por el significado de las palabras en el diccionario oficial del momento, pero a la vez desembocan en acciones inesperadas, improvisadas a la fuerza en el lugar.

En 2012 la acción Renuncio, realizada para el festival In-presentable en La Casa Encendida, comenzaba con la artista entonando la palabra “renuncio” en una de las  salas. A continuación salía de ella, del edificio y, como quien sigue el curso de una melodía, continuaba caminando y cantando por la calle hasta meterse dentro de un taxi bajo la atenta mirada del público, testigo de cómo su presencia y su voz se perdían en la distancia. Desde entonces desarrolla acciones para contextos específicos: instituciones como museos, galerías y teatros, o espacios abiertos en la ciudad o fuera de ella.

Más que una acción, Arbusto Ardiente se presenta como una situación o un paisaje. El sonido de la voz interviene y se camufla en la vegetación, evocando escenas propias de las novelas románticas, mientras la percepción de la voz se transforma gracias a la repetición, provocando desplazamientos del sentido.

Amaia Urra (Donostia / San Sebastián, 1974) es artista. Licenciada por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Escultura en 1998, en 2002 presenta su primera performance, El eclipse de A. producida por Arteleku en el marco del programa Mugatxoan.

Entre 1999 y 2009 vive entre París, Bruselas, Madrid y Berlín, donde trabaja con diferentes coreógrafos: Jérôme Bel, Cristina Blanco, Blanca Calvo, Juan Domínguez, María y Cuqui Jerez, Xavier le Roy y Ion Munduate.

Sus piezas se han representado en espacios, encuentros y festivales como Art nomade, encuentro internacional de performance de Saguenay (Quebec), Axeneo7 & SAW Gallery en Gatineau (Otawa), Líneas de acción en Casa Maauad (México DF), festival In-presentable de La Casa Encendida (Madrid), festival 2D2H (Fuenterrabía, Hendaya), espacio Bulegoa z/b (Bilbao), la serie Ecolalias de RSS Radio del Museo Reina Sofía (Madrid), Zarata Fest (Bilbao), el centro de cultura contemporánea Azkuna (Bilbao), la 15ª edición de las Picnic Sessions del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M, Móstoles) o la sala Héctor Escandón (México DF), entre otros.

Actualmente vive y trabaja en Donostia / San Sebastián, donde entre marzo de 2017 y febrero de 2018 dirigió el espacio Alkolea Beach, junto con Sandra Cuesta y Larraitz Torres.

“Inconsistencia de los hombres” es una pieza escénica colaborativa entre padre e hijo, Jaime Vallaure y Juan Vallaure, que nace con una doble intencionalidad. Por un lado, profundizar en la relación entre ambos y utilizar las dinámicas de trabajo escénico como un cambio de paradigma abordando otras maneras de entendimiento y colaboración entre las partes. Por otro, abordar diferentes temáticas vinculadas a la actualidad para aportar puntos de vista contrastados que provoquen, en última instancia, reflexión y debate. El proyecto trabaja necesariamente aspectos biográficos y contextuales pero siempre desde una perspectiva lúdica donde los roles puedan cambiar y las historias personales puedan reinventarse.

 Esta obra está relacionada con el taller “Tú eres yo, yo soy tú” que tendrá lugar en La Casa Encendida del 15 de septiembre al 27 de octubre. El taller es una invitación a tratar las relaciones madres/padres hijas/hijos a través de las artes escénicas contemporáneas, un lugar de confrontación abstracto donde ponerse en la piel del otro, dejarse hacer, proponer, inventar, cambiar de rol, someterse y rebelarse, un ring con dos personas, dos iguales, dos tan diferentes. El sábado 27 de octubre a las 20.00 horas tendrá lugar una muestra pública del proceso. 

Jaime Vallaure, artista y docente en performance y artes escénicas. Con la colaboración de Juan Vallaure como hijo.

Fecha: 8 y 9 de septiembre

Lugar: La Casa Encendida, Torreón 1

Hora: 20.00 h

Entrada: entrada libre hasta completar aforo.

Más info

Jueves 5 – 20:30 + Viernes 6 – 20:30 en saT! – Sant Andreu Teatre

Entradas: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

Una innovadora compañía que rompe las barreras entre el texto, la coreografía y las artes plásticas debuta en el Grec Festival de Barcelona con un montaje que habla del espacio y del tiempo a partir de la idea de una gran plaza.

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler firmaron en 2010 el espectáculo La historia del rey vencido por el aburrimiento, su primera pieza larga, y marcaron, así, el inicio de una compañía entregada a la investigación de nuevas formas escénicas que se escapaban de las tradicionales divisiones por géneros. Entre sus últimos espectáculos, siempre brillantes, poco convencionales, viscerales y con un notable contenido filosófico están Guerrilla (2016) y, ahora, La Plaza, un montaje del cual vimos una pre-ensayo en la última edición del festival Sâlmon<, en el Mercat de les Flors (M.C.: Las historias naturales), pero que, de hecho, se ha estrenado este mismo año en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas. Los espectadores de este festival han visto ya un montaje que se sitúa en una gran plaza llena de monumentos y de seres humanos, protagonistas de unos cuadros vivientes que nos ilustran sobre el presente y el futuro, y sobre una violencia que no solo forma parte de nuestra vida cotidiana, sino que, además, es una fuerza que lleva moviendo el Universo desde los primeros momentos de la existencia. El escenario se convierte en manos de El Conde de Torrefiel en una gran plaza donde el futuro se nos muestra como un tiempo ignoto e imprevisible que aparece ante los ojos de los espectadores a partir de una serie de situaciones inesperadas. Una reflexión escénica sobre el futuro, la inmutabilidad del tiempo y sobre la violencia como base de la existencia.

Enlaces:

Entrevista a El Conde de Torrefiel

Crónica del estreno de La Plaza en el Kunstenfestivaldesarts

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), El Conde de Torrefiel, Vooruit (Gante), Mousonturm (Frankfurt), Wiener Festwochen (Viena), Teatro Maria Matos & Alkantara Festival (Lisboa), Festival de Marseille (Marsella), Triennale dell’Arte (Milán), Festival d’Automne & Centre Pompidou (París), HAU (Berlín), Zurcher Theaterspektakel (Zúrich), Black Box Theater (Oslo).
Con el apoyo del Graner, Centre de creació.
Con la colaboración de Fabra i Coats. Fàbrica de Creació.

El día 6 de julio, después de la representación, tendrá lugar un coloquio con miembros de la compañía.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes Dirección y dramaturgia: Tanya Beyeler, Pablo Gisbert Texto: Pablo Gisbert Diseño de la iluminación: Ana Rovira Escenografía: El Conde de Torrefiel, Blanca Añón Vestuario: Blanca Añón y los intérpretes Diseño del sonido: Adolfo García Regiduría: Isaac Torres Interpretación: Gloria March Chulvi, Albert Pérez Hidalgo, Mónica Almirall, Nicolás Carbajal, Amaranta Velarde, David Mallols Producción ejecutiva: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas) Producción en gira: Caravan Productions (Bruselas)

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/ca/espectacle/la-plaza/

DAVID CLIMENT / SÒNIA GÓMEZ / PERE JOU
MERCAT DE LES FLORS – SALA PINA BAUSCH | 06/07 – 08/07

Quizás el agujero de la pared sea más interesante, incluso, que la misma pared… Lo creen tres actores, performers, coreógrafos y músicos, dispuestos a poner bajo el foco escénico esas fracturas de la realidad que trastornan nuestro mundo.

El espectáculo nace de un ataque de sinceridad en una conversación en la cual Sònia Gómez y David Climent se confiesan mutuamente el rechazo que siempre les ha producido el trabajo del otro y deciden emprender un proceso creativo por donde nunca lo habían empezado: la diferencia. Para evitar una simple confrontación de lenguajes invitan a Pere Jou, que acaba para conformar un triángulo más enigmático que el de las Bermudas.

Una pieza autobiográfica pero que habla de cualquiera y que quiere contagiar el placer de enviar a tomar viento a nuestros prejuicios. Esto, a veces, hace daño; a veces, libera; a veces, nos pone en situaciones de riesgo y a veces nos hace bellamente fuertes. Nowhere in particular pone el foco en las pequeñas convenciones cotidianas, cómo un simple “hola” puede ser el inicio o el final de una gran historia. Hacer valer el concepto de encuentro, de cómo un accidente nos puede permitir acercarnos a aquel que, de manera preconcebida, creíamos que era contrario a nosotros, e incluso, disfrutar de la experiencia. Una gota de sangre sólo es un insignificante punto rojo, hasta que lo observas con un microscopio y otra realidad se te revela. Nowhere in particular es una celebración de la interacción humana.

Bienvenidas y bienvenidos. ¿Y si salimos del círculo?

Una coproducción del Grec 2018 Festival de Barcelona, elclimamola, Festival Tercera Setmana-Festival Internacional d’Arts Escèniques (València).

Con la colaboración de Animal a l’esquena, Roca Umbert Fàbrica de les Arts, Graner Centre de Creació, Hiroshima.

FICHA ARTÍSTICA

Dirección escénica e interpretación: David Climent, Sònia Gómez, Pere Jou Ayudantía de dirección: Neus Villà Jürgens Diseño del espacio sonoro y composición: Pere Jou, Aurora Bauzà (Telemann Rec.) Espacio escénico: David Climent Asistente de espacio escénico: Neus Villà Jürgens Vestuario: Sònia Gómez, Pere Jou, David Climent Diseño de la iluminación: cube.bz Técnico de sonido: Stephan Carteaux

Más información: http://lameva.barcelona.cat/grec/es/espectaculos/nowhere-particular

Rodrigo García | Teatros del Canal | 29 del mayo al 2 de junio

La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud.

Ultramán, superhéroe de 40 metros de altura, y Naronga —enemigos desde los sesenta y ahora por primera vez luchando juntos—, se unen al popular motociclista Evel Knievel y a los Titanes del Ring para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles.

Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas en BlaBlaCar.

¿Qué va pasar con todo esto? Rodrigo García lo tiene claro: «Yo no lo sé. Son cosas que en la
obra se aclararán, y si no, que devuelvan el dinero de la entrada, ¡conchudos!».

> Más información y entradas

26/05/2018

En un escenario vacío se proyecta un viaje narrativo por diez ciudades europeas que nos introduce en las zonas más oscuras, perturbadoras y violentas de la mente de las personas. Aparecen personajes ilustres, fetiches culturales, como Michel Houellebecq, Paul B. Preciado, Spencer Tunick o Zygmunt Bauman, así como individuos anónimos que comparten el mismo presente.

La obra desdibuja la cartografía del comportamiento y desplaza las prácticas humanas a un estado casi embrional. Un mapa que esconde el territorio salvaje del pensamiento, amenazado por la perversión, el miedo y la debilidad de las leyes morales.

Pensada como un libro abierto, la obra describe y cuenta el mundo imperceptible de las atmósferas, los pensamientos y los recuerdos.

Idea y creación: El Conde de Torrefiel en colaboración con los intérpretes
Dirección y dramaturgia: Pablo Gisbert y Tanya Beyeler
Texto: Pablo Gisbert
Coreografía: Amaranta Velarde — Con Tirso Orive Liarte, Nicolás Carbajal Cerchi, David Mallols y Albert Pérez Hidalgo

Una coproducción de Festival TNT de Terrassa, Graner Espai de creació de Barcelona y El lugar sin límites /Teatro Pradillo/CDN Madrid.
Con la colaboración de Programa IBERESCENA, La Fundición de Bilbao, ICEC — Generalitat de Catalunya, Antic Teatre de Barcelona 4

Más información: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-conde-de-torrefiel-la-posibilidad-que-desaparece-frente-al-paisaje/

PARALLAX. Silvia Zayas

NUEVAS DRAMATURGIAS

25 de mayo, 21 horas/ Centro Párraga, Murcia, Espacio 0
Precio de la entrada: 6 euros
Duración: 60 minutos

¿Qué ocurre cuando las imágenes de la película son producidas en la mente del espectador y se vuelven incontrolables para quien intenta crearlas?

Eso es Parallax, una película creada en directo, frente a los ojos del espectador, a base de luz, sonido y montaje engarzados en milimétrica coreografía… pero sin imágenes.

Mezclando ficción y documental a través de la voz de una emisora de radio, la historia parte de una anécdota de la guerra de ultramar en los años 70: la del inexistente puente en la provincia de Farim (Guinea-Bisáu) que, según la locutora de radio María Turra,  se desmoronaba todas las semanas con  el objetivo de minar al ejército portugués. Se quiso entonces hacer estallar la sede de la radio, pero sin éxito.

Silvia Zayas (León, 1978) trabaja en los límites de las artes escénicas, el video y coreografía expandida. Actualmente indaga formas de trasladar el lenguaje fílmico documental a diferentes dispositivos performativos.

Entre algunas de sus piezas están: Ballets Roses (2012), São Tomé Revisitado, beca de Creación Artística MUSAC (2011) estrenado en Escena Contemporánea, Madrid (2012) en colaboración con Isabel Serra y Parallax (2016). Colabora con diferentes artistas y colectivos como Declinación Magnética; El Desenterrador de Sofía Asencio, Alejandra Pombo, o Chus Domínguez y Nilo Gallego en el proyecto expositivo-laboratorio para las artes en vivo Laboratorio 987 (2012-2013), MUSAC. Durante 2017-2018 trabaja en Jumping scales, un nuevo trabajo de investigación en residencia apoyado por Matadero-Madrid.

Más información: http://www.centroparraga.es/servlet/s.Sl?sit=c,914,m,3898,i,1&r=Portal-40001-DETALLE_EVENTO

Del 18 al 20 de mayo en el Mercat de les Flors.

Radical Light es una coreografía para cuatro bailarines a partir de la música tecno minimalista y electrónica de los compositores Senjan Jansen y Joris Vermeiren (Discodesafinado). Salva Sanchis presenta un auténtico diálogo entre una danza directa, con múltiples capas y sin adulteraciones, y una música basada en el concepto musical de pulsación. La pieza no da tregua: sonido y movimiento implacables, a 120 latidos por minuto, donde conviven dos conceptos de danza, aquel que se crea espontáneamente de manera instintiva -pero también socialmente determinada- y el concepto de danza formal, el que se ve en las actuaciones de danza.

El catalán Salva Sanchis estudió en el Institut del Teatre de Barcelona y en P.A.R.T.S., donde se graduó con la primera promoción. Su proyecto de final de estudios se representó en diversos puntos de Europa y desde entonces creó diversas obras. En 2003 entró a formar parte de la compañía Rosas, naciendo la colaboración coreográfica con Anne Teresa De Keersmaeker, con quien firmó diversas coreografías conjuntas. También ha creado piezas propias producidas por Rosas. Desde 2009 Salva Sanchis lleva la dirección artística de Kunst/Werk junto al coreógrafo Marc Vanrunxt.

Coreografía Salva Sanchis / Bailarines Inga Huld Hakonardottir, Peter Savel, Stanislav Dobak, Thomas Vantuycom o Gabriel Schenker, Salva Sanchis / Música Discodesafinado (Joris Vermeiren i Senjan Jansen) / Fotografía Bart Grietens
Producción Kunst/Werk / Con el apoyo Comunidad Flamenca

Más información: http://mercatflors.cat/es/espectacle/radical-light/