— MuroTRON

De Víctor Colmenero Mir y Daniel Van Lion 

Del 25 al 27 de noviembre en Teatro Pradillo

Burn your garden, si construiste una valla demasiado alta y olvidaste dejar hueco para una puerta. Burn your garden, para forzar una visita de tus vecinxs. Quémalo antes de tener que contratar a otra persona para mantenerlo.
A través de los jardines nace la alineación, el orden, la cadencia, la distancia entre los planos y la perspectiva. Giles Clément plantea en su libro «Una breve historia del jardín» el jardín como una reducción de la historia de las formas.
Pero los jardines también son una relación de ritmo y movimiento. Un pulso entre cuerpo y espacio para contener o proyectar entornos. Lxs jardinerxs trabajan para el futuro.
Podría tener un jardín de plantas tropicales, un jardín de piedras o arena y hacer dibujos en él con un rastrillo. Podría liberar dos leopardos para que corrieran por él como en la canción de Rosalía. También podría dejarlo a su suerte y que las ramas se enrosquen con las del vecino como lo hacen en secreto las raíces. O esperar sentado desde la casa un incendio forestal, un huracán. Que todos los jardines de uno y otra sean ceniza o escombro de todas.
Burn your garden es un proyecto de naturaleza transdisciplinar, transmaterial. Se plantea como un circuito continuo de trasvases entre cuerpo y objeto, no fuerza un punto de atención único e intenta evitar una jerarquía de los cuerpos en escena a favor de una estructura de membrana, de atmosfera, que también recoge a las personas que asistan a esta instalación performativa.
Pero también es una pregunta sobre cómo nos relacionamos y configuramos nuestro entorno. Es una investigación sobre el terreno y el territorio, sobre ir en contra de él o negarlo o apropiárselo.
Este proyecto está atravesado por muchas inquietudes personales en distintos planos que han tomado forma en el jardín.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/burn-your-garden/. 

19 y 20 de junio en Conde Duque

+ info y entradas

Txalo Toloza y Laida Azkona nos traen a Condeduque la tercera pieza de la serie documental Pacífico, un proyecto de artes vivas centrado en las nuevas formas de colonialismo, la barbarie sobre el territorio y los pueblos originarios de Latinoamérica y la estrecha relación que tienen estos pueblos con el desarrollo de la cultura contemporánea. Txalo Toloza, chileno de Antofagasta, se estableció en Barcelona en 1997, donde desarrolla su trabajo como performer, creador escénico, videoartista y activista. En 2015 forma con la coreógrafa vasca Laida Azkona la compañía Azkona&Toloza.

La pieza que precede a Teatro Amazonas, titulada Tierras del Sud, se pudo ver en Naves Matadero hace poco más de un año. A menudo hablamos de los países latinoamericanos como países hermanos, pero ignoramos mucho de lo que sucede allí, sobre todo tierra adentro, en los epicentros culturales —en el sentido antropológico— y cómo se libran batallas silenciadas por intereses de toda índole. Si Tierras del Sud nos revelaba cómo casi desde la creación del estado nación argentino se ha intentado sofocar movimientos de resistencia como los del pueblo mapuche, Teatro Amazonas nos lleva a la reserva natural más amenazada del planeta. La descolonización llega hasta hoy mismo y hay informaciones que no conocemos a través de los medios de comunicación. El teatro de Azkona&Toloza informa y forma. Y lo hace a través de una propuesta plástico-escénica muy genuina.

Teatro Amazonas bucea en el nacimiento y desarrollo de dos de los más grandes hitos arquitectónicos del Amazonas brasileño, ambos relacionados estrechamente con el mundo del espectáculo: el Teatro Amazonas, uno de los mayores teatros dedicados a la ópera de todo Brasil y fundado a finales del siglo XIX, y la Arena de Amazonía, el estadio de fútbol más grande de la región, inaugurado en 2014 para el Mundial. Desde ese punto, Txalo y Laida viajan atrás en la historia para narrar los últimos siglos de aquel territorio, donde afloran las ansias de grandeza de la burguesía poscolonial, el despojo y la barbarie provocada sobre los pueblos originarios, la propia devastación del Amazonas y el funcionamiento del mercado internacional de bonos de carbono. Os auguramos una fuente de placer estético y descubrimientos sorprendentes, compromiso y arte de la mano.

Del 9 al 13 de junio en el Teatro de la Abadía.

Un cuerpo atravesando una experiencia.

Y la narración en formato escénico de esa experiencia.

A partir de un punto de partida: El descubrimiento de un silencio familiar y la necesidad de reconstrucción de la historia de mi abuela paterna.

Un proyecto de Investigación personal y social. Una reflexión sobre el cuerpo y el sufrimiento mental. (el cuerpo físico, institucional, mental, social, sanitario, afectivo, político, etc.) y cómo estos cuerpos y estas voces que se relacionan con el  sufrimiento mental se encuentran con una sociedad que estigmatiza otras realidades, otras formas de estar en el mundo.

Una experiencia individual y subjetiva que en el acto de compartirla se convierte en una reflexión social.

Más información: https://www.teatroabadia.com/es/temporada/671/mi-padre-no-era-un-famoso-escritor-ruso/

En Contenedor Cultural UMA (Bulevar Louis Pasteur, 23,  Málaga) el jueves 03 de junio, a las 19:00, 3€

Technocracia aborda la fiesta como lugar de comunión, como mecanismo de reprogramación mental, de ruptura con lo cotidiano, de hedonismo físico y emocional; y también como una metodología de creación a partir del cuerpo en movimiento y la masa. Esta práctica interdisciplinar rescata la esencia de las fiestas techno o “raves” para desarrollar una experiencia afectiva y sensorial como un acto de insistencia y resistencia en comunidad. La música electrónica, la voz, los cuerpos en movimiento y la organización de todo el conjunto son las claves de este proyecto de artes vivas. La comunidad/público es parte fundamental de esta propuesta en la que nosotras funcionamos como guías o facilitadores de esta experiencia. Las actuales circunstancias propiciadas por la emergencia sanitaria nos han llevado a crear una pista de baile segura realizada ex-profeso para cada espacio anfitrión por el artista plástico Mauro Trastoy. Esta capacidad de adaptación de Technocracia hace que cada experiencia funcione como un site-specific diseñado para cada lugar, buscando optimizar el encuentro con cada comunidad.

FICHA ARTÍSTICA
Autoría e interpretación: Cristina Balboa, Félix Fernández y Manuel Parra. Produce: Funboa Escénica.
Dirección: Cristina Balboa.
Invitada especial y asistencia de movimiento: Elvi Balboa
Diseño dispositivo escénico: Mauro Trastoy.
Diseño iluminación: Afonso Castro.
Música original: Cristina Balboa, Félix Fernández, Manuel Parra, Pipo Rodríguez, Lefrenk y Roi Fanzine.
Asistencia producción: Manu Lago.
Colaboradores: Agadic, Colectivo RPM, corpo(a)terra, Galicia Danza Contemporánea, De corpos presentes.
El proyecto ha sido apoyado por una subvención a producción de AGADIC 2020, Axencia Galega de Industrias Culturais.

FUNBOA ESCÉNICA es una compañía gallega de teatro contemporáneo fundada en el 2011 por Cristina Balboa y Paulina Funes y acualmente dirigida por Cristina.La identidad de la Cía. pasa por los procesos vitales que viven las intérpretes que colaboran en cada producción. Son piezas de creación colectiva donde se desarrollan diferentes procesos de escritura y composición escénica, siempre desde la identidad, el contexto y la necesidad de infiltrarse en cualquier lenguaje artístico.

NUEVAS DRAMATURGIAS/ PERFORMANCE

Espacio 0, 20 h.
Duración: 45 minutos.
Aforo limitado. Entrada libre previa reserva.
Reservas a través de este formulario.

Apariciones Sonoras explora las dimensiones coreográficas y afectivas entre el sonido y el cuerpo. Tomando como punto de partida el fenómeno de la sinestesia, se otorga forma y plasticidad al sonido mientras que el cuerpo, el espacio y los objetos se sonorizan. La línea de percepción entre qué se genera y cómo se produce está en constante deriva y fluctuación, abriendo el campo sensorial del espectador y permitiéndole generar distintas asociaciones y significados. La prestidigitación y la transformación total de un cuerpo que dialoga con múltiples presencias sonoras hará de puente entre la ensoñación y la vigilia.

Amaranta Velarde trabaja en el campo de las artes escénicas como bailarina y coreógrafa. Se gradúa en CODARTS (Universidad de Danza de Rótterdam) en 2004 y desde entonces trabaja intensamente con el coreógrafo Bruno Listopad entre otros creadores. Después de su actividad profesional en Holanda se muda en el 2011 a Barcelona donde inicia sus propias piezas coreográficas: Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad y Mix-en-scene. A parte de realizar sus proyectos trabaja con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska, ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013-2016).

Concepto, dirección e interpretación: Amaranta Velarde
Diseño y concepto sonoro: Amaranta Velarde en colaboración con Juan Cristóbal Saavedra
Diseño lumínico: Daniel Miracle
Ojo externo: Cris Blanco
Producción: Centro de Danza Canal Madrid
Coproducción: La Caldera, Barcelona y Antic Teatre Barcelona
Con el apoyo de: Laboral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón

Más información: http://www.centroparraga.es/servlet/s.Sl?sit=c,914,m,3898,i,1&r=Portal-47159-DETALLE_EVENTO

29 y 30 de enero en La Mutant (Valencia)

Cuerpo Gozoso Se Eleva Ligero es una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza. Una obra que tiene mucho de instalación visual y que pretende suspender la gravedad que se ejerce sobre todo lo que aparece en escena. He contado con la colaboración de los artistas plásticos Aris Spentsas y Rosana Sánchez y la coreógrafa Sandra Gómez.

Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

​Una idea de Vicente Arlandis / TALLER PLACER
Creación e interpretación:  Sandra Gómez, Aris Spentsas, Vicente Arlandis y Rosana Sánchez, con la colaboración de Hipólito Patón.
Iluminación:  Isaac Torres
Producción: Paula Miralles
Una coproducción del Centro Cultural Conde Duque de Madrid
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia y el Instituto Valenciano de Cultura

Edurne Rubio y María Jerez

Del 21 al 24 de enero en Conde Duque

La superposición de dos espacios es el eje de esta pieza, primera pensada y realizada en régimen de co-autoría entre Edurne Rubio y María Jerez, dos artistas que ya habían colaborado en alguna ocasión anterior, pero nunca hasta el extremo de concebir juntas. Esta superposición pone a trabajar el espacio del teatro, espacio cerrado construido por y para el ser humano, y un valle, un espacio transformado y moldeado por las condiciones geológicas y atmosféricas y completamente abierto, un espacio exterior. La arquitectura humana frente al sublime kantiano de una Naturaleza siempre amenazante. O siempre cambiante, sin más. «Nos interesa —dicen las creadoras— entrelazar el uno al otro, permitir puntos de encuentro entre los dos mundos y así construir un tercer lugar transitorio, anacrónico por ser al mismo tiempo ancestral y futurista, una pieza de ciencia (ficción) especulativa».

Edurne Rubio y María Jerez intervienen, así, el espacio teatral como ecosistema para, aprovechando su propia topografía, tecnología y materialidad acercarse a la extrañeza de la naturaleza, a sus dramaturgias y a sus fenómenos.Edurne ya nos transportó al interior de Ojo Guareña, la cueva que su padre exploró en tiempos de dictadura franquista, en la pieza Light years away. El teatro era la cueva, dos abismos de oscuridad y libertad. María Jerez ya nos introdujo en un cosmos artificial en constante movimiento en su pieza Yabba, que proponía una mirada atenta a la busca de una transformación constante pese a la incapacidad de nombrar lo que se estaba mirando. Estas dos piezas son los antecedentes inmediatos de A nublo, que toma su nombre de la tradición popular asentada hasta mediados del siglo XX,en la que los lugareños de las zonas rurales de España se enfrentaban a las tormentas, hablando directamente al cielo nublado para mantener la tormenta lejos de los pueblos, tratando de ahuyentar los rayos y pedirle al granizo que se convirtiera en agua.

Edurne y María llegarán al teatro de Condeduque y lo transformarán. «Generaremos un paisaje de manera tridimensional y envolvente. Situaremos al espectador en el ojo del huracán, en el centro del teatro, en la caja escénica: el valle. Comenzarán a observar el hermoso paisaje desde un punto de vista cómodo y seguro, pero, poco a poco, el clima cambiará».

+ info

Dondequiera, cualquier sitio, seguimos bailando
Performance de Nacho de Antonio
6 de noviembre 2020, 19 h. Matadero Madrid

Una pieza de danza, que explora la potencia del baile en el momento incipiente, también en el ocaso; en la energía latente de los cuerpos deseosos y exhaustos, que producen el espacio (social) donde bailamos. Un movimiento que genera el lugar en su casi-no-hacer: la pista de baile. Los cuerpos danzantes se expanden, se organizan, evocan un lugar común, una posibilidad de bailar juntas, de sostener este espacio de excepción de la fiesta. El dance floor como esa comunidad que se conforma y posa vibrando sobre la misma superficie durante un tiempo concreto.

Dondequiera, cualquier sitio, seguimos bailando, es una pieza site-specific de Ignacio de Antonio, bailada con Carmen Aldama, Paula Cueto y Óscar Hernández. Sonido de Juanito Jones.

Ignacio de Antonio Antón es arquitecto y creador escénico. Formado en la New York University en el departamento de Performance Studies con una beca Fulbright. Hasta el año 2015 formó parte del colectivo de arquitectura Taller de Casquería. Ha presentado sus piezas en contextos como Emily Harvey Foundation, Leal Lav, Teatro Pradillo, Matadero Madrid, Hangar, La Casa Encendida o el Centro de Arte Dos de Mayo.

Más información: https://www.mataderomadrid.org/programacion/ciudad-bailar-exagerar-0

Del 1 al 3 de octubre, 20:00
Entrada general: 15.00 euros

Se define a sí mismo como payaso conceptual y modelo, probablemente como parte de un juego clasificatorio irónico. Lo que es seguro es que es un artista con un lenguaje escénico muy personal que sigue evolucionando desde que comenzó su carrera a finales de los años 80 del siglo pasado, sin terminar de ajustarse a las categorías de bailarín, coreógrafo, actor o performer, pero sin dejar de integrarse en todas ellas. En los últimos tiempos, su práctica artística defiende radicalmente la imaginación, «no como fantasía —dice—, sino como producción de realidad y capacidad de pensamiento. Es en el teatro como espacio de libertad, de riesgo y provocación, como espacio generativo de diálogo, donde la imaginación puede desplegar todo su potencial transformador».

En esta temporada nos trae a Condeduque Tálamo, la segunda parte de su trilogía titulada No hay presente, mejor mirar atrás, un trabajo donde, precisamente, la imaginación del espectador cobra un gran protagonismo. Tálamo se desgaja de la primera pieza de la trilogía, My only memory, una coreografía-partitura, textual verbal, que el espectador escuchaba en la oscuridad del teatro. Casi, porque en los últimos 7 minutos de la pieza, después de estar dedicado exclusivamente a la escucha, el espectador comienza a intuir visualmente algo muy sutil en la escena, una imagen apenas imperceptible. «En estos últimos 7 minutos, la voz se silenciaba para dar paso a la imagen propuesta como una mezcla singular: parte visión, parte proyección, parte imaginación», explica Juan.

El final de aquella obra es el principio de esta otra. Tálamo lleva hasta sus últimas consecuencias esos últimos 7 minutos de My only memory. Se trata de buscar una vez más un estado físico activo del que mira, trabajando con y desde la oscuridad, con y desde la pérdida de referencias, en los límites no definidos entre lo legible y lo ilegible. Provocar esta necesidad de orientación, de comprensión, de reconocimiento y de resignificación de lo que se intuye sin llegar a saber exactamente lo que se ve, no puede ir más acorde con este tiempo de inflexión que vivimos tras el azote pandémico. «En ese estado el cerebro se activa de una manera inusual y la producción de significado y sentimiento se proyecta y crece exponencialmente. Después, la luz y la imaginación hacen aparecer la imagen».

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/talamo