— MuroTRON

En Contenedor Cultural UMA (Bulevar Louis Pasteur, 23,  Málaga) el jueves 03 de junio, a las 19:00, 3€

Technocracia aborda la fiesta como lugar de comunión, como mecanismo de reprogramación mental, de ruptura con lo cotidiano, de hedonismo físico y emocional; y también como una metodología de creación a partir del cuerpo en movimiento y la masa. Esta práctica interdisciplinar rescata la esencia de las fiestas techno o “raves” para desarrollar una experiencia afectiva y sensorial como un acto de insistencia y resistencia en comunidad. La música electrónica, la voz, los cuerpos en movimiento y la organización de todo el conjunto son las claves de este proyecto de artes vivas. La comunidad/público es parte fundamental de esta propuesta en la que nosotras funcionamos como guías o facilitadores de esta experiencia. Las actuales circunstancias propiciadas por la emergencia sanitaria nos han llevado a crear una pista de baile segura realizada ex-profeso para cada espacio anfitrión por el artista plástico Mauro Trastoy. Esta capacidad de adaptación de Technocracia hace que cada experiencia funcione como un site-specific diseñado para cada lugar, buscando optimizar el encuentro con cada comunidad.

FICHA ARTÍSTICA
Autoría e interpretación: Cristina Balboa, Félix Fernández y Manuel Parra. Produce: Funboa Escénica.
Dirección: Cristina Balboa.
Invitada especial y asistencia de movimiento: Elvi Balboa
Diseño dispositivo escénico: Mauro Trastoy.
Diseño iluminación: Afonso Castro.
Música original: Cristina Balboa, Félix Fernández, Manuel Parra, Pipo Rodríguez, Lefrenk y Roi Fanzine.
Asistencia producción: Manu Lago.
Colaboradores: Agadic, Colectivo RPM, corpo(a)terra, Galicia Danza Contemporánea, De corpos presentes.
El proyecto ha sido apoyado por una subvención a producción de AGADIC 2020, Axencia Galega de Industrias Culturais.

FUNBOA ESCÉNICA es una compañía gallega de teatro contemporáneo fundada en el 2011 por Cristina Balboa y Paulina Funes y acualmente dirigida por Cristina.La identidad de la Cía. pasa por los procesos vitales que viven las intérpretes que colaboran en cada producción. Son piezas de creación colectiva donde se desarrollan diferentes procesos de escritura y composición escénica, siempre desde la identidad, el contexto y la necesidad de infiltrarse en cualquier lenguaje artístico.

NUEVAS DRAMATURGIAS/ PERFORMANCE

Espacio 0, 20 h.
Duración: 45 minutos.
Aforo limitado. Entrada libre previa reserva.
Reservas a través de este formulario.

Apariciones Sonoras explora las dimensiones coreográficas y afectivas entre el sonido y el cuerpo. Tomando como punto de partida el fenómeno de la sinestesia, se otorga forma y plasticidad al sonido mientras que el cuerpo, el espacio y los objetos se sonorizan. La línea de percepción entre qué se genera y cómo se produce está en constante deriva y fluctuación, abriendo el campo sensorial del espectador y permitiéndole generar distintas asociaciones y significados. La prestidigitación y la transformación total de un cuerpo que dialoga con múltiples presencias sonoras hará de puente entre la ensoñación y la vigilia.

Amaranta Velarde trabaja en el campo de las artes escénicas como bailarina y coreógrafa. Se gradúa en CODARTS (Universidad de Danza de Rótterdam) en 2004 y desde entonces trabaja intensamente con el coreógrafo Bruno Listopad entre otros creadores. Después de su actividad profesional en Holanda se muda en el 2011 a Barcelona donde inicia sus propias piezas coreográficas: Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad y Mix-en-scene. A parte de realizar sus proyectos trabaja con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska, ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013-2016).

Concepto, dirección e interpretación: Amaranta Velarde
Diseño y concepto sonoro: Amaranta Velarde en colaboración con Juan Cristóbal Saavedra
Diseño lumínico: Daniel Miracle
Ojo externo: Cris Blanco
Producción: Centro de Danza Canal Madrid
Coproducción: La Caldera, Barcelona y Antic Teatre Barcelona
Con el apoyo de: Laboral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón

Más información: http://www.centroparraga.es/servlet/s.Sl?sit=c,914,m,3898,i,1&r=Portal-47159-DETALLE_EVENTO

29 y 30 de enero en La Mutant (Valencia)

Cuerpo Gozoso Se Eleva Ligero es una pieza escénica que tiene su inicio en el mundo del personaje del idiota y su conexión con tres cuestiones físicas muy concretas: el cuerpo, el placer y la ligereza. Una obra que tiene mucho de instalación visual y que pretende suspender la gravedad que se ejerce sobre todo lo que aparece en escena. He contado con la colaboración de los artistas plásticos Aris Spentsas y Rosana Sánchez y la coreógrafa Sandra Gómez.

Hemos trabajado a partir de materiales muy ligeros como el aire, el gas y el plástico partiendo de la idea de ligereza y confrontando dichos materiales en una especie de batalla lúdica contra la gravedad, entendida ésta como una fuerza que se ejerce sobre nosotras en todos los ámbitos de la vida.

​Una idea de Vicente Arlandis / TALLER PLACER
Creación e interpretación:  Sandra Gómez, Aris Spentsas, Vicente Arlandis y Rosana Sánchez, con la colaboración de Hipólito Patón.
Iluminación:  Isaac Torres
Producción: Paula Miralles
Una coproducción del Centro Cultural Conde Duque de Madrid
Con el apoyo del Ayuntamiento de Valencia y el Instituto Valenciano de Cultura

Edurne Rubio y María Jerez

Del 21 al 24 de enero en Conde Duque

La superposición de dos espacios es el eje de esta pieza, primera pensada y realizada en régimen de co-autoría entre Edurne Rubio y María Jerez, dos artistas que ya habían colaborado en alguna ocasión anterior, pero nunca hasta el extremo de concebir juntas. Esta superposición pone a trabajar el espacio del teatro, espacio cerrado construido por y para el ser humano, y un valle, un espacio transformado y moldeado por las condiciones geológicas y atmosféricas y completamente abierto, un espacio exterior. La arquitectura humana frente al sublime kantiano de una Naturaleza siempre amenazante. O siempre cambiante, sin más. «Nos interesa —dicen las creadoras— entrelazar el uno al otro, permitir puntos de encuentro entre los dos mundos y así construir un tercer lugar transitorio, anacrónico por ser al mismo tiempo ancestral y futurista, una pieza de ciencia (ficción) especulativa».

Edurne Rubio y María Jerez intervienen, así, el espacio teatral como ecosistema para, aprovechando su propia topografía, tecnología y materialidad acercarse a la extrañeza de la naturaleza, a sus dramaturgias y a sus fenómenos.Edurne ya nos transportó al interior de Ojo Guareña, la cueva que su padre exploró en tiempos de dictadura franquista, en la pieza Light years away. El teatro era la cueva, dos abismos de oscuridad y libertad. María Jerez ya nos introdujo en un cosmos artificial en constante movimiento en su pieza Yabba, que proponía una mirada atenta a la busca de una transformación constante pese a la incapacidad de nombrar lo que se estaba mirando. Estas dos piezas son los antecedentes inmediatos de A nublo, que toma su nombre de la tradición popular asentada hasta mediados del siglo XX,en la que los lugareños de las zonas rurales de España se enfrentaban a las tormentas, hablando directamente al cielo nublado para mantener la tormenta lejos de los pueblos, tratando de ahuyentar los rayos y pedirle al granizo que se convirtiera en agua.

Edurne y María llegarán al teatro de Condeduque y lo transformarán. «Generaremos un paisaje de manera tridimensional y envolvente. Situaremos al espectador en el ojo del huracán, en el centro del teatro, en la caja escénica: el valle. Comenzarán a observar el hermoso paisaje desde un punto de vista cómodo y seguro, pero, poco a poco, el clima cambiará».

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Dondequiera, cualquier sitio, seguimos bailando
Performance de Nacho de Antonio
6 de noviembre 2020, 19 h. Matadero Madrid

Una pieza de danza, que explora la potencia del baile en el momento incipiente, también en el ocaso; en la energía latente de los cuerpos deseosos y exhaustos, que producen el espacio (social) donde bailamos. Un movimiento que genera el lugar en su casi-no-hacer: la pista de baile. Los cuerpos danzantes se expanden, se organizan, evocan un lugar común, una posibilidad de bailar juntas, de sostener este espacio de excepción de la fiesta. El dance floor como esa comunidad que se conforma y posa vibrando sobre la misma superficie durante un tiempo concreto.

Dondequiera, cualquier sitio, seguimos bailando, es una pieza site-specific de Ignacio de Antonio, bailada con Carmen Aldama, Paula Cueto y Óscar Hernández. Sonido de Juanito Jones.

Ignacio de Antonio Antón es arquitecto y creador escénico. Formado en la New York University en el departamento de Performance Studies con una beca Fulbright. Hasta el año 2015 formó parte del colectivo de arquitectura Taller de Casquería. Ha presentado sus piezas en contextos como Emily Harvey Foundation, Leal Lav, Teatro Pradillo, Matadero Madrid, Hangar, La Casa Encendida o el Centro de Arte Dos de Mayo.

Más información: https://www.mataderomadrid.org/programacion/ciudad-bailar-exagerar-0

Del 1 al 3 de octubre, 20:00
Entrada general: 15.00 euros

Se define a sí mismo como payaso conceptual y modelo, probablemente como parte de un juego clasificatorio irónico. Lo que es seguro es que es un artista con un lenguaje escénico muy personal que sigue evolucionando desde que comenzó su carrera a finales de los años 80 del siglo pasado, sin terminar de ajustarse a las categorías de bailarín, coreógrafo, actor o performer, pero sin dejar de integrarse en todas ellas. En los últimos tiempos, su práctica artística defiende radicalmente la imaginación, «no como fantasía —dice—, sino como producción de realidad y capacidad de pensamiento. Es en el teatro como espacio de libertad, de riesgo y provocación, como espacio generativo de diálogo, donde la imaginación puede desplegar todo su potencial transformador».

En esta temporada nos trae a Condeduque Tálamo, la segunda parte de su trilogía titulada No hay presente, mejor mirar atrás, un trabajo donde, precisamente, la imaginación del espectador cobra un gran protagonismo. Tálamo se desgaja de la primera pieza de la trilogía, My only memory, una coreografía-partitura, textual verbal, que el espectador escuchaba en la oscuridad del teatro. Casi, porque en los últimos 7 minutos de la pieza, después de estar dedicado exclusivamente a la escucha, el espectador comienza a intuir visualmente algo muy sutil en la escena, una imagen apenas imperceptible. «En estos últimos 7 minutos, la voz se silenciaba para dar paso a la imagen propuesta como una mezcla singular: parte visión, parte proyección, parte imaginación», explica Juan.

El final de aquella obra es el principio de esta otra. Tálamo lleva hasta sus últimas consecuencias esos últimos 7 minutos de My only memory. Se trata de buscar una vez más un estado físico activo del que mira, trabajando con y desde la oscuridad, con y desde la pérdida de referencias, en los límites no definidos entre lo legible y lo ilegible. Provocar esta necesidad de orientación, de comprensión, de reconocimiento y de resignificación de lo que se intuye sin llegar a saber exactamente lo que se ve, no puede ir más acorde con este tiempo de inflexión que vivimos tras el azote pandémico. «En ese estado el cerebro se activa de una manera inusual y la producción de significado y sentimiento se proyecta y crece exponencialmente. Después, la luz y la imaginación hacen aparecer la imagen».

Más información: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/talamo

Se respira en el jardín como en un bosque y se está en el teatro como en el mundo. Pero ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo. Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y llena de peligros.

En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo que aparece de nuevo ante mis ojos se vuelve indomable, peligroso y siempre incomprensible.

Cada pase tiene una duración aproximada de 35 minutos y es para un único espectador/a.

NOTA IMPORTANTE: El/la espectadora debe estar 15 minutos antes de que comience su pase en el teatro.

Se realizarán un total de 28 pases, con lo que participarán en la instalación 28 espectadores.

Los pases se realizarán el

30/9/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases
30/9/20 de 17h a 20h: total 10 pases.
01/10/20 de 11h a 13:40h: total 9 pases.

La Mutant. Espai d’arts vives.
24, Carrer de Joan Verdeguer, 22
46024 València

Más información: https://russafaescenica.com/representacion/los-protagonistas/

Bárbara Bañuelos 

20 y 27 de junio en el Teatro Español

“De cómo encontré en la calle la típica foto de un plato combinado y terminé buscando a Hemingway en la casa de mis abuelos.
De como te encuentras una ecografía abandonada en las calles del Líbano , visualizas 15 veces el monólogo de “ Belle de Jour” e investigas las obras inacabadas de Oscar Niemeyer.
De como las fotos de unas niñeras , me lleva a investigar el caso Watergate y acabo de fiesta con el hijo de John Lennon.
De cómo unos naipes de Vitoria y los artistas Gilbert&George me ayudaron a descubrir el nombre real de Jack el Destripador”

Desde 1996, Bárbara Bañuelos ha estado recopilando objetos (principalmente planos y de papel) que ha ido encontrando en la calle.

Objetos cotidianos del día a día de cualquier persona, o retazos de cosas que formaban parte de algo o fragmentos de cosas no queridas, perdidas, abandonadas. Cosas sin valor económico. Aquello que no se quiere, lo que se desecha. Los olvidados.

Inventario es un recorrido inusual por una parte de la memoria, por los objetos y la intuición. Un juego posible que se desplaza entre la ficción y la realidad.El recorrido que cada objeto genera es inesperado, las relaciones y conexiones que se establecen no son premeditadas ni medidas y se despliegan solas a modo de memoria expandida configurando una búsqueda no lineal. Bárbara Bañuelos utiliza su presencia escénica como un archivo vivo corporal que habita las propias vivencias y a partir de fragmentos autobiográficos  devuelve cierta memoria a los objetos creando un mapa de ramificaciones infinitas. Como si de un rizoma se tratara, cada historia se repliega sobre sí misma multiplicada en infinitas, manteniendo abierto las posibilidades de lenguaje para que se conviertan en herramientas de acción.

+ info y entradas

Del 22 al 24 de noviembre en La Mercè, Girona.

El spin off de LA PLAZA (Premio de la Crítica 2018) desmonta convenciones teatrales con la firma de uno de los colectivos más innovadores de la escena catalana.

A un proyecto de El Conde de Torrefiel se debe ir abierto a la sorpresa y la curiosidad. Su obstinación con el derribo de fronteras y etiquetas continúa con KULTUR, spinoff de LA PLAZA, montaje que flirteaba con la instalación museística y que fue galardonado con el Premio de la Crítica 2018. Esta idea de la performance también domina esta nueva propuesta que enfrenta al espectador a una escena en apariencia realista (un casting que exige una escena de sexo explícito) para crear una experiencia íntima y subjetiva, para que adopte, ayudado por la oscuridad y unos auriculares, la posición de un voyeur que espía una situación que crece en intensidad.

Más información: https://temporada-alta.com/es/event/kultur/