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Espectáculo

Obra infinita de Los Bárbaros | Del 3 de marzo al 2 de abril en el Teatro María Guerrero de Madrid (Centro Dramático Nacional)

Una creación de Los Bárbaros. Escrita y dirigida por Javier Hernando y Miguel Rojo.

Con Jesús Barranco, Rocío Bello, Cris Blanco, Elena H. Villalba, Diego Olivares, Alma P. Sokolíková y Macarena Sanz .

Sinopsis

Se cuenta que había un hombre que estaba en el campo haciendo de vientre y estando así, agachado, le pasó por debajo un lagarto y le dio con el rabo en el culo. Entonces se levantó deprisa, se giró y miró para atrás, pero ¡claro! no vio al lagarto, y pensó que el lagarto se le había metido dentro.

Fue a casa y les contó a sus hijas que se le había metido un lagarto por el culo y empezó a preocuparse y a decir: ¡ahora está por aquí!, ¡ahora lo noto por abajo!, ¡ahora corre por arriba! Tenía ya tanta sugestión que sus hijas avisaron al médico y el médico, al ver lo mal que lo estaba pasando, le dio una pastilla para que durmiera un poco. Cuando se despertó, le dijo que le había sacado el lagarto del culo. El hombre se puso bien y no se volvió a acordar del lagarto.

De esto trata Obra infinita, de contar y cantar, de cuidar y curar con palabras, de historias que pueden explicarnos el mundo y sacarnos el lagarto de dentro.


Nota de los autores

Obra infinita es un título robado, aunque lo hemos modificado un poco para que no se note tanto.

La condición de texto infinito hace referencia al conjunto de cuentos populares como un intento de la humanidad por dotarse de un modelo narrativo polivalente e ilimitado, en conexión con las más radicales preocupaciones del ser humano y de la sociedad. Para el filólogo y folclorista Antonio Rodríguez Almodóvar no se conoce un intento más ambicioso y completo y es muy posible, dice, que no vuelva a darse nada semejante. El cuento popular es el modelo más perfecto inventado por la humanidad como tentativa de un texto infinito, que lo diga y que lo explique todo, en cada tiempo y en cada circunstancia. Un laborioso sistema de cuento y contracuento gracias al cual el propio sistema se cuestiona a sí mismo, se autocorrige y se adelanta a sus propias roturas, creando nuevos sistemas.

Esta obra se llama Obra infinita porque es una obra de memorias y oralidades, de cuentos populares y canciones, que atraviesan el tiempo y pueden imaginar el futuro. Pero no es una obra sobre la nostalgia, costumbrista, sobre cuentos de antaño, aldeas en donde jamás hemos vivido o paraísos que nunca existieron. En cambio, sí es una obra de posibilidades, de relatos disidentes, de momentos especiales en los que la escucha crea comunidades.  Porque sabemos desde hace tiempo que los cuentos nos cuentan y de eso va esta propuesta: de la vida juntos.

Javier Hernando y Miguel Rojo

Más información y entradas: Centro Dramático Nacional

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Sin la soga al cuello de Ensalle y Gonzalo Cunill – 24 al 26 de febrero en Teatro Ensalle

“Aunque parezca mentira, la carencia es un territorio ocupado. No tiene nada que ver con la placidez del vacío donde uno va colocando deseos, actividades, encuentros y objetos de variada textura y matizados colores. La carencia es la herida que sangra a pesar de estar cicatrizada, un toque de queda en mitad de la noche temblorosa.”

Sin la soga al cuello. Gonzalo Cunill

Sin la soga al cuello es una pieza que nace a raíz del texto escrito por Gonzalo Cunill con el mismo nombre, después de que fuese publicado en Pliegos Aflera. Un conjunto de textos escritos a lo largo de 2020 sin pretensiones dramáticas, como notas de un diario.

La incertidumbre de Gonzalo sobre si el texto era escénico o no, supuso un reto y un juego para los cómplices de la pieza (Pedro Fresneda, Artús Rei, Raquel Hernández y el propio autor).

Un discurso interno, macerado y profundo, distribuido en tres voces, como tres soledades acompañadas y una sucesión de acciones cercanas a la performance componen esta pieza no exenta de humor.

Ficha artística

Texto: Gonzalo Cunill.
Con: Gonzalo Cunill, Artús Rei y Raquel Hernández.
Dirección artística: Pedro Fresneda y Gonzalo Cunill.
Iluminación: Pedro Fresneda.
Espacio escénico: José Faro.
Técnico en gira: Jaume Blai.
Edición y publicación del texto: Aflera Producciones.
Distribución y producción: María Costa.
Gestión y administración: Jorge Rúa.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/sin-la-soga-al-cuello/?event_date=2023-02-24

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Noche cañón de Societat Doctor Alonso – 25 y 26 de febrero en Réplika Teatro

→ Dramaturgia: Sofía Asencio i Tomàs Aragay
→ Creación e interpretación: Sofía Asencio
→ Dirección escénica: Tomàs Aragay
→ Diseño revista: Beatriz Lobo
→ Espacio escénico: Jorge Nieto
→ Vestuario: Jorge Dutor
→ Iluminación: Celina Chavat
→ Producción: Imma Bové
→ Comunicación y distribución: Tomàs Aragay
→ Espectáculo co-producido por: Festival TNT, Antic Teatre i Societat Doctor Alonso
→ Con la colaboración de: Espai nyamnyam, Festival Citemor, Festival Russafa Escènica y La Caldera.

Este proyecto ha recibido la beca ACENTO de La Casa encendida y el MACBA
La Societat Doctor Alonso recibe soporte de ICEC, INAEM y del Institut Ramon Llull

El humorismo solo pretende desacomodar interiores y desmontar verdades. (…) No se propone el humorismo corregir o enseñar, pues tiene ese dejo de amargura del que cree que todo es un poco inútil.

Ramón Gomez de la Serna.

“Gravedad e importancia del humorismo”

En Noche Cañón, Sofía Asencio trabaja en colaboración con Beatriz Lobo, Jorge Nieto y Tomàs Aragay para encontrar una forma propia de generar texto dentro del género del monólogo cómico. 

Una obra que interactúa directamente con el público y en la que se desplazan los límites de las formas arquetípicas del humor y la malauva trabajando los ritmos, los silencios, las paradojas, los sinsentidos, la sobreactuación y la fraseología.

DISPOSITIVO

Aparentemente Noche Cañón es un show típico de Stand-up Comedy .

Pero en realidad lo que Noche Cañón guarda escondido es un dispositivo por capas cuyo efecto, en la cabeza del  espectador, es el de un número de Cabaret/varietés.

En Noche Cañón el espectador va siempre un poco por detrás del show, descubriendo poco a poco, mediante una cascada de sorpresas el interior del mecanismo. Un dispositivo que consta de un libreto con imágenes en manos del espectador, una serie de accidentes escénicos a modo de gags performativos y un vestuario en continua transformación. Estás diversas capas acompañan y modifican el discurso verbal y físico de la performer.

La Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomàs Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio, para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje tanto en cuanto a su gramática constitutiva como en cuanto a la lectura que un observador puede hacer: desplazar para desvelar algo.

Este maniobra de desplazamiento se ha revelado como un herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que pongan en cuestión el estatus quo de nuestra comprensión de la realidad.

Más información y entradas: https://replikateatro.com/evento/noche-canon-societat-doctor-alonso/

 

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Desbordes de Amaranta Velarde – 23 al 25 de febrero en El Mercat de les Flors

El proyecto investiga los conceptos de desbordamiento y contención en relación a la estética escénica, la corporalidad y el lenguaje coreográfico. Indaga en la necesidad de buscar estados alterados de consciencia y la producción de identidades alternas como vía de escape a los límites cotidianos y el vacío humano. Desbordes mira hacia la estética camp y el movimiento New Romantics de los años 80. La mezcla de elementos, la estética kitsch, su optimismo y exuberancia, así como las características andróginas y la teatralización que implica la desnaturalización y la artificialidad a través del exceso y la evasión son el punto de partida del trabajo.

Amaranta Velarde es bailarina, coreógrafa y pedagoga licenciada en Holanda. Desde 2004 trabaja con el coreógrafo holandés Bruno Listopad, entre otros. En 2011 vuelve a Barcelona, donde inicia sus propias piezas coreográficas, a la vez que trabaja con otros creadores, como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska. Ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa. Sus trabajos se han presentado en contextos como Alt Vigo, MUSAC de León, Secció Irregular del Mercat de las Flores, MACBA és Viu, Sala Hiroshima (BCN), Brigittines (Bruselas), CA2M, Teatro Pradillo, Museo Reina Sofía, Festival Eufònic, Festival Grec.

Concepto y dirección Amaranta Velarde / Coreografía en colaboración con los intérpretes / Interpretación Guillem Jiménez, Amaranta Velarde, Juan Cristóbal Saavedra / Música en directo Juan Cristóbal Saavedra / Dramaturgia Roberto Fratini / Mirada externa Cris Blanco / Asistencia movimiento Oihana Altube / Estudiante en prácticas de ayudantía dirección Vera Palomino / Asesoramiento de vestuario Sau Ching Wong
 Coproducción Mercat de les Flors, Festival GREC / Con el apoyo La Caldera de Les Corts, La Poderosa, Centro Coreográfico Canal, Graner fàbrica de creació, L’Animal a l’Esquena, Premis Barcelona 2020 y Beca OSIC

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/desbordes/

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Mágica y elástica de Cuqui Jerez – 25 y 26 de febrero en El Mercat de les Flors

Esta pieza se configura como un musical deconstruido que explora la manera con la que el sonido, el movimiento y la imagen trabajan juntos. Estos elementos nos permiten percibir aquello de lo que no podemos hablar, nos permiten vislumbrar lo que el lenguaje no puede captar aún, nos conducen a un espacio de misterio en el subsuelo del espectáculo y al momento en el que la experiencia se convierte en emoción. La deconstrucción del género musical ofrece un campo de trabajo en el que la narrativa puede partir de una imagen, la coreografía de una pieza musical, la música de la narrativa, la coreografía de la imagen, etc., sin jerarquías entre ellas, cooperando para generar la partitura de la pieza: un cuerpo musical amorfo, mixto y con múltiples capas.

Cuqui Jerez empieza a desarrollar su trabajo coreográfico en 2001. Desde entonces ha creado piezas de diferentes naturalezas que se han presentado en numerosos festivales, teatros y museos de Europa, EUA y Latinoamérica. Sus piezas no se corresponden necesariamente con la idea de una “coreografía”, aunque para Cuqui Jerez la creación coreográfica se nutre de elementos de diferentes disciplinas: Desde mis primeras piezas, mi trabajo ha sido una herramienta para entender el acto performativo. Hasta ahora he hecho performances, danzas, piezas de teatro, vídeos, textos, fotografías, objetos, acontecimientos y publicaciones, pero de alguna manera considero todas estas prácticas como coreografías. Mi enfoque de todas las obras es coreográfico, por eso me considero principalmente una coreógrafa.

Proyecto Cuqui Jerez / En colaboración con Óscar Bueno / Concepto y dirección Cuqui Jerez / Creado en colaboración con Anto Rodríguez, Cécile Brousse, Javi Cruz, Louana Gentner, Gilles Gentner / Composición musical Óscar Bueno en colaboración con Cuqui Jerez, Anto Rodríguez, Cécile Brousse, Javi Cruz, Louana Gentner / Diseño luces y dirección técnica Gilles Gentner / Técnico sonido Oscar Villegas / Asistente producción Nicole Sazo / Producción Dorothy Michaels – Oficina de Investigación y producción artística
Coproducción Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque, Madrid; Kaaitheatre, Brussel·les; Budakunstencentrum, Kortrijk / Con el apoyo Graner fábrica de creación y La Caldera centro de creación / Agradecimientos María Jurado, Julia Rubíes, Miguel Jerez, Beatriz Quintana, Maral Kekejian, Julia López Varela, Andrea Rodrigo, María Jerez, Océane Seyer, David Fernández

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/magica-y-elastica/

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Blob de María Jerez – 24 y 25 de febrero en La Mutant

Blob se enfrenta a un enigma, el misterio de cómo el encuentro de dos (tú y Blob) puede crear un tercero, una tercera cosa, una tercera dimensión, algo, algo que no estaba ahí antes, y que ni siquiera estaba destinado a estarlo; algo que surge del propio encuentro. Y mientras surge, transforma a ambos: a ti y a Blob… produciendo así un cambio, un proceso de des-identificación, una colisión con lo indefinido.

Blob es una entidad, una especie de célula mutante, algo que cambia constantemente. Esta mutación desafía al lenguaje, cuando parece que vas a nombrar lo que ves, lo que ves se ha transformado en otra cosa. En esa constante transformación, Blob propone la incapacidad de nombrar lo que se mira.

Blob ha sido creado dentro del proyecto WHAT IS THIRD de María Jerez. Este proyecto compartió tiempo y espacio con Arantxa Martínez, Alejandra Pombo, Marten Spangberg, Edurne Rubio, Peio Aguirre, Vedrana Klepica, Anto Rodriguez, Mala Kline y Cuqui Jerez.

Una pieza de María Jerez

Sonido: Christophe Albertijn & Maria Jerez

Coproducido por What Is Third, La Casa Encendida (Madrid), Buda Kunstencentrum (Kortrijk), University of Zagreb-Student Centre Zagreb-Culture of Change &TD Theatre.

Con el apoyo de TanzFabrik (Berlín).

Proyecto financiado por Apap -Performing Europe project con la colaboración de “Creative Europe” – Programa de la Unión Europea “Cultura 2007-2016”.

Más información y entradas: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=311

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Serrucho – Sábado 18 y domingo 19 de febrero a las 19h30 en La Mutant

“Interior noche” és una peça de teatre que utilitza el temps com a material de treball i juga amb la superposició de fragments espaciotemporals impossibles.
Una llarga escena de càmping nocturn. Un laboratori amb cadires plegables, ombrel·les i tendes de campanya. L’espectador ajudat d’un frontal anirà descobrint en aqueixa nit d’estiu un collage d’objectes i memòria. El feix de llum que es projecta des del seu cap posa en escena la seua mirada al costat de la resta del públic, delatant temporalitats i decisions individuals que condicionen la representació.

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Serrucho son Ana Cortés, Raúl Alaejos y Paadín

Creación, realización y construcción: Serrucho

Una coproducción de Serrucho y Festival TNT.

Asistencia técnica: Miguel Aparicio

Con el apoyo de Citemor, Teatro municipal de Coslada, Graner, Ayuntamiento de Madrid.

Duración: 60′ aprox.

Idioma: español

Año de producción: 2022

Más información: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=310

 

 

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De Víctor Colmenero Mir y Daniel Van Lion 

Del 25 al 27 de noviembre en Teatro Pradillo

Burn your garden, si construiste una valla demasiado alta y olvidaste dejar hueco para una puerta. Burn your garden, para forzar una visita de tus vecinxs. Quémalo antes de tener que contratar a otra persona para mantenerlo.
A través de los jardines nace la alineación, el orden, la cadencia, la distancia entre los planos y la perspectiva. Giles Clément plantea en su libro «Una breve historia del jardín» el jardín como una reducción de la historia de las formas.
Pero los jardines también son una relación de ritmo y movimiento. Un pulso entre cuerpo y espacio para contener o proyectar entornos. Lxs jardinerxs trabajan para el futuro.
Podría tener un jardín de plantas tropicales, un jardín de piedras o arena y hacer dibujos en él con un rastrillo. Podría liberar dos leopardos para que corrieran por él como en la canción de Rosalía. También podría dejarlo a su suerte y que las ramas se enrosquen con las del vecino como lo hacen en secreto las raíces. O esperar sentado desde la casa un incendio forestal, un huracán. Que todos los jardines de uno y otra sean ceniza o escombro de todas.
Burn your garden es un proyecto de naturaleza transdisciplinar, transmaterial. Se plantea como un circuito continuo de trasvases entre cuerpo y objeto, no fuerza un punto de atención único e intenta evitar una jerarquía de los cuerpos en escena a favor de una estructura de membrana, de atmosfera, que también recoge a las personas que asistan a esta instalación performativa.
Pero también es una pregunta sobre cómo nos relacionamos y configuramos nuestro entorno. Es una investigación sobre el terreno y el territorio, sobre ir en contra de él o negarlo o apropiárselo.
Este proyecto está atravesado por muchas inquietudes personales en distintos planos que han tomado forma en el jardín.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/burn-your-garden/

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19 y 20 de junio en Conde Duque

+ info y entradas

Txalo Toloza y Laida Azkona nos traen a Condeduque la tercera pieza de la serie documental Pacífico, un proyecto de artes vivas centrado en las nuevas formas de colonialismo, la barbarie sobre el territorio y los pueblos originarios de Latinoamérica y la estrecha relación que tienen estos pueblos con el desarrollo de la cultura contemporánea. Txalo Toloza, chileno de Antofagasta, se estableció en Barcelona en 1997, donde desarrolla su trabajo como performer, creador escénico, videoartista y activista. En 2015 forma con la coreógrafa vasca Laida Azkona la compañía Azkona&Toloza.

La pieza que precede a Teatro Amazonas, titulada Tierras del Sud, se pudo ver en Naves Matadero hace poco más de un año. A menudo hablamos de los países latinoamericanos como países hermanos, pero ignoramos mucho de lo que sucede allí, sobre todo tierra adentro, en los epicentros culturales —en el sentido antropológico— y cómo se libran batallas silenciadas por intereses de toda índole. Si Tierras del Sud nos revelaba cómo casi desde la creación del estado nación argentino se ha intentado sofocar movimientos de resistencia como los del pueblo mapuche, Teatro Amazonas nos lleva a la reserva natural más amenazada del planeta. La descolonización llega hasta hoy mismo y hay informaciones que no conocemos a través de los medios de comunicación. El teatro de Azkona&Toloza informa y forma. Y lo hace a través de una propuesta plástico-escénica muy genuina.

Teatro Amazonas bucea en el nacimiento y desarrollo de dos de los más grandes hitos arquitectónicos del Amazonas brasileño, ambos relacionados estrechamente con el mundo del espectáculo: el Teatro Amazonas, uno de los mayores teatros dedicados a la ópera de todo Brasil y fundado a finales del siglo XIX, y la Arena de Amazonía, el estadio de fútbol más grande de la región, inaugurado en 2014 para el Mundial. Desde ese punto, Txalo y Laida viajan atrás en la historia para narrar los últimos siglos de aquel territorio, donde afloran las ansias de grandeza de la burguesía poscolonial, el despojo y la barbarie provocada sobre los pueblos originarios, la propia devastación del Amazonas y el funcionamiento del mercado internacional de bonos de carbono. Os auguramos una fuente de placer estético y descubrimientos sorprendentes, compromiso y arte de la mano.

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Del 9 al 13 de junio en el Teatro de la Abadía.

Un cuerpo atravesando una experiencia.

Y la narración en formato escénico de esa experiencia.

A partir de un punto de partida: El descubrimiento de un silencio familiar y la necesidad de reconstrucción de la historia de mi abuela paterna.

Un proyecto de Investigación personal y social. Una reflexión sobre el cuerpo y el sufrimiento mental. (el cuerpo físico, institucional, mental, social, sanitario, afectivo, político, etc.) y cómo estos cuerpos y estas voces que se relacionan con el  sufrimiento mental se encuentran con una sociedad que estigmatiza otras realidades, otras formas de estar en el mundo.

Una experiencia individual y subjetiva que en el acto de compartirla se convierte en una reflexión social.

Más información: https://www.teatroabadia.com/es/temporada/671/mi-padre-no-era-un-famoso-escritor-ruso/

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