— MuroTRON

Platea de Tripak | 16 de noviembre a las 19h30 en La Mutant de València

(un brindis)

el umbral es una cascada

(con lágrimas)

desemboca sobre la mesa

(una tumba)

y de ahí cae y se extiende

(las marismas)

uno tras otro los cuerpos

(hermanas, hermanas!)

pasamos por aquí

(nuestra herida tremenda)

para salir ahí

(Platea)

Más información: La Mutant | Notas que patinan #133: Platea de Tripak, por Rubén Ramos Nogueira

Pequeño cúmulo de abismos de Cris Blanco | Sábado 9 de noviembre a las 20h en el Centro Cultural de Viñagrande, Alcorcón, dentro de la programación del Festival de Otoño

«La escena, sin duda, no podía existir, pero allí estaba.»
Los reflejos dorados, Mario Levrero.

En el mundo cuántico se dice que la realidad no existe hasta que es observada. ¿Entonces qué hace, dónde está cuando no la observamos? ¿Dónde y cómo se queda? Yo de pequeña igual lo intuía, por eso me daba la vuelta rápido antes de salir de la habitación, para pillar a mis muñecos y objetos cambiándose de sitio.

La imaginación y la fantasía son el filtro que he puesto a la realidad desde siempre para poder transitar por ella. Como dice una amiga mía: «Yo de pequeña vivía en Fama, eso me salvó»

Pequeño cúmulo de abismos es un homenaje a esa imaginación que nos salvó. Un intento más de entender la realidad, o de rodearla acercándonos a todas las fantasías que podamos, desde todos los ángulos posibles, todos los barrios y todos los tiempos. Es el cúmulo de micromundos imaginarios que pueden caber en un agujero en la pared de un teatro, un abismo de realidad y ficción.

Dirección: Cris Blanco
Dramaturgia: Rocío Bello, Cris Blanco, Óscar Bueno, Anto Rodríguez
Reparto: Oihana Altube, Rocío Bello, Cris Blanco e Íñigo Rodríguez-Claro
Escenografía: Pablo Chaves
Iluminación: Miguel Ruz Velasco
Vestuario: Jorge Dutor
Diseño sonoro: Carlos Parra
Vídeo: Marta Orozco
Ayudante de dirección: Marta Orozco
Ayudante de escenografía: Lia González Álvarez
Fotografía: Geraldine Leloutre
Tráiler: Macarena Díaz
Producción ejecutiva/distribución: Elena Martínez
Producción: Centro Dramático Nacional, Cris Blanco y Festival Grec de Barcelona

Sobre Cris Blanco

Nació en el barrio obrero de Peñagrande en Madrid. Aunque se licenció en Interpretación por la RESAD en 2002 desde que salió siempre ha dirigido sus propios trabajos escénicos. También actúa siempre en ellos, y alguna vez en el cine. Como intérprete, ha trabajado con Xavier Leroy, Cuqui Jerez, Los Bárbaros y Juan Domínguez, entre otros, y en cine con Icíar Bollaín, Roser Aguilar y Belén Funes.

Vive en Barcelona desde 2012 y ha sido profesora de interpretación en el Conservatorio de danza del Institut del Teatre. Su circuito durante mucho tiempo ha sido el de la danza, y en parte entiende la creación escénica desde lo coreográfico.

Algunos de sus trabajos escénicos son cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE (2004), The set Up (2008), ciencia_ficción (2010), El Agitador Vórtex (2014), Bad Translation (2016) y Pelucas en la Niebla (2018) y Grandísima Illusione (2022), además de Lo pequeño (2019) junto a Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol.

Ha presentado sus trabajos en festivales, museos y teatros nacionales e internacionales y ha tenido la suerte de contar con la producción de La Villette de París, El Centro Dramático Nacional, El Festival Grec, Le Phènix, El Mercat de les Flors y Condeduque, entre otros.

Le gusta mucho el cine, especialmente la ciencia-ficción, y su trabajo escénico bebe mucho de este género, además de las artes plásticas, la música y la baja cultura. Le interesan los mecanismos del propio teatro y sus convenciones, el humor, la mezcla de géneros y formatos y especialmente la relación con el público.

Más información: Festival de Otoño

Alberto Cortés – Del 14 al 17 de noviembre en la Fundació Brossa 

Estás viendo una playa. Ahora estás en ella. Esa no, piensa otra. Ahora miras a los laterales, no hay nadie más. Ahora junto a ti hay un amante hermoso que coge tu mano. Ahora lloras desconsoladamente y el amante no se inmuta. Mira el mar, aparece un humo que se desliza sobre el agua. En el centro del mar una figura delgada y sucia te canta. Te cuenta su historia, te vuelca encima toda la poesía que puede para que haga algo con tus heridas. No asegura cura pero asegura cambio de la temperatura interna. Ponte en sus manos, este fantasma te va hacer ver cosas: un caballo con un cuerpo encima, una pradera, un maricón andalú sufriente, hombres desnudos, una noche estrellada, una ría, un pueblo chico, un casamiento, playas sexualizadas, playas lloronas, playas heridas, playas macabras, playas inocentes. El fantasma se llama Analphabet.
Os convoco para una invocación espiritista; invocamos a Analphabet. Con la ayuda de un libro que recoge su testimonio haremos que ese objeto haga de conexión con su mundo, que lo lleve de un plano a otro, que lo traiga aquí, que lo traiga aquí. El libro lleva por nombre “Siempre vengo de noche”. Lo lees y casi aparece.
Unas recomendaciones para la sesión:
Trae puesta alguna prenda negra.
Trae un libro que te conecte con tus fantasmas.
Ven con una canción en la cabeza.
Perfúmate como más te gusta o bien ponte crema de protección solar 50.

Alberto Cortés

Más información y entradas: https://fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/siempre-vengo-de-noche-live-set/.

100 cosas que hacer hoy mejor que ver este espectáculo de Paloma Calle | Viernes 12 de julio en el Teatro del Barrio

Este espectáculo elabora una maquinaria de hiperconsumo para precisamente cuestionar el consumo de contenidos veloz e insaciable que habitamos en nuestro cotidiano. Cuando intentes irte y dejar de consumirnos verás que no podrás. Como en la vida misma.

Crudo de La Señorita Blanco | 5 de julio en TEA Tenerife

TEA Tenerife Espacio de las Artes presenta este viernes (día 5), a las 19:30 horas, Crudo, el nuevo trabajo de La Señorita Blanco (Olga Blanco Galán, Barcelona, 1977). Esta propuesta -que se da a conocer en el marco del programa público de artes en vivo Por asalto, curado por Javier Arozena- es un material coreográfico que nace de la pieza escénica Paisaje dentro de Paisaje: 2. Lo Animal. Se trata de una exploración de la forma del cuerpo humano en unión con el espacio y el tiempo, una visión del cuerpo desde la forma, la materia, el pliegue, el relieve y el paisaje. En la pieza, el cuerpo de las performers Ángela Millano y María Pizarro-Pérez se entrega a la resistencia física y a un tiempo sin ficción desde una inusitada calma que solo sucede desde la intención de habitar el espacio. La maniobra deviene en ritual, movimiento eterno e inconmovible. Tras la performance, que es de acceso libre, tendrá lugar un encuentro con las artistas.

Sinopsis

“Todo esto, y cuando digo todo esto digo la civilización, el mundo, la historia, digo todo esto. Ya no va de casi nada. Y si va de algo, no parece ir de nada agradable. Hace tiempo que me quedé sin palabras, ya no me gustan. No consigo decir con ellas lo que querría decir si es que tengo que decir algo. Dentro de una historia construida a base de palabras, me he quedado muda.

Ahora ya todo apunta a que la vida se está cansando del peso de nuestros cuerpos sobre ella. Desde que asesinamos todos los rituales no somos más que trozos de carne entorpeciendo el devenir de la naturaleza. Aquí sólo deberían quedar ya los animales y las plantas. A estas alturas lo que más me interesa es pararme y callar. Volver a la tierra. Huir a las montañas y ser un animal: comer, cagar, dormir, follar y observar el paisaje”.

Ficha artística

CREACIÓN La Señorita Blanco con la colaboración de Ángela Millano, María Pizarro-Pérez y José Ramón Pujante

DIRECCIÓN La Señorita Blanco

CODIRECCIÓN ARTÍSTICA José Ramón Pujante

Más información: TEA

Canchal 11. Sobre Ensalle, Juan Navarro y Terrorismo de autor | Sábado 6 de julio en el MITCFC en Cangas

Dämon. El funeral de Bergman de Angélica Liddell | Del 19 al 21 de julio en el Teatre Lliure dentro del festival Grec de Barcelona

Creadora de unos espectáculos que no ofrecen concesiones al público, la artista lleva a escena el sepelio del conocido cineasta.

No hace todavía un año que la creadora de Figueres fascinaba al público del Temporada Alta invitándolo a celebrar su propio funeral, una ceremonia hecha con imágenes poéticas titulado Vudú (3318) Blixen y que ya contenía referencias al cineasta Ingmar Bergman. Fue el primero de una serie de funerales escénicos que se aproximan a la idea de la muerte desde el momento en que se empieza a presagiar su llegada. Si Vudú era un viaje al funeral de la propia artista, en Dämon confirma los demonios que la rodean bajo la influencia de Ingmar Bergman. La trilogía terminará con Eón, o la lucha de Liddell “por desaparecer totalmente del escenario”, como ella misma anuncia.

En Dämon asistiremos al funeral que Bergman diseñó para sí mismo, aunque también veremos referencias a las creaciones preferidas del autor, como El sueño, de Strindberg, una de las obras que Bergman puso repetidamente en escena. En Dämon la representan de nuevo los mismos actores y actrices que luego recrearán el funeral de Bergman, unos intérpretes procedentes del Dramaten, el principal teatro de Suecia, donde el propio dramaturgo y cineasta se formó, donde trabajó muchos años y desde donde transformó la escena de su país. Demonios, sueños y fantasmas en una creación en la que vemos a un Bergman que aspira, en sus últimos días, a una muerte dulce, que sigue en directo por televisión el funeral del papa Juan Pablo II y que encarga una caja de madera exactamente igual a la que se utilizó para el Santo Padre para su propio entierro. El de Juan Pablo II fue un funeral multitudinario retransmitido para el mundo entero. Del de Bergman poco se sabe, aunque ahora llega a escena tal como él mismo lo diseñó, incluyendo los himnos que se habrían cantado y las interpretaciones musicales que habrían sonado.

Angélica Liddell es de las creadoras escénicas más vistas y aplaudidas, poseedora de una extensa trayectoria internacional que tuvo un momento de inflexión cuando, en 2010, se vio con gran éxito en Aviñón La casa de la fuerza. Era un montaje de gran impacto, como buena parte de los de una autora que no hace concesiones, que lleva al límite sus razonamientos. Ganadora de premios de tanto prestigio como el León de Plata de la Bienal de Venecia, pasó mucho tiempo ausente de los escenarios barceloneses, hasta que en 2020 el Grec Festival de Barcelona programó La letra escarlata y, en el año 2021, Liebestod.

Más información: Festival Grec

La luz de un lago de El Conde de Torrefiel | Del 19 al 22 de julio en el Teatre Lliure dentro del festival Grec de Barcelona

Transcendiendo los ámbitos plástico y visual, este montaje emplea herramientas sonoras para explorar las posibilidades de la imagen teatral y poética.
El sonido ha ejercido siempre un papel en las creaciones escénicas de la compañía formada por Tanya Beyeler y Pablo Gisbert, pero nunca había sido, como en este montaje, el elemento protagonista. Han llegado hasta aquí en busca de nuevas maneras de contar que eviten la repetición de patrones y logren hacer comprender, o como mínimo intuir, la complejidad del mundo que nos rodea. Lo hacen con una llamada a la imaginación y presentando en escena imágenes intuidas, revelaciones o apariciones: unas metáforas visuales que se comprenden por la suma del sonido, el texto, la iluminación, los cuerpos de los intérpretes y la materia, que en este caso toma la forma de barro y de metal. ¿Qué puede esperarse de una propuesta que deja de lado el sentido de la vista para centrarse en el oído? Dicen que la sobreproducción de imágenes limita nuestra capacidad de imaginarlas y que, al contrario, la capacidad del cerebro de crear imágenes se activa, precisamente, en ausencia de estas.

Por lo tanto, abrid bien los oídos para venir a ver la creación más nueva de El Conde de Torrefiel, relegad los impulsos visuales y convertid vuestro cerebro en una sala de cine que proyecte imágenes sin descanso. Os lo propone una compañía que, con la decena larga de espectáculos que han creado desde el año 2010 (desde La plaza, en el Grec 2018, hasta Una imagen interior, uno de los espectáculos estrella del Grec 2022), han atraído poderosamente la atención del público, la crítica, los programadores y los festivales europeos con montajes que hablan del tiempo y de la sociedad del siglo XXI, combinando y tratando de forma separada el texto, el movimiento, las imágenes plásticas y el sonido.

Una coproducción del Grec 2024 Festival de Barcelona, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque (Madrid), Festival delle Colline Torinesi (Turín), Festival Contemporanea (Prato), Teatro Municipal de Porto – Rivoli (Oporto), Théâtre Saint-Gervais (Ginebra), Viernulvier (Gante), Festival d’Automne (París).

Ayudas a la producción: ICEC – Generalitat de Catalunya

Con el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals de la Generalitat de Catalunya.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: El Conde de Torrefiel. Texto y dramaturgia: Tanya Beyeler, Pablo Gisbert. Interpretación: Por determinar. Concepción escenográfica: La Cuarta Piel, El Conde de Torrefiel. Diseño del sonido: Rebecca Praga, Uriel Ireland. Diseño de la iluminación: Manoly Rubio García. Dirección y coordinación técnica: Isaac Torres. Difusión y producción: Alessandra Simeoni. Oficina y administración: Uli Vandenberghe. Producción ejecutiva: Cielo Drive, SL

Más información: Festival Grec

Cuerpos celestes de Azkona&Toloza | Del 10 al 12 de julio en el CCCB dentro del Festival Grec

Tercera pieza del proyecto de ciencia ficción documental Falla, que se pregunta si los relatos de ciencia ficción y ficción que hemos consumido condicionan nuestra imagen de lo que ha de venir y si el futuro será, como nuestro pasado, colonial.

Han explorado en sus espectáculos las huellas del colonialismo y del capitalismo salvaje en distintos países y paisajes y de maneras diferentes. Pero ahora el colectivo escénico formado por Laida Azkona Goñi y Txalo Toloza-Fernández ha decidido hablarnos sobre ese universo geológico que nos acoge y nos da forma como seres humanos. Lo hacen con la serie Falla, de la cual han presentado hasta ahora Canto mineral, donde la compañía daba voz a los elementos minerales y geológicos de nuestro planeta, y Concierto geológico, un viaje sonoro por el mundo mineral y líquido de la mano de Rodrigo Rammsy. En Cuerpos celestes, tercera entrega de la serie, se preguntan por el futuro y, puesto que han analizado con detalle el pasado colonial, se preguntan si el futuro lo será también o si hay alguna posibilidad alternativa. Este futuro, que quizás imaginamos de una manera determinada a causa de las ficciones que hemos leído y las películas que hemos visto, se hace especialmente difícil de prever en un mundo en plena crisis climática. En este contexto, AzkonaToloza se fija en una tendencia creciente: una minería aeroespacial que busca recursos fuera del planeta. ¿Colonizaremos pronto el espacio en busca de esos minerales? ¿Dejaremos a las empresas privadas la tarea o seremos capaces de imaginar un futuro alternativo que eluda el descubrimiento y la colonización de nuevos territorios?

Son las preguntas que se hacen dos artistas que trabajan desde Barcelona, pero que tienen sus raíces entre el mar Mediterráneo, los Pirineos y el desierto de Atacama. Crean proyectos de artes vivas que exploran las posibilidades de la poesía y la antropología visual, la videocreación de baja fidelidad, la performance y el movimiento. Las creaciones que han firmado en los últimos años constituyen obras documentales que abordan la relectura de la historia oficial y hacen patentes las consecuencias de la colonización. Cómplices del Grec Festival de Barcelona, han presentado espectáculos como Teatro Amazonas (2020) o La col·lecció: petita caixa d’eines (2021).

Una coproducción de Théâtre Garonne – Scène Européene (Toulouse) y el Grec 2024 Festival de Barcelona.

Con el apoyo del Departamento de Cultura y del Instituto Catalán de las Empresas Culturales (ICEC) de la Generalitat de Catalunya, las becas Barcelona CREA 2023 del Ayuntamiento de Barcelona, el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque de Madrid, el Centre de Creació d’Arts Escèniques – El Canal de Salt y el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona​.

Con la colaboración del programa Innova, promovido por la Fundación Caja Navarra y la Fundación “la Caixa”.

El proyecto ha realizado residencias en Azala Espazioa, L’Animal a l’esquena, Théâtre Garonne, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque de Madrid, Fundación Brossa, El Canal – Centre d’Arts Escèniques de Salt, Teatre L’Ateneu de Celrà y Nau Ivanow.

Más información: Festival Grec | Crónica del estreno en Madrid por María Cecilia Guelfi

Un cuerpo sin talento de Monte Isla | 8 y 9 de julio en el Mercat de les Flors dentro del Festival Grec

La compañía incorpora la figura humana en sus espectáculos y analiza la imagen de la humanidad como conjunto de cuerpos precarios que sostienen en sus manos una virtud ajena, la herramienta con la cual se enfrentan a la hostilidad del mundo.

En el Protágoras de Platón se recoge el mito de Epimeteo y Prometeo, dos hermanos de suerte diferente: “el que piensa tarde” y “el que piensa antes de actuar”. Epimeteo, el más descuidado de los dos, es el encargado de distribuir los atributos particulares a cada uno de los animales. Entrega caparazones a las tortugas, veneno a las serpientes, colmillos a los leones… Y cuando termina su tarea se da cuenta que ha calculado mal, que se ha olvidado de una pobre criatura: el ser humano, un cuerpo sin defensas que recibirá el fuego robado de los dioses. Un cuerpo sin talento parte de la imagen evocada en este mito: un cuerpo precario que sostiene en sus manos una virtud ajena, la herramienta con la cual se enfrenta a la hostilidad del mundo.

Hasta ahora, Monte Isla ha centrado su atención en los espacios que nos contienen, en la noción del “otro” y en los lugares carentes de presencia humana. Este trabajo está recogido en tres piezas, la Trilogía sobre el Paisaje: Allí donde no estamos (Espai Nyam Nyam, 2021), Donde empieza el bosque acaba el pueblo (TNT, 2022, premio ex aequo en la categoría de artes escénicas de los III Premis El Temps de les Arts) y Escuchas del paisaje (La Mutant, 2023).

Con esta nueva pieza escénica, Monte Isla se pregunta cómo poner el cuerpo en escena. ¿Qué ocurre cuando miramos este cuerpo, este cuerpo que compartimos, este cuerpo que usamos como unidad de medida para el mundo y que delimita la frontera de la conciencia, este cuerpo presente bajo el disfraz de cualquier ficción social y cultural, este amasijo orgánico que aparece como una imagen ridícula y obscena frente al encanto escultórico de lo muerto?

Una coproducción del Grec 2024 Festival de Barcelona, El Canal Centre de creació d’arts escèniques, Festival TNT y Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque.

Con el apoyo del Teatro La Mutant, l’Abri (Suiza), Teatro municipal de Girona, Teatro municipal de Lloret, l’Animal a l’esquena, Antic Teatre, Konvent.0, El Galliner, Ajuts Girona Crea 2023, Institut Ramon Llull, Goethe-Institut Madrid i Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

Con el apoyo de la residencia creativa de intercambio con National Theater and Concert Hall (Taiwan) de las Ayudas a la Creación Carlota Soldevila del Teatre Lliure, temporada 23/24; y del programa de residencias internacionales de la Nau Ivanow.

Monte Isla es compañía residente de la Nau Ivanow.

FICHA ARTÍSTICA

Idea y creación: Monte Isla. Dirección y dramaturgia: Andrea Pellejero, Adrià Girona. Interpretación: Andreu Martínez. Dirección técnica:Roberto Baldinelli. Diseño de la iluminación: Gabriela Bianchi. Diseño del sonido: Uriel Ireland, Adrià Girona.  Diseño de la escenografía: Marta Lofi, Monte Isla. Construcción: Miquel Grima, Marta Lofi.  Vestuario y espacio escénico: Marta Lofi. Producción ejecutiva: Rut Girona.  Administración, comunicación y distribución: Monte Isla. Agradecimientos: David Marin, Carlota Grau, Neus Masdeu.

Más información: Festival Grec