— MuroTRON

Viernes 28 y sábado 29 de octubre de 2022, en la sala Z de Tabakalera.

Invitados-as: Basilika, Clara Elizondo, Claudia Rebeca Lorenzo, Gabriele Muguruza, Gu , Guillermo Orjales, Halfhouse, Iñaki Imaz, Irantzu Yaldebere, Itziar Bilbao Urrutia, Laida Lertxundi, Mikel Ruiz Pejenaute, Miren Candina, Nazario Díaz, Raúl Dominguez, Santiago F Moysterín.

Programa de las jornadas: https://eremuak.eus/web/wp-content/uploads/2022/10/Folleto22.pdf.

Este año las Jornadas están ideadas como un espacio de relación y convivencia con Hamahiru, tercera edición de la exposición colectiva eremuak que, con carácter cuatrienal, tiene como objetivo «tomar el pulso» al contexto artístico más cercano y que se celebra en Tabakalera entre octubre y diciembre de 2022. Así, entre los participantes en las Jornadas están algunos artistas pertenecientes a la exposición, complementados por otras invitadas que apuntarán a diferentes aspectos que se sitúan «fuera» de la exposición, pero que son importantes para entender el contexto más amplio donde esta se inserta. Asimismo, las Jornadas sirven de presentación de algunos de los proyectos apoyados a través de eremuak en el último año.

Dora García – Del 6 al 8 de octubre en Conde Duque 

El bicho toma como punto de partida la obra La chinche del poeta futurista soviético Vladimir Mayakovsky. El argumento de La chinche era ya popular en la furiosa moda por la ciencia ficción de la época y múltiples obras de ficción han seguido este argumento hasta nuestros días: un visitante del pasado llega a un futuro que es nuestro presente. En la obra de Mayakovsky, un (dudoso) revolucionario soviético es congelado por accidente en 1929 junto a un insecto que lo parasita y ambos son descongelados y devueltos a la vida cincuenta años más tarde, en 1979.

Consideramos la obra que Mayakovsky escribió meses antes de suicidarse como una obra-conflicto. Es una comedia satírica escrita por un gran poeta, desilusionado y desgarrado interiormente; pero tiene su origen en una cultura europea colonialista, imperialista y violenta. Todo discurso que proceda de esta cultura es, incluso a su pesar, una manifestación de superioridad. Nuestra conciencia de este conflicto se ha desarrollado a partir del estudio del texto, y al texto volvemos. Quizás para abandonarlo.

Imaginamos un autor colectivo que analiza cuestiones como: ¿Qué acontece en 50 años? ¿Quién evalúa y valora la importancia de los innumerables acontecimientos? ¿Cómo se cuentan estos acontecimientos, con qué palabras? ¿Quién escribe y quién lee? ¿Quién habla y quién escucha? Imaginemos que la historia se repite de forma cíclica. En este eterno retorno hay una falla recurrente, un parásito, un insecto, algo que impide que la repetición fluya sin víctimas. En resumidas cuentas, lo que queremos es analizar nuestro presente en términos de repetición, melancolía, y acción. Este autor colectivo imaginado va más allá de los que hemos sido aquí acreditados como autores. Para la «captura del bicho» es necesario romper toda jerarquía entre quién habla y quién escucha, quién escribe y quién lee, quién actúa y quién es espectador.

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/dora-garcia-y-autores-invitados-el-bicho.

Cláudia Dias e Idoia Zabaleta – 7 de mayo a las 20:00 en Conde Duque

En la cuarta creación del proyecto Siete años siete piezas, Cláudia Dias e Idoia Zabaleta dan nuevos usos a palabras gastadas. Parten de cero para en presencia del público, volver a combinar el significado mínimo de cada palabra. Pan, paz, trabajo, educación… ¿Qué quieren decir estas palabras? ¿Qué tienen ellas mismas qué decir? Demostrando la verdadera relación entre las cosas y las palabras, descifrando los nombres ocultos de la injusticia, de la desigualdad y de la opresión, las artistas buscan palabras mágicas para mover cuerpos y mundos.

Lanza tu rayo hasta la muerte

El subtítulo de los días de la semana que dan nombre a cada una de las siete piezas de este ciclo, acostumbra a dar la clave para descodificar el trabajo de Cláudia Dias. Este espectáculo tiene una palabra mágica como subtítulo, que no es Ábrete Sésamo, pero se le parece: Abracadabra. Lo que las artistas Claudia Dias e Idoia Zabaleta hacen es buscar las palabras certeras para mover mundos, experimentando, como Ali Baba hace con el nombre de todos los cereales, hasta acertar el nombre del sésamo, para mover la roca y abrir la cueva del tesoro de los 40 ladrones.

Cláudia Dias nació en Lisboa en 1972. Coreógrafa, intérprete y pedagoga, comenzó sus estudios de danza en la Academia Almadense y continuó su formación con la Companhia de Dança de Lisboa. Hizo también el programa de la Contemporary Dance performers en Forum Dança y el Professional Course in Management of Cultural Organizations and Projects, organizado por Cultideias. Comenzó su trabajo como intérprete con el Grupo de Dança de Almada. Formó parte del colectivo de artistas Ninho de Víboras. Colaboró con Re.Al y fue una intérprete clave en el trabajo de João Fiadeiro y en el desarrollo, sistematización y transmisión de la técnica Composición en Tiempo Real. Desde 2007 imparte talleres de Creación Coreográfica y Composición en Tiempo Real. En 2015 desarrolló el proyecto de formación En esta Parte Esquinada de la Península con Azala, Muelle 3, La Fundición y el Festival BAD. Desde 2016 dirige el proyecto Sete Anos Sete Peças.

Idoia Zabaleta nació en Gasteiz en 1970. Coreógrafa y bióloga, se especializó en Ecosistemas y Dinámica de poblaciones en la Facultad de Biología. En su trabajo encontramos referencias e ideas inspiradas en la ecología de los procesos creativos. Estudió Nueva Danza e Improvisación en Barcelona, Florencia, Amsterdam y Nueva York. Trabajó con Mal Pelo entre 1995 y 1999. Desde el año 2000 Idoia Zabaleta coproduce y crea sus propias piezas, colaborando con artistas de diversas disciplinas, así como con teóricos y escritores. Desde 2008 dirige, con Juan González, Azala, espacio para la creación, en Lasierra (Álava).

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/quinta-feira-abracadabra. 

>Más info y programación completa 

Lema de 2021: Reset

La resiliencia era la palabra comodín que desde hace unos diez años ya nos martilleaba desde la política, el coaching, los manuales para el emprendimiento o los libros de autoayuda, pero que ha tomado un nuevo impulso desde la aparición de la pandemia. Ante la parada en seco, resiliencia. Ante la carencia de recursos, resiliencia. Ante una catástrofe, resiliencia. La voluntad, la capacidad de cambio del individuo frente a la adversidad, y una taimada culpabilidad que crece ante el supuesto fracaso de no haber sabido ser resiliente. De cambiar, de adaptarnos, de reconfigurar nuestras formas de hacer y trabajar, de lidiar con pocos recursos, sabemos un poco en el medio artístico y cultural. Pero también conocemos de la importancia del trabajo en equipo, de que pensar juntas es más práctico y sobre todo más enriquecedor, que los cambios no siempre son buenos, que adaptarse o transformarse a veces puede significar alejarse del contexto para y con el que se trabaja. Nos planteamos RESET este año como lema del Festival porque sabíamos de la necesidad de repensar las artes escénicas, el Festival, los vínculos que hemos ido trazando a lo largo de una década, pero lo hacemos desde la perspectiva de lo que es y ha sido más valioso para el sector y para el público, no desde la idea de un borrado de lo que nos ha ido construyendo. Nos centramos en los VIVEROS, nuestras piezas cortas en espacios no convencionales, que se han convertido en la cantera de los y las creadoras emergentes y han generado un público más amplio para las artes escénicas. Apostamos por dotar a estas creadoras/es de un espacio para poder montar sus creaciones, pero también buscamos a un público fuera del centro, fuera de la capitalidad de Valencia, en otras ciudades y pueblos de nuestro entorno, que sean partícipes y puedan disfrutar de esta creación emergente. Para ello hemos trazado nuevos vínculos con distintos ayuntamientos que quieren participar en proporcionar a la creación emergente de recursos, pero también quieren hacer llegar este trabajo, a través de la mediación, a su propio público, y que sea éste mismo quien también participe en parte de la programación de su propio ayuntamiento. Estamos muy agradecidas de la apuesta de estos municipios. Este año pulsamos RESET para llegar más lejos desde lo que tenemos más cerca. 

Equipo Russafa Escènica. Festival de Tardor 2021.

Del 30 de septiembre al 3 de octubre en Terrassa

>Programación 

Florir en catalán es una palabra polisémica. El diccionario da varias definiciones, todas ellas hermosas. La primera: convertir las plantas en flor o aparecer las flores. En un sentido más amplio: prosperar, estar en pleno vigor. Pero también: cubrirse de hongos. Creo que todas las acepciones resuenan en la edición de este año que llega con una sensación compartida de que
hay demasiadas cosas sobre las que tenemos que hablar. En todo este tiempo se nos han acumulado las inquietudes, los miedos, las mentiras, también las ganas. Porque, como dice el filósofo alemán Hartmut Rosa, lo de antes de la pandemia era todo menos normal. Por eso este año el festival florece, pero lo hace como lo harían los hongos; descomponiendo materia
orgánica, convirtiendo lo podrido en fertilizante para otras especies, lo que ya no nos sirve en vida, en otra vida. Y por eso la imagen del cartel de este año.

Esta edición el programa incluye veintidós piezas, la mitad de las cuales son estrenos. Eso implica que es una edición con riesgo, una palabra que define el festival pero también al momento que estamos viviendo. Acogemos muchos trabajos gestados en este presente voluble y quizás por eso en clara apelación al mismo. ¿Cómo no hacerlo? Pues quizás lo más revolucionario en nuestra sociedad actual sea reflexionar críticamente como nos proponen las prácticas artísticas que apelan a lo real. Así, presentamos los trabajos de las compañías residentes Las Huecas y Urati, dos colectivos de creadoras y creadores, muy jóvenes, emergentes e innovadores, que se centran en la gestión privada de nuestra muerte y el cuerpo migrante en relación al cuerpo virtual, respectivamente. Dos propuestas que dibujan una senda por la cual transitan otros trabajos como, por ejemplo, los de Vértebro o Bárbara Bañuelos, también compañías residentes que presentarán sus nuevas piezas alrededor de conceptos como la locura contemporánea, la autoexplotación o la sostenibilidad. Son todas cuestiones que demandan reflexión porque nos ubican en el debate sobre cómo seguir viviendo, cómo construir un futuro tan cuestionado ahora mismo.

Para continuar internándonos en el tejido de la ciudad de Terrassa, hemos seguido incentivando el trabajo con colectivos, y en el seno de algunas piezas resonaran sus voces, sus cuerpos, su conocimiento. Entre otros, el grupo de biólogas que ha puesto su experiencia de vida al servicio de Paramecis i meteorits de Xesca Salvà y Marc Villanueva, una pieza que fija la mirada en la vida de las bacterias y los hongos, o el grupo de niñas y niños de la ciudad que pone su cuerpo y su juego en el centro de Los figurantes de Ça marche. En este sentido, iniciamos una primigenia expansión de la programación hacia los distritos. Lo hacemos con dos singulares propuestas; La llista de Quim Bigas, pieza que también clausura el festival el domingo por la mañana en la plaza del Ayuntamiento, y Vivir en Videoclip de Anto Rodríguez, un concierto-karaoke popular, una invitación en toda regla a cantar y a bailar.

La experimentación a través de nuevos formatos viene de la mano de María Jerez y Edurne Rubio, que traen los fenómenos naturales a la sala de teatro, El Conde de Torrefiel, con su ejercicio escénico para un espectador, o del colectivo escénico Los detectives que se han lanzado a experimentar con el cine y el placer de los cuerpos. TNT KIDS también acoge tres propuestas de nuevos formatos que buscan potenciar el espectador activo y huir de la infantilización. Un buen ejemplo es la propuesta Dit-dit de Condegalí, un taller-pieza que reivindica el tacto como herramienta de conocimiento y que en los tiempos actuales se presenta como una lección fundamental.

Las tres noches del festival terminaran con una propuesta musical que desborda el formato concierto. Glòria Ribera, Los Voluble y Mercedes Peón presentan sus últimos trabajos que comparten, además de un marcado carácter transdisciplinar, reivindicaciones profundamente políticas que están en la raíz y origen de sus singulares creaciones.

TNT es un festival vivo que transpira presente, necesidad, urgencia, y que atiende al malestar, a lo que no funciona, a la necesidad de cambio de nuestros modos de vivir. Por eso, este año los hongos nos acompañan. Algo tan obvio como pensar que somos finitos y que el mundo nunca ha sido nuestro es un primer paso, muy pequeño pero fundamental, hacia el cambio. Pensar, con humildad, que los hongos podrían sobrevivirnos como especie, y que podrían ser ellos los encargados de convertir nuestras ruinas, todo aquello que dejemos, en un mundo completamente nuevo. Dejar de ponernos en el centro, hacernos a un lado, mudar la perspectiva. Entonces, una cosa tan aparentemente fea como los hongos se convierte en algo bello, en un paisaje alucinante, como de otro planeta.

Marion Betriu
Directora artística TNT

Del 1 al 5 de junio se celebra en Azkuna Zentroa Prototipoak. Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas en la que se presentan los proyectos desarrollados desde hace más de un año en el Centro.

Prototipoak es una Bienal de artistas con miradas diferentes, de procedencias muy distintas, que desde una práctica situada, desde la especificidad del contexto, plantean nuevas experiencias. Lo hacen a través de formas artísticas contemporáneas, con sus códigos y tiempos de creación, en escenarios y formatos que cambian, con lenguajes diversos a través de los que se cuestionan diferentes aspectos de la realidad, tratando de abrir posibilidades para transformarla.

Prototipoak continúa y expande el trabajo desarrollado en el programa 3, 2, 1, Encuentro Internacional de Nuevas Formas Escénicas, entre 2013 y 2015, y nace en 2016 con la intención de explorar la naturaleza, performatividad y multiplicidad de lo social a través del arte, además de contribuir a su formación de manera crítica desde una dimensión poética, estética y política.

Desde el inicio, el lugar ha sido un elemento central, no solo como el escenario donde pasa la vida, es decir como contenedor o contexto de acción, sino como lo que se constituye propiamente a través de lo que hacemos, de nuestras acciones situadas.

Un lugar complejo, en constate movimiento, en el que conviven lo normal, lo marginal, lo incierto y misterioso, lo absurdo, lo obvio, lo anodino y lo absolutamente excepcional, lo superfluo y lo fundamental para la vida.

En Prototipoak, prestamos especial atención a la posibilidad de entretejer, de entramar, de entrelazar los proyectos artísticos con el lugar, promoviendo relaciones que desborden nuestras prácticas y las de las y los artistas participantes. En la Bienal de 2021 participan los y las creadoras Sra. Polaroiska, José Ramón Ais, Diego Sologuren & Sébastien Tripod, Maider López, Laida Lertxundi & Ren Ebel, Elssie Ansareo, Elena Aitzkoa y Amalia Fernández.

+info y programa completo

Del 15 al 17 de octubre en Teatro Pradillo

Creación: Talia de Vries y El Manisero
Asistencia a la dirección artística: Ricardo Santana y Johann Nöhles
Intérpretes: Ricardo Santana, Oihana Altube Lorea, Raúl Marcos y El Manisero (Vicente Colomar)
Iluminación y espacio sonoro: Óscar Villegas

Esta es la primera vez que la actualidad de un proyecto genera en nosotras tantos sentimientos encontrados. Por un lado el lógico entusiasmo y las ganas que un proyecto nuevo nos genera, pero por otro la desazón y la tristeza de la dramática realidad que vivimos y que otorga su actualidad a este proyecto, cargándolo de sentido. La Quietud estudia la detención, el parón, estudia lo que pasa cuando nos detenemos, cuando no sabemos ya que decir, que hacer. Estudia el momento justo en el que nos quedamos congelados sin palabras. La Quietud es una colección de escenas cotidianas en las que los cuerpos y los objetos se han quedado congelados, inmóviles, aunque pude que esto, tras un rato de atención, no sea tan cierto. La realidad siempre se mueve.

Elena Aitzkoa y Marwa Arsanios presentan dos trabajos dentro de Display Series: Paraíso terrenal y Who is Afraid of Ideology? Display Series es una línea de programa centrada en los formatos de la exposición y la instalación. Su objetivo es generar un encuentro para que artistas tanto locales como internacionales muestren su obra en el espacio de Bulegoa z/b y se generen diálogos.

Jueves, 26 de septiembre, 2019:
17:00: apertura de la exposición
17:30: audición de Paraíso Terrenal, de Elena Aitzkoa
18:30: Marwa Arsanios presenta Who is Afraid of Ideology?

Fechas de la exposición:
26/09/2019 – 05/10/2019. De lunes a sábado de 16:30-20:30

ELENA AITZKOA: PARAÍSO TERRENAL. AUDICIÓN DEL DISCO
…Paraíso Terrenal, hay peligro y hay belleza, y entre todas las rarezas tu presencia es la que más. Pero, cuando cruzas la puerta de este jardín mal vallado, te saludan las ranitas acostándose hacia un lado, cro-cro, cro-cro… Hocico-rizo. El río acaba de secarse, el lago está precioso como un beso, me baño y el agua helada habla con mis huesos… En bandada desbandada aletean pájaros del paraíso junto con palomas pardas ¡Desmayarse!

Paraíso Terrenal ha sido editado en vinilo por Grupo de fe en marzo de 2019. Contiene grabaciones de poemas recitados en los alrededores de Apodaka durante los otoños de 2017 y 2018; el exterior canta. Es una apuesta sencilla. (…)

MARWA ARSANIOS: WHO IS AFRAID OF IDEOLOGY?
A modo de introducción, de pie sobre un camino de guijarros, la directora Marwa Arsanios se dirige a la cámara y pregunta: “¿Qué significa pertenecer a un lugar? ¿Qué quiere decir ‘estar aquí’? ¿Qué entraña la palabra ‘naturaleza’? ¿Qué implica decir ‘nosotros’?”. Los experimentos llevados a cabo por mujeres en tres lugares asolados por las guerras plantean estas cuestiones políticas. En el primero de ellos, a comienzos de 2017 en las montañas de Kurdistán, la insurgencia dirigida por el movimiento autonomista de las mujeres kurdas invita a los espectadores a experimentar y reflexionar de un modo diferente sobre el espacio, las plantas, la supervivencia, la ecología y las luchas económicas. El proceso, se nos dice, deriva de cuestiones prácticas: ¿cómo montar un ciclo de producción de alimentos orgánicos?, ¿cuándo hay que talar un árbol? (…)

Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984). Reside en Bilbao. Su práctica incluye la escultura, el dibujo, la poesía y la performance. Sus creaciones son un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales del entorno más o menos próximo y la experiencia vital. Entre sus últimos proyectos destacan la exposición Zarza Corazón (2019), en el Museo Patio Herreriano de Valladolid; el vinilo de poemas y silbidos Paraíso Terrenal (2019); la película Nuestro amor nació en la Edad Media (2018) y el ciclo de performances Headscarfs close to the Ground, en el marco de Oslo Pilot (2016).

Marwa Arsanios es una artista, cineasta e investigadora que reconsidera el ideario político del siglo XX desde una perspectiva contemporánea, centrándose especialmente en las relaciones de género, el urbanismo y la industrialización. Se acerca a la investigación desde la colaboración y el cruce de disciplinas. Ha expuesto de modo individual en, entre otros espacios: Skuc Gallery, Liubliana (2018); Beirut Art Center, Beirut, Beirut (2017); Hammer Museum, Los Angeles (2016) y Witte de With Center for Contemporary Art, Róterdam (2016). (…)
Más información:[www.bulegoa.org]