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Electrónica

Cris Blanco – 15 de octubre en el Teatro Jofre de Ferrol 

En este proyecto de investigación y creación de una pieza escénica de gran formato conviven varios géneros teatrales. Se trata de un vodevil musical de ciencia ficción apocalíptico con viajes en el tiempo que haga visible el aparato teatral y cuestione sus convenciones. Un homenaje al teatro de diferentes épocas. Comedia en castellano. Retirada de entradas gratis (máximo dos por persona) en la taquilla del Jofre.

Entradas: https://www.ferrol.gal/axenda_cultural/es/entrada/Grandissima%20Ilusione%20(Cris%20Blanco).

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13 y 14 de octubre en el Museo Reina Sofía

El Museo Reina Sofía presenta la cuarta edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos, fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el ámbito de la coreografía y la performance.

Bajo el título Segunda piel. Subcutáneo esta edición aborda la relación de las personas con el mundo a través de la piel, entendida en sentido literal —sistema tegumentario que recubre el cuerpo de los animales vertebrados— o figurado —la capa o capas de experiencias, afectos, conocimiento, tradición o técnicas corporales que determinan su aspecto y sus relaciones—.

Por debajo de la piel, bajo la tela, el vestido o el mantón, bajo la voz propia, la estructura del lenguaje, o bajo la apariencia humana se extiende una superficie subcutánea que, al igual que la piel, opera como un órgano vivo. Esta segunda capa apela, además, al archivo de memorias: lo vivido, lo heredado, lo aprendido, un inabarcable acervo hipodérmico impreso en la capa linfática que actúa como una membrana favoreciendo procesos simbióticos con el entorno.

Si, como escribe Juhani Pallasmaa en Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos (Editorial GG, [1996] 2014), “todos los sentidos, incluido la vista, pueden considerarse como extensiones del sentido del tacto, como especializaciones de la piel”, este programa nos emplaza a acercarnos de modo háptico, sensual y sensorial a partir de propuestas que experimentan en y con los bordes de la piel. La sonoridad de la voz, la vibración física en el espacio, refuerza y confunde la identificación de la voz humana como rugido animal. El movimiento que una tela ejerce sobre un cuerpo tensa el diálogo que la danza, como movimiento poético y tradición técnica, ha mantenido con ciertos textiles como el mantón de Manila o la bata de cola.

Siguiendo la dinámica de ediciones anteriores, ESTUDIO IV invita a un recorrido escalonado a lo largo de una tarde ofreciendo tres performances que tendrán lugar en dos espacios del Museo: la Sala de Protocolo del Edificio Nouvel, situada en lo más alto del mismo, y la Sala 102 del histórico Edificio Sabatini, antigua sede del Hospital de San Carlos, fundado en el s. XVIII. El programa se completa con ESTUDIO IV en conversación, un encuentro organizado en forma de diálogos entre las artistas participantes y las interlocutoras cómplices de sus procesos.

Programa

Jueves 13 de octubre, 2022 – 17:00 h

Doble muda. Alejandra Pombo Su

La presencia animal no es teatral, los animales no construyen una imagen exterior de sí mismos en cuanto a apariencia. Su comportamiento no se basa en tratar de ser algo sino que su presencia es plena en todo momento. Se trata de ser situación y lugar. La artista explora con la voz esta presencia animal en tanto vibración y transformación, como un cuerpo que se desprende de la piel hacia un espacio abierto y no definido.

Edificio Sabatini, Sala 102

Jueves 13 de octubre, 2022 – 18:00 h

duet. Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca

duet es la búsqueda de diferentes relaciones compositivas, matéricas y de movimiento a través del diálogo entre un violín, un mantón, un músico y un bailarín. Se exploran las cualidades de cada elemento desde la escucha y el tacto, desde una pasividad con agencia y disfrute, desde el hacer, el deshacer y el rehacer. Las posibilidades de bailar y de tocar se vuelven infinitas e invitan a una liberación semántica.

Edificio Nouvel, Sala de Protocolo

Jueves 13 de octubre, 2022 – 19:00 h

Envioletá / un estudio. Javiera de la Fuente

 Aquí se va construyendo el cuerpo, o sumando al que ya traigo –casi desnudo, aunque lleno de información– que quiere ser vaciado y vuelto a llenar. Sucede en el encuentro con lo flamenco también, con una especie de piel que heredo, pero que también escojo, que me interpela y me acoge.

 Edificio Sabatini, Sala 102

 Viernes 14 de octubre, 2022 – Consultar programa

ESTUDIO IV en conversación

 Esta actividad pretende acercar al público las diferentes propuestas performativas a partir de un abordaje de los campos de investigación que exploran los diversos proyectos. Propone así un espacio común de aprendizaje en forma de conversación con interlocutoras cómplices de las artistas participantes en esta cuarta edición. Planteado en torno a tres conversaciones, el encuentro invita a reflexionar, formular preguntas y compartir referencias o detectar y desvelar intereses comunes, conexiones y potencialidades.

 Edificio Sabatini, Auditorio

Más información y entradas: https://www.museoreinasofia.es/actividades/estudio-iv.

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Enric Montesfusco

Del 20 al 22 de enero en Conde Duque

Un viaje escénico hacia el abismo de la pérdida de la identidad, la pérdida de la razón y la pérdida de la moral. Atravesar la sombra como camino ineludible y el sacrificio como acto artístico por excelencia. Por el camino: exploración de nuevos registros musicales, textos vomitados, epifanías, bailes, catarsis y también pequeños gestos nacidos de la sutil lucha a muerte entre la necesaria y tramposa significación y la nada. En tiempos de profunda revisión personal y social… ¿Qué queda cuando no queda nada?

Una nueva aproximación a la particular visión —a la vez íntima y socialmente comprometida— de Enric Montefusco. El que fuera durante veinte años líder de la banda Standstill entró en el teatro de la mano del creador escénico Rodrigo García en el año 2001. Con una visión abierta e inquieta, creó numerosos discos y espectáculos multidisciplinares, así como piezas audiovisuales y un libro. Ya en solitario, explorando las posibilidades de la cultura popular, ha editado discos como Meridiana y Diagonal y ha dirigido el espectáculo de gran formato Tata Mala, donde colaboraba, entre otros, con el colectivo loscorderos·sc y la coreógrafa y performer Sonia Gómez (Grec 2016). Regresó al festival en el 2018 rodeado de amigos (Albert Pla, Maria Arnal, Nacho Vegas, el Niño de Elche y Hermanos Cubero) para presentar el EP y espectáculo Los Coros de Medianoche.

Por su parte, Xavi Bobés ha sido el creador de la compañía Playground, ha producido espectáculos que van desde El cap als núvols hasta el premiado Cosas que se olvidan fácilmente, pasando por Corpus, un diálogo entre cuerpo y objeto visto en el Grec 2020. Paralelamente, fundó, con Jomi Oligor y Shaday Larios, El Solar-Agencia de Detectives de Objetos, con quienes creó el espectáculo Cuaderno de campo (Grec 2018).

Más info y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/enric-montefusco

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Programación completa y más información: https://www.fitdecadiz.org/

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Sandra Gómez

27 y 28 de marzo en La Mutant

Bailar al sonido es una propuesta que trata al sonido como una fuente energética, la propagación de la cual implica un trasvase energético dirigido a alterar y afectar al cuerpo de forma que pueda modificar su estado y lugar.

En un ejercicio de retroalimentación que pone en relación los elementos cuerpo, espacio y sonido, las acciones de amplificar y registrar los sonidos que emite un cuerpo al moverse, van generando capas sonoras que se van sumando, ocupan gradualmente el espacio y producen una carga y una intensidad que afecta al cuerpo y modifica su manera de moverse.

Este proyecto ha sido mostrado dentro de la programación del festival Acento organizado por La Casa Encendida y CA2M.

Sandra Gómez. Master en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas. Ha trabajado como creadora junto a Vicente Arlandis en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional desde 2001 hasta 2012. Desde el año 2012 trabaja de forma independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento.

+ info y entradas

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SE RESPIRA EN EL JARDÍN COMO EN UN BOSQUE

Dijous 25 de febrer de 2021, a partir de les 18 h, Teatre Principal d’Olot

UN ESPECTACLE PER A UN ÚNIC ESPECTADOR QUE POTSER TAMBÉ SERÀ L’ÚNIC ACTOR D’AQUEST BOSC SIMBÒLIC, EN EL QUAL MIRAR ÉS TAN IMPORTANT COM ACTUAR

Els espectadors entren d’un a un. S’han de posar uns auriculars a través dels qual reben les instruccions que els guien en aquesta experiència. L’espectador és part activa d’un espectacle emocionant: hi haurà moments de mirar en silenci i d’altres per a una coreografia de moviments.

Respirem en un jardí com en un bosc i som en un teatre com al món. Però ni el jardí és la natura ni el teatre és el món. Algú prepara els jardins per gaudir d’un trosset organitzat de natura, originàriament salvatge i perillosa.

Al teatre algú ordena les paraules i les imatges en un discurs que dibuixa una lògica que sembla una resposta. Però quan tornem al món, la il·lusió desapareix i allò real esdevé indomable, perillós i sempre incomprensible.

L’individu que entra en aquest bosc simbòlic, que s’assembla molt a l’artifici del teatre, ocupa el rol d’intèrpret i el de públic consecutivament. Mirar i actuar, les dues accions bàsiques de l’acte teatral. Una reflexió sobre la convenció teatral i sobre com entenem la realitat.

Una de les companyies catalanes més inclassificables, trencadores i amb més projecció internacional ofereix un experiment sobre el desig de mirar aquells mons artificials que hem creat.

ELS PROTAGONISTAS

Dissabte 27 de febrer a partir de les 17.30 h i diumenge 28 a partir de les 11.30 i de les 16.30 h al Teatre Principal d’Olot

ESPECTACLE PER A NENS DE 6 A 12 ANYS. ES PERMET L’ENTRADA DE MÀXIM UN ADULT ACOMPANYANT PER NEN. 

Els nens i les nenes entren en petits grups per fer un recorregut sensorial per diferents mons en els quals faran d’exploradors i en seran els protagonistes! Un viatge a peu per ambients fantàstics que permeten adulterar la percepció d’un mateix segons l’espai que ens envolta, com si es tractés d’un videojoc analògic que vol que, amb el suport del grup, es vagi cada cop més endins d’aquest laberint escenogràfic.

Una història abandonada i indefinida, amb personatges inacabats, que espera que entrin per adquirir sentit des de les seves ruïnes.

Aquest és el primer espectacle per a públic infantil d’El Conde de Torrefiel, una de les companyies més internacionals del nostre país.

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El Conde de Torrefiel

Els treballs escènics de El Conde de Torrefiel es caracteritzen per posades en escena en les quals convergeixen coreografia, text i imatges plàstiques per crear narracions inusuals i fragmentades on les tensions entre allò individual i allò col·lectiu que caracteritzen la societat europea en el segle XXI afloren i es materialitzen en escena de manera sorprenent.

El Conde de Torrefiel inicia la seva trajectòria professional l’any 2010, amb l’estrena de La historia del rey vencido por el aburrimiento , i des d’aleshores ha produït vuit espectacles (Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento , Escenas para una conversación después del visionado de una pel·lícula de Michael Haneke, La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamentoLa posibilidad que desaparece frente al paisajeGUERRILLALA PLAZA , Kultur, Los Protagonistas i Se respira en el jardín como en un bosque), que han comptat amb extenses gires internacionals, especialment a Europa, però també a Amèrica Llatina i a Àsia.

A més de les creacions de peces escèniques amb un llenguatge de caràcter contemporani i amb segell molt personal durant aquests 10 anys, El Conde de Torrefiel ha treballat amb altres formats com són el vídeo, la instal·lació, el site-specific o la publicació de textos, en castellà amb la editorial La Uña Rota i en francès amb Actualité Editons.

El Conde de Torrefiel realitza també col·laboracions com a dramaturgs amb altres artistes, especialment en el camp de la dansa, a vegades a títol personal dels seus directors Pablo Gisbert i Tanya Beyeler.

Les creacions de El Conde de Torrefiel han estat presentades en sales i festivales com el Kunstenfestivaldesarts de Brusel·les, el Théâtre de Lausanne-Vidy, el Festival Steirisches herbst de Krems, el Wiener Festwochen de Viena, el Festival d’Automne de Paris, el Festival de Otoño, el Centro Dramático Nacional i Teatros del Canal de Madrid, el Mercat de les Flors i el Festival GREC a Barcelona, la Triennale di Milano, el Short Theater de Roma, Vooroit de Gant, DeSingel d’Amberes, el Noorderzon Festival de Gröningen, l’Internationaal Festival d’Amsterdam, el MMCA de Seül, el Nowy Theater de Varsòvia, el Dublin Theater Festival, l’Hellenic Festival d’Atenes, el Zürcher Theater Spektakel, el Gessnerallee de Zurich, el Festival Actoral de Marsella, el CDN de Montpellier, el Festival Cena Contemporánea de Brasilia, el Museo del Chopo de Ciutat de Mèxic, el Festival Danzalborde a Valparaíso, el Festival Transamérique de Montréal, l’Alkantara Festival de Lisboa o el Teatro Municipal Rivoli de Porto, el HAU Berlin i el Mosontourm de Frankfurt, entre d’altres.

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Venres 11 de decembro, 20h

Lugar: Sala de Exposicións de NORMAL (Paseo de Ronda, 47, 15011 A Coruña)

Inscrición: Aforo limitado. A asistencia presencial deberá ser confirmada enchendo o seguinte FORMULARIO.

Technocracia é unha peza de artes vivas no seu segundo estadio de creación que aborda a festa como lugar de comuñón, como mecanismo de reprogramación mental, de ruptura co cotiá, de hedonismo físico e emocional, e tamén como unha metodoloxía de creación a partir do corpo en movemento e a masa, onde expandir a nosa experiencia escénica ao incluir ó publico como parte esencial da peza a través das accións que se xeneren. Trátase de deixar de crear ficcións para deixarnos crear polos feitos intentando preservar o noso calor interno, a nosa frescura e bondade humana contra a tiranía da orde.

Dirección: Cristina Balboa | Autoría e interpretación: Cristina Balboa, Félix Fernández y Manuel Parra | Diseño iluminación: Afonso Castro | Diseño espacio escénico: Mauro Trastoy | Espacio audiovisual: Félix Fernández | Música original: Cristina Balboa, Félix Fernández | Producción: Manu Lago | Foto y vídeo: Ángel Sousa | Diseño gráfico: Félix Fernández y Mauro Trastoy | Produce: Funboa | Ayuda en producción: Agadic · Xacobeo 2021 · Xunta de Galicia | Colabora: Galicia Danza Contemporánea

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5 y 6 de diciembre en Temporada Alta

El Conde de Torrefiel invita al espectador a un ejercicio escénico para una sola persona. El individuo que entra en este bosque simbólico, que se parece mucho al artificio del teatro, ocupa el rol de intérprete y el de público, consecutivamente. Habrá momentos para mirar en silencio y otros para una coreografía de movimientos. Mirar y actuar, las dos acciones básicas del acto teatral. Una reflexión sobre la convención teatral y sobre cómo entendemos la realidad. Una de las compañías catalanas más inclasificables, rompedoras y con más proyección internacional ofrece un experimento sobre el deseo de mirar aquellos mundos artificiales que hemos creado. 

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Societat Doctor Alonso

Del 9 al 12 de diciembre en el Mercat de les Flors

Andrei Rublev toma como punto de partida y titulo la película de Andrei Tarkovski rodada en 1966, en la que el pintor iconográfico Andrei Rublev (1360-1427) hace un largo viaje a la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espectador un impacto y un recogimiento interior a causa del uso de la perspectiva invertida, que nos habla del arte no como un retrato de la realidad, sino como una realidad entre las realidades. La compañía revisita esta pieza estrenada en el festival Temporada Alta 2016 para continuar investigando en los numerosos momentos formales, sonoros y materiales que hay  en escena y, de esta manera, profundizar en este diálogo.

Desde el año 2001, la Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomàs Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofía Asencio (bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio para indagar cómo este desplazamiento modifica el lenguaje, tanto por lo que hace a su gramática constitutiva como por lo que hace a la lectura que un observador puede hacer. Desplazar para desvelar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que ponga en cuestión el status quo de nuestra comprensión de la realidad.

Dirección Tomàs Aragay / Dramaturgia Sofia Asencio / Creación e interpretación Sofia Asencio i Nazario Díaz / Con la colaboración en la creación de Virginia García del Pino, directora de cinema / Producción ejecutiva Imma Bové / Distribución Sara Serrano / Coproducción Temporada Alta, Festival Alt de Vigo, Fundació Catalunya La Pedrera / Con  la colaboración La Caldera centro de creación

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29 de febrero en Centro Párraga

La bailarina Bárbara Sánchez presenta en el Centro Párraga su espectáculo ‘Várvara’, un solo escénico que propone desde la danza un acercamiento feminista al arquetipo de María Magdalena. Partiendo de lugares aparentemente tan dispares como la cultura valenciana del bacalao y la idea mística del éxtasis, Bárbara Sánchez  encarna la figura de La Gran Amante.
Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y mucho menos para lo autorreferencial. María Magdalena es la loca ejemplar, capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan.
Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer privilegiada blanca que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, Ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo.

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