— MuroTRON

Marta Górnicka – 27 y 28 de marzo en el Teatre Lliure

La directora y cantante polaca Marta Górnicka presenta una pieza coral con veintiuna mujeres de entre 10 y 71 años, refugiadas de Mariúpol, Kiev y Bucha. Un ritual sanador que parte de una shchedrivka, una canción tradicional ucraniana y precristiana que realizaban sólo mujeres y niños.

El espectáculo empieza con un deseo de felicidad y de renacimiento del mundo en forma de shchedrivka. En la era precristiana se creía en el poder de la canción y se confiaba en que sus palabras y buenos deseos hacia alguien en concreto se harían realidad. Hoy, estos deseos cantados se dirigen a todos y para toda la vida. Las que los cantan son supervivientes. Huyen de la guerra y la persecución, testigos de la violencia y de los bombardeos. Mujeres de Ucrania y Bielorrusia que ahora viven en Polonia y quieren detenarse y hablar juntas en el escenario. Usan el poder de sus voces para nombrar aquello para lo que no puede haber palabras. No quieren ser escuchadas como víctimas, sino como protagonistas de sus propias historias.

“Nuestro espectáculo trata de las mujeres y la guerra. De los mecanismos de defensa y de responsabilitat. De nuestra reacción a una guerra en Europa. De los rituales de la violencia de guerra contra las mujeres y los civiles, que son inmutables.”

En este proyecto, la esperanza y el amor trascienden la crueldad humana. En escena: 25 madres ucranianas, polacas, bielorrusas y sus hijos. Las voces traen juegos infantiles ucranianos llenos de vida, canciones tradicionales, hechizos y declaraciones políticas contundentes. Son refugiadas de Mariúpol, Kiev y Bucha. Algunas huyeron de la guerra; otras, de la persecución. Todas tienen un lugar en el Coro de Madres, que sigue una forma de ópera que se remonta a los coros rituales de mujeres del siglo VII a. C. Un corazón es la encarnación de la sabiduría colectiva y transgeneracional, y nos ofrece la oportunidad de imaginar lo inimaginable: un mundo sin guerra, por ejemplo. Como con los corazones precristianos que tenían por primer objetivo cuidar a los ciudadanos, en estos encuentros, talleres y laboratorios, conviven las experiencias individuales y el imaginario colectivo. El objetivo es sanar a través de la comunidad, con una polifonía de voces y discursos críticos.

Más información y entradas: https://teatrelliure.com/es/mothers-a-song-for-war-times.

Juan Navarro – Del 11 al 13 de enero en Teatros del Canal

Un coro popular formado por personas invidentes decide reescribir los cuatro movimientos que componen la 9ª Sinfonía de Beethoven. Una suerte de Corifeo que conoce las reglas del escenario les ayuda con la partitura y los movimientos escénicos.

No quieren usar instrumentación, solo sus voces se harán cargo de la nueva partitura experimental. Durante los ensayos, el grupo habla sobre las tragedias, los temores y las problemáticas de la sociedad actual. No llegan a ninguna conclusión. ¿Para qué sirve la tragedia? En realidad, lo que buscan es entender la cabeza y el cuerpo de Beethoven, la sordera implacable que le aislaba por completo del mundo, y su deseo de liberar a la humanidad de algo, tal vez de la tragedia.

Pocos años después del gran éxito de la 9ª llegó la muerte del compositor, y en sus últimos estertores dijo: “Aplaudid amigos, la comedia se ha terminado”.

El Coro ¿Para qué sirve la tragedia? Es un proyecto site specific que se desarrollará con corales de diferentes ciudades de Europa durante el 2023 y el 2024.

Encuentro con el público: 12 de enero al finalizar la función.

Más información y entradas: Teatros del Canal | artículo de Rubén Ramos Nogueira

“A ver, asumámoslo. Hay algo característico en todos los shows que hemos hecho… y sabemos que lo habéis pensado en alguna ocasión ha-ha-ha.
EL CRINGE by Cabaret Internet proxim show el 15 de decembre a les 21h en @elpumarejo Amazing cast para despedir el último cabareti del año.
¿Nos echabais de menos?”

Más información y entradas aquí.

Milo Rau – 8 y 9 de abril en Conde Duque

El creador suizo Milo Rau, dramaturgo, director, cineasta y periodista, al frente actualmente del teatro NTGent en Bélgica, nos tiene acostumbrados a tratar temas espinosos en sus obras y la polémica, muy a su pesar, le acompaña, precisamente porque se atreve a poner sobre los escenarios historias que revelan la cara más desoladora de la humanidad. Con Familie, tirando de tópico, da una vuelta de tuerca más y nos muestra a una familia real, la conformada por una pareja de actores (An Miller y Filip Peeters) y sus hijas adolescentes (Louisa y Leonce), interpretando a la familia Demeester, también de cuatro miembros, que protagonizó un hecho espeluznante cuando decidieron suicidarse juntos en Calais, donde vivían, al norte de Francia. Lo más significativo es que era una familia “normal” de clase media, sin problema alguno, una familia como tantas otras. La noche anterior al suicidio es lo que se pone en escena en esta pieza.

Milo Rau ha declarado que era precisamente el cariz inexplicable del hecho lo que le interesaba explorar. “Nadie en la familia Demeester -cuenta el director- tenía problemas psiquiátricos o financieros, nadie estaba lidiando con una enfermedad o usando drogas; no hubo separación ni deseo de venganza. Una noche, estas cuatro personas simplemente decidieron poner fin a sus vidas. Escribieron una nota de suicidio absolutamente inquietante: ‘nos hemos equivocado demasiado’. Y luego, los padres y sus dos hijos se ahorcaron en el porche. Es un completo misterio”. Nos asaltan muchas preguntas al respecto: ¿qué hay detrás de una supuesta familia feliz? ¿El horizonte de la clase media es una especie de nihilismo descafeinado? ¿Esta familia es un reflejo de la decadencia de Europa? ¿Es la toma de consciencia de ser gente con dos coches y una casa adosada, consumistas a expensas del tercer mundo, incapaces de expresar el amor fuera de los convencionalismos, lo que nos aboca a este vacío, a este sinsentido? En la obra, el protagonismo lo sustentan las hijas adolescentes, precisamente porque tienen el marrón encima de vérselas con un futuro nada halagüeño, cargando además con ese karma de no poder vivir como uno imaginó que viviría. Milo Rau -decíamos al principio- hace un teatro de alto voltaje político y aquí, más que nunca, hace bueno y determinante el axioma del feminismo: lo personal es político. Ese entorno privado y su abrupto final nos lanza un mensaje desesperado al común de los hijos sanos del capitalismo feroz: ¿Qué mundo estamos construyendo? ¿Qué mundo estamos destruyendo? ¿Qué herencia estamos dejando?

Más información y entradas: https://www.condeduquemadrid.es/actividades/milo-rau-familie. 

Ksenia Guinea

30 y 31 de octubre en Réplika Teatro

MISS CCCP I Miss Unión Soviética se basa en el testimonio de mujeres migrantes nacidas en la URSS que vivieron el colapso económico del sistema en la década de los 90. La memoria de un mundo que ya no existe, los años de hambruna en la Perestroika, la explotación laboral en Europa, el desarraigo y la representación de la feminidad en la industria de la moda trenzan este monólogo intergeneracional en tres actos.

Autoría, dirección y dramaturgia: Ksenia Guinea
Interpretación y espacio escénico: César Barco Manrique y Ksenia Guinea
Diseño de vestuario: Pier Paolo Alvaro
Diseño de iluminación: Paula Castellano
Composición musical y espacio sonoro en directo: César Barco Manrique
Mirada Externa: Luz Arcas, Iñigo Guardamino y Judith Pujol
Programación interactiva: José Velasco y Nieves Guri

Más información y entradas: http://www.madrid.org/surgemadrid/2021/miss-cccp.html

Del 7 de octubre de 2021 al 9 de enero de 2022 en La Casa Encendida

YOU GOT TO GET IN TO GET OUT. Performances
YOU GOT TO GET IN TO GET OUT. Continuo sonoro en vivo
Ciclo ‘Luces en la noche’
YOU GOT TO GET IN TO GET OUT. Podcast radio

YOU GOT TO GET IN TO GET OUT. El continuo sonoro que nunca se acaba es un proyecto que parte de una investigación de largo recorrido sobre el techno que han realizado las comisarias Sonia Fernández-Pan y Carolina Jiménez para La Casa Encendida. El resultado es una exposición que se complementa con otros programas paralelos y la publicación de un libro sobre la materia.

A finales de 2018 se pone en marcha el proyecto desde las numerosas experiencias de las comisarias en múltiples pistas de baile a través de la música techno. En sus propias palabras, parten de “diferentes conocimientos acumulados en un tránsito y remix continuo por sus genealogías inasibles, sus ritmos en las superficies y sus mitologías en las profundidades, sus historias más visibles y sus intrahistorias más borrosas, sus notas a pie de página, sus latidos en el sudor de los cuerpos, sus textos canónicos y apócrifos, sus saltos de aguja, sus objetos culturales, sus momentos de celebración y sus espacios de conflicto”.

A los podcasts de carácter mensual y el libro de autoría colectiva con diferentes ensayos críticos sobre la cultura techno se unen ahora la exposición homónima, YOU GOT TO GET IN TO GET OUT. El continuo sonoro que nunca se acaba, y un programa de música en vivo y otro programa de performances durante el transcurso de la misma.

La exposición indaga en la experiencia de la pista de baile y como ésta se relaciona con las prácticas artísticas “poniendo el foco de atención, escucha y contacto en formas de conocimiento que (re)conocen abiertamente una dimensión visceral y corporal”.

La serie de artistas y obras que la exposición pone en contacto se entrecruza con la cultura techno y la pista de baile mediante sinestesias, ritmos, elementos compartidos, repetidos, reapropiados y reelaborados. Serán parte de la muestra, la sensualidad del entorno y las continuas interrelaciones entre elementos aparentemente distantes entre sí en el tiempo y en el espacio; los usos culturales de la luz y la oscuridad, la arquitectura del club más allá de la arquitectura; las genealogías negras del techno y las relaciones de poder socio-políticas que en él se inscriben; las formas rituales de un cuerpo colectivo con un ritmo reiterativo y la vez intermitente; la dimensión material del techno y la anatomía de los cuerpos singulares que bailan; o la desaparición del cuerpo de origen de las voces transformadas en sonido.

Entrar para salir y salir para entrar en un continuo sonoro y material que nunca se acaba.

Artistas: John Akomfrah, Sergi Botella, Lucía C. Pino, Tony Cokes, Lou Drago, Cyprien Gaillard, Paula García-Masedo, Frédéric Gies, Rubén Grilo, Ania Nowak, Michele Rizzo y Alona Rodeh.

Comisarias: Sonia Fernández Pan y Carolina Jiménez.

Diseño gráfico: Kentaro Terajima.

Imagen: Carlos Sáez.

*En el título del proyecto convergen dos frases que las comisarias has tomado prestadas del pasado de la cultura de baile. You Got To Get In To Get Out recupera el lema impreso en la pancarta de la carroza del club Tresor durante la Love Parade de 1991, que tenía la particularidad de contener una pista de baile en su interior. El continuo sonoro que nunca se acaba es una alteración de una frase dicha por Miguel Ángel del Ser, bajo el nombre de Piscolabio, para un programa mensual en la estación de radio madrileña Svala Radio.

Calendario performances octubre
Jueves 07 y Viernes 08 – 19.00 h. ‘HIGHER xtn.’ de Michele Rizzo

HIGHER xtn. es una adaptación de la pieza HIGHER creada por Michele Rizzo en 2015 para el Stedelijk Museum de Amsterdam que explora el club como espacio para la autoexpresión y para generar vínculos.

Viernes 08 – 21:00 h. ‘Deep Inside’ de Ania Nowak

En su nueva performance, la artista escucha las voces que impulsaron los ritmos del house para convocar a muchas cantantes olvidadas desde hace tiempo, a menudo marginadas por su género y su raza. Nowak habla con los fantasmas de esas voces, honrándolas como líderes y compañeras. Para la memoria y el éxtasis.

Sábado 09 – 21:00 h. ‘El tío Caramelo’ de Yandira aka Sergi Botella

Un tío valenciano llamado Carmelo, a quien Sergi Botella cambió el nombre, da título a este proyecto musical, textual y performativo. La pieza parte de la escena musical valenciana de finales de los 80, exactamente en el mismo momento en que el artista tomaba sus primeros vinos con el tío Caramelo.

Viernes 15 – 19:00 h. ‘Radical Sociability: Enacting Intersectional Affinity’ de Lou Drago

Durante el movimiento #metoo fue patente el auge de la cultura de lallamada (call-out), una técnica que se fundamenta en el uso de las redes sociales para amplificar voces hasta ahora silenciadas. En esta conferencia performativa en inglés, Lou Drago subraya la importancia de preservar su potencia e introduce un nuevo término, que imagina un futuro alternativo donde la sociedad polarizada puede construir relaciones y coaliciones resistentes.

Domingo 17 – 11:00 a 14:00 h. ‘Technosomatics’, taller con Frédéric Gies

En este taller impartido en inglés, el bailarín y coreógrafo Frédéric Gies comparte, por primera vez en España, una práctica de movimiento desarrollada por él mismo que consiste en una exploración colectiva –e individual– de las glándulas endocrinas (el principal sistema químico de nuestro cuerpo) y los chakras (centros de energía) a través del baile de club con música techno.

Domingo 17 – 19:00 h. ‘Suspending Time’ de Lou Drago

La sesión de escucha Suspending Time: Meditations for accessing alternate space/time in music de Lou Drago especula sobre diversos tipos de música que potencian la experiencia de un tiempo no lineal. Se invita al público a interactuar con la música con el objetivo de intentar experimentar una suspensión del tiempo.

Programa de conciertos (noviembre y diciembre)
21:00 h.

Auditorio LCE.

YOU GOT TO GET IN TO GET OUT continuo sonoro en vivo es un programa de música en directo que tendrá lugar durante el transcurso de la exposición para poner cuerpo a la escucha desde una experiencia colectiva e individual a la vez, más allá de las situaciones, la temporalidad y las estructuras (rítmicas) del club y la pista de baile.

Con el apoyo de: Goethe Institut y Artis

Medio colaborador: Radio 3

Colabora: Estrella Galicia

Dos manos inquietas intentan encontrar los huecos entre otras manos. La piel arrugada contacta con la piel seca. El agua, que espera, que espesa y hace palpable la conexión sin contacto. La isla suena, resuena y se transforma en vocablo. Ninguna mano es una isla es una apología del tacto. Una performance sobre las potencialidades de lo háptico. Un concierto que acontece cuando las manos se estrechan y se presionan con fuerza. Una palpitación de la sangre en la yema de los dedos. Una conducción de lo sonoro a través de lo húmedo y mojado.

Con aforo limitado. Inscripciones previas en info@blueprojectfoundation.org.

Laura Llaneli (Granada, 1986) cursó estudios musicales y una diplomatura en Diseño Gráfico. Licenciada en Bellas Artes y con un Máster en Arte Sonoro por la Universidad de Barcelona, es miembro de Sons de Barcelona, del colectivo Nenazas y de la banda de música Pradera. Entre sus premios destacan Art For Change 2019 (”la Caixa”), Premi Miquel Casablancas 2018, Premi Embarrat 2017 y Barcelona Producció 2014. Ha expuesto en Casaplan (Valparaíso, Chile), Swinton & Grant (Madrid), ADN Platform – ADN Galería (Sant Cugat del Vallès), galeria àngels barcelona, MMSU (Croacia), Art3 (Francia), Lo Pati (Amposta) y Fundació Antoni Tàpies (Barcelona), entre otros. Además ha hecho residencias en Casa de Velázquez, Art3 Valence, Lo Pati, Balada, MMSU Rijeka, Estruch Sabadell y Hangar Barcelona. Actualmente trabaja en el espacio Salamina.

Julián Pacomio (Mérida, 1986) indaga en la idea de copia, remake, traducción y apropiación de materiales ajenos con sus proyectos escénicos. Ha colaborado con la coreógrafa Ángela Millano en el proyecto de investigación Asleep Images, del que forman parte las piezas Make It, Don’t Fake It (2019) y PSYCHO (2020), con residencias en Tabakalera (San Sebastián), La Caldera (Barcelona), Atelier Real (Lisboa), Desfoga (Cambados) y S’ALA (Sassari). Ha presentado El mundo bajo el mundo (2017) y Espacio hacedor (2016) en colaboración con el arquitecto Miguel del Amo y dentro del programa de artistas en residencia de La Casa Encendida/CA2M, en Leal.Lav (Tenerife) y en el Festival Frinje Madrid, y My Turin Horse (2012) en Matadero Madrid. Desde 2017 trabaja en Lisboa con el coreógrafo João Fiadeiro en From Afar It Was an Island, De perto, uma pedra y O Que Fazer Daqui Para Trás. Colabora con coreógrafos como Luis Garay (Colombia), Daniel Pizamiglio (Brasil-Portugal), Annika Pannitto (Italia) y Carolina Campos (Brasil), entre otros. En 2020 formó parte de Forum Dança PACAP (Performing Arts Advanced Program), comisariado por João dos Santos Martins, en Lisboa. Y es comisario de NO NO NO SOLO SOLO NO, un ciclo de performances para la Sala Amadís de INJUVE (Madrid). En 2021 presentará la exposición Contemplar una superficie inestable, comisariada junto con Ignacio de Antonio Antón, ganadora de la convocatoria Inéditos 2021. Actualmente desarrolla la pieza Apocalipsis entre amigos o el día simplemente, que se presentará en 2021 en La Capella. Reside entre Madrid y Lisboa.