— MuroTRON

Jueves 25/02, viernes 26/02 y sábado 27/02 a las 20h, domingo 28/02 a las 18h
Jueves 4/03, viernes 5/03 y sábado 6/03 a las 20h, domingo 7/03 a las 18h

El estudio de creación L△ST, proyecto seleccionado por la Beca DespertaLab 2020, presenta su obra TIRANAS BANDERAS II.

El Ciclo de creación escénica DespertaLab, impulsado por la Nau Ivanow y la Sala Atrium, tiene el objetivo de apoyar la creación teatral más reciente, contribuyendo a la entrada de las jóvenes compañías en las redes profesionales.

TIRANAS BANDERAS II habla desde la admiración absoluta de cómo las banderas consiguen con aparente facilidad todo lo que el creador de teatro no llega a alcanzar nunca, utilizando los mismos recursos de los que disponemos en las artes escénicas: explica cómo las banderas son la semilla de una ficción que perdura para siempre en el imaginario popular; habla de cómo las banderas apelan a un sentimiento que permanecerá para siempre en el corazón (el corazón?) de los suyos; y muestra cómo, cuando intentan sublimar la complejidad de un país o de una ideología en tres colores mal combinados, lo consiguen. Nos flipa este carisma y el dominio de la gestión del capital emocional de su público. Y le queríamos rendir homenaje.

Ocurre, sin embargo, que nos da también la sensación de que la bandera convive al universo del Cristo en la Cruz, el aura incorruptible de la izquierda y la manzanita de Mac, y que representa sin matices un símbolo de los poderes que se aprovechan de esta necesidad tan nuestra de pertenecer a un grupo, tener un lugar donde volver cuando todo va mal, para sacar rédito de cualquier tipo. Y a algunos ya les está bien y viven felices en su disciplencia. Y eso no mola tanto, y nos cabrea un poco, o mucho, pero sobre todo nos cabrea el hecho indiscutible que la bandera es, por definición, fea. Fea en su concepción, en su diseño y en su realización. Fea como hecha a disgusto, como pegarle-a-un-padre, como los trajes del Macson.

Y eso es lo que nos putea más; que ya que pones a cuatro patas a una multitud y la sodomizas mientras le haces tragar doblada una historia sin pies ni cabeza, al menos proporcionale a éste cuento un envoltorio bonito. Que no cuesta nada. Que estamos en la era del packaging. Aunque sepas que funcionará de cualquiera de las maneras, aunque nadie reclame. No cuesta nada poner cariño a las cosas-ideologías-brainwashings. Falta cariño en las banderas. Y por ahí no pasamos. Y de ello vaTIRANAS BANDERAS II, de cómo la falta de cariño no se debería dejar pasar nunca.

FICHA ARTÍSTICA
Una pieza de L△ST
En escena: Gaia Bautista, Ignasi Guasch y Alberto Román.
Asesoramiento artístico: Santiago Sierra
Audiovisuales: Marina Siero
Una producción de la Nau Ivanow y L△ST
Agradecimientos: Jordi Fondevila, Eugenio Merino, Hermanas Picohueso, Jordi Rabascall, David, Fernando, Aina y Laia.
Pieza ganadora de la Beca DespertaLab 2020.
Con el apoyo del Institut Ramon Llull y el Ministerio de Cultura y Deportes.

Del 17 al 21 de diciembre 

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Nuevo río para el Sâlmon.

Este Sâlmon nace impulsado por una estructura que preserva su existencia, un ecosistema conformado por espacios que mantienen constante el pulso para las artes vivas en Barcelona: el Antic Teatre, La Caldera, Graner y La Poderosa, y por un equipo de artistas y generadoras de contextos que llevan décadas agitando la escena: Sofia Asencio, Bea Fernández, Iñaki Álvarez y Ariadna Rodríguez, curadoras que con Dianelis Diéguez en la mediación sostendrán las ediciones de 2021 y 2022. Renovado el río, esta estructura u organismo tentacular que opera por afectaciones mutuas comienza una nueva etapa.

El festival Sâlmon 21 propone así un pacto de contingencia, la apertura de un marco que permita a las artes vivas mantener prendido lo único que las diferencia de otras corrientes escénicas, el compromiso sin límites con la experimentación. Públicos y creadoras podrán volver a jugársela en un plano secuencia salvaje donde hibridar lenguajes dentro y fuera de campo, una gran máquina performativa o nuevo lugar para mirar paisajes insospechados, como la época que estamos viviendo, la cual nos exige imaginar otras clases de agencias y modos de hacer.

Este Sâlmon no termina su recorrido aquí, ya que el río mantendrá vivo su caudal, haciendo un crossfade o transición en forma de encuentros a lo largo de 2021 con la edición de 2022 a partir de espacios de conversación y muestra pública del trabajo que realicen previamente creadoras en residencia, profundizando así en la construcción de contextos más próximos entre ciudad y creación.

En diálogo con todas las partes que lo conforman, el nuevo festival Sâlmon tiene la ocasión para hacer de todo el año primavera, una fiesta ininterrumpida, la excepción más necesaria para Barcelona hoy.

Fernando Gandasegui

Bárbara Sánchez encarna la figura de La Gran Amante. Como en toda práctica mística, el objetivo aquí es la unión, la disolución definitiva de la distancia. No queda espacio ya para la ironía, el sarcasmo y lo autorreferencial. María Magdalena es capaz de vaciarse para encarnar al Amado, capaz de destrozar cualquier institución patriarcal para afirmar su Amor Infinito. Ella habla directamente con su Dueño, elegido libremente. No hay ni distancias ni intermediarios que valgan. Frente a la imposición capitalista de un modelo de mujer blanca y privilegiada que se puede permitir dedicar sus esfuerzos a observarse a sí misma, ella lleva a cabo un desalojo radical, una bajada consciente y deseada a los escombros del mundo, a ese lugar desde donde reina su Cristo.

Bárbara Sánchez es coreógrafa, bailarina y actriz. Nace y vive en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla, ampliando su formación por distintos lugares europeos con maestros y coreógrafos tales como Philippe Gaulier, Enrique Pardo, Germana Civera, Julyen Hamillton o Ivo Dimchev. Como bailarina, ha formado parte de las compañías andaluzas Manuela Nogales, La Tarasca o La Cuadra de Sevilla. Ha creado las obras A la vuelta de la esquina (2003); El jardín de atrás (2005); Plutón no es un planeta (2008); Gala Fantoche (2010), creada junto a Roberto Martínez; Ahuyéntanos este furor (2011); La satisfacción del capricho (2013); Electrohumor (2016), creada junto a Jaime Conde-Salazar; Somewhat paler (2016); y Várvara (2019). Ha trabajado también con otros artistas como Abraham Hurtado (Ignición), Societat Doctor Alonso (El desenterrador) o Meg Stuart (Atelier III).

Fet en València, llum de Barcelona, de Paula García-Masedo

Centre Cívic Sant Andreu – Del 09.09.20 al 07.10.20

Un Jeep de color verd aparcat al costat d’un camp de cebes.

                                                                Verd – verd.

Verd Jeep

Verd ceba

Verd carxofa

Verd arròs. Verd col. Verd palmera, palera, morera.

Verdes branques.                                Meadow Green.

Figuera verda.                            Spanish Olive Green.

Jonc verd, aigua verda,                          Aquamarine.

Verd=ceba. Ceba=carxofa=arròs=col=palmera=palera=morera=figuera.

En comptes d’inventar-se termes de color per a anomenar el que és «verd»,

els van robar a les coses:

Menta XSC2737

Maragda

Jade XSC2240

Pistatxo

Molsa

Poma 6HTE.

Al llibre hi havia una foto de l’horta a doble pàgina. Es veia una alqueria al fons i un grup d’ovelles. La llegenda deia: «El solar d’Almussafes abans de l’inici del procés constructiu: alguns tarongers però bàsicament cebes i carxofes.»

Enmarcada en un proyecto que investiga la laca de coche en el Estado español, esta exposición presenta dos conjuntos de piezas desde las que leer las pinturas industriales producidas en las fábricas de automóviles de Ford, en Valencia, y Seat, en Barcelona.

La llegada de Ford al Estado español en 1973 se vio favorecida por el gobierno franquista mediante concesiones legales como los decretos de liberalización del automóvil; económicas, como beneficios en la ubicación y compra de terrenos; y simbólicas, como la elevación de la autopista para mejorar la vista del logotipo oval. La mitad de las piezas de la exposición miran al territorio que rodea a la Ford, una laguna natural rodeada de campos de arroz. Plantean cómo el diseño industrial transmite la sensación de “armonía con lo natural” a través del simulacro. En el libro que publicó en los años 70 la empresa estadounidense contando la implantación de la fábrica en Valencia aparece una foto a doble página cuya leyenda dice: «El solar de Almusafes antes del inicio del proceso constructivo: algunos naranjos pero básicamente cebollas y alcachofas». En la exposición, listas de nombres de colores diseñados por Ford para sus coches que aluden al cielo (Nube, Plata Astral, etc.) y a lo vegetal (Verde Manzana, Verde Menta, Verde Bosque, etc.) se colocan al lado de su imagen, aletas procedentes de automóviles producidos en la fábrica. Junto a ellas se disponen unas pinturas con forma de crayolas. Las negras están fabricadas con hollín, negro de humo y ceras naturales. Se colocan en cajas de cartón, una de ellas pintada con pintura de patata y tiza, un producto habitual en el contexto rural e inventado en Estados Unidos por la misma empresa que inventó el procedimiento industrial para hacer pigmento negro a partir de la quema de petróleo. Otras crayolas se fabrican con pigmentos vegetales y tierra. Una caja donde se lee “Greening” contiene decenas de acuarelas sobre papel elaboradas con estos mismos pigmentos.

Es tracta d’aconseguir més flop a través de l’alumini i la mica. La pintura ajudarà a construir el 3D, l’escultura, la forma del cotxe. Flip – flop. El flip és el clar, la llum clara. El flop és la llum negativa. Fa unes dècades, el dissolvent permetia afegir molta quantitat d’alumini a la mescla. Les partícules d’alumini generaven gran quantitat de reflexos i efectes. Ara, amb mescles de base aigua, per a aconseguir profunditat es crea una capa especial, una tercera capa, amb partícules, col·locada entre la primera de pintura i l’última de vernís. Desire Red. Els colors que s’inventen s’arxiven mitjançant unes mostres, que són de xapa i tenen un codi darrere que permet a qualsevol pintor de refinish en el món reproduir-lo en el seu taller. A Seat, els codis comencen per una L de laqueum, ‘pintura’ en alemany, i tres lletres o dues lletres i un número. A més, es dona un nom a cada color, un nom pensat per a transmetre el que aquest color és. Cada color vol construir una emoció, un concepte, una idea. El vermell és el color de Seat.

La otra mitad de la exposición se acerca a colores producidos por la Seat. El grupo alemán Volkswagen compró la marca española en 1984. Esta adquisición ejemplificó la transición de tipo económico que se dio en paralelo a la transición política en el Estado español. Las piezas reúnen colores diseñados en Barcelona desde los años 80. Un conjunto de piezas rojas trazan la evolución de los rojos. Un “Azul Atlántico”, que se pinta sobre coches Volkswagen, y otra “Azul Mediterráneo”, color de coches como el Seat Ibiza, se presentan juntos, haciendo legible cómo una de las marcas, la española, no es posible sin la otra, la alemana, en el contexto del capitalismo tardío. En estos nombres, Mediterráneo y Atlántico, queda también encapsulada la idea de Europa, así como también mucha de la identidad de cada uno de los pueblos que vuelca a estos mares. Los colores y sus nombres muestran cómo el capitalismo global busca crear vínculos emocionales con sus productos. Así lo hace el “Amarillo Crono”, habitual en la década de los 2000 en coches asociados a la subcultura del tuning, que se opone en otra pieza a un oro rosa metalizado que recuerda a los colores de los dispositivos móviles, dos colores opuestos en cuanto al concepción de la alta gama y la ficción del género.

Fotografías de David Zarzoso.

Agradecimientos a Paula Noya de Blas, Carles Àngel Saurí, Miguel Pérez Sancho, A.J. Paint, Recurval.

Esta exposición es ha sido producida gracias al Premi Miquel Casablancas 2019.

Paula García-Masedo (Madrid, 1984) es una artista radicada en Valencia. Estudió Arquitectura en Madrid y en 2018, el Programa de Estudios Independientes del MACBA en Barcelona. Ha publicado dos libros con Caniche editorial y codirige el espacio independiente Pols, en Valencia.

La Tristura

Del 1 al 12 de julio en Teatros del Canal

«Nos queremos volver a despertar mañana. Es un deseo humano, íntimo y político para el que necesitamos herramientas y esfuerzo, pero también ternura y deseo». Marina Garcés.

Desde hace unos años hemos ido trabajando en teatros más grandes, en mejores condiciones, y hemos podido contar con un equipo de trabajadores, de técnicos, con los que desarrollar montajes más complejos. Observamos todo ese proceso, que tan solo dura unas horas, como un rito de paso. Un camino que comienza en la nada, en el escenario vacío, y se va desplegando hasta el momento final, cuando todo está dispuesto para que entre el público. Esta marcha entre luces, maquinaria y construcción del espacio, nos parece casi un recorrido místico. Siempre hemos pensado que en ese viaje se escondía una pieza escénica en la que algún día tendríamos que investigar. El momento es ahora.

Al mismo tiempo, Renacimiento se dibuja a partir de momentos icónicos de nuestra breve historia democrática. La pieza trata de comprender la naturaleza de los grupos y de las comunidades y cómo nos unimos en relación a objetivos en común. Nos concentraremos en un pequeño grupo de operarios que nos conducen por esta obra, con el deseo de simplemente llegar a conocerles, con la intuición de que la intimidad y la poesía son, esencialmente, conceptos políticos.

El teatro es el lugar en el que la sociedad se enfrenta a sí misma, a sus propias heridas y oscuridades. Y, al mismo tiempo, es un espacio de celebración, un extraño oasis donde todavía es posible el encuentro humano, real y tangible, donde sentir que no estás solo en el mundo. Siempre nos hemos sentido apelados por esta dualidad. Por eso, frente al recuperado concepto de «Reconquista», traemos aquí el de «Renacimiento», que, de una manera inocente e incluso naíf, nos recuerda que seguramente nos querremos volver a despertar mañana. Y que, hayamos llegado como hayamos llegado hasta aquí, la vida empieza, de nuevo e imparablemente, ahora mismo.

La tristura, invierno 2020.

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5 y 6 de marzo en Teatros del Canal

A Jan Martens (Bélgica, 1984) le gusta decir que su creación Rule of Three es una colección de pequeñas historias escritas desde el cuerpo, la música, la iluminación, el vestuario y los textos, edificado todo a partir de contrastes: la quietud y la explosión, la precisión y la intuición, el corazón y la razón. Es la primera vez que el joven creador belga trabaja con un músico en directo. Sintió esta necesidad y creó alianza con el percusionista norteamericano Nah, que ha mezclado para él percusiones en directo con sonoridades programadas, samples manipulados y sonidos encontrados, que mantienen un diálogo con los tres bailarines de esta producción que no ha parado de girar desde su estreno en septiembre de 2017, en deSingel Amberes.

La fascinación de Martens por las creaciones de Nah viene de la coincidencia emocional de su trabajo con el del percusionista, hasta el punto de asegurar que si él fuese músico, seguramente sus composiciones sonarían como las del norteamericano, que se nutre de tendencias tan variadas como metal, noise, industrial minimalist y punk, con influencias de artista tan diversos como Steve Reich, Slayer o la música industrial de Einstürzende Neubauten. «De todas mis propuestas, Rule of Three es la única que te invitará a bailar», asegura el coreógrafo, que define su pieza a medio camino entre una coreografía y un concierto. Lo que sí permanece constante es la necesidad de la repetición, un gesto de herencia minimalista que ha estado presente en toda la obra de Martens desde que, en 2006, terminó sus estudios de danza en el Conservatorio de Amberes. El precepto de que «cada cuerpo puede comunicar y cada uno tiene algo que decir» ha guiado y orientado su trayectoria en la que destacan creaciones A Small Guide On How to Treat Your Lifetime Companion, que fue seleccionado para el proyecto joven europeo Aerowaves 2012 o The Dogs Days Are Over (2014).

Bárbara Bañuelos

22 de febrero a las 20.30 en el Teatro de la Abadía

Un cuerpo atravesando una experiencia.
Y la narración en formato escénico de esa experiencia.
A partir de un punto de partida: el descubrimiento de un secreto familiar y la necesidad de reconstrucción de la historia de mi abuela paterna.
Un proyecto de Investigación personal y social.
Una reflexión sobre el cuerpo y el sufrimiento mental. (Cuerpo físico, mental, social, sanitario, afectivo, político,etc…)
Y cómo estos cuerpos y estas voces con sufrimiento mental se encuentran con una sociedad que estigmatiza otras realidades, otras formas de estar en el mundo.
Una experiencia individual y subjetiva, que en el acto de compartirla se convierte en social.

Esta pieza ha sido mostrada en distintos espacios y festivales de artes vivas: Festival BAD, La Fundición, Festival Sâlmon, Mercat de les Flors, Festival IDEM, La Casa Encendida, Museo Arte Contemporáneo ARTIUM, Teatro L`Artesà.

Web: https://cargocollective.com/barbarabanuelos

Mas sobre la pieza: https://cargocollective.com/barbarabanuelos/Mi-padre-no-era-un-famoso-escritor-ruso-_-2018

+ info y entradas

Vicente Colomar

17 al 19 de octubre en Teatro Pradillo

El proyecto Black Noise comienza dentro del programa Research Studios en P.A.R.T.S., Bruselas, en colaboración con el Máster en experimental music MANANA, Contemporary Music of School of Arts, Ghent.
Esta investigación ha sido acogida y presentada en diferentes instituciones y contextos. Ha sido producida como pieza e instalación por Naves Matadero Centro Internacional de Artes Vivas con la colaboración del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Para esta temporada en el Teatro Pradillo queremos rescatar la versión estudio que se presentó en In-prescindibles 2016 en La Poderosa Barcelona.
B N es una experiencia sobre la forma.  B N pone en marcha un dispositivo que produce formas que recortan objetos de significado en la mirada del espectador. Pero estos objetos nunca llegan a construirse del todo, no son reales. Casi parecen vivir por un instante en la mente del espectador, pero enseguida se disuelven y desaparecen, porque no quieren decir nada, no significan nada. En B N las formas huyen de los significados abandonándolos en el último momento, dejándolos inconclusos, amorfos. Por eso en B N de las imágenes sólo vemos sus espectros., como las nubes en el cielo carecen de sentido, ocurren sólo en la experiencia de los cuerpos.

Coreografía: El Manisero/Vicente Colomar
Creación y performance: Talia de Vries, Ricardo Santana y El Manisero
Con la colaboración de Oscar Villegas
Con la ayuda de la “Beca Integral para la Ampliación de Estudios Internacionales en Coreografía de la Fundación SGAE 2016”, IBERESCENA y Departures and Arrivals (DNA)